El filipino Brillante Mendoza lleva tan solo unos pocos años labrándose un gran reconocimiento como cineasta a través del circuito de festivales. Su cine llega a cuentagotas en las carteleras, y cuando lo hace, es para esfumarse al instante. Por suerte, existe el mercado del DVD y el Blu-Ray, en la que Cameo ha tenido el detalle de contribuir editando una de sus recientes películas, Lola.

En ésta el cineasta de San Fernando vuelve a angular su cámara para recoger instantáneas nítidas de la realidad filipina. Estrenada el mismo año que Kinatay, Mendoza elabora aquí un acercamiento opuesto a una temática con puntos en común. Si en Kinatay reflejaba la miseria (humana y social), la pobreza, y la violencia sumergida de las calles de Manila, en Lola esa violencia no es más que el incidente incitador de una historia humana, de superación, esfuerzo y buenas intenciones. Si Kinatay, y su expresión formal, representaban el negro, Lola es el blanco.

Su historia recoge las luchas opuestas y personales de dos lolas (abuela en filipino) tras un fatídico robo callejero que termina con la vida del nieto de una de ellas. Lola Sepa deberá lidiar con las penurias provocadas por su frágil situación financiera para darle un entierro digno a su nieto, y justiciar a quién lo asesino. Por su parte Lola Puring se lanza a la recaptación de dinero para evitar que su nieto, el presunto asesino, se vaya a la cárcel.

Con estas dos líneas argumentales en paralelo, que se cruzan en momentos de la película, Mendoza resigue con su cámara las epopeyas cotidianas a las que deben hacer frente estas dos ancianas. El sufrimiento, el dolor, la angustia, el perdón, la compasión, y la humanidad son las pasajeras invitadas en el trayecto.

Y lo explica moldeando un continente natural, que rebosa realismo por todas sus aristas y con dos actuaciones de las abuelas ejemplares (el resto del reparto y los figurantes son actores no profesionales). Una mirada despojada de cualquier signo de juicio, metáfora, propaganda y eufemismos. El suyo es un acercamiento frontal, sin filtros ni devaneos, la realidad recogida según los mecanismos de un director que mira la realidad como un documentalista.

Lola compone un gran gesto hacía lo cotidiano, hacía las grandes luchas diarias que tienen que combatir dos protagonistas entrañables, cuya sombra quedará visible durante días. Una película que emociona y te hace reflexionar sobre las castas sociales más desfavorecidas sin necesidad de maniqueísmos, artificios o sensiblerías orquestadas.

Lola está editada en DVD por Cameo

Los Oscar asoman y las distribuidoras se apresuran a estrenar sus producciones iluminadas por el resplandor de la dorada estatuilla. Esta pauta es la que lleva marcando, y marcará, los estrenos cinematográficos durante los próximos días.

Es el caso por ejemplo del estreno principal de la semana: Moneyball: rompiendo las reglas. Cinta sobre el mundo del béisbol, que todo el mundo que le ha puesto los ojos encima coincide en afirmar que es una película únicamente disfrutable para los amantes del deporte, y más en concreto… del béisbol. A día de hoy parte como una de esas aventajadas en los Oscar (6 nominaciones, incluyendo película), pero que probablemente se acabe yendo a casa de vacío. Sus mayores alicientes es un guión firmado por la lengua acelerada de Aaron Sorkin, conjuntamente con Steve Zaillian, dirige Bennet Miller (Truman Capote), y cuenta con Brad Pitt, Phillip Seymour Hoffman y Robin Wright Penn entre sus rostros más reconocibles.

