Se podría engordar con tinta dos buenos folios de Din A5 escribiendo sobre la rivalidad que han mantenido David Milch y Michael Mann en la ejecución de Luck. Una lucha de egos para intentar imponer cada uno su propio sello sobre la nueva carta de la HBO, la cual llega por fin con la premiere este domingo en los EEUU, y cuyo piloto ya pudimos ver filtrado hace unas semanas.

Visto este primer aperitivo es igual de difícil entusiasmarse con lo ofrecido como de determinar cuál de las dos pezuñas se ha hecho notar más. Quizás el talento visual de Michael Mann reluzca más que el literario de Milch por haber firmado esas virguerías técnicas con las que nos obsequia cada vez que presenciamos una carrera en el hipódromo. Sin embargo Milch no va a quedarse rezagado, porque Chester Bernstein, el temible mafioso salido del trullo que interpreta Dustin Hoffman, tiene papeletas para igualar a Al Swearengen, el personaje por el que Milch obtuvo un pasaporte directo para permanecer en el panteón de los creadores de series.

A fin de cuentas, toda esta rivalidad de visiones, estilos y egos, poco importa ahora, y mucho menos en el piloto. La primera toma de contacto con la nueva propuesta de la cadena por cable sigue la línea de las grandes producciones de la casa. Presentación de gran cantidad de personajes, abertura de las primeras tramas y subtramas, y todo bien cocido a fuego lento. Aquí no encontraréis un chute intravenoso a la primera ocasión, pero como suele ocurrir con el “It’s not TV, it’s HBO“, puede que a la larga la satisfacción sea mayor.

Y a todo esto, ¿de qué trata Luck? Es una mirada incisiva al submundo de las carreras, a las apuestas que aglutina, a los vínculos mafiosos, y narrado a través de un punto de vista coral configurado por personajes de distinto pelaje y rango (y por lo tanto humanidad), que dan cancha a un plantel actoral de los que quitan el reuma y provocan separaciones conyugales: Dustin Hoffman eclipsando desde el minuto uno, Nick Nolte poniendo clase y talento con esa voz trabajada a base de litros de bourbon, y además Denis Farina, Ian Hart, Kevin Dunn, Michael Gambon. Como ya he advertido, Chester Bernstein se erige como el protagonista en su búsqueda de venganza, y con el que Dustin Hoffman pretende destruir para siempre esa imagen friendly y graciosa que teníamos asociada con él.

Es muy pronto para sacar conclusiones. El piloto te deja insatisfecho, se aprecian líneas narrativas interesantes, se ve un formidable trabajo técnico y personajes con derecho a permanecer en nuestro disco duro, pero esto es un tibio principio, algo rocoso (hay mucha jerga de las apuestas de caballo que dificulta atender al 100% los diálogos), de lo que tendrá que llegar en los próximos ocho capítulos, y si hacemos caso al avance con el que concluye el primer episodio, será algo grande y satisfactorio, algo como mezclar las jornadas ruinosas de Bukowski con la fascinación oscura fr los gangsters dibujados por Scorsese. Pero todo esto, los de poca paciencia, puede que ni lo lleguen a descubrir. Yo sin  embargo… apuesto por este caballo

Si te quedan dudas si mirar o no esta serie, solo tienes que apretar el play de estos brutales títulos de crédito bañados por “Splitting the Atom” de Massive Attack.

Os hablé de este producto televisivo con motivo de las mejores serie del año pasado, pero no es hasta hoy que le presto la debida reverencia a una de las sensaciones de las últimas semanas, comidilla en los pasillos de Downing Street, y breve fenómeno de pseudo culto hasta que la fulminante propagación por redes sociales y blogosfera la han convertido en un pseudo fenómeno televisivo.

Vayamos antes por los antecedentes. Black Mirror es una miniserie de Channel 4 ideada por Charlie Brooker, un tipo con unas reservas de acidez, ingenio y mala leche considerables. A mucho os sonará por haber vertido parte de ellas en la estupenda Dead Set. Su nueva apuesta se divide en tres episodios independientes y con un concepto vertebrador: las nuevas tecnologías. Como suele ocurrir en estos casos, el resultado es desigual en cada historia, pero con un mensaje desalentador y crítico potente en cada una de ellas.

Al igua que en Dead Set Brooker se convierte en un apóstol de la parábola sociológica, desde donde lanza sus puyas venenosas contra todo lo que este crítico, columnista y guionista odia. Si en la serie de E4 lo envolvía bajo capas de terror y humor negro aquí opta por la ciencia-ficción, la fantasía y el drama político.

A diferencia de la gran mayoría, mi orden de preferencia no corresponde al orden de los capítulos. El primero “The National Anthem Brooker” se desmelena con fuerza al proponer un chantaje de estado que afecta la vida de un miembro de la familia real inglesa, cuya total responsabilidad recae en el primer ministro y su decisión de doblegarse o no a las condiciones macabras, y de caracter zoofílico, que exige el secuestrado (en nuestro país esta premisa no podría funcionar, todos echaríamos a Urdangarin a los cerdos). Este salvaje y disparatado argumento le sirve para articular un interesante ataque hacía las esferas políticas, la influencia de las redes sociales como altavoz de la voluntad del pueblo y el papel que juega la prensa ante un hecho de estas características.

Pese a su atrevido punto de partida, The National Anthem se diluye a si misma por esto mismo: resulta complicado entrar en una historia cuyo planteamiento inicial es inverosímil y excesivo. El principal problema reside en la decisión de ubicar la historia en nuestros días (en nuestra realidad), en un contexto demasiado cercano e identificable, en lugar de dar entrada a un marco más fantasioso (tal y como ocurre en las otras historias) Pese a que durante su transcurso afloran ideas interesante y reflexiones acertadas de nuestros hábitos modernos, The National Anthem se intenta aguantar con un guión sostenido sobre demasiadas patas débiles. ¿Cuándo un miembro principal del gobierno se doblega ante las exigencias terroristas, y más cuando resultan de esa naturaleza? ¿Desde cuándo los servicios de inteligencia de toda Inglaterra no pueden identificar una puta IP por muy encriptada que esté? ¿Hacía falta meter un primer ministro tan odioso y orangután? ¿por qué ese último giro de explicar todo el embrollo como una locura artística y lanzar de paso un dardo más en el tiempo añadido? Como digo todo queda plasmado de forma muy extrema, una trama muy difícil de digerir dentro de un entorno real como el que han recreado.

