La importancia de The Kinks se podría medir por sí sola mirando la cantidad de obras mayúsculas que acumularon en su dilatada trayectoria. Las desavenencias entre los hermanos Davies no hicieron estragos en la fructífera y recuperable obra de esta banda, que siguió produciendo discos hasta 1996 (año de su disolución). Una de las joyas que sobresalen de su dorado período, en el que fueron eclipsados injustamente, por bandas más mediáticas como The Rolling Stones, The Beatles, o incluso los The Who, es este Arthur or the decline and fall of the British Empire.

Un  sobresaliente disco conceptual, que aguarda en su interior toda la grandeza que era capaz de desplegar esta banda británica: envidiables riffs de guitarras, adornos asombrosos, pianos eléctricos, voces y coros celestiales, y sobre todo esa afinidad por las armonías doradas de factura impecable, regusto orgásmico, y estructura compleja, que sirve para destapar el virtuosismo de cada uno de sus componentes, pero también para bañar de felicidad al oyente con cada nueva escucha, cada nuevo arreglo, y cada nuevo cambio de ritmo y tono que se producen en los interiores de los propios temas.

Algo que ya se aprecia con la apertura del disco. El luminosos “Victoria” es un potente y brillante halo de luz con cualidades de sobras para quedar revoloteándose por nuestra cabeza durante varios lustros.

No se queda atrás la siguiente “Yes Sir, No Sir”, con esa estructura en tres actos tan propia de grupos británicos de la época, y que deja al oyente descolocado, casi siempre, con la boca predispuesta a recibir cantidades industriales de moscas curiosas.

Con “Drivin`” elaboran uno de esos temas cadenciosos, con ritmo marcado, y un deje con olor a “fish & chips”. Podrían conducir los Beatles, Manfredd Mann, pero el motor aquí lo hacen rugir los hermanos Davies.

“Brainwashed” se distancia de los otros cortes con esa primera parte entre el British Skiffle y el primerizo R&B inglés de medianos de los 60’s, para luego fantasear con el crujido potente de unos The Who.  

En el corte 6 nos vuelven a dispensar esa receta de pop radiante. “Australia” es un aparentemente sencillo tema armonioso, que va acelerándose hasta convertirse en una compacta canción de rock contundente, cercano al progresivo.

A ésta la sigue el cenit del álbum, y quizás de su carrera. porque “Shangri-la” sigue siendo una de las canciones más  bellas que ha escuchado nunca el que escribe estas líneas. Su preciosista producción, esa estructura tan cuadrada, ese solapamiento de instrumentos que nos acercan a ese Shangri-la musical, o ese sobrecogedor estribillo que estalla como el corcho de una botella, con una potencia de la que es difícil desquitarse, para poder volver a bajar al plano terrenal. ¿Puede parecer suficiente?, para ellos no, Ray Davies y los suyos nos sorprenden con un twist que marca la segunda estrofa completamente rompedora y desequilibrante, rock contundente, de clara reminiscencia sesentera, de finales más bien, para volver a la tranquilidad y el reposo eterno de la estrofa monárquica, celestial y grandilocuente. 

A continuación, para los que hayan podido bajar de las alturas donde te eleva el anterior tema, llega “Mr. Churchill says” un tema más sencillo, calmo, pero con otro viraje subido de decibelios y potencia, en la mejor tradición de la british invasión bluesera del estilo The Animals y The Rolling Stones.

“She bought a hat like Princess Marina” se meten de lleno en la sátira ácida que caracteriza parte del humor inglés, con esa voz de Ray tan impostada, y con ese acompañamiento musical tan propiamente “british”, de la hora del té con galletas. Luego el asunto se acentúa con un cabaret galáctico que haría estremecer de gusto al propio Pau Riba.

“Nothing to say” es otro viaje con estructura cambiante, que pasa de un blues británico, a tramos de desolación lisérgica hasta un viaje final de coros de optimismo.

Finiquitan el gustoso viaje con la canción que da nombre al álbum, un sorpresivo tema que coquetea con el country y los banjos, y te transporta a territorio norteamericano de la mano de los primeros pobladores. Todo se junta en un coro con el que de The Kinks coronan finalmente la conquista de América.

Tiempos lejanos, tiempos mejores, tiempos dorados. The Kinks nos transportaron al Shangri-la sonoro de la música británica de los 60’s. Con discos como Arthur, a día de hoy podemos recuperar y disfrutar de estas joyas, y ansiar ver parte del talento que desbordaba este grupo a través de Ray Davies y sus directos, como el que ofrecerá esta noche en el FIB.

Refrescantes remedios musicales para un caluroso verano. (Para escuchar el disco en Spotify clica en su título)

The Drums- The Drums

La última sensación indie procede de la escena Brooklyn, pero su sonido parece ser la antítesis de la psicodelia que baña a cada nuevo grupo de esa zona de NYC. Después de editar un primer EP Summertime  que recogió todo tipo de elogios, publican ahora su primer larga durada The Drums, donde recogen algunas de las canciones que los han convertido en una banda en boga.

Su sonido, definido por algunos como pop surf, es un entramado pop de estribillos pegadizos y coreables, interpretados con una actitud fresca, juvenil y despreocupada. Sus coros nos remiten a las horas despreocupadas de juventud, a olas y a chicas de Vice Beach. El álbum lo componen 12 píldoras revitalizantes de pop bailable y contagioso. Temas como “Let’s go surfing” y “Forever and ever amen” lo certifican, y se posicionan en la pole position de cara a los temazos veraniegos 2010, o  por qué no, del año.

Eli “Paperboy” Reed – Come and get it

Escuchar a Eli “Paperboy” Reed da tanta satisfacción como coincidir con los únicos rayos de sol que se filtran en un día nubloso. Nadie que vea a este joven blanco flacucho es capaz de imaginar que de su interior pueda brotar una voz soul tan potente. Su música está anclada en el género que cimentaron Sam Cooke, Aretha Franklin, James Brown o Otis Redding, entre muchos otros. De hecho tanto este Come and get it , como su anterior Roll with you, son obras que no parecen hijas de su tiempo.

