Archivo de la categoría Crítica

Up in the air – Jason Reitman

Un plano cenital de la tierra vista desde el aire, desde un avión, la casa en donde más tiempo pasa el protagonista de esta película, nos describe perfectamente el escenario por donde se moverá este film, de ritmo casi perfecto e inteligentemente divertido, de sonrisa que no de carcajada, que rezuma por todos los poros de su celuloide la suficiente dosis de mala leche como para que sea considerada una comedia modélica: el territorio neutro de los aeropuertos, las cadenas hoteleras y los exclusivos restaurantes.

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I’m not there – Todd Haynes

Deconstruyendo la leyenda

Con casi tres años de retraso nos llega el personal y experimental biopic que Todd Haynes dedicó a la figura de Bob Dylan, uno de los artistas más relevantes, respetados, e influyentes de nuestros días. Pero a la vez  siempre ha sido un personaje cambiante, con múltiples registros. Y es precisamente esto lo que le sirve a Haynes para determinar  la estructura de I’m not there.

La película se presenta a través de diferentes capítulos que recogen las distintas etapas del músico, que a su vez están interpretadas por diferentes actores, y actriz.  Así pues podemos ver a Christian Bale en el papel del joven cantante cuando era el abanderado del folk, o a Cate Blanchett haciendo gala de una enorme capacidad interpretativa para copiar los gestos, dicción y actitud de un Dylan insolente y vividor en su etapa rockera. O incluso hay momentos para el actor de color Marcus Carl Franklin haciendo del cantante de Minnesota en su niñez, o un Richard Gere en una especie de homenaje a su intervención en Pat Garrett & Billy the kid, que le sirve a la vez, para ilustrar el retorno del músico a sus raíces musicales.

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Shutter Island – Martin Scorsese

Naufragando en islas remotas

El brillo de toda una generación de cineastas norteamericanos surgidos durante la década de los 70’s se marchita de forma irreparable. Poco queda de esa generación con talento y atrevida que cimentara una nueva manera de hacer cine en Hollywood. Todos aquellos directores que formaron el grupo conocido por los “golden boys”, están en plena decadencia creativa. Así lo demuestra Francis Ford Coppola con su última película, Tetro. O antes que él Brian de Palma con Redacted y Femme Fatale. Tampoco debió contentar a sus seguidores, George Lucas con su segunda fase de La Guerra de las galaxias. Incluso el rey Midas Spielberg decepcionó cuando recuperó a Indy, a pesar de ello, el director de Tiburón es el mejor posicionado entre sus compañeros para mantener en el espectador el interés creado a lo largo de su exitosa trayectoria. Otro que parecía mantener intacta su reputación, y al que muchos consideran el más talentoso de todos los citados, parece estar abocando su carrera hacía la deriva, o como mínimo hacía el estancamiento.

A pesar de que con Infiltrados, Martin Scorsese consiguió su tan ansiado, y merecido, Oscar a la mejor dirección, el neoyorquino ha llevado a término una carrera errática desde el cambio de siglo;  cuyos primeros signos se vieron con Gangs of New York, película que supuso el inicio del idilio con Leonardo Di Caprio. No es que el director de Taxi Driver haga películas fallidas, simplemente parece haber perdido todo el potencial que atesoraba, incluso, la tan aplaudida y premiada Infiltrados, no deja de ser una correcta película. Ahora regresa con su último trabajo, el thriller psicológico Shutter Island, con el que ha demostrado que su carrera sigue avanzando con gran productividad pero poca consistencia.

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An education – Lone Scherfig

Fascinante despertar

Este viernes 26 de febrero se estrena en salas españolas An eduaction. La película dirigida por Lone Sherfiq viene precedida por su buena acogida en Sundance, y sus tres nominaciones a los Oscar (incluyendo el de mejor película).  El filme centra su foco en una joven colegiala londinense de 16 años que se deja seducir por Birt, un hombre de 35 años que introducirá a la chica en un mundo de lujo, glamour y seducción, completamente invisible a los ojos de una adolescente de un suburbio de la capital británica.

La historia se edifica partiendo de un sólido guión del escritor Nick Hornby en el que se adapta el texto ajeno de Lyn Barber. A partir de esa base Sherfiq edifica una bella y emocionante historia de amor con tintes dramáticos donde el verdadero motor es el personaje femenino central. No sólo somos partícipes del descubrimiento que experimenta esta chica al sumergirse de la mano experta de Birt en un nuevo mundo tan cercano geográficamente, pero a la vez tan lejano del plano costumbrista con el que está familiarizada. Sino que además la cinta incide con especial acierto en describir el paso de la adolescencia a la madurez; mediante esta historia de amor la precoz chica acelera su ansiado paso a la edad adulta rodeándose de gente mayor, y siendo asidua a fiestas, clubes y restaurantes reservados a otras clases y edades.

