El viejo trovador de las almas rotas, el galán derrotado, la voz de Montreal, regresa a casa para arroparnos durante los tristes días de invierno. Al viejo Cohen nada le queda para demostrar en esta vida, pero lejos de despedirse ( eso parecía indicar esa gira que lo llevó a la carretera durante dos años), ha decidido embarcarse en su duodécimo álbum de estudio planchando este Old Ideas. A diferencia de otros músicos que se avanzaron a su tiempo, y otros que se vieron forzados a cambiar para adaptarse a los nuevos tiempos, el canadiense siempre se ha mantenido invariable, fiel a sí mismo, destapando como nadie, y mediante esa voz irrepetible con la que le ha dotado la naturaleza, las pasiones humanas más profundas. Por todo eso, difícilmente su último trabajo podría decepcionar, como difícilmente vaya a sorprender a estas alturas.

En Old ideas Leonard Cohen sigue seduciendo con sus dotes líricas y vocales al alcance de pocos…muy pocos. Su mente y su corazón siguen explorando los entresijos del amor, el paso del tiempo, la vejez, y el estado de las cosas. Su último disco respira un aire eminentemente blues, con algún toque gospel (de forma clara en el canto espiritual que supone “Come Healing”), por los que circulan sus versos cargados de sentimiento, profundidad, y lucidez. Cohen sigue aprovechando su prodigiosa voz como si de un instrumento propio se tratará, y mediante su poderío penetra en las capas más profundas de las epidermis que se exponen ante ella. A través de los habituales coros femeninos consigue un bello contrapunto, que en ocasiones, se usa en desmedida. Old ideas representa otra fascinante muestra del talento que atesora el canadiense para conmover con sus susurros musicales. Es un trabajo que no defraudará a sus fieles, pero tampoco es la obra de su carrera. Mientras el humilde bastardo siga puliendo cortes como “Going home”, el maldito diablo tendrá que esperar para llevárselo. Y cuando lo haga, lo que nunca podrá llevarse es su imborrable y extensa marca. Leonard paséate por las casas siempre que quieras.

Tema Clave: “Going home”

The Maccabes – Given to the wild

Tampoco parece que el tercer álbum de los ingleses The Maccabes vaya a cambiar su cuota de notoriedad entre el gran público. Difícil de entender para una banda adscrita a la escena indie inglesa y que aglutina ingredientes para calar en mayor grado del que ahora gozan.

En este sentido, su último trabajo, Given to the wild, lleva sus capacidades como músicos un peldaño más arriba. Su sonido conecta con el porte de tantas bandas del indie británico, ( unos Wild Beasts como referencia más plausible), y con arranques de post rock en el bando instrumental, y con aprecio melódico, muy propios de los islandeses Sigur Ros. El resultado es un trabajo que mantiene una buena línea en todo su recorrido, sin apenas altibajos, pero tampoco sin picos coronados cuya sombra cubra todo el valle.

Tema clave: “Feel to follow”

Other Lives – Tamer Animals

Recupero para este mes uno de los trabajos discográficos más arrebatadores del 2011 y que sin embargo pasó desapercibido en su momento para el que esto escribe, y tras leer un buen número de listas de lo mejor del año, también para la gran mayoría. De hecho si tuviera la posibilidad de retroceder en el tiempo, la lista que elaboré con los diez mejores discos del año, presentaría un aspecto distinto.

Este quinteto de Oklahoma navega en Tamer Animals por aguas íntimas, crudas, oscuras y épicas. Saltando de una a otra con una naturalidad inexplicable, y con un encaje de piezas asombroso. El sonido del disco parte de una base indie-folk para abrirse paso con fuerza hacía terrenos modelados por capas de distorsión, atmósferas agrestes y voces emotivas con regusto anestésico para quien sujete la combinación. Su estampado de tejidos claroscuros se agita sin que termine de estallar, se exhibe sin recrearse, y con eso hace que el efecto sea aún más perecedero. Other Lives consigue construir un disco que queda suspendido por encima de marcas temporales, algo de lo que muy pocos son capaces en el circuito americano. Para imaginarse el poderío que desprenden deben unir piezas de distinta forma y tamaño: la emoción épica de The National, las resonancias místicas de Fleet Foxes, y las ambientaciones magnéticas de Radiohead. Otro Bocatta di cardinale de tierras yanquis que alcanza su punta de sabor con “Tamer Animals” (mimetizando con Matt Berninger y los suyos), los arreglos celestiales, pastorales y brumosos de “for 12″ (con huellas de Fleet Foxes y el último trabajo de Pj Harvey esparcidas por el camino), o la sensibilidad embriagadora a lo Beach House de “Dark Horse”.

Tema clave: “For 12”

The Big Pink – Future this

El dúo londinense The Big Pink salieron al terreno de juego con un primer disco, A brief history of love, que recogía once cortes paridos bajón el denominador de la euforia y con unos estribillos que se pegaban con ímpetu por debajo del cuero cabelludo, especialmente “Domino”, un tema que sigue enganchado ahí con superglue. Eso era en 2009, ahora han pasado tres años para que veamos su segundo disco editado, y parece que esa garra desbordante se ha suavizado, y pese que el cómputo global no es tan contagioso ni motivador, el resultado sigue siendo más que apreciable.

Las sensaciones a las que te transporta este Future this son contrapuestas. Parece que la potencia rítmica de guitarras abre hueco ahora a embalajes más soft pop de aires ochenteros. En ocasiones la apuesta les sale redonda, pero en otras el resultado es demasiado blandengue. En el primer caso entrarían temas como “Stay Gold”, “1313″, “Lose your mind”, mientras que en la parte baja de la clasificación hallaríamos temas de muy poca pegada o regusto blando, es el caso por ejemplo de “Give it up”. No son unos The Big Pink inferiores, pero el paso del tiempo no parece que haya favorecido a unos músicos que pierden aquí parte de su inmediatez, entusiasmo, y de ese sonido sucio e imperfecto pero tan alentador. Esperemos que solo estén adormecidos.

Tema clave: “1313″

White Denim – Last day of summer

El trío de Austin White Denim mantuvo durante 2011 una actividad envidiable. No contentos con planchar en verano un rotundo trabajo de saludables raíces de rock americano (D), regresaron con nuevo material a finales del curso pasado para regalar The last day of summer. Un LP digital gratuito que sin alcanzar los méritos del que lo precede, consigue aunar buena parte de los ingredientes que hacen tan interesante a esta banda norteamericana.