Entre los estrenos patrios destaca el regreso de Iciar Bollaín con Katmandú, un espejo en el cielo. Ligada profesionalmente y personalmente con el guionista Paul Laverty, la responsable de Te doy mis ojos se traslada al Nepal para explicarnos la historia real de Victoria Subirana. Una maestra catalana que se fue al Nepal para impartir clases y descubrió una vocación humanista para velar sobre las castas más pobres de esa sociedad. Lo mejor del filme es la interpretación de Verónica Echegui en el rol principal, pero su metraje sufre las buenas y nobles voluntades que quiere impartir Bollaín a la historia, que quedan expuestas en un grado demasiado evidente, rozando el panfleto, del que tan amigo es Laverty.

También hoy llegan Los muppets. Una producción Disney que mezcla actores reales con los famosos teleñecos y que presenta una historia también apta para los más adultos. Dirige James Bobin.

Finalmente, para terminar una semana tacaña de estrenos, la española Promoción fantasma. Un cuadro de comedia fantástica para adolescentes de poco pelo en el pecho y capaces de digerir una historia que sitúa a unos fantasmas entre los pasillos de la universidad. Bajo su dirección, y viendo el diseño del póster se podía ya deducir, Javier Ruiz Caldera, el mismo responsable de Spanish Movie.

Aunque ya ha llovido desde que Ridley Scott entregara sus mejores películas, el cineasta americano sigue contando con el visto bueno de Hollywood que no para de brindarle interesantes oportunidades. ¿La última? La posibilidad de llevar a la pantalla un guión del célebre escritor Cormac McCarthy.

Éste es el primer texto cinematográfico escrito por el brillante literato y tiene por título The Counselor. Según algunas fuentes, su trama giraría alrededor de un abogado que vive atrapado entre dos mujeres mientras se ve envuelto en un asunto de drogas.

La figura del creador de Meridiano de sangre (novela que tendrá una próxima adaptación a cargo de James Franco), lleva tiempo ligada al cine pues su prosa ha sido varias veces trasladada a la gran pantalla. En ocasiones con resultados excelentes (No es país para viejos), otras con desenlaces más discutibles (La Carretera, Todos los hermosos caballos).

Aunque no sabemos de dónde va a sacar tiempo el director de Thelma y Louise para poner en marcha esta nueva aventura (se le espera este año con Prometheus (el origen de Alien) y también está a la cabeza de una más que posible precuela de Blade Runner), la noticia de que ponga su talento al servicio de McCarthy es, como poco, motivo de interés.

Es difícil pensar que un festival como Sundance pueda representar verdaderamente al cine independiente americano. La idea de crear un evento para acoger los productos más arriesgados del panorama estadounidense ha terminado por convertirse en un sistema de promoción para las filiales de las grandes compañías. Sin embargo, nos engañaríamos si pensáramos que, por eso, no es posible descubrir alguna película valiosa en su palmarés.

Sigámosle, pues, la pista a partir de ahora a Beasts of the Southern Wild, el debut de Benh Zeitlin, que se ha convertido en la gran ganadora de la edición de este año tras alzarse con el Gran Premio del Jurado a Mejor Película y el Premio a la Mejor Fotografía. El film, una aventura fantástica sobre el fin de una era, tiene todas las papeletas para convertirse en una película de culto

Ya en el territorio del documental, la triunfadora fue The House I Live In de Eugene Jarecki. Se trata de un acercamiento a la batalla que se libra contra las drogas en los Estados Unidos y, a su vez, una reflexión sobre la lacra social que el narcotráfico supone para el país.

En cuanto a las películas extranjeras, la chilena Violeta se fue a los cielos, la obra intimista sobre el trabajo de la artista Violeta Parra, le ganó la partida a las otras catorce candidatas, entre las que estaba Madrid,1987, la nueva cinta de David Trueba.

La producción del director de Bienvenido a Casa fue la única representante española junto con Luces Rojas, el esperado regreso tras la cámara de Rodrigo Cortés después de su exitosa Buried. Su film ha generado una gran controversia entre los que la defienden y los que la critican. Esperemos que eso sea una buena noticia.