Con Come and get it, Eli “Paperboy” Reed reemprende la senda de su debut para recrearse en ese soul añejo que tanto parece haber mamado en su natal Massachusets, y lo hace a través de 13 cápsulas de optimismo rebosado. A pesar de una cadencia rítmica que se repite de forma similar canción tras canción, la entrega en cuerpo y alma del norteamericano contagia de vitalidad al oyente que se acerca a escuchar. Atención a “Explossion”, que como ya indica el nombre del tema te sacude con su explosivo ritmo inspirado en el desenfreno de Mr. Dynamite (AKA James Brown).

Holy Fuck – Latin

Encasillados dentro del neo-electro, la verdad es que el sonido rabioso y potente de este colectivo canadiense no cabe en etiquetas.  Latin es su última obra, y quizás la máxima expresión de dónde puede llegar su música. La mayor parte de él es eminentemente instrumental, y de un matiz caótico y paranoico, pero debajo de ese aparente desorden se esconde unas capas de sonido que proceden de distintas fuentes (batería, guitarras, sintes) pero que saben encontrarse y acoplarse a la perfección.

Viendo el desenfreno energético que desprende la banda sobre los escenarios resulta difícil  imaginárselos en el confort de un estudio, pero los de Toronto han sabido trasladar esa rabia y potencia controlada con rigor a estos temas que configuran la obra. Mezclando toda clase de sonidos inidentificables, Holy Fuck construye unas inspiradoras capas que terminan estremeciendo por potencia. Su último álbum es algo así como escuchar las tormentas eléctricas de Explosions in the sky pero tejidas desde bases electrónicas.

Mala Rodríguez – Dirty Bailarina

Dirty Bailarina es la última propuesta en gran formato de la rapera española.  La Mala alcanza con este trabajo niveles que harán envidiar a muchos artistas autóctonos. La envidia de ese sonido pasa por la excelente producción a cargo del estadounidense Focus, Griffi, y Señor T. Cee. Y por cuajar sin salir malparada el rap con el flamenco y el pop.

La jerezana coge el resultado de estas largas horas en el estudio, y le estampa su sello inconfundible mediante su elocuente lírica urbana y su perfecta rima. El álbum crece con cortes como  “Yo no mato el tiempo” o la inicial y 100% Mala “En la línea”. También con la balada experimental de corte futurista que es ese “Nene”, o con esos coros cálidos de “Amo” . Mientras sus cápsulas más neo-soul y flamenco son las que desaceleran la impresión global que uno se guarda, son temas como “Un corazón” y “Patito feo”.

The Roots – How I got over

El ultimo producto de la factoría The Roots es una pieza de orfebrería tallada con maestría según los patrones del soul, el hip-hop y el crossover indie-rock más limpio. ¿Y cómo se puede salir airosos de todo ello?, con precisión, elegancia, criterio, lucidez, y un saber hacer general a manos de muy pocos.

Lo último de los de Philadelphia es todo un despliegue emocional. How I got over desprende un aire desalentador, en ocasiones melancólico y apagado. Ayudan en ese sentido las excelentes colaboraciones vocales que aportan: Joanna Newsom, Jim James de The Morning Jacket,  Dirty Projectors o John Legend, entre otros. En la perpetuidad deberían quedar cortes como “The day”, “Walk alone” o “Right on”.  How I got over no es un disco de rap de The Roots, es un enorme disco de rap-soul heterodoxo  con un aroma descorazonador.

Devo – Something for everybody

Something for Everybody supone el primer álbum de estudio de Devo tras veinte años de sequía creativa. El disco requiere de varias escuchas si no quiere verse abocado a la papelera, y eso sería injusto, porque pese a no encontrarse en la cresta de la ola como hace treinta años, la veterana banda new wave sigue despuntando por su sencillez harmónica y por la facilidad y manejo a la hora de transmitir buenas vibraciones al oyente.

Enmarcado en una corriente electro pop de baja intensidad conceptual e instrumental, el disco funciona a medida que el oyente consigue adaptarse al nuevo sonido del grupo. Hay poco adornos y florituras, de hecho la estructura rítmica es muy pareja en todo el disco, pero si su objetivo era un “something for everybody”, creo que sus estribillos pegadizos pueden medio conseguirlo, al menos para algunos. Los mejores resultados llegan con “Fresh”, la Roxymusicera “No place like home”, “What we do” o “Don’t shoot (I’m a man)”.

Si uno sobrevive al arrollador corte con el que Sleigh Bells abren Treats, entonces estará más que predispuesto a dejarse arrastrar por unas corrientes cargadas de estribillos pop que al fundirse con cascadas de noise turbulento, producen algún que otro remolino cargado de actitud punk y hiphopera. 

Sleigh Bells se configura al en torno de una pareja de músicos que comparten las mismas inquietudes. Por un lado Derek Miller, ex guitarrista del grupo Hardcore Poison The Well, por otro lado la sexy Alexis Krauss que había tenido un papel de vocalista en el grupo Rubyblue. Su despegue llega tras un show en el festival CMJ festival, luego se patean todas las salas de conciertos de NY, adquiriendo suficiente notoriedad para que Diplo se quede, y les proponga como teloneros para su proyecto Major Lazer. Ahí es donde entran en contacto con la cantante M.I.A que los ficha para su ello N.E.E.T , y el resultado de todo ello es este atractivo álbum.