Un papeleta que resuelve con brillantez, absorbiendo un montón de ideas de los clásicos de la sci-fi, en “15 million merrits”. Su premisa nos sitúa en un futuro distópico donde la gente vive alienada y divididas en capas sociales (otro reflejo contemporáneo del espejo negro) Una de las formas de ascender es presentándose a una especie de X Factor, pero para hacerlo hay que ganar mucho dinero, que para los protagonistas de la historia implica muchas horas pedaleando una bici estática bajo el influjo incesante de publicidad y telebasura, y viviendo en un cubo cerrado. Bajo este marco la historia focaliza su atención en la historia de amor imposible que nace entre el protagonista y una joven chica.

“15 million merrits” presenta un universo futurista construido con vigas orwellianas y con La Isla y Un mundo felix de Aldous Huxley como principales referencias. Amasa todos estos ingredientes, los impulsa con una estética minimalista pero efectiva, y logra construir una sátira punzante sobre la telerealidad y nuestra sociedad. El discurso se propaga de forma poco sutil, y el tono a veces resulta también excesivo, pero la idea, la forma de llevarla a cabo, y los mil detalles que afloran, hacen que la considere la mejor de todo el conjunto.

La trilogía concluye con “The Entire history of you”, una reflexión sobre la deshumanización provocada por la tecnología. Discurso que lanza a partir de un relato que podría haber firmado perfectamente Philip K. Dick pero bajo el ropaje del drama amoroso, en concreto…. las dudas, los celos y la desconfianza que surgen en una pareja tras una cena de viejos amigos.

A priori puede parecer el más insustancial de lo tres, pero hay una alta carga de interés expuesto a lo largo de sus 42 minutos. No solo a nivel de argumento, también por continente, temática y detalles que traslucen bajo la superficie. Sobre la superficie es una crítica a las tecnologías y a cómo absorben nuestros hábitos, pero bajo ella también hay una mirada agria a la melancolía, a la tendencia a vivir de las emociones del pasado a las que nos lleva (ría) una sociedad cada vez más gris, aséptica y artificial.

Black Mirror es otra buena lección de este francotirador de la televisión británica, que con ingenio, brillo y ardor lanza sus enmascaradas críticas a nuestro tiempo. Lo consiguió con mejores resultados en Dead Set, pero en alguno de los capítulos de ésta se acerca. Lo que quizás no preveía el Sr. Broker es que su propio producto se acabaría beneficiándose, reproduciéndose y expandiéndose con tanta celeridad, justo por los mismos canales contra los que carga.

Podría empezar esta entrada de las mejores series del 2011 soltando una ristra de idioteces al estilo: no soy partidario de este tipo de listas porque no me gusta hacer encaje de bolillos con algo tan subjetivo, porque te dejas a unas que merecerían estar, te olvidas de otras que también, porque el orden es más variable que los estados de ánimo de uno, porque no queda satisfecho ni uno mismo, y además produces polémica y disconformidad con el lector. Bla, bla, blablablba. Pues no. No voy a decirlo. Porque hacer esta lista me motiva más que ningún otro post (bueno quizás los de David Simon), porque resumir toda cosecha seriefila de un año en cuatro líneas es al fin y al cabo lo que nos llevaremos a la tumba con suerte, si nuestra memoria es vasta y el alzheimer no anda desmontando el chiringuito antes de hora. Así que dejarme disfrutar con esta lista y disponeros a expresar vuestra disconformidad con ella.

Antes de entrar al trapo, tampoco voy a caer en el topicazo de la extrema dificultad que me ha llevado escoger estas 8 series que han entrado en la criba, ni mucho, menos… no ha sido así de entrada porque la cosecha anual del 2011 no es comparable con la del 2010. Las duras negociaciones de Weiner con los directivos de AMC han provocado que esta temporada no hubiera season de Mad Men, esto ya de entrada ha servido para disfrutar de una delicatessen menos y para despejar el camino hacía el trono a la otra joya del canal, pese a no regalarnos su mejor temporada (por mucho que todos piensen lo contrario) Sobre las nuevas propuestas, y salvando Game of Thrones, el gato al agua se lo ha llevado, y de calle, las producciones inglesas, que como a continuación veréis se reparten el pastel en igualdad de condiciones que con las todopoderosas series yanquis. Como cada año han habido decepciones (la de The Walking Dead está siendo mayúscula), cancelaciones y series que surfean la cancelación desde la propia línea del abismo. De las decepciones los grandes canales de los EEUU saben y mucho. Si el año pasado fue la intentona de cubrir el vacío en nuestros corazones tras la marcha de Lost, este año han querido apuntarse al carro de las retroseries en la estela Mad Men con producciones irregulares o canceladas directamente.

En general ha sido un buen año, donde los tótem dramáticos y cómicos siguen siendo los mismos (y entre ellos anda el juego de los Grammy), y donde se ha destapado la clase inglesa por cascarse mini series de cuerpo y talento.

8. American Horror Story (FOX)

Ryan Murphy y terror es una ecuación que ya se formalizó en Glee, pero American Horror Story calza un pie distinto, y en ocasiones hasta da miedo, miedo de terror o miedo de pastiche, alguna cosa da. La nueva serie de Fox es un desacomplejado patchwork de referencias que van desde El resplandor a Scream, donde se mezcla sin pudor, y a ritmo acelerado, sangre, sexo, casa encantada y personajes estrafalarios. Sin terminar su primera temporada, hay que decir a su favor que la extraña mezcla resulta muy apetecible pese a que sus tramas, sus giros y personajes bordeen siempre lo excesivo y la sobrealimentación (¿pueden pasar más cosas en un piloto?). El olor a Stephen King, el terror chusquero, la banda sonora de Bernard Hermann (con o sin copyright), el toque Tigretón a lo Almodóvar, los geniales títulos de crédito, y sobre todo volver a ver a Jessica Lange, son razones más que de sobras para que la serie entre en este top, a pesar de que de aquí un año me pueda avergonzar de la decisión. Ahora mismo es todo un gozoso guilty pleasure.

7. Carlos

Esta ambiciosa mini serie de Canal + Francia sobre Ilich Ramírez “Carlos”, el famoso terrorista que puso en jaque las naciones del bloque occidental durante un par de décadas, entra con derecho propio en lo mejor del año, pese a ser hija del 2010 (ahora la acaba de editar Cameo en DVD) y así como su versión cinematográfica (reducida a las dos horas y media) podría haberlo hecho en las mejores películas del año. Olivier Assayas dibuja una anomalía en el parque audiovisual europeo con una producción televisiva concebida como una mega película de 330 minutos. Recorrido suficiente para indagar con profundidad, rigor, garra y realismo en la apasionante vida de este histórico personaje que interpreta con precisión Edgar Ramírez.