La lista de premiados

Gran Premio del Jurado – Mejor película

Beasts of the Southern Wild (Estados Unidos)

Gran Premio del Jurado – Mejor documental

The House I Live In (Estados Unidos)

Premio del Jurado – Película (World Cinema)

Violeta se fue a los cielos (Chile)

Premio del Jurado – Documental (World Cinema)

The Law in These Parts (Territorios Palestinos)

Premio Especial del Jurado: Mejor reparto

The Surrogate (Estados Unidos)

Premio del Público (Mejor Película)

The Surrogate (Estados Unidos)

Premio del Público (Mejor Documental)

La guerra invisible (Estados Unidos)

Premio del Público – Drama (World Cinema)

Valley of Saints (India)

Premio del Público – Documental (World Cinema)

Searching for Sugar Man (Suecia)

Mejor director – Drama

Middle of Nowhere (Estados Unidos)

Mejor director – Documental

The Queen of Versailles (Estados Unidos)

Mejor director – Drama (World Cinema)

10 timer til Paradis (Teddy Bear) (Dinamarca)

Mejor director – Documental (World Cinema)

5 Broken Cameras (Territorios Palestinos)

Mejor guión

Safety Not Guaranteed (Estados Unidos)

Mejor guión (World Cinema)

Joven y alocada (Chile)

Mejor fotografía – Drama

Beasts of the Southern Wild (Estados Unidos)

Mejor fotografía – Documental

Chasing Ice (Estados Unidos)

Mejor fotografía – Drama (World Cinema)

My Brother the Devil (Reino Unido)

Mejor fotografía – Documental (World Cinema)

Putin’s Kiss (Dinamarca)

Mejor montaje – Documental

Detropia (Estados Unidos)

Mejor montaje – Documental (World Cinema)

Indie Game: The Movie (Canadá)

Premio Especial del Jurado – Drama (World Cinema)

Can (Turquía)

En un campo poco prolífico, como es el de la animación en el cine español (al menos en su faceta comercial), resulta encomiable la llegada de una película como Arrugas, que se distancia de lo anecdótico y del reclamo comercial para niños para situarse en ese difícil, pero gozoso terreno de la animación para adultos hecha con mimo y emoción.

Arrugas supone la adaptación en animación 2D del homónimo cómic de Paco Roca (Premio Nacional del comic) Dirigido por Ignacio Ferreras la película se ha visto impulsada recientemente, antes de su llegada a las carteleras, por la excelente acogida por parte de la crítica y la lluvia cálida en distinciones: nominada a los Goya como mejor película de animación y guión adaptado, y preseleccionada en los Oscars en la categoría de mejor filme de animación.

Roca y Ferreras se asocian para dibujar un tierno y cruel retrato sobre la vejez, en concreto, sobre la última estación de la vida a través de la mirada de Emilio, un ex-director de banco, que aquejado por el alzhéimer, es llevado por su hijo a una residencia de ancianos, donde con su mirada lúcida, pero debilitada, explorará las vicisitudes de este particular microcosmos. Allí, su mejor amigo, y compañero de habitación es Miguel, un argentino timador que conoce a la perfección los entresijos de la residencia.

En una reciente entrevista su director puntualizaba que haber rodado la película con actores reales la hubiera convertido en demasiada dura para los espectadores. Puede que esté en lo cierto, pero también, es verdad que el impacto y la autenticidad emocional que ha conseguido con estos personajes animados, muy pocos actores lo hubieran alcanzado.

Ferreras acierta con su enfoque formal porque en todo momento saber transmitir a través de las imágenes, los gestos, las miradas, los pensamientos y diálogos, el desgarrante periplo al que se enfrentan sus personajes. En esa mirada a la vejez, a la residencia de ancianos, y a la enfermedad del alzhéimer afloran muchos detalles y sutilezas que llevan a pensar que ese dibujo está elaborado partiendo de vivencias personales cercanas a las de sus creadores.