Los tejanos, que incorporan en el nuevo disco a un nuevo guitarrista en sus filas (Austin Jenkins), se han destacado a lo largo de su trayectoria por combinar con facilidad y elegancia un patchwork de referencias ecléctico, que logran filtrar sin trasvases sobre las raíces de rock americano que han venido fijando su recorrido. En Last day of summer observamos de nuevo esa seña, pese a que aquí parecen más volcados hacía el jazz, tanto en la incorporación de instrumentos propios de big band como en la estructura de jam session en la que parecen merodear algunos de sus temas. El efecto es que en ocasiones se deja ver la huella raspada de los Soft Machine más jazzy, en otras, cuando bajan de pistonada rítmica, se acercan más al country-rock, en algunos cortes tontean incluso con el psych-folk de Devendra Banhart y en otros parecen estar tocados por aires tropicalistas. Un marasmo de referencias que en ocasiones inhabilitan cualquier brújula sonora ante esa cantidad de ritmos y oleajes con los que desconciertan. LP que demuestra el buen momento por el que pasa esta banda que nos visitará el próximo mayo con motivo del Primavera Sound 2012.

Tema clave: “Incaviglia”

Lana del Rey – Born to die

Se han derramado tanto litros de tinta con el fenómeno Lana del Rey que resulta casi imposible desvincularse de todo el runruneo de ese oleaje a la hora de encarar su debut. Las esperanzas depositadas en esta cantante neoyorquina han ido creciendo como un enrome alud, que ahora por fin, llegado abajo, la cosa se ha derretido en un santiamén. Parte de la vilipendiada que está sufriendo Born to die proviene del mismo sector que se abalanzaron sobre ella, viendo un diamante de una intensidad cegadora (aquí de los primeros en ser golpeados por flechazo) Partiendo de este escenario, el resultado desplegado por Lana del Rey puede ser una decepción mayúscula. Pero si por milagros de la vida has esquivado los ríos de tinta vertidos a su nombre, este disco tiene algunos placeres que depararte.

El debut de Lana del Rey parece albergar en su interior el drama de una estrella moldeada a juicio y antojo de su entorno. Escuchando su disco, no queda del todo claro si su intención era erigirse en la nueva musa misteriosa del indie o en la diva pop mainstream a la que parece encaminarse a día de hoy. Esa dualidad la proyecta el propio álbum con una separación abismal entre una parte del disco y la otra. La mitad apreciable está compuesta, prácticamente, por todos los temas filtrados antes de la salida del disco. Esos en lo que Lana se metía en la piel de una afligida y críptica Laura Palmer para susurrarnos al oído pensamientos impuros y embrujarnos con la visión de su imagen turbadora en llamas. Pero, aquí también reluce otra Lana, su cara opuesta, la versión en cadena, la que aparca la sugerencia para mostrarse previsible, la que cambia la actitud triste y desolada por la impostada, la que modifica las líricas sutiles por cantarillas para ser escuchadas por teenagers castigadas en su cuarto, la que transforma el erotismo en una sesión porno de un canal local. Es una Lana totalmente distinta, desprovista de cualquier atisbo de calidez, profundidad y garra. Es un modelo prefabricado que no habían mostrado en la publicidad previa al lanzamiento. Pese a la dualidad inconexa y fragmentaria que divide el disco, Born to die guarda al menos unos preciados oasis en los que el oyente encontrará la paz, una calma apetecible como a la que te impulsa temas como “Blue jeans, “Video games”, “Bon to die” o “Diet Mountain Dew”. Todos en su medida hemos sido responsables de desfigurar la nueva muñeca del pop, lo que pase a partir de ahora, no nos debería ya sorprender, o puede que sí, quién sabrá… ni la propia Lizzy lo sabe.

Tema clave: “Video games”

John Talabot – ƒin

La imparable ascensión fraguada por John Talabot durante los últimos tres años llega a su primer gran puerto de montaña, el debut en larga duración. ƒin es el nombre elegido para el disco que el músico barcelonés acaba de editar para el sello de munich Permanent Vacation. Vistas las primeras reacciones y la respuesta levantada entre la prensa, este trabajo debería confirmar a Talabot como el talento patrio con mayor rango internacional, y abanderado (gracias también a Hivern Discs, el sello que dirige) de una escena electrónica local que goza de una tremenda reputación, especialmente, fuera de nuestras fronteras.

Uri (su nombre real) ha decidido para planchar su primer trabajo desprenderse de las vestimentas más bailables con las que nos había habituado en sus maxis, para sumergirse de lleno en ambientes más oscuros y densos, donde afloran (sin perder nunca de vista la pulsión rítmica) texturas gaseosas, atmósferas tribales y paisajes evocadores. El oyente puede olvidarse de encontrar en ƒin recetas infalibles para la pista de baile (solo cumplirían con esta función la gema nostálgica “When the past was present” y “Last land”) Éste es un álbum hilvanado con temas moldeados bajo un mismo patrón, siguiendo la estructura más cercana a la canción pop, pero rellenada y matizada por cantidades de influencias de los 80’s y los 90’s, así como temperamento y graduación del house emocional y el balearic. Ahora el sampler, los bajos secos y contundentes se alejan del esqueleto central para dar paso a fragmentos más atmosféricos y ambientales, pero si cabe, aún más estimulantes. Pese a la coherencia formal del conjunto, Talabot no duda en desmarcarse con cortes como el que abre, “Depak ine”. Una especie de viaje tenebroso por la selva amazónica guiado por Klaus Kinski y donde suena Popol Vuh en lugar de los arias de Verdi, o ese tránsito tenebroso y decadente al que te arrastra con el loop de “El oeste”. En este hechizador recorrido que propone el barcelonés se hace acompañar por dos ilustres compañeros de viaje. El cantante de Delorean Ekhi presta su voz al tema “Journeys”, y la nueva joya salida de las despensas de Hivern…el madrileño Pional que aporta su marca a dos de los mejores cortes del álbum: “Destiny” y el hipnótico “So will be now”. Pese a la oscuridad del tono que desprende, el enmascarado John Talabot se ha marcado un luminoso debut, un cuvée de música electrónica para los paladares más exquisitos. Un fino diamante, que antes de exportarlo, debería ser admirado aquí con orgullo y aprecio.

Tema clave: “So will be now…feat. Pional”

Chairlift – Something

El dúo (anteriormente trío) de Brooklyn Chairlift se recuerda entre la modernidad más rabiosa de la gran manzana por haber planchado “Bruises”, un hit indestructible. Incluido éste en el álbum debut Does inspire you, ecaso bagaje para un proyecto iniciado en 2006. Ahora la banda de pop electrónico quiere remediarlo fichando por un major (Columbia), y sacando este Something, que de entrada se abre a públicos más amplios sin perder la identidad.