No es mera casualidad que M.I.A se quedará prendada de su sonido, ya que sus bases son tan galopantes y adictivas como pueden ser las que Diplo le acostumbra a dispensar. Precisamente el primer tema “Tell’em” ya tiene ese descaro y potencia que hablábamos, y la voz de Krauss se asemeja aquí al desparpajo de la de la shamil. Sin darte cuenta ya te encuentras atrapado por sus salvajes corrientes. También arrolla por potencia el siguiente tema que sigue “Kids”, un sube y baja que te ahoga con su fogosa caja de ritmos mientras aquí una dulce y suave voz de Krauss te intenta dar una mano para sacarte de las profundidades. Algo parecido, pero con una voz más punk de fondo, en el siguiente “Riot rhythm”.

Hacía su ecuador el disco recorre un tramo de aguas remansas, bajadas de revoluciones y de intensidad, y en definitiva poco excitantes, son temas como “Run The heart” o “Rachel” donde Krauss se convierte en La Roux. El río se vuelve a encauzar con el coreable estribillo de “Rill Rill”. Con un ritmo muy similar (de hecho es un ritmo muy recurrente en el disco, lo que puede llevar a la confusión de los temas) la corriente se desborda de energía, pegada y espíritu punk adictivo, todo tras el salto desde el que te lanza “Crown on the ground”.

Como suele pasar por estos casos, el asunto se pone peligroso con las endiablas guitarras y el explosivo sacudir al que te lleva la distorsión de “Straigh A’s”. Antes de desembocar en el mar, hay lugar a “A/B Machines” con un punteo de guitarras, y una producción entrecortada que nos recuerda lo arisco que es la tierra de dónde bebe su música.

Llegado al mar, podemos decir con la sonrisa de haber sobrevivido, que el trayecto, pese a su dificultad y la reiteración de ciertos pasajes, resulta plenamente estimulante, y su corto caudal potencia aún más la intensidad de estos violentos rápidos.

Las frescas novedades para empezar el verano

The National – High Violets

Los neoyorquinos quieren reivindicar con High Violets su papel preponderante en el Indie norteamericano, y por qué no en la escena internacional. Porque su nueva obra son más que 11 temas de pop rock tallados a la perfección, son muestras de la capacidad del grupo para encarrilar majestuosas canciones en terrenos que tanto cruzan parajes luminosos como tristes e embriagadores.

High Violets desprende una belleza intrínseca que cuando más se escucha más se aprecia, pero de entrada todo oyente quedará atrapado con los sencillos “Bloodbuzz Ohio” o “Terrible Love”. Un pequeño aperitivo para que los de Brooklyn nos transporten a su antojo por diferentes estados de ánimo, todos irrepetibles. Puede que no sea su mejor trabajo, ya impartieron lecciones con sus dos anteriores álbumes, pero es una  clara muestra de que estamos ante una de las bandas norteamericanas más esenciales del panorama actual.

Sharon Jones & The dap Kings – I learned the hard way

Sharon Jones, con sus inseparables The Dap Kings, lleva años ganándose a pulso el apodo de reina del soul, con el permiso de la leyenda viva Aretha Franklin. Lo que esta brooklyniata impregna a su música suena tan fresco y vivo como lo podría haber hecho en los años 60’s, porque sus temas al ser escuchados nos transportan precisamente a esa época dorada del soul.

Con I learned the hard way vuelve a repetir a la perfección su formula de soul añejo que sale dispensado por un desgarro interior de un corazón castigado, y cuyo principal síntoma en el oyente se traduce en una fuerza adictiva que lo hace levantarse de golpe para sumirse entusiasmado al credo que profana Sharon.  

Subiza- Delorean

El grupo vasco afincado en Barcelona hace tiempo que decidieron ir a su bola, mientras en su país de origen los ninguneaban, en EEUU se volcaron con ellos. De hecho los yanquis desde el primer día encumbraron su nuevo trabajo Subiza, un irresistible disco de pop cristalino que te lleva directamente a la cresta de la ola.

Y lo hace al minuto de despegar, con temas tan evocadores e inspiradores como “Stay Close” y “Real Love”, que le recuerdan a uno amaneceres gloriosos en los últimos días de los veranos de juventud. El pop melancólico y regenerador de Delorean tiene cierta conexión con el pop psicodélico de Animal Collective, pero también alguna textura etérea parece obra de algún productor de IDM.

Caribou – Odessa

La evocadora música de Caribou ha ido marcando puntualmente el último lustro de la primera década de este siglo. Ahora regresa con este estimulante LP donde el pop cristalino de Andorra cobra un matiz más bailable.

Es como si el dream pop que consigue despegar mezclando el pop con la electrónica, y que con Andorra quedaba mezclado de manera memorable con el folk y el psych british sesentero, le hubiera impregnado una píldoras efervescentes subministradas por Hot Chip. Temas tan fascinantes y cautivadores como el que abre el disco, hacen que el exquisito sabor de boca general no se pueda desquitar.

Roky Erickson – True Love Cast Out All Evil

Roky Erickson, legendario líder del referente psicodélico 13th floor Elevator, llevaba 14 años alejado de la actualidad musical. Ahora regresa a ella con la ayuda de Will Sheff y su banda Okkervil River, los cuáles le acompañan como banda, y Sheff a la vez de productor, en estos 12 temas surgidos de una alma sincera, profunda y curtida.

Erickson parece abordar con True Love Cast Out All Evil su particular expurgación musical para desprenderse de los fantasmas del pasado: drogas, arrestos, un ingreso en una institución psiquiátrica que cambiaria su vida. Todo ello ha sido puesto en el fresco contexto sonoro que propone Okkervil River (que nadie se espere la psicodelia que caracterizó a los 13th Floor Elevator), done las letras y la voz demoledora del veterano artista ocupan un lugar central.

A modo anecdótico, decir que la canción que abre el álbum y la que cierra, pertenecen a grabaciones amateurs que grabó el propio artista cuando se le diagnosticó una esquizofrenia y fue ingresado en un hospital psiquiátrico, de ahí que el sonido sea tan casero en esos dos temas.