6. Juego de tronos (HBO)

El invierno llegó y lo hizo a lo grande, como ya no se recuerda por aquí. La nueva mega producción de la HBO dejó más que satisfecho a los fieles de George R. Martin, y tocados y sorprendidos a los aventurados que nos adentramos sin pistas. Su primera temporada nos ha servido generosas jarras rebosantes de épica, honor, traición (y de la seria), sangre y coitos. Para ser la primera toma de contacto no podíamos esperar más, pero hay que ser consciente de que esto es un convite inaugural, que la tralla salvaje y descomunal que tiene a millones de lectores depositando velas a la virgen de Guadalupe para que Martin pueda terminar su obra maestra, está por llegar. Y lo que es más importante, que la HBO debe plegarse ante su filosofía y aguantar la serie por muchos devaneos que dé la audiencia, y entonces, si todo esto se cumple, en lugar de ocupar la sexta plaza es probable que se encarame al primer puesto, cuando además los dos boletos ganadores de la AMC hayan desaparecido de las parillas.

5. Black Mirror (Channel 4)

En las últimas semanas ha sido la comidilla en Twitter y reuniones de la Academia de las Letras Españolas. Su nombre es Black Mirror y viene firmada por Charlie Brooker, el brillante crápula que vertió toda su bilis infecciosa sobre los reality en la genial Dead Set. Ahora regresa con las reservas de bilis hasta los topes para verter su mala leche ácida, algo amarga también, hacía diferentes estamentos, y sobre todo, con las nuevas tecnologías como hilo conductor de estas tres historias que componen esta mini serie de tres capítulos. Sus dardos afilados cargan contra la política, la telebasura (ahora pillan programas tipo Operación triunfo), las redes sociales, Internet y la tecnología deshumanizada que nos envuelve. Cada historia es independiente, y al contrario de la opinión de la mayoría, empieza por la más floja, sigue por la más excepcional y mantiene buen pulso con la última. A pesar de que el nivel no es estable, si no hablaríamos de un genio, se sonsacan ideas más brillantes y lúcidas con ciertos detalles con los que amuebla sus universos que en toda una temporada de alguna serie con millones de audiencia de las majors estadounidenses o que en toda la vida de alguno de sus directivos. Con Black Mirror, Brooker vuelve a dar muestras vitales, y geniales, de su lucidez crítica y negra sobre nuestra realidad.

4. This is England 86/88 (Channel 4)

El díptico naturalista sobre la clase obrera en pleno Tatchersimo que nos ha brindado Shane Meadows desde que se adentrará con la película This is England resulta una delicia visual y sonora para los televidentes con los sentidos agudizados. El año pasado fue This is England 86 (Channel 4) donde recorríamos los relatos claroscuros de esta gang de amigos (cada vez más familiar) con el Mundial de fútbol como ruido de fondo y con un final sobrecogedor. Este mismo año Meadows recuperaba sus personajes en This is England 88 donde la pandilla está fracturada por los importantes sucesos en los que se han visto envueltos sus miembros principales. Todo cubierto por un halo de existencialismo trágico, propio del retrato de clase obrera que han mascullado Ken Loach y Mike Leigh, y revestido por un olfato tremendo de su director por la fotografía realista, la realización con criterio y sentido, el encuadre cinematográfico y la música, esa música, que nos transporta directamente a los escenarios lumpen, nos describe sus personajes, y nos sumerge en el ambiente obrero de esos crudos años gobernados con mano de hierro.

3. The Shadow Line (BBC)

La BBC nos brindó uno de los productos de ficción más estimulantes, brillantes, atrevidos e inquietantes del año. The Shadow Line indagaba en el cine negro más hosco, crudo e irrespirable para presentarnos una complicada trama de corrupción que salpica por igual al bando criminal como al policial. Deslumbró por el talentoso dibujo de personajes, por recrear escenarios grises y por dejarte a tu suerte en atmósferas densas y peligrosas. Es una serie que requiere paciencia, que hay que degustar apreciando todas sus aristas y matices (de las que está plegada), y con la que llevarse a algunos de sus personajes antológicos hasta la tumba, como el temible Gatehouse que interpreta Stehen Rea. Nunca habíamos visto el submundo de Londres tan arisco e intransitable (con el permiso de Croneberg), hacía mucho que no veíamos un tratamiento de personajes y subtramas tan contundente y maduro, pese a que hacía el final se rizara el rizo en exceso. The Shadow Line ha ofrecido los mejores fogonazos noir del año, con el permiso de los más estilizados que ofreció Drive.

2. Mildred Pierce (HBO)

Flanco favor haríamos a este producto de la HBO si a estas alturas empezáramos a discernir sus bondades equiparándolas con el séptimo arte. Basta decir al respecto, que si la Academia de cine norteamericano fuera un tribunal de justicia y no una casa de putas, esta mini serie debería llevarse tres estatuillas: Mejor actriz (Kate Winslet), mejor dirección artística y mejor actriz secundaria (Evan Rachel Wood). Todo en este melodrama de claro deje Sirkiano, y moldeado partiendo de una novela de James M. Cain, transmite elegancia, emoción y brillantez. Todo esta empaquetado con tacto, delicadeza y sentido. Todd Haynes inyecta exquisitez a todos los planos de esta historia de una mujer enfrentada con todo tipo de adversidades: personales, amorosas y con la misma Gran depresión. Si con ella no sentís amor por el melodrama de corte clásico, y no odiáis a la arpía de la hija, es que vuestro corazón dejó de latir con las campanadas presentadas por la Pantoja.

1. Breaking Bad (AMC)

A estas alturas no escatimaré ni un segundo de mi limitada vida en enumerar las virtudes de la que lleva tiempo ganándose el derecho de ser considerada… la serie. Vince Gilligan y sus guionistas fabricantes de amfetamina televisiva han seguido avasallando nuestras neuronas con su explosiva dosis de drama, acción, violencia, desenfreno, todo de color muy negro. Su cuarta temporada no es para este demente la cima artística de la serie, la tercera estuvo más cerca de conseguirlo (y mi propósito del próximo año es que lo sea la quinta), pero en este imparable, alocado, intenso y trepidante tiovivo en el que nos hemos subido, y repito pese a los altibajos, ha dejado momentos y capítulos para la memoria, no ya la personal, si no para el Hall of fame televisivo, que cuando lo abran estará repleto de los caretos de Bryan Cranston y Aaron Paul. Como por ejemplo el tremendo final con el que descolocaron a todos (sin excepeción) las mandíbulas, haciendo más mella en los rostros desencajados que consiguieron tras el espectacular Crawl Space, y todo sin necesidad de piruetas narrativas forzadas, sin meter a presión sus brutales giros. Como solo seria capaz de arremeternos… la puta serie del momento.