Pese a que su orientación, debido al fichaje comentado, puede haber cambiado, sus armas siguen siendo más o menos las mismas. Una sensibilidad emocional recogida con precisión y ritmo en esquemas de pop bailable, sintes sensuales, atmósferas sedosas y la encantadora presencia vocal de Caroline Polacheck. A veces su ahínco por abrumar al oyente se pasa de acelerado (“Cool as fire”), pero en líneas generales disponen un estupendo banquete regado con notas de melancolía ochentera, que pueden funcionar para noches hedonistas como para tardes tranquilas en el calor del hogar, como demuestran los temas “Amanaemonesia”, “Met before” o “Take it out on me”.

Tema clave: “Met before”

Con la mirada fijada en los 80, los de Sheffied recuperan el espíritu romántico y la narrativa pop británica de una de las épocas más excitante en la escena musical de las islas. Menos melodramáticos que The Smiths, referente más palpable e inevitable, tanto éste primer LP como el EP Dreams Of Another Day (2010) transcurren a través de melodías ligeras y trenzados de guitarra a mitad de camino entre Johnny Marr y The Housemartins. No desencajarían si Shane Meadows les hubiera seleccionado para la banda sonora de su recientemente estrenada This Is England 88.

Erland & The Carnival – Nightingale

Nada en la línea de lo corriente y lo común se podía esperar de una formación que reúne a Simon Tong, ex de The Verve, Blur y The Good, The Band & The Queen, Dick Nock, uno de los partícipes de la explosión psicodélica contemporánea de Paul McCartney con The Fireman además de colaborador de The Orb y The Cult, y al escocés Gawain Erland Cooper, alma y responsable de este proyecto. Su segundo trabajo explora con mayor acierto que el homónimo debut una concepción única y retorcida del pop (¿freak-pop?) y el folk inmersa en aires espectrales y góticos.

The Decemberists - The King Is Dead

El sexto trabajo de la banda liderada por Colin Meloy apuesta por la sencillez melódica y la inmediatez. Aparcada la épica y las sonoridades evocadoras de sus primeros trabajos y el espíritu más rockero de The Crane Life (2006), este disco, cuyo título es algo más que un guiño a The Smiths, transcurre  a partes iguales entre el folk más intimista y el pop más vitalista.

Frankie & The Heartstrings -  Hunger

La portada inspirada en Searching For The Young Soul Rebels (1980) es mucho más que un acercamiento a Dexys Midnight Runners. La banda de Sunderland adopta la herencia soul, folk y célica de los de Kevin Rowland filtrada por el dinamismo y la estridencia de los tiempos actuales. El resultado es un vieje por casi tres décadas por la tradición musical británica que paradas en el punk de bajas revoluciones, la new-wave, The Libertines o Franz Ferdinand. Por algo será que han sido apadrinados y producidos por Edwyn Collins.

O Emperor – Hither Thither

El debut de la banda de Waterford se editó en Irlanda en 2010 y tendrá versión europea en 2012, pero 2011 ha sido el año en que O Emperor ha trascendido más allá de los circuitos locales. Pasaron, entre otros, por el Festival Internacional de Benicàssim y allí exhibieron en directo las buenas formas adelantadas en sus sencillos y en un primer álbum, que a día de hoy todavía es una joya a adquirir a través de la red. En una de las actuaciones que figura en youtube son descritos, con envidiable precisión, como un lugar de encuentro entre The Band, Mercury Rev, Radiohead y Midlake.

Sharon Jones & The Dap-Kings – Soul-Time!

Fundada en 2002, la banda de Brooklyn encontró en Gran Bretaña el reconocimiento negado en su país de origen gracias a las colaboraciones con Amy Winehouse y al apoyo de Mark Ronson, uno de los productores  habituales de la londinense. Soul-Time! recoge singles, caras B y temas grabados en directo que desnudan el grupo liderado por Bosco Mann y Sharon Jones y se convierten en el complemento perfecto de otra de sus obras imprescindibles, I Learned The Hard Away (2010).

Ryan Adams – Ashes & Fire

La sobreproducción de material ha alejado al de Jacksonville del primer plano mediático y consecuentemente del reconocimiento generalizado. Desde su debut en solitario, el aclamado Heartbreaker (2000), sale a más de disco por año ya sea bajo su firma o acompañado por The Cardinals. Con Ashes & Fire nos recuerda porqué fue considerado uno de los grandes valores del rock americano de raíz clásica y lo hace prescindiendo de la inyección eléctrica. Recupera su estilo más sentido y libre, su lado más intimista y tradicionalista y ha contado, además, con colaboraciones de lujo como la de Norah Jones.

Sea Of Bees -  Songs For The Ravens

Imaginar a Chane Marshall aparcando el blues, el folk y el rock’n’roll y sumergida en el universo del pop daría como resultado algo muy cercano al debut de Julie Ann Baezinger. Lo suyo es un pop maduro, templado y cargado de profundidad atmosférica muy cercano a Cocteau Twins, con momentos para el rock de baja fidelidad y el folk-rock. Todo ello envuelto en la voz dulce y aniñada, pero también aquejada, de la californiana con la que da vida a una letras fantasiosas.

Telekinesis! – 12 Desperate Straight Lines

Telekinesis! es el proyecto personal de Michael Benjamin Lerner, compositor, guitarra y baterista de una de las formaciones de power-pop más interesantes del actual panorama americano. De la mano de Chris Walla de Death Cab For Cutie, principal valedor y productor de este trabajo y del anterior Telekinesis! (2009), el músico de Seattle despliega su enérgica mirada fijada en la tradición encarnada por Big Star o The Byrds. A día una de las bandas imprescindibles de la escena al lado de Fountains of Wayne, The Broken West o The Little Ones.

Veronica Falls – Veronica Falls

Son varios los méritos de esta joven formación londinense que se dio a conocer en la pasada edición del Primavera Club -repetirán en el Primavera Sound como herederos de The Pains of Being Pure at Heart como banda fetiche de la nueva modernidad barcelonesa-, pero que ya había mostrado sus credenciales unos meses antes en el FIB. Por un lado está el de no defraudar en las expectativas depositadas en su primer LP tras los sencillos de adelanto “Found Love In a Graveyard” y “Beachy Head” y por otro hacer que por una vez, y sin que sirva de precedente, los hipsters caigan bien. El acierto de su pop de mirada escocesa y alma sombría tiene la culpa.