The Dead Weather –  Sea of cowards

Su técnica con la guitarra se podría comparar con la de “Slowhand”, pero las comparaciones van más allá, porque el también blanquito con alma blues Jack White multiplica sus proyectos paralelos, tal y como hiciera Clapton en los 60’s. Su último grupo paralelo se conoce con el nombre de The Dead Weather, y Sea of cowards es su segundo trabajo.

En esta ocasión Jack se deja acompañar por Alison Mosshart (cantante de The Kills) en la voz, y por Dean Fertita y Jack Lawrence. El resultado es un disco de garage revivial,  más compacto y coherente que su opera prima, y que sigue teniendo esa cadencia White Stripes que Jack impregna con su guitarra y los estribillos que salen de ella. La voz bluesera de Mosshart le da un plus de sabor genuino.  Pero el que escribe sigue prefiriendo el tándem que formaba con su hermana.

Woods – At echo lake

Otra perla surgida de la escena Brooklyn, que sin embargo no goza de la repercusión de unos vecinos Grizzly Bear o MGMT, pese a tener algún punto musical común con ellos. At echo lake es su último disco, y en él imparten una delicia de rock-folk lo-fi que se cuela en el oído para instalarse durante una temporada.

Con su último álbum Woods parecen remontarse al esplendor de melodías pop que conquistó la costa oeste a finales de los 60’s. Las influencias de The Byrds, Donovan y cantautores folk clásicos en las melodías es muy visible a lo largo de sus 11 composiciones, y no por ello, deja de ser un gozo escucharlo. Incluso se atreven a ir más allá en reproducir este sabor añejo con unos admirables riffs e incursiones psicodélicas que no desequilibran el manso estado emocional al que te evoca el disco.  

LCD Soundsystem – This is happening

Otro paso más de James Murphy al frente de LCD Soundsystem. This is happening es un paso continuista en la línea que ha llevado al grupo a ser una de las cabezas más visibles y cotizadas del indie electronico. El disco está sellado por las altas habilidades de producción que profesa Murphy, y esto el oído lo aprecia con los syntes que suenan orgánicos, pulidos y secos beats, y esos cambios repentinos que aportan color especial.

El álbum deja varios regalos en formato sencillo. El autorreferencial “You wanted a hit” (que se podría haber completado con un “ and I know how to serve you”), o los dos jugosos temas que abren: el extenso “Dance Irself Clean” y el punk electro de “Drunk Girls”, y el que lo cierra “Home”.  

 
Tras las de abril, tocan las de mayo

 
Black Rebel Motorcycle – Beat the Devil’s Tatoo 

 
Dos años después de su último trabajo regresa esta banda de rock asentada en San Francisco. Beat the Devil’s Tatoo es el nombre de su flamante LP.  En él siguen fieles a su sonido de tono rockero, con claras reminiscencias al sonido británico de principios de los 90’s: Stone Roses, My Bloody Valentine, o Jesus and Mary Chain, pero también se aprecia esa furia descontrolada de unos Jon Spencer Blues, o cierto aire, en la manera de entonar de su cantante, que recuerda al Liam Gallagher de Oasis. 

Robert Turner and Peter Hayes siguen apoyando su sonido en potentes guitarras, y en los ritmos contundentes de bajo y batería. Pero también hay lugar para melodías más reposadas, e incluso para canciones de aire triste como “Long way down”.

RJD2 – The Colossus 

 
The Colossus supone el primer álbum que edita RJD2 con su propio sello. En él el músico norteamericano da rienda suelta a su personal estilo que mezcla sin pudor, el hip-hop (aquí muy poco acentuado), con el neo-soul, el jazz, o con variopintos instrumentos que aportan su destacable contrapunto a las marcadas y atractivas bases rítmicas. 

RJD2 utiliza el sampler como materia prima para hilar sus detallistas producciones y sus melodías mueve esqueletos. Aquí predomina el tema instrumental, pero también se deja acompañar, en algunas de las canciones, por invitados que cantan en lugar de rapear. Una bellas muestras son “Games you can win”, “The glow”, o esa “The shinning path” que lo acerca a Gnarls Barkley y a Jamie Lidell. 

MGMT-Congratulations

 
La euforia desatada con su álbum debut les lanzó de forma repentina al estrellato musical. Ahora MGMT regresan de nuevo con una propuesta que se aleja, de forma predeterminada, de las píldoras hirvientes que contagiaron a todos hace un par de años. 

Con Cogratulations, el dúo de Brooklyn sigue bebiendo de la psicodélica sesentera y de los Flaming Lips, pero en esta ocasión, han querido dejar claro que son mucho más que una banda de hits. Su último disco es un arriesgado paso del grupo, que de bien seguro, contentará a algunos de sus seguidores, y decepcionará a otros. 

Tunng – …And then we saw land 

 
Tunng es una banda de folktronica instalada en Londres. …And then we saw land supone su cuarto álbum de estudio, y con él vuelven a hechizar con su personal sonido que recorre las siluetas del folk bucólico para adentrarse en el terreno ajeno de la electrónica.

 
En este disco además se aprecia un cierto deje al sonido Canterbury, y pese a su confluencia de estilos, su sonido es compacto, y el resultado envidiable. Luego hay temas aparte, que por su luminosidad ciegan hasta al más preparado, como la fabulosa “Weekend away”, o el tema que abre, “Hustle”. 

Jónsi – GO 

El cantante de Sigur Rós emprende su primera aventura en solitario con el reciente Go. A pesar de la decisión tomada, todo aquel que escuche Go identificará los atributos que han hecho grande a Sigur Rós: épica, emoción, reconforte, melancolía.

Quizás la diferencia es que Jónsi se ha olvidado de los característicos crescendos, para componer nueve composiciones directas, exultantes, con lo que el oyente alcanza la pureza. La voz de él sigue siendo esa suave brisa que parece surcar la bella fisonomía de Islandia. Como siempre arropada por una exquisita producción de instrumentos de orquestra. Un placer para el oído.  

