Hay directores que parecen dar vueltas en círculo sobre determinadas coordenadas temáticas. Algo así le está sucediendo a Todd Solondz, que desde su impecable retrato de la sociedad disfuncional en Happiness, parece haberse metido en un callejón sin salida, y eso se traduce en que el espectador padece una sensación de déjà vu con los  personajes, las casas con su porche y las vallas blancas, la sordidez de su estilo, las patologías que afectan a los personajes, y en definitiva la sensación de ver el mismo veneno vertido en anteriores filmes. Esto precisamente es lo que sucede en su última película, La vida en tiempos de  guerra, de la que cuesta encontrar diferencias con la citada Happiness o Cosas que no se olvidan.

Su último filme se sumerge de nuevo en el universo de Happiness a través de la resquebrajada familia Jordan. En esta ocasión las tres hermanas tratan de buscar su lugar en el mundo mientras intentan superar los fantasmas del pasado, o al menos, afrontarlos y perdonarlos.

Detrás de su plano argumental, Solondz destapa todas sus obsesiones temáticas: el perdón, la religión, la pedofilia, la violación, el vacío espiritual, la incomunicación, y lo hace envuelto en un contexto desolado, marcado por la América post 11-S (a eso alude el título). Lo que en otras películas vertía con cinismo, humor ácido y provocación, aquí solo destaca lo último. Es en su empecinamiento por la transgresión donde el director de Palíndromos pierde de vista la película, y por consiguiente el conjunto decae en ritmo e interés. A pesar de ello, contiene algunos diálogos hilarantes, como los de la secuencia que abre el filme, y punto de inicio de la pérdida de interés sobre el mismo.

Todd Solondz sigue encaprichado en rizar el rizo con los traumas (de índole diversa) que afectan a la sociedad norteamericana (y por ende la occidental), sin embargo, su fórmula se repite cíclicamente hasta el aburrimiento, y lo que en el pasado tenía garra ahora no es más que un indefenso veneno para los fieles que le siguen riendo y mostrando aprecio.

Este último viernes de julio se presenta cargado de estrenos cinematográficos, lo que no implica, que sea recomendable gastarse los 7 € que cuesta la entrada al cine. Empezamos por el más sonado de ellos, la adaptación a la gran pantalla de la serie de la mítica serie de TV El Equipo A. El equipo A cinematográfico lo comanda Joe Carnahan (¿se acuerdan de Narc?) y está compuesto por Liam Neeson, Bradley Cooper, Quinton ‘Rampage’ Jackson y Sharlto Cooper. ¿Qué podemos esperar”, dos horas de desenfreno anabolizante, y poco más.

Hoy también se estrena Splice, el último filme del interesante director Vincenzo Natali, que no es más que un fallido subproducto de serie B del que ya vertí todas mis impresiones en esta crítica. Para los amantes del cine cómico de Adam Sandler llega Niños grandes, que cuenta el rencuentro de un grupo de amigos de infancia que se reúnen tras la muerte de su entrenador. Pese haber transcurrido 30 años de la última vez que se vieron se dan cuenta que en realidad no han cambiado demasiado.

Si se busca alguna propuesta romántica, puede que Mi segunda vez sea la solución. En ella Catherine Zeta-Jones es una mujer casada que descubre que su hombre lo engaña, entonces decide rehacer su vida en Nueva York con sus hijos, y es allí donde conocerá a un joven recién licenciado del que se enamorará.

La propuesta más adulta de este viernes nos la entregan los Hermanos Dardenne con El Silencio de Lorna, un drama que se alzó con el premio al mejor guión en el Festival de Cannes del 2008. Y por último también nos llega la última comedia ácida y transgresora de Todd Solondz. Este Enfant terrible del cine americano vuelve con La vida en tiempos de guerra, un gris filme que tan sólo contentará a sus más acérrimos (por la tarde más señas al respecto).

Mañana se estrena en nuestras pantallas la última película del canadiense Vincenzo Natali. Como George A. Romero con el terror, Billy Wilder con la comedia, o John Frankenheimer con el policiaco,  a Natali se lo vincula estrechamente con la ciencia ficción. Género en el que se enmarcan sus frescas e inteligentes primeras películas: su aplaudido debut Cube (lidiando con el cine de terror original y visceral), y la menos reconocida Cypher (relectura futurista del cine de espías e intriga). Ahora regresa a nuestros cines con Splice, la cual, para su estreno español, se ha decidido complementar su título con “Experimento mortal”, cuando quizás lo más apropiado para prevenir al espectador hubiera sido el de “experimento erróneo”.