Wild Flag – Wild Flag

Primer trabajo del supergrupo femenino formado por las ex Sleater-Kinney Carrie Brownstein y Janet Weiss, Mary Timony, ex Helium y Rebecca Cole ex Minder. Las de Portland y Washington evocan a las Riot Grrrl de los principios de los 90 con guitarras de raíz punk. Una sonoridad adolescente y urgente, en la senda del grunge y el rock alternativo americano, aunque por momentos también más refinada.

WU LYF – Go Tell Fire To The Mountain

El debut de la World Unite Lucifer Youth Foundation es, de lejos, una de las propuestas interesantes e incatalogables del año. El cuarteto ha autoeditado este trabajo de sonido crudo grabado en directo durante largas sesiones en una antigua iglesia y trabajado desde el estudio en Glasgow por Paul Savage (The Delgados, Franz Ferdinand o Camera Obscura). Por su épica y ritmos tribales suenan a una hipotética versión lisérgica de Arcade Fire.

Con este clima de tensión e inquietud instalado día sí y día también en nuestra espina dorsal, parecía normal, que terminando este 2011, lo que abracemos con mayor ímpetu sea la cosecha cultural recogida a lo largo de estos doce meses que dejamos atrás con pésimo balance.

En la área que aquí nos ocupa volvemos a completar otro gran año. Si bien no ha resultado tan revelador, ni ha aportado tantas gemas como en 2010 (aún recuerdo el dolor para ordenar el Top 3 de final del año) la sensación que deja este año de transición musical es altamente satisfactoria, y vierte con ello, dosis de optimismo para confiar en el presente musical, y aún más importante, el flote incesante de bálsamos musicales con los que equilibrar el desajuste que provocan los tiempos difíciles.

Tras esta introducción pasemos a desfilar (y a escuchar via Spotify) delante de la más sabrosa cosecha sonora que ha empapado los oídos de quien escribe.

10. Lykke Li – Wounded Ryhmes

La hermosa cantante sueca se desquitaba del ropaje romántico naiff de su primer disco para enfundarse en un pelaje más oscuro, como si su corazón hubiera experimentado la amargura del desamor. El resplandor de este portento de voz que la naturaleza le ha otorgado, lidia en Wounded Ryhmes con atmósferas más industriales, urbanas, y cargadas. Con texturas hipnóticas, producciones bien talladas, y el ronroneo de los ritmos tribales dejándose oír. Los extraños contrastes sonoros y su capacidad para cuajar un entramado musical válido en ellos, hacen del disco una gema de pop etéreo del que resulta difícil sustraerse. Temas como “Follow Rivers”, “Love our of Lust” o “Get some” describen a la perfección el extraño poder de fascinación que destila esta chica con enorme talento.

9. Charles Bradley – No Time for Dreaming

Las gemas soul son el petróleo más valioso para aquellos surcadores que andan tras su extinguida pista. Por eso cuando servidor se topó en marzo con Charles Bradley y su No Time for Dreaming todos sus pensamientos se dirigieron a creer estar ante alguna joya oculta del soul de los 60′s, o delante del oportunismo de alguien con criterio para sacarle el polvo a algún material abandonado en los almacenes del sello Atlantic. Pero nada de esto. Bajo el nombre de Charles Bradley respondía un veterano músico de Brooklyn nacido en el 1948, y su trabajo era hijo de los días presentes. Luego descubrimos en el maravilloso concierto del Primavera Club (una de las cotas en directo del año) que “Sex machine” se había además reencarnado en este curtido músico. En el intervalo que permitió conocerlo en persona, su revelador No time for Dreaming Sus seguía brindado 12 temas que albergan la propia definición de la música soul: emociones expresadas desde lo más profundo del alma. Una intensidad sonora solo al alcance del hombre negro, y de muy pocos casos, el citado James Brown, Sam Cooke, Ottis Redding (a cuyo tono de voz recurre a veces Bradley) y por qué no el propio Charles Bradley con su voz rota, despedaza por experiencias curtidoras y canalizada con notas sinceras y de amplio calado emocional. En una época en la que soul sufre cierto revisionismo que intenta recuperar, a su modo, la época dorada del género, empaparse de temas como “I relieve in your love”, “Why is it so hard” y transportarse directamente a aquella época se convierte en una auténtica delicia.

8. Radiohead – The King of Limbs

Este año Tom Yorke le ha cogido el testimonio a Brian Burton (Aka Danger Mouse) como el hombre más hiperactivo del campo musical. Su nombre ha salido impreso en diversas colaboraciones y trabajos a lo largo del año, y por si no fuera poco saldo, también ha podido entregar un nuevo álbum con Radiohead. Su octavo disco de estudio se subscribe en la misma vertiente electrónica que ha venido marcando su sonido en los últimos años, y cuyas mayores señas se perciben en el abandono de los instrumentos de banda de rock por un sonido sintético más incipiente y atmosférico. Una electrónica que se guía por parámetros jazz, o al menos a la interpretación sui generis ofrecida por la banda de Oxford. Ahora los loops han pasado a ser el esqueleto del disco. Esenciales para construir estas atmósferas envolventes, cautivantes, hipnóticas y obsesivas con un resultado marcadamente desalentador. Este The King of Limbs no es un disco demasiado accesible, no puede conquistar al oyente con un primer contacto (la carencia de hits no ayuda a ello), necesita de su tiempo, adaptación y sobre todo, de varias escuchas. Pero sí las recibe, es un álbum que te agarra, pese a que la crítica parece no ubicarlo entre los trabajos más aplaudidos de estos chicos que siguen andando a su antojo por la liga de oro.

7. Cat’s Eyes – Cat’s Eyes

Uno de los debuts más estimulantes del año llegó de la mano de una de las parejas más extravagantes de los últimos años: Él, Faris Bawdan (líder de The Horrors), ella Rachel Zefirra (cantante de opera y multiinstrumentista). De la unión de los polos opuestos llegó una pieza de orfebrería pop que contenía algunas de las más hermosas joyas musicales de la temporada. Las diez cortas y concisas canciones que componen el debut de este dúo son un deleite para el oyente más sibarita. Talladas con precisión, aplomo y elegancia, los temas de este debut aletean alrededor de tu cuerpo erizando el bello con sus suaves caricias. El secreto lo guarda esta soprano con voz angelical, y el genial contrapunto oscuro y macabro que aporta el cantante de The Horrors. A esto, se añaden arreglos orquestales, una producción que bebe tanto de Phil Spector como de las bandas sonoras de Ennio Morricone o del John Williams más intimista, y ya se dispone de uno de los debut del año. Que encuentra su cara más perdurable y convincente en el preciosismo platónico de “The best person I know”, el reposo de paz inquebrantable de “The Llull” (otro de los temas más hermosos del disco), el loop esotérico “Cat’s Eyes”, el reverso gótico de las Ronettes de “Face in the crowd”, y cada una de las canciones que configuran este redondo debut.