A veces uno tiene suficiente con el primer minuto para saber que debe amarrarse a ello como si le fuera la vida. Me ha pasado recientemente con la oscura y lynchiana primera secuencia de The Shadow Line, correspondida por unos títulos de crédito escuetos, sencillos y con una música extremadamente inquietante, y majestuosa (como los propios títulos), que te acompañan para el resto de 7 capítulos que componen esta mini serie inglesa.

Al final el resultado no ha sido tan imborrable como el primer viaje con los amigos y sin padres o esa virginidad perdida rapidamente y de forma incómoda en los asientos traseros de un coche, pero eso no quita, que este producto de la BBC se encuentre, como algunos han apuntado, entre las grandes revelaciones del año que ayer dejamos atrás.

Su trama estalla ahí donde se recrea esa opresiva, inquietante y magnífica secuencia inicial en la que dos policías descubren el cuerpo inerte de Harvey Wratten, un capo de la droga recién salido de la trena. Con el demoledor diálogo que llevan a cabo los dos policías ya se entonan las notas narrativas y temáticas por las que girará toda esta vibrante historia durante sus siete capítulos: Jonah Gabriel, un agente con un pasado turbio (que no recuerda) por culpa de un tiroteo que terminó con la vida de su compañero y del que salió milagrosamente con vida pese a tener alojada desde entonces una bala en su cabeza (sí, un acentuado rocambolesco para el estereotipo de policía torturado), es la persona encargada de investigar el caso de Wratten. Poco se imagina el honrado policía que con su investigación terminará desenmascarando una sucia y corrupta trama donde mafia y cuerpo policial comparten algunos lazos.

Para que tengáis una idea más preconcebida de los tiros de la serie, imaginaros el retrato del submundo londinense que Cronenberg hacía en Promesas del Este (un poco más suavizado) y sumarle la clásica historia de corruptela policial en plan Asuntos Sucios, películas de Lumet o la reciente serie, y algo flojera, Luther.

La serie incurre en los clásicos devaneos de los thrillers policíacos, presentando una historia que va enredándose a su paso hasta dar paso a esa escena clave (aquí en un bote), que sin venir a propósito uno de los personajes tiene que explicarte todo el embrollo. Es en esa ambición narrativa cuando da espacio a ciertas lagunas narrativas, puntos flacos en su trama, y hasta momentos y situaciones difícilmente creíbles (una de muy descabellada en una cama de hospital).

Poco o importa (o nada) porque el dibujo de los personajes que pueblan The Shadow Line resulta excelso. Empezando por servir uno de los villanos más antológicos de los últimos años. Con Gatehouse, interpretado por el talentoso Stephen Rea, conseguirían poner nervioso hasta al mismísimo Santiago Carrillo. Rea moldea con todos los elementos a su alcance, (por favor que manera que tiene de acojonar al personal con el timbre de su voz, y no es el único), un carácter frío, seco, terriblemente eficaz, intachable, de una sangre fría pasmosa, de una presencia que achantaria hasta las turbinas de un jumbo. Un elemento despiadado que se mueve con naturalidad por las sombras, un reducto sanguinario del Mi6 y los personajes que pueblan la novelas de John Le Carré. Pero es que Gatehouse no transita solo, todos los personajes que pueblan estas capas corruptas y criminales del Londres oculto a los turistas, se empapan de personajes secos, cortantes y despiadados. Produce escalofríos incluso Jay Wratten, una especie de niño pijo a lo Chris Martin, malcarado e insolente pero que hiela la sangre cuando se pone amenazante. En el lado de los honrados tenemos a Chiwetel Ejiofor en el papel del agente Gabriel o Christopher Eccleston en el bando criminal.

Pero hasta todos los secundarios y pequeñas intervenciones insuflan un aire rematadamente oscuro, enigmático e irrespirable de cine noir de fogonazos contundentes. Son personajes de un calado y composición pocas veces vistas en televisión (¿O cuántos casos conocéis en que la dicción de un actor estremezca de terror?).

Otra de las mejores cartas, e inusuales en su formato (a pesar de estar hablando de una serie BBC) es la modelación de atmósferas asfixiantes, de un ardor indigerible. No hay resquicios para el Londres de las postales, ni incluso para el Londres brumoso y gris, aquí predomina el hedor cerrado de los espacios claustrofóbicos, los ambientes abrasivos. Y no lo consigue solo valiéndose del denso aliento que desprenden los personajes que los ocupan, sino por una acertada y dramática fotografía, por una dirección artística ejemplar, y con un uso de los efectos de sonido sobrecogedora. Pensareis pero de qué coño habla este flipado, y razón no os faltará, pero es que es para flipar el mal rollo que consiguen transmitir al insertar pequeños efectos de sonido de origen turbador.

The Shadow Line es otra muestra de la excelente cosecha televisiva que ha despenado Inglaterra durante el 2011 Este oscuro thriller de corrupción, submundo criminal, sobre el honor, la ética, y especialmente, la fina línea que separa los actos loables de los más repudiables a la que alude su propio título, y al que constantemente pone su vida en peligro el agente Gabriel por intentar descubrir quién está a un lado y otro, es un producto tallado con el mayor de los detalles, con una galería de personajes que pasearán durante días por las retinas, en definitiva un producto audiovisual ejemplar.

El mismo personaje que en el último capítulo cierra todos los cabos abiertos, en otra secuencia alerta al agente Jonah de que a veces es mejor mantener la mierda escondida, porque no saber ciertas cosas es lo que te mantiene en vida, con esta idea tan contundente y aplicable a nuestros días, le daría la vuelta del todo, porque esta mierda audiovisual necesita ser aireada y descubierta como por más teleadictos mejor. Juro.

Ver la serie en Filmin

Cogen la deidad de la cocina (AKA Termomix), le ponen los personajes femeninos novelados por Jane Austen, vierten la producción distinguida e impecable de las ficciones televisivas de la Gran Bretaña, más cierto deje de drama de época de las películas de James Ivory y por último le añaden unas pocas gotas de su sucesor Joe Wright, y entonces obtienen un manjar exquisito. Pero este no es del todo nuestro caso de hoy.