Meth–Ghost–Rae – Wu- Massacre 

La tripleta más temible del hip-hop (Method Man, Ghostface Killah y Raekwoon, todos ellos de Wu-Tang Clan) se ha unido para sacar calentito del horno este bombonazo que se derrite con las primeras escuchas. Ver a este trío en acción es como quedarse observando un partido de baloncesto en cualquier cancha callejera de los EEUU: No es un álbum de grandes estadios, es más un intenso partido de streetball de 30 intensos minutos.

Durante estos 30 minutos, estos tres amos del balón, nos obsequian con beats furiosos, batería de samplers soul de los 60’s o 70’s, con mucha jugada propia de estos escenarios: cortas, impulsivas y atrevidas.  Estos tres enmascarados señores de la pista han vuelto a pisarla, y no van a defraudar a los amantes de hip-hop con su última jugada. 

Standstill – Adelante Bonaparte 

El grupo catalán lanzó el pasado mes su quinto disco, Adelante Bonaparte. La banda liderada por Enric Montefusco ha creado un ambicioso disco conceptual dividido en tres EP. Cada uno de ellos responde a un distinto estadio o estado de ánimo de su protagonista, B.

 
Cada uno está tratado con una sensibilidad musical dispar, acorde al estado de ánimo que quiere retratar. Así pasamos con facilidad de un EP’s a otro de la luminosidad a lo sombrío. Standstill vuelve a dotar de grandiosidad su propuesta musical con la introducción de instrumentos de cuerda y de viento. Adelante Bonaparte es otro gran trabajo de la banda, que certifica el buen momento por el que pasan. 

Tony Allen – Secret Agent 

Secret Agent (2009) es el último LP publicado por Tony Allen, batería de la banda de Fela Kuti en los 70’s y uno de los principales impulsores del Afro-beat.  Su sonido es eminentemente africano, se respira el clamor del ritmo africano, pero Allen, como ya ha demostrado en su carrera, lo apuntala con otras influencias, como pueden ser el dub jamaicano o el hip-hop.

 
Ante esta mezcalina de latitudes y culturas surge este precioso prisma multicultural, donde Allen apuntilla cada canción con su obsesión por el ritmo, pero también por la sabiduría de saberse rodear de esas voces femeninas entrañables. 

The National se ganaron el respeto internacional en buena parte por sus dos últimos trabajos publicados: Aligator (2005), y Boxer (2007), dos festines musicales de envergadura que para muchos (aquí también) fueron parte de los mejores álbumes de la década.

Este grupo de Brooklyn regresa el 11 de mayo lanzando el esperado High Violet. Habiendo tenido el gusto de escuchar el disco, puedo adelantar que estos cinco chicos la han vuelto a clavar. High Violet es el quinto trabajo de la banda, y se entrevé como la obra definitiva que les situará allí donde se merecen. Con ello, no quiero decir, que The National se vayan a convertir en unos Coldplay llena estadios, sinceramente, espero que no, porque su música es para emocionarnos desde la sencillez de sus formas, y eso no pasa por ese tipo de recintos.

Ya lo dejan claro los norteamericanos con el tema que abre el álbum, “Terrible Love”, una elegante pieza que va amueblándose lentamente hasta su mini explosión que deja un preciosista regazo de sonido tras de sí, y que el oyente intenta seguir con los sentidos ya alterados.

“Sorrow” es otro artilugio marca de la casa, donde la voz de Matt Berninger se impone con sobriedad, para solo acallarse con la repentina, pero efectiva, irrupción de un coro femenino rodeado de una bella producción.

“Anyone’s Ghost” puede que no sea una de las piezas más acertadas del álbum, pero en sí misma reside el paradigma del sonido de la banda: un ritmo regular y marcado, roto de manera poco perceptible por pequeñas variaciones que filtran luz a esa habitación que parece levantarse del suelo que la delimita.

Para el que escribe uno de los temas que más hondo se ha instalado en su corazón, es este “Afraid of everyone”. Este tema cantando con desgarro por el cantante, y con el tono enturbiador que le aportan la guitarra distorsionada. Un tema bellamente triste, que se va enriqueciendo con un crescendo que combina la entrada de bellos arreglos orquestarles, de solos de los instrumentos clásicos, y de la voz alzada de Berninger.

A esta le sigue, el single “Bloodbuzz, Ohio”, donde suelta un primer calambrazo con el cambio de registro vocal de su cantante, aquí más Interpol, más melancólico, más profundo. Y cuando uno se recupera, se encuentra ya inmerso en un torrencial de ritmo, guitarras furiosas, y clamor épico. Himno.

Sin pausa, llega “Lemonworld”, un apunte que se vislumbra más optimista que los otros cortes, pero que pronto, caemos en la cuenta, que estamos ante otra clase de la banda americana para arroparnos el oído con su candidez y suavidad.

“Runaway” es una reposada balada que parece mirarse en Johnny Cash, en el folk, y con ciertos brillos apuntalados por los albañiles de Buch Bucharach. En sí, deja un rastro de melancolía de un viaje hermoso.

 La penúltima cápsula de High Violet es “England”, un tema construido con temple y precisión, que estalla con un breve e intenso clímax, pero siempre bien sujetado por todos los miembros de la banda.

“Vanderlyle Crybaby Geeks” es su broche final, y tiene algo del folk refinado y orquestal de Grizzly Bear o Fleet Foxes, pero también tiene ese aire a canción de despedida de taberna, con su punto lumínico esperanzador, pero con su halo melancólico.

Algo que se puede aplicar a buena parte de este High Violet, el sofisticado último trabajo de esta banda esencial del rock americano, que una vez, más demuestran con sentido y refinamiento, su innata capacidad para fabricar cápsulas curativas. Su primera escucha te llamará a la puerta, a la segunda tu interés se acrecentará, y a la tercera estarás arrebatado por una de las bandas del momento.