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3 días – F Javier Gutiérrez

Cuando el Apocalipsis no es el mayor de los problemas

Resulta casi patológico ver el trato con que ciertas películas del cine español gozan en salas,  premios y los circuitos del mundo del cine. Es sintomático de esta industria defender a capa y espada a ciertos actores y directores de nuestro universo geográfico, mientras que a otros se los ignora. Hablo por ejemplo de una excelente cinta de cine negro rural como fue la inadvertida La noche de los girasoles de Jorge Sánchez Cabezudo, o la que aquí nos ocupa.

3 días se basa en una sencilla pero atractiva premisa en la cuál un meteorito se avecina de forma inexorable hacía la Tierra. Esta situación, mil veces recreada en el cine de Hollywood, lo aprovecha su director F. Javier Gutiérrez para construir un inteligente y emocionante thriller. Por lo tanto el espectador no debe buscar ni explosiones, ni aparatosos colapsos (estamos hablando de un filme de bajo presupuesto), lo que hace Gutiérrez es introducirnos en la piel de Ale, un desganado chico de pueblo que ocupa su tiempo haciendo chapuzas para los vecinos, no obstante la llegada de Lucio, un ambiguo y desconcertante personaje maldito de la aldea, modificará su escala de valores y lo empujará a tener que defender a las hijas de su hermano ante este peligroso personaje.

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A cross the universe – Romain Gavras, So Me & Justice

Djstars

Todos nos podíamos imaginar que la vida de Gaspard Augé y Xavier de Rosnay había sufrido un espectacular vuelco con el tremendo éxito internacional de su álbum debut (sí el de la crucecita) como Justice. Sin embargo, si quieren hacerse una idea con pelos, marcas de vidrio y sonido reservados para la intimidad deberían echarle el guante A cross the universe.

Éste es un documental, al más puro estilo guerrillero, que sigue las andanzas de este dúo electrónico por su gira en los EEUU.  Uno de sus responsables es Romain Gavras, el mismo realizador que realizó el asombroso videoclip de “Stress” también para Justice.

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La carretera – John Hillcoat

Caminando por la maleza en llamas

No es precisamente Cormac McCarthy un autor fácil de adaptar al cine. Su pesimismo ante el hombre, y su entorno, ya impactó por su crudeza y violencia en No es país para viejos, novela adaptada por los hemanos Coen y con la cual se alzaron con el Oscar. Ahora se adapta su novela ganadora del Pulitzer (2007), donde McCarthy nos sumerge en el dolor de una naturaleza desposeída de cualquier atisbo de humanidad , luz o color, y de la violencia que surge de este ambiente. En La carretera omite explicarnos que el mundo se está yendo a pique, el pesimismo de McCarthy va un paso más allá, al presentarnos un mundo post-apocalíptico, consumido por la ceniza que surge del fuego y la muerte.

McCarthy en su novela se recreaba en describirnos, con una prosa asfixiante pero tremendamente absorbente, el deambular de un padre y un hijo que se dirigen al sur, al sur del infierno terrenal, y precisamente, ese recorrido descriptivo, emocional y atmosférico es el que propone Hillcoat en su película. Como ya ocurría en la novela, en todo el metraje no se aprecia  ningún atisbo de esperanza para sus dos protagonistas, ni para la humanidad sumida en la extinción, el canibalismo, y el instinto de supervivencia más básico. Puede que sea este mensaje tan apocalíptico y aterrador la razón de la incomprensible ausencia del filme en la próxima gala de los Oscar.

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La edad de la ignorancia – Denys Arcand

La edad del desencanto

Jean-Marc vive en Canadá, con su mujer y sus dos hijas. Trabaja como funcionario en la administración y conduce un coche japonés. Pero detrás de esta, aparente, normalidad se esconde precisamente el hastío de un don nadie, desencantado de su matrimonio, de sus hijas, de su trabajo y de ser un chupatintas que fuma a escondidas. Su único salvavidas son sus sueños y fantasías que lo convierten en un caballero o en un novelista de éxito con las mujeres rendidas a sus pies. Esta es la última piedra que Denys Arcand arroja sobre la sociedad moderna.