Downton Abbey amasa algunos de los ingredientes mencionadas mas arriba pero la massa resultante no es tan excelsa. Esta serie del canal ITV se embute la producción detallista de los dramas de época del país de Pippa Middelton, y le vierte todo el jugo melodramático imaginable hasta dejar Mujercitas en una obra de drama social. Con ello, ha obtenido un resultado más que digno, diríamos sorprendente e inusual, ya que su menú se ha servido incluso en una generalista española como Antena 3.

Ahora aterriza en las bodegas de El Destilador Cultual y a continuación estoy dispuesto a desglosaros todas las grietas que presenta su barrica.

La primera temporada de esta producción arranca justo con la noticia del trágico hundimiento del Titanic, un hecho histórico que enlaza directamente con las vidas de los personajes de este melodrama de época. A partir de entonces recorremos todas las estancias y recovecos de la mansión, donde cohabitan separados los nobles y señores en las partes elevadas de la casa y los lacayos en las partes escondidas. La serie lanza su cámara para descifrar este ecosistema característico de muchas mansiones de la aristocracia inglesa de principios de siglo XX, en la que el rey Jorge V repartía títulos nobiliarios como el que ahora reparte bonos basura.

Como ya hiciera Robert Altman en la notable Gosford Park, Downton Abbey es un drama coral protagonizado por los habitantes de dos mundos unidos en un mismo espacio, pero a la vez, tan separados en privilegios, lujos e inquietudes. Si en Robert Altman había intriga e interrelación entre señores y lacayos, aquí hay más carnaza de telenovela y menos emparejamiento entre las opuestas clases sociales.

Al igual que en la película de referencia, hay una disposición exquisita en la puesta en escena que hace que en muchas ocasiones nos entre todo más por los ojos que por el cerebro. Algo a lo que también interviene las sólidas interpretaciones de sus actores: una Maggie Smith que repite por enésima vez su papel de irritante y maquiavélica (viuda), pero a excepción de otras veces, con un resquicio de buen corazón, pero también encontramos por las pasillos y grandes salones a la bella Elizabet McGovern, Hugh Bonneville, y Penelope Wilton. Y muchas más que ponen su granito de arena para interpretar a los personajes que protagonizan las distintas subtramas de amor, traición, celos, rencor y odio que se desarrollan en todos los habitáculos de la casa.

Es fácil perderse en esta maraña de personajes y tramas, pero también resulta muy complicado no coger simpatía por alguno de sus personajes y conflictos.

Hasta aquí supongo que queda claro que la cubierta es algo más que atractiva, es sólida y brillante, sin embargo de su interior no se puede decir lo mismo por mucho que la gente se abalance rápido hacía las alabanzas sin tesón. La mayoría de personajes estirados y de flema británico que pueblan esta serie son la viva representación de los estereotipos de los drama de época ingleses, con sus manías, sus juicios y sus escalas de valores. Hay poco personajes que se salgan de la norma, quizás Lady Mary y el Sr. Bates son alguno de los personajes que se alejan mínimamente un poco de las líneas convencionales al mostrar una galería de inquietudes e intereses más amplio que la mayoría, de ahí que sean más apetecibles. Pero la gran mayoría se asientan en los campos recorridos y presupuestos para avanzar en un terreno muy pisado, y tufado de aire melodramático, en ocasiones forzado, inverosímil y chirriante (¿de verdad hacía falta meter una muerte repentina?)

En este sentido se encuentra a faltar más valentía y garra para explorar un abanico de emociones más maduras y por salir de la corriente tan marcada por la literatura clásica inglesa. Todo esto está llevado al paroxismo,… casi resulta insultante para la inteligencia la división entre los personajes de pelaje honrado y bondadoso y los de pelaje oscuro y maligno. La pareja de lacayos bastardos que forman estos dos (Thomas y la doncella de la dama) parecen sacados directamente de una película de terror de Jack Clayton.

Pese su liviana exploración de los conflictos en la Inglaterra aristocracia (la injusticia de clases), sus tímidos coqueteos con hechos históricos capitales de principios del siglo pasado (pasa de puntillas por el socialismo y el sufragio universal), y unos personajes más cercanos al estereotipo que hemos creado de ellos que a la realidad (me pregunto que habría tallado de un material así la HBO) Downton Abbey resulta un producto estimable y recomendable. Que mantendrá enganchados a todos aquellos que se instalan delante del televisor con la puntualidad inglesa por bandera para ver esas aberrantes (pero adictivos) culebrones de la televisión pública catalana, pero que a diferencia de éstas, luce con un envoltorio majestuoso. Que coño, es una serie que podríamos ponérsela a Ismail Merchant (si siguiera entre nosotros) y nos sentirnos avergonzados por ello.

La segunda temporada de Downton Abbey empieza a emitirla Antena3 el próximo 16 de diciembre.

Soy bastante obstinado a la hora de negarme a ver ciertas series que ya han cosechado el éxito masivo. En ocasiones, esta decisión repercute en mi contra, mientras que en otras me alegro de seguir con mi virginidad catódica intachable. La que hoy ocupa nuestro domingo de serie había pasado ante mis oídos y ojos por activa y  pasiva, pero ni todo el boca oreja, ni todos los comentarios de mis amigos en Facebook, ni las cuantiosas buenas críticas, ni tener reservado todos los premios de comedia en los globos de oro me empujaban lo suficiente como para presentarle la debida atención a Modern Family.

Ahora (desde hace un mes y medio), una vez vista ya su primera temporada, ya puedo añadir al adjetivo obstinado el sustantivo capullo. Y no es que la conversión hacía una serie tan popular haya sido en un santiamén, ni mucho menos. Porque empecé su primera temporada con recelo, y el tibio inicio de los primeros capítulos no consiguió revertir mi sensación.

Sin embargo al asunto ha ido cuajando a medida que transcurrían los capítulos, y ahora mismo necesito esta serie más que Urdangarín a un buen bufete.

Modern family fue lanzada en 2009 por la ABC, y desde entonces el apartado de comedia en los globos de oro han sido eliminados en las casas de apuestas. Los creadores de la criatura son Stephen Levitan y Christopher Lloyd. Cada uno con un largo historial cómico / televisivo.

Los argumentos que componen sus 24 capítulos giran siempre alrededor de tres familias. Una compuesta por el abuelo y patriarca adinerado (Jay), su joven  y explosiva esposa colombiana, así como el hijo de ésta ultima fruto de una anterior relación. Otra de las familias la configuran Claire, ama de casa e hija de Jay, su marido y sus tres hijos. Y por último la pareja gay (uno de ellos hijo del patriarca) y la hija vietnamita que han adoptado. A partir de aquí se suceden todo tipo de enredos y situaciones hilarantes en los que se ponen patas arriba los propios estereotipos familiares que reflejan. Lo mejor de todo es que viene todo comprimido en fáciles y dinámicas cápsulas de 20 minutos, ideales para tomar antes de acostarse.