Poco se podían imaginar Ben Goldwasser y Andrew VanWyngarden que con su álbum debut (Oracular Spectacular) follarían con las estrellas en el cielo parisino. El ascenso imparable de sus gemas popsicodelícas con envoltorio mainstream ha calado en todos los niveles. Hasta el punto de que “Kids” y “Time to Pretend” (sus dos temas más reconocidos), deben haberse oído hasta en el retrete más cochambroso de Nairobi. Por eso, MGMT afrontaba su segundo trabajo, Congratulations, con una extrema presión. Primero en demostrar que su redondo primer álbum no fue fruto de una extraña alienación estelar de referencias ajenas y modernas, y por otra parte, en mantener el nivel demostrado con aquel.

Y lejos de preocuparse por la presión de los sedientos de himnos, el dúo neoyorquino ha tirado por la vía difícil, la de demostrar que son mucho más que una banda de un par de hits de discoteca (servidor ya le quedo muy claro con el primer trabajo), y con la clara decisión de elaborar un álbum sin temazos a la vista.

La banda sigue anclada en el sonido neo-psicodelia, del que se sienten tan gusto como uno de los principales abanderados. Quizás con Congratulations se hayan acercado más a la psicodelia sesentera o a los Flaming Lips más  tripados. En todo caso, su sonido sigue siendo un confluente de capas musicales dispares y dispersas que se van alzando, escondiendo, o sobreponiendo, con un cierto componente mágico, envolvente y nostálgico. Lo cual no sería posible sino fuera por su, otra vez, impecable producción que sabe extraer y combinar con fluidez, los coros, las atmósferas indescifrables los grooves y los sintes de ensueño. De su extracción, el oyente pasa por diferentes estados de ánimo, de placenteros a tristes.

Y queda ya claro, con el primer corte del álbum “It’s working”, una inestable capsula psico-freak que transcurre entre un ritmo atropellado, lo reposante y la obsesión.

Algo similar se podría decir al tema que sigue, “Song for Dan Treacy”, una vuelta de tuerca con varias etapas en su camino, y siempre a un ritmo marcado por una batería acelerada. En su intríngulis de coros obsesivos, irrumpe el órgano de Goldwasser y el eco en la producción, que hacen que el oyente conecte por momentos con el sonido de la banda en su LP debut.

Tras estos dos primeras canciones, surge “Someone’s Messing”, una especie de balada regresiva y de atmósferas envolventes y etéreas, que se convierte de pronto en la primera gema de este álbum.

Luego, le llega el turno a “Flash Delirium”, el tema que han lanzado como single, y que pone de manifiesto por dónde van los derroteros de su nueva propuesta. Por un lado hay cierta reminiscencia al electro pop de Hot Chip, pero pronto nos damos cuenta que aquí el tono es mucho más experimental y obsesivo, y cuando ya parecía que no te podían sorprender vuelven con otra estrofa que si la extrajéremos por sí sola, se uniría al grupo de himnos de Oracular Spectacular. Nada más lejos de la realidad, ya que se corta una y otra vez para dar entrada a nuevos fragmentos que desconciertan, pero a la vez dejan boquiabierto (como el propio videoclip que han realizado).

Seguimos con “I found a whistler” un tema de slow tempo, potenciado por un silbido, y esa voz de WynGarden que suena a la vez lejana temporalmente y espacialmente.

Pero no todos son perlas curtidas a base de una producción ejemplar y apuradísima, también hay algunos temas insustanciales, por no decir sosos, como “Siberian Breaks”, o esa anecdótica, por su tono punk, “Brian Eno”

Finalmente el disco termina con la extraña, triste, oscura y ajena “Lady Gaga’s Nightmare”, con algún componente que pese a resultar nocivo, atrae al oyente.

Y con la canción que da nombre al álbum. “Congratulations” es un apreciable corte que desprende cierto aroma al sonido antiguo de la banda, y que además sirve para reconciliarte con este pequeño bajón de la última etapa del disco.

Si Oracular Spectacular era un sueño bullicioso, en su Sophomore álbum MGMT parecen haber despertado de él, y haber emprendido su particular viaje introspectivo. Con ello, han construido un álbum complejo, repleto de matices. Lo que no cabe duda es que su trabajo es un movimiento arriesgado ya que posicionará a los fans en los dos extremos, en los decepcionados, y los que van a celebrar el paso dado (la crítica norteamericana también parece divida). La respuesta la encontrarán mañana 13 de abril en las tiendas de todo el mundo (creo que también en España). Y si no están muy seguros de su compra, la pareja de Brooklyn ha puesto todo su disco para escuchar en streaming desde su página web.

¿Defensor o detractor?

Seguimos con esta sección hermandada con GX, para destacar los discos más jugosos del mes de abril de 2010.

Four  Tet -  There is love in you

Tras cuatro años de silencio como Four Tet, Kieran Hebden’s regresa para maravillarnos con There is love in you. Un regalo de electrónica gustativa, de esa que perfora el oído para instalarse en la mente mediante sus entramados de capas hipnóticas.

El álbum parece construido con la precisión de Philip Glass, pero Hebden’s sabe añadirle un tono multicolor; de alegría y felicidad. Se nota el amor empeñado en su elaboración, porque a lo largo de sus nuevos temas reluce mucho brillo en las texturas, las capas y la detallista producción que se va entrecruzando con una cohesión asombrosa. Temas como “Angel Echos”, “This unfolds” o “Love Crying” lo corroboran.  

Broken Bells – Broken Bells 

Rompiendo con la línea de emparejamientos musicales impostados que no suelen resultar, Broken Bells marcan un tanto a favor con este luminoso debut homónimo. El proyecto viene avalado por la sola presencia de sus dos exponentes. Por un lado Danger Mouse, el polifacético Dj y productor responsable de hits como “Crazy” con Gnarls Barkley, y por otro, de James Mercer, el líder de la banda indie The Shins.