Tras El declive del imperio americano, y su aclamada Las invasiones bárbaras, Arcand regresó el 2007 con su mirada cínica, gris y pesimista en esta La edad de la ignorancia. Ora vez su director dibuja, de forma mordaz y feroz, el retrato del fracaso de la sociedad moderna a través del personaje de Jean-Marc (Marc Labrèche); un fracasado hombre de clase media, que le repulsa todo lo que le rodea y cuya única válvula de escape es la imaginación.  Un aspecto que obliga a la película a deambular entre lo triste y lo cómico bajo el terreno genérico de la comedia agridulce.

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Precious – Lee Daniels

La jovencita que cargaba con todo 

Clareece ‘Precious’ Jones es una chica negra de 15 años, que no sabe leer ni escribir, que vive en unas de las zonas más deprimentes de Harlem, y que encima, sufre las humillaciones y vejaciones de su madre. La llegada de un segundo embarazo provoca que sea expulsada del colegio, sin embargo,  este otro revés le llevará a entrar en una escuela alternativa, donde una ejemplar profesora le ayudará a ver luz donde antes sólo reinaba oscuridad.

En pocas líneas este es el argumento de la película que encandiló al público de Sundance 2009, que recibió tres nominaciones a los Globos de oro (ganando el de mejor actriz secundaria), y que ayer recibió seis nominaciones para los Oscar (incluyendo mejor película, mejor director y actriz), y cuyo estreno en nuestras pantallas se espera para el próximo viernes.

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El cónsul de Sodoma – Sigfrid Monleón

Completamente de acuerdo con lo que escribe Vicente Molina Foix, puede que el escritor más cinéfilo de este país, en un artículo de opinión publicado en El País. El tema es el biopic tan contestado sobre Gil de Biedma que acaba de estrenarse. Él, como yo, opina que es un film más que notable, que la vida del escritor está bien reflejada, que los ambientes de esa Barcelona libertaria están dibujados con precisión documentalista y que Jordi Mollá encarna perfectamente al poeta, opiniones en opuesta sintonía a lo que ha venido diciendo la crítica sobre El cónsul de Sodoma, de la que han censurado hasta el título.

Una película biográfica sobre un personaje reciente siempre es un riesgo porque el biografiado será contrastado por los que le trataron en vida. Eso es lo que le ha sucedido a la película El cónsul de Sodoma, de Sigfrid Monleón, con buena parte de los que conocieron o fueron amigos del poeta Jaime Gil de Biedma, que la han aborrecido sin ni siquiera verla muchos de ellos. Pero lo cierto es que, vista la película, sin prejuicios de ningún tipo, uno tiene que admitir que es un vehículo cinematográfico bien fabricado para entender ese momento de convulsión literaria, artística y política de una Barcelona que, por unos años, se creyó centro del mundo y miró a la capital del reino por encima del hombro. Un guión bien construido nos muestra, al principio, al poeta en los sórdidos suburbios de Manila, buscando carne fresca masculina entre los ejecutantes de un espectáculo hard core jaleado por marinos norteamericanos y burgueses filipinos para, a continuación, trasladarlo a esa Barcelona iconoclasta que inventara ese sugerente e irónico término de gauche divine para definir a los izquierdistas de salón que criticaban el régimen del dictador Franco y comían de la mano de sus explotadores papás. Y sobre ese drama moral, el del que se debate entre sus ideas y su estatus social, el del que quiere complacer a un padre amantísimo -entrañable esa relación paterno-filial-, que le tolera todas las locuras, pero desea que su hijo ocupe el sitial que le corresponde en su empresa Tabacos de Filipinas, y lo que le pide el cuerpo y el alma, sexo y poesía, gira esta película que no aburre ni decae en ningún momento. Marcado por su voracidad sexual, su miedo al envejecimiento como antesala de la muerte y sus contradicciones como miembro de la burguesía y poeta de izquierdas- publicó en vida un poemario titulado Poemas póstumos y de él dijo su amigo Carlos Barral, para subrayar su creación lenta y selecta, que era más famoso por los libros que no escribía que por los que publicaba-, la personalidad hedonista de Gil de Biedma queda bien retratada en esta película que cuida mucho los ambientes – las charlas de salón en el desaparecido Bocaccio, el templo de la gauche divine, en las que se sugiere la presencia de Vázquez Montalbán y Enrique Vila-Matas, entre otros, aunque desdibujados; el restaurante Tortilla Flat, templo de la modernidad gastronómica de la época, que todavía existe, en donde se reúne el poeta con la fotógrafo Colita, otra de las que se han sentido agraviada por la película, que critica sin verla; la conversación del poeta, en su casa, con el siniestro inspector de la Brigada Político Social Creix, del que todo el mundo hablaba en la época, a raíz de que unos poemas suyos aparecen en un panfleto subversivo…  

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