También da en el clavo, al envolver la película por tonos que transitan sin aviso entre la tristeza más desoladora y el humor más optimista. Salta de uno a otro, como la propia vida, equilibrando con ello el ritmo de la película y suavizando (o aumentando) el calado emocional que esos personajes y sus últimos suspiros ejercen sobre el espectador. A veces se deja llevar por páramos fantasiosos que agilizan el visionado sin alejarte del verdadero hueso argumental del filme.

Arrugas recoge retazos sinceros, auténticos, crueles y lúcidos de esta denostada edad que es la vejez, de los olvidos propios y del de sus familiares, y los construye con talento creando un puzzle para adultos conmovedor, cuyas piezas se mantienen enganchadas con fuerza y solvencia incluso abandonada la sala. Y es entonces cuando te das cuenta que con el paso del tiempo, el puzzle se va haciendo mayor en tu interior y las piezas encajan con mayor virtud y naturalidad, y así permanecerán hasta que el tema principal de la película las desencaje de nuevo. Arrugas debería ser recibida como una excelente celebración para el cine de animación para adultos, pero también para el cine español en general.

Despedimos el primer mes del año con un puñado de filmes destacables aterrizando sobre nuestras carteleras. Uno de los principales es el retorno del veterano Clint Eastwood, que con J. Edgar vuelve a demostrar ser el último espécimen hollywoodiense que rueda bajo los patrones del cine clásico. Su última película es un interesante retrato sobre el director del FBI J. Edgar Hoover que interpreta aquí el actor Leonardo DiCaprio. Para más señas recomiendo leer la crítica que nos dejó Alberto Varet el pasado lunes.

Destacar también por la calidad humana, artística y emocional que transpira, el filme de animación español Arrugas. Basado en el cómic homónimo de Paco Roca, el director Ignacio Ferreras propone un triste y conmovedor acercamiento a la vejez a través de la mirada de dos entrañables ancianos recluidos en un geriátrico, uno de ellos, aquejado de alzheimer. Mañana publicaremos su crítica, hoy no puedo más que recomendarla.

Con aroma a Oscar llega Albert Nobbs. Una película configurada a lucimiento de una vieja gloria, la actriz Glenn Close, quien consigue con este papel su sexta nominación al Oscar. El cineasta, e hijo de Gabriel García Márquez, Rodrigo García adapta la obra teatral The singular life of Albert Nobbs para explicar la historia de una mujer que se ve obligada a hacerse pasar por un hombre para sobrevivir en el Dublín del siglo XIX. Acompañan a Close, Mia Wasikowska, Jonathan Rhys Meyer y Brendan Gleeson.

Joel Schumacher lleva ya varios años dando tumbos sin control y amenazando con una colisión que le dejé de por vida postrado. Puede que lo haya logrado con su última película, Bajo amenaza. Adscrita al thriller, Schumacher nos pone en la piel de un matrimonio, compuesto por Nicholas Cage y Nicole Kidman (dos estrellas en horas bajas), que viven una pesadilla junto a su hija adolescente la noche que dejan pasar a su casa a dos hombres pensando que son agentes de policía.

Tampoco parece que vaya a suscitar demasiados placeres a nuestras neuronas la nueva versión de la saga Underworld, titulada Underworld: el despertar. Kate Bechinsale repite de heroína en esta indigesta mezcla de vampiros, hombres lobos y otras criaturas de género.

Más simpatías despierta El monje, al menos si valoramos el equipo artístico que participa en él. Dominik Moll adapta la popular novela gótica de Matthew G. Lewis para narrar esta historia que protagoniza Vincent Cassell y con la presencia de secundarios de peso: Sergi López, Geraldine Chaplin y Jordi Dauder. La banda sonora está compuesta por Alberto Iglesias, nominado al oscar por la inmensa partitura de El Topo.