La estructura de los capítulos sigue siempre el mismo patrón: desligada del capítulo anterior, cada capitulo empieza con un miembro de la familia contestando a una pregunta a cámara, y a partir de  ahí se desarrollan las idas y venidas de las familias ante un hecho o situación concreta. Hay capítulos en que las diferentes familias se interrelacionan, hay otros en que cada una aparece por separado. Como suele ocurrir hay capítulos insípidos, otros de buenos, y algunos de rematadamente buenos, o incluso instantes geniales como esa secuencia paralela de Cameron cantando el Ave María, y Mitchell en modo explosión de terror, intentado matar a una paloma intrusa (“Family Portrait”).

A nivel estético se elige el tan socorrido estilo documental, con enfoques, ángulos y puntos de vista que pretenden reproducir el lenguaje audiovisual adoptado por el docu drama o el reportaje que sigue el día a día de unas personas (como en The Office vaya).

Sin embargo su gran acierto, la mina con la que sus guionistas son conocedores de tener los bolsillos rebosantes de billetes verdes durante los próximos años, es por la excelente galería de personajes creada. Son personajes carismáticos, entrañables, hilarantes, de los que es extremadamente fácil simpatizar y sentir cariño por ellos, y la mejor prueba, es que incluso la mayoría de los niños son soportables. Pero realmente el jugo cómico florece de personajes como Jay, Phil, Gloria, Claire, Mitchel y Cameron, y los excelentes actores que les dan vida: Ed O’neill, Ty Burrell, Sofia Vergara (te queremos), Julie Bowen (un poco menos, pero tambien), Jesse Tyler Ferguson, Eric Stonestreet.

Pese que hasta aquí todo han sido más o menos alabanzas, también hay que aclarar que el producto no puede desquitarse del buenrollismo y las buenas intenciones que desprende por todos sus poros. Por una parte juega con la ironía latente al mostrar unas familias que se alejan de la tradicional con un cambio de roles en las mismas y con sectores raciales que hace ya tiempo que dejaron de ser marginados por las grandes cadenas norteamericanas,  pero por otro lado, su argumento, sus personajes y su tono no pueden resultar más convencionales, sin que ello repercuta a la hora de rendirse a sus encantos irresistibles, pero un poco de bilis inglesa o algún tipo de maniobra para salirse de los raíles establecidos y previsibles, nunca sienta mal a nadie (es algo que logra Community por ejemplo, sin arrojar mala leche, simplemente desmontando en algunos capítulos los propios mecanismos relojeros con los que triunfa (¿o debería decir triunfaban?).

Ahora que estamos cerca de esas fechas en familia, donde todo estamos tan unidos y compenetrados con los nuestros, para que no se nos atragante los polvorones ni nos suba el colesterol con el cordero, puede que regalarse a sí mismo esta serie (ha salido a la venta en DVD su primera temporada) sea la mejor manera para sobrellevar las Navidades dentro de una familia tradicional, siempre que no se sea muy dado al Cardhu. Yo por mi parte seguiré enlazando mis dosis diarias de Modern Family hasta que me ponga otra vez a la altura de un ser humano.

Siete años fueron los que tuvo que esperar Matthew Weiner para ver cómo la cadena AMC ( la santa casa de la ficción televisiva del momento) se atrevía a apostar por un proyecto centrado en un publicista neoyorquino de los años 60’s. Tras cuatro temporadas y una quinta en desarrollo (con fecha de estreno para marzo del 2012), Mad Men se ha convertido en uno de los productos catódicos más alabados de nuestros días, estandarte de la televisión de autor e impulsora del apego a la década de los 60’s.

A estas alturas ya nadie le tose a su creador, tal y como demostró en las últimas negociaciones mantenidas con el canal de cable y que han terminado por provocar una seria demora en la llegada de la quinta temporada. Y es que Weiner juega con unas cartas de negociación insuperables; su serie logró catapultar a la AMC hacía un estatus de prestigio del que sólo gozaba hasta entonces la HBO, ha creado una galería de personajes que han traspasado los límites del formato 1080i para convertirse en iconos, y además, su melodrama de época estilizado y con mimo por la puesta en escena, ha aflorado una celebración nostálgica de las vestimentas, tics y costumbres de los años 60’s.

Sin su repercusión no se entendería por ejemplo la llegada de series que repiten el patrón de ubicar sus historias en los revoltosos años sesenta, y que las grandes cadenas han lanzado como apuestas firmes del nuevo curso, y con resultado desigual. Parece que los personajes atractivos que vacían bodegas de whisky, se pulen en cuestión de segundos cartones de tabaco, mienten, flirtean, tratan a las mujeres de forma desdeñosa y visten de manera impecable tienen un filón en la ficción televisiva.

La primera en explotarlo fue The Playboy Club, una serie producida por la NBC que se centra en los pasos de la joven “conejita” Maureen (Amber Heard) en el famoso club Playboy de Chicago. Al igual que la serie de Weiner, la acción se localiza a principios de los años 60’s, y en ella se asiste a un mundo compartido por el glamour y la mafia, mientras que de forma paralela, se inicia la construcción de ese imperio pornográfico que revolvería la sociedad de la época para terminar convirtiéndose en el icono de la cultura americana que es hoy en día. El galardonado productor Brian Grazer (Una mente maravillosa) y el director Alan Taylor (firmante de algunos capítulos de Mad Men) intentaron velar por la calidad del producto, pero éste sucumbió al peso de las audiencias y a las constantes presiones del Parents Televisión Council (otra de esas patas molestas de la liga de defensores de la moralidad americana), terminando con una de las primeras, y fulminantes cancelaciones de la temporada.

Otro producto tejido con el dedal revisionista es Pan Am. Esta fuerte apuesta de la ABC aterrizó el pasado 25 de septiembre (poco días después en Canal +) para desvelarnos una era en que ir en avión era un lujo codiciado por pocos. En ese contexto la aerolínea Pan Am marcaba la pana con pilotos “rock stars”, azafatas que hubieran hecho suspirar al propio Don Draper, y comodidades que le son inauditas a la compañía de Michael O’leary. Una vez más el añorado estilo sixtie hizo acto de presencia, y con él una trama repleta de engaños, romances y hasta espionaje en altas alturas. La serie cuenta con la gran baza de recuperar el rostro de Christina Ricci, a quién acompañan Mike Vogel, Kelli Garner, Margot Robbie y Michael Mosley. La actriz de La tormenta de hielo se encarga de dar vida a Maggie, una azafata bohemia y una de las protagonistas de esta serie que sigue con paso frágil.