6.  The Roots – Undun

Lo de esta numerosa crew de Philadelphia empieza a sonar a fantasía épica. Con una asombrante regularidad propia de Joel y Ethan Coen, vuelven a planchar un disco con los que filtrarse en lo alto de esta lista (ya hicieron lo propio el pasado año). Y es que Undun se encuentra entre los trabajos más celebrados de The Roots. ¿Sus armas? un fuego cruzado a base de neo-soul elegante, aroma funky old skool, y hip-hop con garra, de regusto maduro y sofisticado. Todo bien regado por una producción exquisita y por unos acompañamientos vocales que desenredarán matas de pelo. El resultado es un trabajo mayúsculo e inspirador, que hará enloquecer las neuronas de los gourmets de la música negra mediante un ajuste de influencias, elementos, y ritmos asombroso. The Roots siguen a lo suyo andando por una senda imparable, y con Undun despiden el año a lo grande.

5. Fleet Foxes – Helplessness Blues

El nuevo trabajo de los norteamericanos Fleet Foxes ha servido para poner a su líder Robin Pecknold en el alto pedestal donde merece estar, y a toda su banda por superar con nota la difícil criba del segundo álbum. Helplessness Blues, a diferencia del debut (Fleet Foxes, 2008), no es un disco cargado de himnos imperecederos, no hay en todo su recorrido piezas inmediatas, pero en contraposición, se cocina todo con fuego de leña, con lo que los temas adquieren cierta aureola mística creando espacio a una resonancia magnética, cautivante y misteriosa. Fleet Foxes no encabezan el revival folk, están por encima de él, en otra dimensión aislada del resto, y por suerte el mundo no lo está de su magia.

4. EMA – Past Life Martyred Saints

Erika M. Anderson no es una recién llegada en el campo musical, pero fue este 2011 cuando la vimos por primera centrada en su propio proyecto, conocida con las siglas EMA. Past Life Martyred Saints supuso el esplendorosos debut que la catapultó hacia las más distinguidas y elevadas alabanzas, y que la consagró como la más gratificante nueva sensación del curso. Y lo consiguió gracias a una formula que coge el polvo seco de su natal South Dakota le añade sombras neo-psicodélicas con el que va esparciendo su rastro por el mismo asfalto que recorría Fred Madison en la carretera perdida. El resultado es un artefacto absorbente, poderoso, y dinámico, que destapa una revelación vocal e instrumental con inmenso talento. Nada suena a artificioso o forzado. Todo el discurso se mantiene áspero, árido, pero a la vez revitalizante al desenvolver cierto halo hipnótico en una producción que aterra a la vez que maravilla. Su voz rota, su emoción vivida, sus vivencias impresas sobre arena y asfalto pueden invitar a establecer comparaciones con grandes artistas como Patti Smith o Cat Power, pero creerme, que EMA merece una distinción aparte, con identidad propia.

3. John Maus – We Must Become The Pitiless Censors of Ourselves

John Maus parece querer convertirse en el apóstol críptico de nuestros tiempos, en una especie de mensajero oscuro de la desazón de nuestros días. Al menos eso es lo que transpiraba We must become The Pitiless Censors of Ourselves, su mejor obra hasta la fecha. Apostada en terreno de pop hipnágotico y el lo-fi, y removido de raíz por impulsos sintéticos este LP es un viaje tortuoso, desalmado y oscuro a una tierra despojada. Este singular profesor de filosofía consiguió aislar la belleza de la naturaleza muerta. Mediante el uso de melodías cristalinas apoyadas en los sintetizadores, y el uso forzado de una voz que en ocasiones mimetiza con la de la del Scott Walker más desatinado, construye paisajes oníricos de pelaje rugoso y matiz alicaído. De ese espíritu desolado tan propio de formaciones de los 80′s como Joy Division, Suicide o Dead Can Dance, Maus logra sacar bellos parajes sonoros. Los mejores cortes transportan al oyente a ese extraño estado que deambula de lo placentero a lo afligido. Lo consigue por ejemplo con “Cop killer”, con la lluvia sintética de “Believer”, con la sublime (algo tellierana) “Street Light”.

2. Balam Acab – Wander/Wonder

Alec Koone es el nombre real de un niño prodigio que con 20 añitos se ha cascado el debut más glorioso del año. Bajo el alias de Balam Acab lanzó Wander/Wonder, un LP que ha permanecido intocable en los rincones más profundos del hipotálamo de quien escribe estas líneas. Las sensaciones que provoca Koone con este trabajo guarda similitudes físicas (retuerce el estomago y dilata el corazón) con las que te golpeaba Burial con sus dos primeros trabajos, o con la cascada de emociones que te invadía con la primera y segunda escucha del Merriweather Post Pavilion de Animal Collective. Sin embargo la propuesta de Balam Acab se desentiende del dubstep o el psych-folk para establecerse en el pop y el R/B, sin embargo, el tratamiento de las texturas y el uso de las voces resulta tan arrebatador como en los ejemplos citados. Adentrarse en este disco es como un buceo en apnea por un entramado marino que presenta bellos parajes repletos de corales, cuevas y corrientes submarinas asombrosas. Un símil que no resulta gratuito si se atienden los diferentes efectos de sonido marinos utilizados a lo largo de la grabación (los chapoteos de “Await” siendo claros) Si nos obligaran a aportar mayores referencias sobre el género por el que se pasea Balam Acab diríamos que transita entre el ambient, el pop etéreo, el R&B y ciertas chispas de chill out (quizás la única friega no necesaria en todo el disco) Sus herramientas son los sintetizadores, las voces fantasiosas, y una sensibilidad sobrenatural para aunar todo esto. No sé muy bien ante lo que estamos, ni si tendrá continuación, pero sé que cada vez que me pongo los cascos para escuchar temas como “Now Time”, “Motion”, “Await” o “Welcome” mi cuerpo muta en otras formas…espirituales, de fondo sublime, y placer divino.