El cineasta griego Theo Angelopoulos murió ayer a los 75 años de edad, víctima del atropello de una moto de la policía. Angelopoulos había construido una sólida carrera profesional que se extiende a través de 40 años y que ha hecho de él el cineasta de referencia en Grecia. Tras unos primeros años dedicado al periodismo, la Dictadura de los Coroneles cerró su periódico y lo impulsó a hacer cine, siempre con un horizonte donde se fundían la mirada política y la introspección personal. Angelopoulos dio voz y representatividad al cine griego desde la plataforma de los principales festivales europeos. Su filmografía se dio a conocer con una constante reflexión sobre el pasado y el presente de su país en una época especialmente convulsa, y la talla de figura capital en el cine europeo la dieron películas como su trilogía Días del 36 (1972), El viaje de los comediantes (1975), y Los cazadores (1977).

El cine de Angelopoulos giraba a menudo sobre la figura del antihéroe que regresa a su hogar, solo para certificar el desmoronamiento del mundo de la infancia y el desencanto ante el paisaje social que ha forjado el curso de la historia. Pesimista irredento, preocupado por el futuro del cine y por el papel de la educación, Angelopoulos fue quizás perfectamente consciente de que su retrato del propio hogar se podía trasladar al conjunto de Europa, de la que a fin de cuentas Grecia había sido el origen, y sus trabajos respiraban el aire eminentemente europeo del viajero-espectador ante la historia del siglo que le tocó vivir. A nadie debería extrañar que su último proyecto, truncado por su muerte, tuviera como tema la crisis griega; ni que su segunda trilogía, también inacabada, versara sobre la inmigración y la idea del legado. Angelopoulos se caracterizó por sus trabajos de magnitud colosal, ritmo reposado, y una ambición siempre colmada de abarcar varios temas a la vez desde la más elaborada de las reflexiones personales. Su cine es el de los grandes espacios de su país, de los cielos desnudos pero también el de la niebla que lo esconde, la humedad en el ambiente y el blanco que todo lo inunda. No era fácil encarar el universo de sus relatos y salir airoso, pero así lo celebraron en Venecia, en Berlín o en Cannes, donde se alzó con la Palma de Oro por La eternidad y un día (1998). Casado y con tres hijas, trabajador infatigable y con muy buena salud, el accidente mortal que ha segado todo lo que aún habría podido hacer es una desgracia colosal: No sólo se pierde a un cineasta fundamental y aún fértil, también se nos va una voz autorizada e insustituible de la conciencia europea y de su naturaleza más elemental. Para los que sientan su muerte, al menos siempre lo podrán ver en sus trabajos, trasmutado (por ejemplo) en el Harvey Keitel de La mirada de Ulises (1995): Paseando por el panorama herido del siglo XX, buscando los orígenes del cine y de su propia historia, melancólico y fatalista, lúcido y reflexivo.

Los Oscar no suelen dar muchas sorpresas pero estas nominaciones algo interesante han dejado. Por un lado, la aparición entre los finalistas (probablemente no se lleve nada) de El Árbol de la Vida y la buena acogida por parte de los académicos a Medianoche en París, con candidaturas importantes. Por otro, ver a los españoles Alberto Iglesias y Fernando Trueba representándonos en la ceremonia. También alguna decepción pues es difícil entender que Ryan Goslin no esté entre los mejores actores del año por su inolvidable personaje en Drive. Una película demasiado arriesgada para la conservadora industria, quizás.

La obra que parte con más candidaturas es La invención de Hugo (con once) de Scorsese que, probablemente, vaya a arrasar en los apartados técnicos. Más difícil será ver al legendario director recoger la estatuilla por su trabajo tras la cámara. Le sigue de cerca The Artist con diez nominaciones. Estas dos películas se las tendrán que ver en los apartados a mejor película y mejor director con pesos pesados del calibre de Terrence Malick (su segunda nominación) o Alexander Payne.