Desde este lado del Atlántico, y de la mano de la fiable BBC, también aparece un producto televisivo que sigue de cerca la estela del conocido melodrama de la AMC. Su nombre es The Hour y relata el día a día de un programa de televisión que se ve alterado por la crisis del Canal de Suez en 1956. Aquí los hechos históricos se mezclan con una trama de intriga, ambición y pasión, envueltos con mucho humo, aliento a coñac y atuendos de época. Concebida como una miniserie de seis capítulos, cuenta con un trío protagonista formado por Romola Garai, Dominic West (siempre McNulty) y Ben Whishaw (El perfume). La ganadora de un Bafta Abi Morgan es su cabeza pensante. El canal inglés empezó a emitirla el pasado 19 de junio, y algunos críticos vieron en ella una loable mezcla entre Mad Men y las novelas de intriga de Graham Greene con el plus que otorga el exquisito gusto que rige las producciones británicas.

Pero no todo se reduce a esa época de cruciales cambios y enormes contradicciones en el seno de una sociedad rígida y bienpensante, ya que la identidad del pueblo americano también ha tenido en los últimos años su traslación a la pequeña pantalla con producciones que han abarcado los primeros tiempos del siglo XX. El más llamativo llegó el pasado año de la mano de Terence Winter (guionista de los Soprano) y Martin Scorsese (poniendo el signo de prestigio) Boardwalk Empire gira al en torno de Nucky Thompson, un tesorero que controla con mano firme la erupción de Atlantic City como ciudad del juego, el alcohol y el pecado en los violentos años 20. El 25 de septiembre empezó su segunda temporada.

Otro período en la breve historia de los Estados Unidos (las producciones inglesas juegan con la ventaja de poder rebuscar en varios volúmenes en lugar de un solo tomo) que se ha erigido en una pequeña mina de oro para la ficción (Revolutionary Road y Las Horas en cine) es la Gran Depresión (las similitudes coyunturales con nuestra realidad deben influir) Allí se enmarca el inicio de Mildred Pierce, una de las joyas televisivas más recientes. Por cuenta de la HBO, esta mini-serie resigue la turbulenta relación entre una madre soltera y su pérfida hija. Kate Winslet ejerce de mater familia en este melodrama cocinado por Todd Haynes según algunas de las recetas que marcó en su género el maestro Douglas Sirk.

Como se puede apreciar la ficción televisiva sigue rebuscando en su reciente pasado para ubicar a sus personajes, destapar sus conflictos morales y contentar con ello a la cinefilia que busca desesperadamente esos refugios de ficción de calidad que el cine le ofrece con cuentagotas.

Este artículo fue publicado en la revista Hmagazine del mes de Septiembre del 2011

Llevaba ya algún tiempo sintiéndome huérfano de series. En concreto desde que la couple formada por Walt y Jesse nos dejará con los ojos como platos, de hecho fue mucho antes de todo esto, casi desde mi muerte. Por eso me lancé de cabeza cuando descubrí que ya estaba en el aire el piloto de Hell on Wheels.

La nueva serie del canal de cable AMC es una ambiciosa producción ambientada en el Oeste americano del año 1865, y narra un relato que versa sobre la construcción del primer ferrocarril transoceánico que cruzó los EEUU. La historia la seguimos desde el punto de vista de Cullen Bohannan (Anson Mount), un exsoldado confederado que acaba de regresar de la recién terminada guerra de secesión, y que empieza a trabajar como encargado en la construcción de las vías del tren pero con el objetivo real de apaciguar las cicatrices personales que arrastra de la contienda mediante la venganza.

Un relato que lleva a comparar esta serie de la AMC con otras dos producciones de época de la competencia: Deadwood y Boardwalk Empire. Con la primera comparte el escenario del lejano Oeste, y con la segunda el metarelato de explicar la creación de imperios desde el drama y la codicia más despreciable, y sin el más mínimo reparo ético (con lo que te das cuenta, una vez más, de lo poco que ha cambiado el ser humano desde entonces hasta ahora)

Su piloto no es el clásico que juega con la intriga y la creación de expectativas, que como casi siempre, suelen decepcionar, sino que pone de golpe todas las cartas sobre la mesa. De hecho, el villano de esta empresa Thomas “Doc” Durant (una mezcla entre Al Swearengen y Nick Thompson) e interpretado por Colm Meaney, ya deja claro en ese monologo hacía el final del capítulo, las vías temáticas por las cuales va a circular esta ambiciosa locomotora catódica.

De momento su trayecto está sujeto a muchas variables, visto el piloto puede apuntarse el acierto de haber dibujado un protagonista ambiguo, de pelaje auténtico (físicamente recuerda a Daniel Day Lewis en Pozos de ambición), y con la sangre alterada por un drama del pasado. Y a su contra juegan unos esquemas reconocidos, ciertas ofuscaciones estéticas (exceso de ángulos holandeses, fotografía esteticista que le quita verismo) , así como una ambientación demasiada limpia, poco mugrienta, un poco como le pasaba a la primera temporada de Boardwalk Empire, y todo lo contrario que en Deadwood, donde se situaba a millas de distancia.

Yo voy a seguir agarrado a este tren de la AMC con ganas de que la caldera se llene de leña, el vapor no cese de salir, y las chispas invadan las vías. De momento no estamos ante un Sin Perdón, ni se acerca a Deadwood siquiera, estaríamos hablando de un Open Rage; casi todo encaja bien, pero no hay ninguna parte de ese encaje que deslumbra.

Margaret Tatcher anda inmersa en sus políticas agresivas contra los sindicatos, el sector público y a favor de la desregulación y la privatización de empresas. La clase obrera, cada vez más amplia, sufre directamente las consecuencias. The Smiths, The Jam, The Specials, Echo & The Bunymen, Buzzcocks copan las ondas en las emisoras de radio. Top Gun se estrena en los cines. Gary Lineker se erige en el baluarte con el que Inglaterra pretende recuperar la hegemonía futbolística en el Mundial de Méjico. El paro sacude a 3,4 millones de británicos. Esta es la Inglaterra de 1986. El año de la Mano de dios, y el escenario en que Shane Meadows ubica la miniserie This is England 86.