En Splice Adrien Brody y Sarah Polley interpretan a una brillante pareja de científicos. La ambición los lleva al peligroso terreno donde la ética choca con la ciencia, y mediante uno de sus avances en ingeniería genética deciden llevar a cabo un experimento con ADN humano, aportando con ello, un nuevo eslabón al árbol evolutivo.

Un planteamiento que parecía suficiente para tirar adelante un proyecto, pero al que pronto, el espectador le encontrará todos los agujeros que lo convierten en un desbarajuste fílmico de dimensión. Empezando por un punto que se considera asolido por las producciones americanas de cierto rango: los efectos especiales de la criatura en su estadio embrionario resultan risibles. Pero es sin duda la caracterización de esa pareja de científicos, que sin ninguna explicación de por medio, los han convertido en una pareja de científicos impostadamente cool, que de tanto buscarlo terminan instalados en lo hortera. Tampoco ayuda la aportación que ofrecen Sarah Polley y un Adrien Brody que parece no haberle sentado bien ganar un Oscar. El resultado de ello es una de la parejas con menos química, y por lo tanto, con menos capacidad de generar empatía, que uno recuerda.

Pero no quedan aquí todas las debilidades de Splice. En su plano argumental la película es una vaquilla sin fuerza que anda descontrolada de un género a otro sin saber muy bien donde quedarse, y con la pena, de no cumplir en ninguna de ellas. El argumento no sólo no avanza, sino que se pierde saltando de la ciencia ficción, al terror, y a la serie Z más espantosa que puebla sus minutos finales. Y todo ello aliñado con situaciones incomprensibles, vejaciones narrativas, diálogos que rozan el ridículo, y un sin sentido general que alcanza su máxima expresión con esa cópula entre Adrien Brody y su hija/monstruo de laboratorio. Lo peor llega en su tramo final, que produce tanto estupor, verguenza como indiferencia por culpa de unos personajes que nunca llegan a transmitir nada. Así, en uno de sus giros incomprensibles, la película se transforma en una película de acción (¿o sería más acertado hablar de videojuego de lucha?) al más puro estilo Van Helsing o Ángeles y demonios (la saga protagonizada por Christopher Walken).

Splice es la caída en picado de un director que ha demostrado una valía a lo largo de su trayectoria, pero que se estrella con este híbrido de serie B entre Frankenstein y Species, pero que no llega ni a poder compararse con la segunda parte de la última, ya no hablo de cualquier versión de la primera. Sólo falta esperar que recupere el pulso con la esperada adaptación del Neuromante de William Gibson.

A veces el destino te planta delante de la misma película sin que uno lo sepa de entrada. La anécdota, atribuible a lo senil o el despiste, se convierte en una curiosa coincidencia cuando precisamente el filme en cuestión habla de la casualidad. Lo trata Kieslowski en El Azar a través de tres distintas versiones de lo que es, o hubiera sido, la vida de Witek al coger  o no el tren hacía Varsovia. Como si de una segunda oportunidad se tratara, servidor volvió a ver este filme, y lo disfrutó en una dimensión, que en la vez anterior (quizás por edad o por desgana) no contempló.

Con un esquema argumental parecido a la reciente Las vidas posibles de Mr. Nobody, o Dos vidas en un instante, El Azar nos presenta tres destinos distintos en la vida del protagonista ligados directamente con la pérdida de un tren. En la primera versión Witek se afilia al partido y vive la desilusión de ello. En la segunda se convierte al catolicismo y se afila a una organización clandestina. Y en la tercera termina la carrera de medicina, se casa y ejerce como doctor sin ningún interés por el mundo de la política pero el azar lo aplasta cruelmente (¿como motivo de su apatía política?).

Las diferentes vidas le sirven a Kieslowki para elaborar un fresco de la situación política de su país (Polonia), hecho que pagará con la prohibición del filme. En las diferentes facetas de Witek, el director de La doble vida de Verónica refleja la complejidad de un país que se ve atrapado en la propia aspiración de libertad tras años de oscuro obstinamiento. Como norma común de su filmografía, la película denota cierto pesimismo, cierta desazón que se apoya en una fotografía gris, en una diálogos ásperos, y un ritmo apaciguado, diríamos que hasta incordioso para días de mucho calor o mucho frío. Pero si el espectador es capaz de sobrellevar unas insignias tan impropias del cine contemporáneo, no sólo encontrará un interesante filme en el que subyace de forma casi evidente que mujeres y política no son compatibles, sino que verá una obra llena de matices y dobles lecturas, que demuestra el innato talento de su director para transmitir ideas y pensamientos.