Se antojan difíciles algunos pronósticos. Los descendientes tiene un look demasiado ‘indi’, la reflexión del director de Malas Tierras, quizás sea un film demasiado de autor; la película de Scorsese, parece infantil y la de Hazanivicius es europea. El premio a la mejor película y al mejor director copan, pues, el mayor interés de una ceremonia que también tiene otros alicientes como la disputa entre Oldman (El Topo), Pitt (Moneyball) y Clooney (Los Descendientes) como mejores actores del año o una esperada ‘batalla’ entre dos viejas glorias: Glenn Close (Albert Nobbs) y Meryl Streep (La Dama de Hierro) por la estatuilla a mejor actriz.

Pero si hay una buena razón para trasnochar esa noche ésta es la susodicha doble nominación española. Por un lado, Alberto Iglesias se ha colado entre las mejores bandas sonoras del año por su contenido trabajo en El Topo. Por otro, y ésta sí es una sorpresa, Trueba volverá a pisar la alfombra roja gracias a su película de animación Chico y Rita.

Aquí está el listado de películas.

Mejor película

The artist

Moneyball

War Horse

Los descendientes

El árbol de la vida

Midnight in Paris

Hugo

Criadas y señoras

Tan fuerte, tan cerca

Mejor director

Michel Hazanavicius

Alexander Payne

Martin Scorsese

Woody Allen

Terrence Malick

Mejor guión original

The artist

La boda de mi mejor amiga

Margin call

Midnight in Paris

Nader y Simin

Mejor guión adaptado

Los descendientes

Hugo

Moneyball

El topo

Los idus de marzo

Mejor actor

Gary Oldman (El topo)

Brad Pitt (Moneyball)

George Clooney (Los descendientes)

Demián Bichir (A better Life)

Jean Dujardin (The Artist)

Mejor actriz

Glenn Close (Albert Nobbs)

Meryl Streep (La dama de hierro)

Viola Davis (Criadas y señoras)

Rooney Mara (Millenium: los hombres que no amaban a las mujeres)

Michelle Williams (My week with Marilyn)

Mejor actor de reparto

Kenneth Branagh (My week with Marilyn)

Jonah Hill (Moneyball)

Nick Nolte (Warrior)

Christopher Plummer (Beginners)

Max Von Sydow (Tan cerca, tan fuerte)

Mejor actriz de reparto

Octavia Spencer (Criadas y señoras)

Berenice Bejo (The Artist)

Melissa McCarthy (La boda de mi mejor amiga)

Janet McTeer (Albert Nobbs)

Jessica Chastain (Criadas y señoras)

Mejor película animación

Un gato en París

Chico y Rita

Kung Fu Panda 2

El gato con botas

Mejor película de habla no inglesa

Nader y Simin. Una Separación

In Darkness

Bullhead

Footnote

Monsieur Lazhar

Mejor documental

Hell and Back Again

If a Tree Falls: A Story of the Earth Liberation Front

Paradise Lost 3: Purgatory

Pina

Undefeated

Mejores efectos visuales

Harry Potter y las reliquias de la muerte – Parte 2

La invención de Hugo

Real Steel

El origen del planeta de los simios

Transformers 3: El lado oscuro de la Luna

Mejor fotografía

Guillaum Schiffman (The Artist)

Jeff Cronenweth (Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres)

Robert Richardson (La invención de Hugo)

Emmanuel Lubezki (The Tree of Life)

Janusz Kaminski (Caballo de batalla)

Mejor montaje

The Artist

Los descendientes

Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres

La invención de Hugo

Moneyball: Rompiendo las reglas

Mejor dirección artística

The Artist

Harry Potter y las reliquias de la muerte – Parte 2

La invención de Hugo

Midnight in Parisl

Caballo de batalla

Mejor vestuario

Anonymous

The Artist

La invención de Hugo

Jane Eyre

W.E.