1. PJ Harvey – Let England Shake

Ya con su prematuro lanzamiento en los primeros meses del año se percibió que el disco de Pj Harvey iba a ocupar los puestos altos de las listas de final de año, sin poder adivinar que tendría el honor de ocupar finalmente el trono que lo acredita como el mejor disco del año, Y Polly Jean Harvey lo ha conseguido ejecutando un disco político, melancólico, mágico y estremecedor. La cantautora ha tejido una bella postal de su tierra donde sobresale su distinguible voz (en ocasiones con el contrapunto magistral de una presencia masculina), los arreglos finos, limpios y proporcionados en su justa medida. Un empaque distinguido e inteligente que convierte las melodías de las canciones en suaves y reconfortantes estímulos. Hay cierta luz en sus composiciones, pero en general impera un ambiente melancólico, gris y de una extraña niebla que no permite ver con claridad, pero en cuyo trayecto, el oyente será desvelado por mágicos parajes (lo entenderán mejor si escuchan los temas “England”, “Let England Shake” o “The glorious Land”). Let England Shake es la última demostración del talento innato, que se saca aquí un pulcro e inspirado trabajo, con señas de convertirse en atemporal.

La banda norteamericana The Roots se ganó con su penúltimo disco (How I Got Over) un puesto privilegiado en la lista de esta casa creada para recoger los mejores trabajos publicados en el 2010. Apenas un año después, regresa con un nuevo título bajo el brazo bautizado con el nombre de Undun. Para construir esta nueva entrega han partido de una inusual inspiración, la vida ficticia de Redford Stephens, un pandillero neoyorquino arrastrado hacía un desenlace trágico por culpa del tráfico de drogas.

Con su treceavo álbum de estudio, la crew de Philadelphia demuestra un apetito voraz para superarse a sí misma. Con Undun vuelven a planchar un trabajo admirable, digno de volver a filtrarse en las listas de lo mejor del año, y lo logra salpicando los oídos con fuego cruzado a base de neo-soul elegante, aroma funky old skool, y hip-hop con garra, de regusto maduro y sofisticado.  Todo bien regado por una producción exquisita y por unos acompañamientos vocales que desenredarán matas de pelo. El resultado es un trabajo mayúsculo e inspirador, que hará enloquecer las neuronas de los gourmets de la música negra mediante un ajuste de influencias, elementos, y ritmos asombroso. The Roots siguen a lo suyo andando por una senda imparable, y con Undun nos hacen despedir el año a lo grande.

Tema Clave: “The OtherSide”

Nneka – Soul is heavy

La nigeriana afincada en Alemania Nneka ya tiene en la calle la continuación del aplaudido Concret Jungle. La cantante sigue lanzando sus proclamas políticas desde las mismas coordenadas sonoras que en anteriores trabajos. En Soul is heavy se sigue respirando afro-beat, reggae, hip-hop, y R&B, pero el efecto no es igual de alentador que en el LP que lo precede.

El discurso de Nneka pierde aquí algo de intensidad, parece como que la joven talento nigeriana haya optado por acomodarse a su fórmula. Pese a las lustrosas colaboraciones (Ms. Dynamite y Black Thought de The roots en dos de los mejores cortes de todo el álbum), Soul is heavy sufre durante el trayecto la repetición, algunos arreglos caducos, y cierta desgana. Alcanza los mejores puertos cuando abraza los sonidos tribales y autóctonos africanos, y los peores cuando Nneka intenta aproximarse a una Tracy Champan de ropaje R&B, en modo meloso y espiritual (“J”). No es un mal disco, pero sí una decepción viniendo de este precioso diamante africano.

Tema Clave: “God knows why”

Drake – Take Care

Tras las buenas maneras apuntadas en su debut Thank Me Later, el canadiense Drake regresa con su segundo trabajo de estudio. En Take Care el cantante aparta su ego, la mirada reflexiva a su éxito repentino para destapar un corazón lloroso, para mostrarnos su aspecto más desolado. Y lo lleva a cabo rodeado por invitados de lujo: Jaime XX en tareas de producción, Andre 300, The Weeknd, Rihanna, Nicki Minaj, Lil Wayne, Rick Ross.

Quizás el aspecto más atrevido y llamativo de este LP es ver cómo la polaridad que desempeña Drake como MC y cantante R&B no acaba por destrozar los cabezales de los tocadiscos. La escucha de su voz seductora con intervalos de rimas punzantes cuaja en general de forma bastante satisfactoria hasta llegar al tramo final, donde el sonido queda atrapado en una sustancia empalagosa. Pese a que el disco es una declaración sentimental eminentemente urban y R&B, hay lugar para destellos de chicha bass, de hip-hop mainstream, de neo-soul delicado, y eso aporta profundidad y frescura a los 18 cortes del álbum. Se percibe con notoriedad, y buen ajuste, en temas como “Take Care”, con producción de Jaime XX y Rihanna poniendo la voz, y con samplers del malogrado Gill Scott-Heron. Take Care no es un trabajo brillante, pero sí que supone una declaración de principios de su artífice para reivindicarse dentro del soft hip-hop como un músico válido que no se debe arrugar ni ante los compañeros de reparto que lo vean como un moñarron, ni ante la lluvia de dólares que le caigan por las ventas masivas de este trabajo.

Tema Clave: “Headlines”

Tom Waits – Bad as me

Sietes eternos años han tenido que pasar para que la voz tabernera más castigada y profunda, los bronquios ahogados en litros de ron, coñac y whisky, volvieran a escupir notas. Bad as Me es el lanzamiento que vuelve a poner sobre la palestra uno de los cantantes más genuinos y auténticos de la superficie terrestre. Este largo intervalo entre Real gone (2004) y el disco que aquí nos ocupa han servido para dar forma a un disco contundente, sólido, sin apenas estridencias palpables, y que demuestran una vez más la singularidad incorrupta de este artista inimitable.

En este álbum volvemos a encontrar un Waits que oscila con comodidad entre la balada para el amanecer post etílico y el desmadre salvaje en plena faena tabernaria. No hay un patrón claro que sirva de espina dorsal en el disco, es simplemente admirar la capacidad esponjosa de su artista para absorber toda la gama de referencias: jazz, gospel, blues, cabaret, y enderezarlas en unas composiciones asombrosas y únicas. Que en el caso de “Chicago” sirven para ponerte en situación con un azote contundente, que en “Talking at the same time” absorben gotas dylanianas, que en “Get lost” se mueven por terrenos inundados del Nueva Orleans que vive por el jazz, que en “Bad as Me” coge tintes incendiarios y diabólicos, y que en “Hell Broke Luce” disponen el ejercicio de una danza macabra. En definitiva el de la voz casacada e inconfundible vuelve a demostrar que es tan excelente como músico que como cantante y letrista, si bien aquí también cede parcela a colaboradores de lujo como las de Keith Richards, Marc Ribot o David Hidago, planchando un disco que supone un acontecimiento sonoro para todos los apasionados del sonido con olor a barrena. Tom Waits sigue a lo suyo, atemporal por la vida.