Todo empezó con la también recomendable This is England (2006). Película en la que Meadows nos introducía en una pandilla de estética skinhead. Si en la película la trama se centraba en el deambular de estos chicos de futuro gris por la Inglaterra deprimente de 1983, con la guerra de las Malvinas de fondo y con la experiencia inciadora de un chaval de doce años como protagonismo, la mini serie para la Channel 4 recupera a estos personajes tres años más tarde, sin un personaje que acapare el músculo principal de la narración y con la Copa del Mundo de Méjico como telón de fondo.

Producida en 2010, esta mini serie de cuatro capítulos actualiza el retrato de estos jóvenes unidos por la amistad y el afecto de formar parte de una tribu urbana, pero con los mismos temores sobre sus cabezas, acentuados por el azote incipiente del tatcherismo, por las miserias humanas con las que conviven, que se ceban particularmente en el personaje de Lol, la más guapa y querida del grupo, pero a la vez, la más amargada por el drama familiar, el cual, desencadenará el hilo principal de la serie.

Meadows vuelve a acertar con su planteamiento formal gracias a un estilo documental, directo y certero que te sitúa de lleno en los pisos de protección civil en los que los personajes cohabitan; en sus miserias y depresiones, pero también en su alegría, optimismo, lealtad y compañerismo. La primera referencia formal está en el cine social de Ken Loach, pero en su fotografía también se aprecia la huella del desgarro crudo y severo del Larry Clark fotógrafo o el esteticismo oscuro y bello de Anton Corbijn. El director de Érase una vez en los Midlands hace gala otra vez de su faceta de gourmet musical esparciendo grandes hits de la Inglaterra de la época. Suenan los Smiths, The Jam, Buzzcocks, pero también el reggae de Jimmy Cliff, el ska prematuro de Desmond Dekker. Otro detalle que denota la melomanía de su director, es el pequeño cameo de Ian Brown como uno de los policías que reparte porrazos en un enfrentamiento. Con el que por cierto (otra muestra de su incansable melomanía), Shane Meadows pretende abordar un documental que siga la reunificación de Brown con su banda, The Stone Roses.

A medida que se suceden los capítulos somos testigos, de manera más incisiva y dramática, de las dificultades sociales, sentimentales y familiares. También repercute en el apego emocional que sentimos hacía sus personajes, que va en consonancia al ritmo progresivo de la serie, pero también a la fina, real y certera visión de Meadows y Tom Harper para dibujar a sus personajes dentro del guión.

Un interés que madura de manera creciente y que estalla con el atronador y demoledor capítulo final. Creerme si os dijo que Omar Little, aparte del tipo duro que recorre las calles con su trabuco, también es una persona que puede llegar a emocionarse, y les aseguro que una de las secuencias más desgarradoras que he visto nunca en formato televisivo tiene lugar en este capítulo. La misma que me quebró la voz, que me provocó el llanto (literal) por su aterradora brutalidad, por su realismo espelúznate con el que te sacude los actores y la mano de Meadows en la realización y el montaje.

This is England 86 es una joya televisiva que nunca será programada en un canal generalista, y que de momento, no podréis encontrar en ninguna tienda. Es esa clase de satisfacción seriefila que pide el esfuerzo y la búsqueda. Un pequeño gran tesoro que hay que desterrar mediante Amazon, quien sabe si algún día Filmin (ahora que andan muy puestos con las series de las Islas), las vías ilegales, o la escogida por este servidor… comprar el DVD en el propio país que da cobijo a su historia. Si el Mundial de fútbol fue el bálsamo de estos jóvenes, ahora que faltan 3 años para la celebración del próximo, y la situación española es peor que la de esa Inglaterra de mediados de los ochenta, puede que series de este calibre sean nuestro propio bálsamo.

Resulta tremenda la pereza que me coge al enfrentarme a cada nuevo episodio de Fringe. Y esto le sucede a la misma persona que un lejano domingo de serie dedicado a su primera temporada, pedía paciencia y fidelidad para el nuevo producto de J.J. Abrams. y fíjate ahora en qué fechas termino su segunda temporada.

Ya su primera temporada sufría de carencia de enganches con los que atrapar al espectador, pero un personaje mayúsculo como es Walter Bishop (John Noble), y ese gran giro final, se merecían que nuestros ojos siguieran sintonizados a ella. Sin embargo esas esperanzas de que algo grande va a suceder, de que la serie dará un vuelco y se transformará llevo arrastrándolo demasiado tiempo, y parece ser que seguiré soportando ese peso en la tercera (dicen que la temporada del lanzamiento definitivo, esta vez sí) y la cuarta ahora mismo en emisión. Casi vería un paralelismo entre desmesurada dilatación y el primer beso entre Olivia y Peter (¿qué han hecho falta para que se lo dieran? ¿46 capítulos?)

Completada ya su segunda temporada, puedo decir que esa sensación se ha acentuado. No ayuda temporadas tan largas de 22 capítulos, tampoco que cada uno de ellos se tengan que rellenar de 43 minutos de aciertos narrativos. Que buena parte de los capítulos consistan en esquemas propios de los procedimentales, que cuando pillas uno bien parido te entretienes, pero que cuando ocurre al revés no te la puede soplar más, porque no se produce ningún avance en la trama ni en el arco de los personajes, no resulta demasiado estimable para su valoración final. La mayoría de los capítulos que conforman la segunda temporada podrían ser desechables (algunos se lo merecen) y la trama global no variaría ni un ápice.

Rozando la fatalidad es cuando en algunos de éstos cuelga un cartel de “Capítulo de relleno” escrito en letras bien grandes, como es el caso aquí de ese homenaje chusquero más propio de Se ha escrito un crimen que del guiño neonoir que pretenden que supone ”Brown Betty”.

O el error flagrante de resucitar en un capítulo que olvidé al agente Francis, cuando éste había muerto unos capítulos anteriores (gran pérdida, por cierto) Al parecer tenían grabado ese capítulo, y lo chuscaron allí sin miramientos ni respeto hacía el raccord narrativo ni la inteligencia del espectador.

Por suerte la serie también ha tenido sus momentos a recordar, que coinciden cuando los guiones de los capítulos se centran en exclusiva en el progreso de la trama central de la serie y las relaciones que sujetan al triangulo protagonista.

Como siempre los petardos gordos se guardan para los capítulos finales, que en esta segunda temporada han sido los tres últimos: “Northwest Passage” y el doble-capítulo final.

Se aprecia en el escrito que me cuesta mucho ponerme delante de un capítulo de Fringe y esto lo atribuyo a una falta de compensación dramática en la estructura narrativa de los capítulos, porque su universo de personajes e historia en la línea de un Expediente X con casos inexplicables me atrae, pero de momento sigo esperando ese brillo que guie el camino con firmeza. Seguiré esperando el cambio…