Ante esta variopinta mezcla surge este disfrutable álbum, con bellos cortes, pulidos por la maestra mano de Brian Burton (nombre real de Danger Mouse), con un sonido a medio camino entre el pop lumínico, la psicodelia, y adornado con ciertos dejes electro ochenteros. Resulta ejemplar lo bien que se compenetra la voz de Mercer con las florituras de Mouse.

Groove Armada – Black Night

El pasado 1 de marzo Groove Armada publicó su último trabajo, Black Night. Un revitalizante exponente de la época dorada del disco. Este dúo de electrónica londinense se ha acompañado de colaboraciones de lujo para completar su sonido fresco y motivador.

Con colaboraciones de Brian Ferry, Will Young, and Little Nickmore (Empire of the Sun), el resultado es un más que notable álbum de electrónica con reminiscencias a Blondie, Grace Jones, y al disco y el dance más brillante. Unas cápsulas vitamínicas esenciales para asaltar la pista con optimismo. Para remarcar temazos como ”Look me in the eye sister”, “Paper romance” o “I won’t kneel”.

Yeasayer – Odd Blood

El grupo de pop psicodélico Yeasayer son otro de los grandes exponentes de la escena Brooklyn. Ahora vuelven a salir a la palestra con Odd Blood, otra muestra de su particular visión estratosférica de concebir la música pop.

Su Odd Blood destila colorido por cada uno de sus poros. El entramado musical navega en los cauces del pop, para a partir de ahí desviarse hacia la electrónica y la psicodelia configurando con ello una adictiva red que va atrapando al oyente con cada nueva escucha.

Fredrick – Trilogy

Fredrick es un grupo de folk proveniente de las tierras frías de Suecia, y eso queda impregnado en el ADN musical de la banda, con un folk oscuro y experimental que se filtra en el oyente con la misma suavidad con la que su cantante arropa las canciones. Trilogy, publicado en 2009, es hasta ahora su último trabajo.

Su experimentación invade el folk costumbrista para crear bellas e intrincadas composiciones. No dudan en mezclar con precisión las guitarras, los cellos, y los instrumentos de viento con los sintetizadores. Y de todo ello florece en una bonita y melancólica música, que mantiene puntos en común con la añoranza gélida de Sigur Ros. Se aprecia de forma clarividente en temas como “Ner”, o “locked in the basement” o su brillante epitafio con “Omberg”.

Titus Andronicus – The Monitor

Esta banda de indie-rock salida de New Jersey, publica estos días su segundo trabajo con el nombre de The Monitor. Como en su primer álbum, The airing of grievances, este larga duración está cargado de temas contundentes que respiran inspiración etílica.

Se respira en él un cierto sabor a pub irlandés, a sudor punk, y a borracheras alargadas hasta altas horas de la noche, o de la mañana según se vea. Cortes donde los instrumentos se arañan, donde el folk está más cerca de la agresividad del punk, que de la dulzura de Joan Baez. Es como el encuentro repentino de unos Black Lips etílicos con los componentes de una banda de folk que acaba de hacer un recital de pureza en pleno Central Park.

Disco del mes (análisis extenso)

Valleys of Neptune – Jimi Hendrix

En septiembre se cumplirán 40 años de la muerte de Jimi Hendrix, y sin embargo nos sigue llegando material inédito de uno de los guitarristas más legendarios de la historia del Rock. Sony  nos resucita al genio de Seattle con este Valleys of Neptune, tal y como ya ocurriera con el  también álbum de estudio First rays of the new Rising Sun . Puede sonar a oportunismo para desenvolver la maquinaria de dinero, pero alabados sean, por proporcionar nuevas dosis de rock puro e incendiario a los nostálgicos de la edad de oro del rock.

Doce cortes inéditos de rock & roll puro, incendiario y salvaje. Hendrix demuestra una vez más su pasmosa facilidad para recrearse en el riff y los torbellinos de distorsión imposibles. Incluso se apropia, haciéndola muy suya, de una versión del “Sunshine of my love”, de sus admirados Cream. Valleys of Naptune no es el mejor álbum de este artista (difícilmente podría serlo un álbum inacabado por el artista), pero es motivo de júbilo y fulgor poder degustar de las sobras del genio eléctrico.

Nneka – Nneka..to and Fro

Recuperamos este desapercibido disco del 2009, que servía de carta de presentación de la cantante de origen nigeriano pero establecida en Alemania, Nneka. Una bella cantante que despliega con su vibrante tono de voz un neo-soul con claras raíces multiétnicas. 

De bien seguro, que la carretera de esta artista nos seguirá ofreciendo otros buenos momentos. De hecho este año ha lanzado Concrete Jungle, pero hasta que no podamos escucharlo, los aficionados al cruce de ritmo tribales, con la electrónica, el reggae, el soul, y la envolvente y potente voz de las femme singer con carácter, tienen en Nneka y su Nneka…to and Fro una perfecta combinación para disfrutar.

Ya está en el mercado el nuevo trabajo de Standstill, y para muchos- pocos aún, teniendo en cuanta la valía del grupo capitaneado por Enric Montefusco- supone uno de los acontecimientos musicales del año.

Adelante Bonaparte se presenta en un triple Ep, donde cada uno de sus discos responde a un distinto período o estado de ánimo de su protagonista, B.

Así, el primer disco, “algunos recuerdos significativos de B” explora la muerte del progenitor y bucea en  los recuerdos familiares y de la infancia, y termina con un canto esperanzador a “escapar hacia delante”.

El segundo disco “B. pasa de querer comerse el mundo a esconderse en una pequeña parcela”, más sombrío, presenta las dudas de nuestro protagonista, el desengaño ante aquello soñado y el descubrimiento de la más oscura realidad.