Mejor maquillaje

Albert Nobbs

Harry Potter y las reliquias de la muerte – Parte 2

La dama de hierro

Mejor banda sonora

John Williams (Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio)

Ludovic Bource (The Artist)

Howard Shore (Hugo)

Alberto Iglesias (El Topo)

John Williams (War Horse)

Mejor canción original

The Muppets: Bret McKenzie(Man or Muppet)

Rio: Sergio Mendes, Carlinhos Brown, Siedah Garrett(Real in Rio)

Mejor mezcla de sonido

Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres

La invención de Hugo

Moneyball: Rompiendo las reglas

Transformers 3: El lado oscuro de la Luna

War Horse

Mejor montaje de sonido

Drive

Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres

La invención de Hugo

Transformers 3: El lado oscuro de la Luna

War Horse

Clint Eastwood regresa como cada año a nuestras pantallas y lo hace con otro film cargado de la elegancia y la negrura habitual de sus últimos trabajos. En esta ocasión, el octogenario cineasta se atreve con un biopic de J. Edgar Hoover, fundador del FBI, en una película marcada por la lucha entre la Historia y la memoria, que se revela extraña y sugerente por la fricción producida entre los escuetos datos reales existentes sobre el personaje y la enorme cantidad de referencias que ha generado el mito.

J. Edgar, insinúa, en principio, ser una cinta desmitificadora a través de un relato sustentado en las memorias escritas por el propio Hoover. Una propuesta que encontrará un sensacional giro en el guión hacia el final del metraje que hará replantearse al espectador lo visto y oído. Una vuelta de tuerca en perfecta coherencia con el asombroso planteamiento cinematográfico del autor que viene a decirnos que todo intento de desmitificación termina por renovar y agrandar la leyenda.

Como en la película que la antecede, la subestimada y excelente Más allá de la vida, el cineasta norteamericano vuelve a recurrir al montaje paralelo, aunque esta vez a través de diversos flashbacks que relatan la juventud y madurez del protagonista (su vida íntima, su ascenso al poder de la Oficina Federal de Investigación), unidos a un presente (ya pasado) que le exhibe como un obsesivo anciano.

La maestría calmada de Eastwood se hace patente en su manera de exponer los hechos, en lo sutil de su puesta en escena, pero también en un aspecto que ya era notorio en su anterior trabajo: un suave deslizamiento, casi invisible, a través de las tramas. Si en Más allá de la vida esto sucedía en el retrato de una vida que abrazaba una muerte que no se deseaba amarga, sino dulce y etérea, aquí ese anhelo está íntimamente relacionado con una vejez que es testigo de un pasado en permanente cambio.

Y si en aquella cinta el autor del Sin Perdón fue capaz de no estrellarse al transformar un peligroso argumento sobre los males del mundo en una película acerca de cómo el cine y la literatura (el arte) deben poseer una mirada contemporánea, en ésta toma un texto predestinado a ser una sobada meditación sobre la paranoia y la guerra de prevención post 11-S para entregar, finalmente, una lúcida reflexión audiovisual acerca del poder del cinematógrafo a la hora de capturar, fijar y reconstruir la Historia, pero, también (y esto es lo fascinante) de crear y reinventar mitos.

En este sentido, es como si el director hubiera llegado a una especie de nueva madurez que le permite convertir un guión alejado de sus temáticas habituales en una tierra sobre la que abonar sus preocupaciones. Pero, ¿cómo logran sus imágenes imponerse sobre escritos tan discutibles como los de sus dos últimas obras? ¿Tiene que ver, acaso, con una verdadera libertad alcanzada ahora que ya no tiene nada que demostrar?

Si atendemos al flashback que vertebra su nueva película, encontramos algo realmente inquietante según se despliega. Crece y multiplica sus tramas de forma ejemplar mientras conocemos a los diversos personajes que habitan su historia, pero lo realmente atractivo es el nacimiento en su interior, casi sin ser notado, de un pequeño relato que parece contener la respuesta a las susodichas preguntas. Se trata de un misterio en torno a una tragedia infantil (uno de los grandes asuntos en la filmografía del americano) que articula la primera hora y media del film sin aparentarlo.