Tema Clave: “Bad as me”

Roots Manuva – 4everevolution

Rodney Smith lleva años paseando por las calles del sur de Londres con el pseudónimo de Roots Manuva y lanzando sus molotov cargados de dancehall, hip-hop, raices de dub y ragga, y consignas críticas de carácter socio-político. El artista londinense saca ahora el disco 4everevolution vestido con un ropaje algo distinto al que nos tenía acostumbrados.

Y es que Smith con este disco parece haber tomado la Northern line en el sur con dirección norte para dejar atrás la orilla sur del Thamesis. Su sonido se ha desprendido de la oscuridad mal oliente del underground londinense, del asfalto carcomido de Brixton para adentrarse en espacios más iluminados y accesibles, aptos para un abanico de público más amplio. No es que haya un reset de sus raíces y sonido, no es que se haya arrugado ante el status quo (son 39 años a sus espaldas como para ablandar su postura, de hecho sigue sacando sus afilados cuchillos para rendir cuentas con el gobierno y los problemas sociales), pero el añadido de capas de producción limpias, los coqueteos con el dubstep de radio formula, el grime, el disco u otros sonidos más propios de una discoteca de Picadilly Circus que de un mugrienta warehouse del sur de Londres, provocan que el impacto neuronal que produce su discurso se haya suavizado. Rodney no renuncia a él mismo, mantiene su voluptuosa e imponente voz, y el espíritu combativo sigue con él, pero se acerca a otros rapper british como Dizzee Rascal o Mike Skinner, quienes han cosechado el éxito que a él siempre se le ha denegado. Quizás 4everevolution sirva para cambiar eso…méritos para lograrlo hace tiempo que los hizo.

Tema Clave: Skid Valley

Boots Electric – Honkey Kong

“It’s easier without complexity”. Lo proclama solo arrancar el álbum con la contagiosa “Complexity”, a partir de ese momento ya estaremos listos para calzarnos un suéter hortera que ponga DIY, una cinta en la cabeza de color amarillo chillón, una chupa de cuero grasienta, unos zapatos de tacón posh, un bigote gayer, y salir a correr sin complejos por las calles de cualquier gran ciudad. Esto es más o menos la propuesta de Jesse “The Devil” Huges bajo el alias de Boots Electric, y Honkey Kong es su eléctrico debut.

La coctelera vitaminada que sirve este músico resulta de lo más variopinta. Hay en ella mucha marca del sello DFA dirigido por James Murphy, pero también asoman con valentía a lo largo de los diez intensos cortes gotas del electro pop mas desenfrenado, Glam ochentero, la ELO renegada del rock sinfónico de finales de los 70’s, y otras energías renovadoras para el espíritu y el cuerpo. Mucho beat desengrasante de caderas y sintes seductores para este ocioso primer LP. Es un disco algo hortera, algo descabellado e irreverente, pero tan atractivo para soltar melena y mover el culo, que no podía pasar por alto en la última lista del año si queremos despedir una mierda de año con estímulos revitalizantes.

Tema Clave: Complexity

Cuatro largos años han transcurrido desde que Justice revolvieran las pistas de baile con su tremendo debut. Entre medio… estrellato repentino, correrías de todo tipo recogidas en el documental A cross the universe, y mucha calma antes de ponerse con la reválida. Ésta se ha plantado finalmente en su jardín, y ha supuesto un duro revés para los fanáticos raveros que poblaban los alrededores con ansías de continuismo.

Con él parecen haber querido quitarse de un plumazo los estigmas que los han acompañado de ser considerados una mera copia de sus compatriotas Daft Punk. En este nuevo paso han decidido “rockcrudecer” su sonido. Apenas tres temas en todo el álbum remiten a esas pulsiones electro que tanta pasión despertaron: “Civilization” “Ohio” y “Helix” (probablemente tres de los mejores temas del disco) Por lo otro deciden estampar jugueteos rock en chapas electrónicas. Hay ecos de Jethro Trull en “Canon (primo)”, hay riff petarderos al estilo Joe Satriani o Matthew Bellamy en “Brainvision” y “Parade”, hay mucha purpurina ochentera esparcida en todos los temas, hay sudor de Eddie van Halen impregnado en los mástiles de la guitarra, hay synthes que parecen mamar de la new wave europea. En definitiva se han cascado un mash up heterodoxo en el que cabe de todo, pero con desigual resultado. Con todo ello, han perdido ese nervio hedonista del desenfreno eterno, pero al menos no podrán decir que el dúo francés se han apalancado en la comodidad.

Tema Clave: Ohio

David Lynch – Crazy Clown Time

A muchos cogió por sorpresa cuando el director de cine David Lynch anunció que su próximo trabajo seria un álbum de música electrónica. Sin embargo, no extraña tanto si recordamos que en ocasiones ha intervenido activamente en la modulación musical para sus películas, codo con codo con su irrenunciable compositor, Angelo Baladamenti.

Cono estos antecedentes aterriza esta misma semana el primer trabajo musical de Lynch. Crazy Clown Time es un tentáculo más del personal, retorcido, chispeante, recargado y oscuro universo de este irrepetible artista. Lynch traslada su habitual universo visual al campo musical mediante atmósferas brumosas, obsesivas y tenebrosas. Crazy, Clown Times sigue con la línea adoptada en la banda sonora de Inland Empire: blues aterciopelado, pop enrarecido, baladas de rock futuristas, texturas ambientales fascinantes e hipnóticas con alta presencia de vocoder y guitarras amenazantes. Para acrecentar esta presencia magnética que acompaña el disco, Lynch se hace acompañar, en el tema “Pink’s Dream”, por la fantástica voz de Karen O. Al igual que su cine, Crazy Clown Times sentará discordia entre adeptos y molestos ante su universo. Mientras degustamos esta obra, lanzamos una llamada para que este poliédrico autor compagine esta vertiente con su cine.

Tema Clave: Noah’s Ark

Florence + the machine – Ceremonials

Florence Welch cayó como un meteorito candente en 2007 gracias a la publicación de su álbum debut Lungs. La artista inglesa aunaba talento e imagen, condiciones indispensables para convertirse en estrella del pop. Cuatro años después llega su segundo LP, y sus capacidades para convertirse en figura importante del pop actual se confirman.