El tercer disco “el corazón de B. despierta”, supone el descubrimiento del amor, la intención de formar una familia, y el nacimiento de un hijo, en una última canción que enlaza con la primera canción del álbum. De ahí el subtítulo del disco (una fábula circular).

La estructura narrativa del álbum dota de un estilo propio a cada ep, y a la vez, la suma de los 3 funciona como un todo.

El primer ep presenta unas melodías a medio camino entre la melancolía, la luminosidad y la alegría. Valgan como ejemplo la canción que abre el álbum “Todos de pie” una preciosa pieza que combina guitarra acústica, con una sutil sección de violines y un delicado piano, la maravillosa “Hombre araña”, donde sobre una conversación entre padre e hijo, se sucede una base musical con guitarra acústica y xilofón, y la que cierra este primer ep, “Adelante Bonaparte”, lo más parecido a lo que sería el single del álbum.

El segundo ep ofrece melodías más cargadas, más oscuras, y sus letras nos llevan a rincones mucho más sórdidos. Ahí están “El resplandor”, “Moriréis todos los jóvenes”, o “Sálveme quien pueda”.

El tercer ep vuelve por la senda de la luminosidad, y presenta unas letras y melodías más ligeras, para terminar, con “Canción sin fin”, tal como habíamos empezado.

El carácter narrativo del álbum viene reforzado por las letras de Montefusco, que escribe sin buscar la rima, relatando los hechos, novelando la música que componen las piezas.

Después de Vivalaguerra, el anterior álbum de Standstill, en el que el histrionismo de las guitarras eléctricas de su época post-hardcore ya empezaba a dejar espacio a composiciones más melódicas y con mayor presencia de guitarras e instrumentos acústicos, Adelante Bonaparte supone el abandono total de la banda de toda la contundencia sonora de la que había hecho gala con anterioridad para adentrarse en el terreno de las sutilezas, con composiciones de estructura sencilla, pero cargadas de detalles. Ahí está la sección de violines presente en todo el álbum. O la excelente guitarra eléctrica, muy a lo Robert Fripp, que suena en segundo término en “Elefante”. O la presencia del xilofón, a lo Arcade Fire pero sin su épica, de muchas de sus composiciones. O la inclusión de algunas bases electrónicas, un poco a lo Kid A, de Radiohead.  Podríamos decir, que el grupo ha asumido una sonoridad más cercana al pop ‘indie’ pero la forma en que estructura sus piezas, así como la concepción del álbum como un todo indisoluble, lo asemejan más a los tiempos del rock progresivo y sus álbumes conceptuales.

Adelante Bonaparte no es un álbum perfecto. Su concepción conceptual, su funcionamiento como un todo, suponen un acierto, pero a la vez un lastre, ya que carece de composiciones que por si mismas, deslavazadas del conjunto, funcionen. Lo cual, a día de hoy, donde la inmediatez, lo conciso, lo impactante, es lo que prima, lo puede hacer parecer, a oídos no familiarizados con la banda, un punto falto de fuerza.

Sin embargo, aquellos que tengáis tiempo y paciencia, que os guste degustar las cosas sin prisas, bajad las luces, subid el volumen, tomad asiento en vuestro sillón favorito, y preparaos para vivir una experiencia única.

Jimi Hendrix por desgracia de muchos falleció en el fatídico 1970, cruzándose en su trágico destino de Rock & Roll y drogas, con otros dos ilustres personajes de la historia del rock: Jim Morrison y Janis Joplin. Lejos de querer enterrar su legado, y sabiendo la admiración que su figura sigue profesando entre las nuevas generaciones (o al menos en algunas de las vivas), Sony Music ha decidido sacar un nuevo álbum de estudio ajuntando ciertos temas de un álbum inconcluido.

Lo que a priori parece un efecto forzado de querer desenpolvar un nombre para ganar unos cuantos millones de dólares, a los dos acordes de “Stone free” todo eso parece quedar en algo secundario. Este Valleys of Neptune se inicia como una locomotora incendiaria, su primer tema es ya 100% Hendrix: riff salvajes, distorsión a raudales, y una melodía que parece no cuajar, pero que cuaja del todo. Luego irrumpe otro enmarcable canción, el mismo que da nombre al disco, y que expone todas las constantes de este maestro de la guitarra eléctrica.

“Bleeding heart” es esa pieza que se inicia con un riff sincopado, y poco a poco se acopla a un rtimo funkero que podría encajar sin problemas en algún filme de Gordon Parks. La pieza termina con esa tormenta de riffs tan propia del genio de Seattle, que quizás en esta ocasión decide llevarnos demasiado lejos (en tiempo) con su habilidadcon la guitarra.

Unos temas más adelante Hendrix se regocija, y su guitarra como extensión de su cuerpo con él, con una electrificada versión de “Sunshine of my love”, el distinguible tema de los preciados Cream, incluso, para el propio Hendrix.

En su último tramo, el oyente vuelve a la energía y la fuerza de la Experience con el arrollador “Fire”, un tema oído anteriormente en Are you experienced, con esos riffs perforadores, su adictivo estribillo, y su modélica estructura dífíciles de olvidar.

Esta póstuma obra del norteamericano es una excelente oportunidad para revivir la etapa dorada que vivió el rock & roll en Norteamérica a finales de los 60’s. A pesar de que se perciba en él, esa aura de trabajo inconcluido, rellenado por sus productores de una forma que seguramente no hubiera contentado del todo a su autor.

Valleys of Naptune es un trabajo que dejará encandilado a los seguidores de este fantástico artista (tampoco esperen himnos como en otros LP’s suyos) que vivió intensamente su corta vida, y que explotó al máximo su desborde creativo. Para otros, pueda que sean doces canciones alocadas, rellenas de riffs que producen dolor de cabeza, allá ellos con sus problemas.