La sutil manera en la que Eastwood utiliza esa información de temática tan propia como mera cuestión secundaria para llevarse un material ajeno al terreno de sus inquietudes, luce como la clave para entender como este viejo sabio carga de sentido y de densidad las tenebrosas escenas de su producción de forma ‘invisible’.

Paradójicamente, la genialidad del cineasta es también la tara de la obra pues hacia la media hora final, el susodicho enigma es resuelto y la película pierde compacidad tornándose reiterativa. Una falla que aleja a la cinta de la grandiosa pieza que pudo llegar a ser pero que no evita que su director logre una personal recreación histórica bañada por su mirada. Que consiga un fascinante trabajo capaz de cartografiar un territorio lleno de espectros que pertenecen al pasado, a la historia reciente de un país que muta a raíz de las obsesiones del californiano.

Los estrenos de esta semana vienen marcados por la llegada de una de las más firmes candidatas a llevarse un buen número de estatuillas en la próxima gala de los Oscar del próximo 26 de febrero. Los descendientes devuelve a la plana de actualidad al director de Entre copas, Alexander Payne, con una tragicomedia de un hombre que afronta el doble revés de ver a su mujer en coma, y enterarse de que le había estado engañando con otro. Una película desajustada en su tono, excesivamente laureada, y que guarda en George Clooney su mejor apuesta para desempeñar un buen papel en taquilla. Si queréis más información, ayer mismo publiqué su crítica.

En el plano nacional llega Silencio en la nieve. El director y productor Gerardo Herrero adapta un interesante argumento de una novela de Ignacio del valle en que traslada el género detectivesco de crímenes y investigaciones en el núcleo de la División azul y en el marco del frente ruso durante la II Guerra Mundial. Inusual y potente contexto para ambientar una película de crimen cometidos por un asesino en serie que se va desluciendo a medida que el filme avanza y las grietas de su guión y diálogos se hacen más evidentes. No obstante es un gran ejercicio de puesta en escena y ambientación cuyo visionado transcurre fluido.

Jean-Jacques Annaud pretende recuperar el mejor estado de gracia que le permitió elaborar alguna películas emblemáticas de la década de los 80′s y los 90′s con Oro negro. El director de Enemigo a las puertas adapta la novela The Great Thirst de Hans Ruesch para relatar la rivalidad en los años 30 de dos emires árabes interesados en controlar unos importantes yacimientos de petróleo. Al mismo tiempo, un joven y carismático líder consigue unir bajo su mando diversas tribus de beduinos del desierto. En el reparto de este drama de aventuras encontramos los rostros conocidos de Antonio Banderas, Mark Strong y Freida Pinto.

Si lo que se pretende es utilizar pocas neuronas, o dado el caso perder algunas, entonces la apuesta de esta semana es Jack y su gemela. O ver a Adam Sandler lidiando en Navidad con la llegada de su odiada hermana.

Bunraku es de esos files de nuevo cuño hollywoodiense en que no hay ningún tipo de reparo en mezclar concepto y géneros a mansalva. Aquí un vagabundo y un samurai unen fuerzas para luchar en una ciudad que vive atemorizada por el control de una banda criminal y la presencia de una femme fatale. O sea la alargada sombra de Sin City, con algunos ingredientes extra y caras conocidas como la de Josh Harnett, Demi Moore, Ron Perlman, Woody Harrelson y el español Jordi Mollà. Dirige Guy Moshe.

Por último, y con mejores sensaciones, tenemos que hablar de Sombras del tiempo, una producción alemana del 2004 (sí, lo han leído bien) ambientada en la India y construida alrededor de un drama romántico. Dirige la cinta Florian Gallenberger.