Para Kieslowski el libre albedrío es una mentira que lo lleva a la muerte o la traición, para el que firma es la oportunidad de apreciar una notable obra que en otra ocasión no fue capaz de valorar en toda su dimensión 

No recuerdo cual fue el último viernes en que los espectadores podían elegir entre varios estrenos, pero puede que el de hoy se parezca a uno de ellos. Tras el estreno en medio de la semana de Toy Story 3, posiblemente la película del verano y el broche perfecto a la saga de animación perfecta, nos llegan un buen puñado de estrenos que pueden justificar pagar una entrada de cine.

Empezamos con la efecticista Las vidas posibles de Mr. Nobody. El filme del director belga Jaco van Dormael recupera el argumento de los dobles destinos, aquí incluso triples, tal y como previamente ya habían jugado  Woody Allen en Melinda y Melinda, o Peter Howitt en Dos vidas en un instante. En el reparto un convincente Jared Leto, y acompañado por Sarah Polley y Diane Kruger. Para más señas esta crítica publicada el pasado sábado.

Otro estreno, a priori de interés, es la comedia negra Sunshine Cleaning. Sus responsables la venden encasillándola en el marco de comedia indie americana a rebufo de Little Miss Sunshine. La película de Christine Jeffs centra su historia en dos hermanas que encuentran la particular forma de ganarse la vida a través de limpiar las escenas del crimen, una vez las policía ha sonsacado de ellas las pistas necesarias.

También hoy viernes nos llega Pesadilla en Elm Street: El Origen; una nueva reedición de la clásica saga de terror dónde por primera vez el personaje de Freddy Krueger no es interpretado por Robert Englund sino por Jackie Earle Harley.

Y por último la olvidadiza el Diario de Carlota de José Manuel Carrasco, y Franklyn de Gerald McMorrow, cuyo trailer ya hacía presagiar los peores temores.

Desde que este blog hiciera las maletas para dejar Nueva York y reincorporarse a su habitual rutina peninsular, no ha habido ni una sola película que se haya ganado la confianza de quien escribe como para recomendarla ciegamente a vosotros, los lectores. Por fin, y gracias a Dios Pixar, hoy 21 de julio de 2010 puedo decir sin temor a equivocarme que esa película ha llegado a los cines.

Y es que cuando se habla de Toy Story no sólo estamos hablando de la película que propició todo el boom de la animación por ordenador, o que provocó la consolidación de un gigante en el campo, como es Pixar, y que con los años se convertiría en la saga de animación más popular y querida por sus aficionados, también hablamos de sentimientos y emociones en torno a unos personajes, Woody, Buzz y otros, que parece que los hayamos visto crecer (cuando en realidad ha sido al revés). Y sin duda, su tercera parte promete volver a despertar todos estos sentimientos.

Aún no sé si va a ser la primera trilogía cuya tercera parte supera a las dos primeras, pero lo que aseguro de antemano es que este es el filme del verano (con permiso de Origen), y quien sabe si del año (de momento lo tiene fácil). Por fin nuestros seis euros quedaran amortizados por las imágenes que fluctúan por la pantalla y no por el aire helado que sale de los aparatos de aires acondicionado. Y la recomiendo a todos, niños o adultos. Niños que ansían ser adultos, o adultos que son niños. Toy Story 3 es para todos.

Las vidas posibles de Mr. Nobody (Mr. Nobody) es una película de ciencia ficción que el belga Jaco Van Dormael empezó a rodar en 2007,  pasó por Cannes y Sitges en 2009 con disparidad de opiniones, y que llega a nuestras salas el próximo viernes. El filme enfoca su lente en Nemo Nobody (Jared Leto), un anciano de 120 años que en pleno 2092 se ha convertido en el único mortal vivo entre los humanos, que gracias a los avances científicos se han vuelto inmortales. Cuando Nemo se encuentra en su lecho de muerte, revive 3 posibles existencias y matrimonios que tal vez pudo experimentar.

Bajo esta premisa Van Dormael construye, por su planteamiento, ejecución, y definición formal y de fondo, su más ambicioso proyecto. Sus altas metas le impiden coronarse, pero en un estancamiento de ideas como el que vivimos en la actualidad, ya se agradece al menos propuestas que visualmente intentan parecer frescas, pero que en el fondo, si se excava un poco, no lo son demasiado.

Tal y como ocurre viendo el conformismo con el que se ha optado para elegir la banda sonora, que escoge canciones, que por su uso en anteriores películas y el contexto del que parten, se pueden convertir en lugares comunes, más si suenan prolongadamente en diferentes estadios /episodios de la película. Eso no quiere decir que la conjunción con las imágenes no resulte, y que la selección musical no esté compuesta por grandes temas, pero sí que su uso no parece demasiado trabajado ni inteligente.

El principal escollo del director belga es confundir complejidad con confusión. La compleja estructura del filme, y los constantes saltos en el tiempo, y las diferentes vidas del personaje central, hacen que el espectador se pierda con facilidad por su telaraña argumental, que como el filme que protagonizaba Bill Murray, parece dar vueltas sobre unas mismas imágenes y situaciones. Algo que hace decaer el interés.

Y eso a pesar de los notables esfuerzos por parte del director de envolver su historia con un bello precinto visual, que se sustenta por la gran libertad creativa que genera una historia como la de Nemo contada mediante la fabula.

Los paralelismos con Dos vidas en un instante y Corre Lola Corre, son evidentes incluso para su autor, pero su imaginario visual se enriquece de filmes más dispares, desde el reciente El curioso caso de Benjamín Button, hasta Leólo, los filmes de Jean Pierre Jeunet o C.R.A.Z.Y. La suma potencia la factura visual del filme belga más caro de la historia, haciendo que en sus inicios te atrape y te deslumbre con facilidad, pero a medida que la historia transcurre y la paciencia del espectador se agrava, el hilo argumental que teje Van Dormael muestra todas las carencias que el impacto visual no permitía ver desde el inicio.

De su enrevesado guión sin garra, subyace demasiado la misma idea de las segundas oportunidades, de la arbitrariedad de las grandes decisiones, y de la elección y sus consecuencias. Es quizás en su visión irónica del futuro donde más brillo le saca al asunto.

Las vidas posibles de Mr. Nobody es el clásico filme que sorprenderá a muchos, encandilará a otros, y sacará de sus casillas a otros. El que firma se queda en un plano intermedio, sabiendo que tras ese look videoclipero impresionante no hay mucho a lo que agarrarse. Pero al menos sus logros formales te mantienen atrapado durante 40 minutos de sus 140 minutos, y se agradece la valentía de Jaco Van Dormael por abordar un proyecto de grandes ambiciones, a pesar que el resultado no sea el más deseado.

Desafiando a la habitual decadencia que invade el cine italiano desde la desaparición de sus grandes maestros ─Antonioni, Fellini, Pasolini ─ y el apartamiento del cine, por motivos de salud, de gran Bernardo Bertolucci, y avalada por los festivales de Sundance y Toronto, nos llega esta curiosa cinta de Luca Guadagnino (Melissa P.) que parte de una idea original de la actriz británica Tilda Swinton (Michael Clayton, Quemar después de leer) que se reserva el protagonismo del film, además de la producción, y con la que el director italiano, previamente, había realizado un documental sobre el mundo de los sentimientos: Tilda Swinton: The Love Factory, un original proyecto en el que la actriz hablaba libremente del amor.

Los Recchi, familia de la alta burguesía industrial milanesa, celebran la Navidad con una reunión en la que el patriarca de la dinastía (un recuperado, para el cine, Gabrielle Ferzetti que tantas veces hizo de mafioso en las películas de Elio Petri) designa como heredero a su nieto, saltándose a su hijo Tancredi Recchi. Emma (Tilda Swinton), su esposa de origen ruso, es mudo testigo de ese peculiar traspaso de poderes a su hijo Antonio. Un amigo de éste, (Edoardo Gabbriellini), cocinero creativo y amante de las plantas, fijará su atención y con él vivirá una apasionada historia de amor que hace tambalear todos sus rígidos principios y sacrificar su estatus social y económico a cambio de una pasión amorosa que la hace vivir y romper con todas sus ataduras, incluida la de sus hijos.

Con una puesta en escena operística, subrayada por la potencia de su banda sonora, Guagnino estructura este drama de amor romántico en el que la actriz británica brilla en un papel escrito a su medida y rompe, con pasión, su apariencia de mujer fría y hierática que de ella teníamos por anteriores interpretaciones. Hay un retrato obsesivo de los rituales de esa burguesía milanesa, fría y amanerada, que visualiza muy certeramente el realizador a lo largo de los suculentos banquetes o las reuniones, los personajes secundarios están perfectamente caracterizados y, además de Ferzetti encontramos a figuras como Alba Rohrwacher,  Marisa Berenson, Flavio Parenti y Pippo Delbono.

Lástima que la exquisitez de la puesta en escena, sus encuadres milimétricos y, en ocasiones, algo forzados, pero que sirven para describir perfectamente ese ambiente rígido y conservador que recrea Guadagnino, no se corresponda con una fotografía de altura.

Para otro viernes en que el calor aprieta y las neuronas flojean, que mejor que estrenos cinematográficos vacíos, cargados de olvido inmediato. De los estrenos de este viernes, Noche y día se posiciona como lo más accesible. La película viene dirigida por James Magnold, el casi siempre notable director de títulos como Heavy o Copland, y la protagoniza el tándem: Tom Cruise y Cameron Díaz. La película se enmarca en el género de la acción, aventuras, y persecución, mucha persecución. ¿Estos ingredientes justifican el precio de la entrada?, no lo creo, pero quizás distraen la tarde.

Sin duda despierta más la atención la última película de Rachid Bouchareb (Days of glory). London River relata la desesperada búsqueda, por parte de una madre inglesa y un africano musulmán, de sus respectivos hijos, durante los sangrientos atentados en Londres del 7-J.

También hoy viernes se estrena Una hora más en Canarias, la última comedia del director de Días de fútbol. Parece que se vuelven a repetir los principales rasgos de la comedia española de enredos sentimentales al estilo El otro lado de la cama.

Otros filmes que nos llegan son Ella, una joven china, donde se nos relata la típica transición interna que sufre una joven chica china cuando pasa de vivir en su pueblo natal a la ciudad más cercana.  Y por último El circo de los extraños, la última incursión al cine de Paul Weitz, director de American Pie. Esta vez con licántropos por el camino, y con John C. Reilly, Willem Dafoe y Salma Hayek ganándose a pulso un prolongado descrédito.

Por suerte, el miércoles Pixar y su primera tercera parte, prometen volver a traer la sonrisa a nuestros serios y críticos rostros cinéfilos.

Un año más la muestra de cine al aire libre de Montjuïc se convierte en una de las propuestas más refrescantes dentro de las actividades culturales de verano en Barcelona. Del 5 de julio al 6 de agosto, se proyectarán en los jardines del Castillo de Montjuïc películas de envergadura, algunas de ellas con un paso relativamente reciente por nuestras carteleras. Cada proyección vendrá precedida por un concierto, un corto que empezará a las 22h, y finalmente el pase del filme que empezará a las 22.15h. El precio es de 5 €, y las proyecciones tendrán lugar los lunes, miércoles y viernes.

La muestra viene organizada por los responsables de los cines Verdi, y eso se deja ver en el buen olfato para articular la selección programada. Aquí van las próximas proyecciones 

Hoy 14 de Julio – La Naranja mecánica

Stanley Kubrick, Reino Unido – EEUU, 1971 (136 minutos)

16 de julio – Mi vecino Totoro

Hayao Miyazaki, Japón, 1988 (86 minutos)

19 de Julio – Vals con Bashir

Ari Folman, Israel, 2008 (87 minutos)

21 de julio – Déjame entrar

Tomas Alfredson, Suecia, 2009 (114 minutos)

23 de julio – Las vacaciones del señor Hulot

Jacques Tati, Francia, 1949 (70 minutos)

26 de julio – Despedidas

Yojiro Takita, Japón, 2008 (131 minutos)

28 de julio – La clase

Laurent Cantet, Francia, 2008 (128 minutos)

30 de julio – La quimera de oro

Charles Chaplin, EEUU, 1925 (95 minutos)

2 de agosto – Revolutionary Road

Sam Mendes, EEUU, 2008 (119 minutos)

4 de agosto – Gomorra

Matteo Garrone, Italia, 2008 (135 minutos)

6 de agosto – película sorpresa

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