Entroncada en el territorio de solistas femeninas que abrazan el pop, marcadas por la emoción, y practicantes de las confesiones amorosas (Adele, Kate Nash, Lilly Allen y Kate Bush), la apuesta de Florence + the machine pretende diferenciarse de éstas mediante unos arreglos barrocos que envuelven de matices, y convierten sus sonetos de amor en piezas con un halo de calidez y magia. Ingredientes que vuelve a reproducir aquí con exactitud y oficio, y que vuelve a encontrar su mayor potencial en composiciones recordables y hechizantes como “Only if for a night”, “Sake it out”, “Breaking Down” o “No light, no ligt”. Pese a alguna salida con sabor soulful (“Lover to lover”) Ceremonials incide en la fórmula de éxito, dejando cierta sensación de deja vu al finalizar su trayecto, y que tan bien le está sirviendo a Florence Welch para ganarse un puesto de honor en el olimpo de las divas pop.

Tema Clave: Seven Devils

M83- Hurry up, We’re dreaming

Seguramente el doble CD Hurry up, We’re dreaming sirva para colocar a M83 en un puesto irrefutable de la plana mayor de la electrónica. Anthony Gonzalez lleva cosechando méritos desde que en 2001 emprendiera este proyecto junto Nicolas Fromageau (ahora todo el peso de M83 carga en las espaldas de Gonzalez), y parece que este disco es el colosal trabajo que agrupa todo su esfuerzo, su entelequia emocional, todo su pop ambiental de texturas etéreas y ensoñadoras que lo catapultará ahí donde merece estar.

La aportación vocal de Zola Jesus en el primer tema, “Intro”, ya supone un aviso de la envergadura épica, de la grandiosidad emocional que pretende alcanzar M83. Inmediatamente después despega “Midnight City”, el mejor tema del disco, y firme candidato a llevarse el título de canción de año. Cuando este potente cohete alce al oyente más allá de la atmósfera (cerca de la velocidad de la luz, en apenas 4 minutos) pronto comprobará como cuerpo y mente gravitan con temas que encandilan con su reposado matiz ambiental, sus acariciantes sintetizadores, sus cósmicos organillos, su voz aura y sus texturas espectarles. Elementos que resplandecen con frecuencia a lo largo del disco para llevarnos a estados hechizantes, fascinantes, con un candor extraterrenal y una luz propia de carácter épico pero interior íntimo. En esta galaxia emocional, brillan con luz propia la desoladora “Wait” el lamento de “My tears are becoming a sea”, y por supuesto, “Midnight City”.

Tema Clave: Midnight City

Cass McCombs – Humor Risk

Este año el trovador errante con el corazón roto Cass McCombs parece haber hallado la vena más productiva. Tras lanzar a principios de año el desangelado aliento que supuso Wit’s End, regresa ahora con Humor Risk, una nueva publicación que llega a las tiendas apenas seis meses después del penúltimo trabajo.

Si en Wit’s End nos sumergía en los rincones más oscuros y agrietados de las miserias humanas, Humor Risk podría considerarse el primer atisbo de luz en el túnel de la amargura por el que transita este cantautor. Esto no significa que McCombs se haya alejado de su reposado y lánguido estilo musical, y de esa voz susurrante extraída de heridas sin cicatrizar, o de esas letras sobre dramas humanos. Sino que lo ha dotado de un envoltorio más oxigenado para suavizar la densidad emocional a la que te transporta su música (lo consigue con solvencia en la cabalgada country-folk de “Robin Egg Blue” o en la exploración rockera en “Mistery Mail”) Esto no quita, que los temas más arrebatadores y cegadores sigan procediendo de las entrañas más profundas y castigadas. Como son “To every man his chimera” o “The same thing”, ese carrusel de tiovivo ensartado por flashes de psych-folk, y excepcionalmente estructurado en sus distintas estrofas. O el cálido abrazo con tintes de Nick Drake y el folk psicodélico de finales de los 60’s con el que despide el álbum (“Mariah”) Este incorregible solitario vuelve a ponernos el corazón en un puño con su mezcla sensata de sensibilidad, arrojo y pena. En Humor Risk nos vuelve a hipnotizar mediante páramos melancólicos, de una tristeza arrebatadora, pero al menos se aleja del nihilismo fúnebre del LP de principios de año.

Tema Clave: The Same Thing

Atlas Sound – Parallax

El críptico Bradford Cox lleva desde hace pocos años desdoblándose en sus distintas facetas musicales, y manteniendo a través de ellas una actividad prolífica tanto como líder de la banda indie-rock Deerhunter como con su proyecto en solitario Atlas Sound, el cuál recupera este mes para publicar un nuevo larga duración, Parallax.

El músico de Atlanta sigue explorando en su tercer álbum de estudio en solitario sus paisajes brumosos moldeados por aires de folk enrarecido y matices psicodélicos. Cox destapa el tarro de las esencias mediante las modulaciones crooner y soul que adopta su voz enigmática e hipnótica. El resultado final son estos 12 temas trazados con suave contorno, luz tenue, y sabor perecedero que en ocasiones están más cerca del psych-folk de Panda Bear (“Te amo”), o del pop lo-fi de bandas indies de la costa oeste (“My angel is broken”) , y en otras, se ajusta más al molde de pop pulido por harmoniosos arreglos de efecto adhesivo como en el primer álbum de MGMT ( de hecho en la canción “Mona Lisa”, Andrew Vanwyngarden de los MGMT pone su granito de arena mediante piano y coro). Parallax es una música que parece surgir tímidamente de un oscuro aislamiento para erigirse con el paso del tiempo en un estado de ánimo más penetrantes de lo que cabría pensar desde el inicio. Estamos ante un gran álbum que encaja a la perfección para las escuchas invernales resguardas en la calidez del hogar.

Tema Clave: Te Amo

Summer Camp – Welcome to Condale

Lo del dúo londinense Summer Camp empezó como un flechazo inmediato con su música (¿o su estilo?) a raíz de la publicación, el pasado año, de este hermosos tema/videoclip de “Round the Moon”. Tras alcanzar cierta notoriedad en la blogesfera con sus videoclips, y el EP “Young”, por fin llega a las tiendas su puesta de largo en LP. Welcome to Condale es su título, y con él Elisabet Sankley y Jeremy Warmsley expanden su imaginario synthpop de raíces ochenteras y nostalgia teen mediante la creación de un pueblo ficticio en California desde donde ubican todas las historias que componen el trabajo discográfico.

Si bien sus coordenadas estilísticas siguen estando cerca del synthpop, la chillwave, lo-fi o el disco-pop de influjos ochenteros, también es visible que en Welcome to Condale presentan otros matices más directos, con más capas electrónicas, con presencia más acentuada de guitarras, nuevos horizontes que han logrado expandir gracias a la producción de Steve Mackey (bajista de Pulp); excursiones dance en “I want you”, la sombra de Moby en“Nobody Knows you”, el dark dreampop de “Done Forever”, pulsiones electro a lo Kills o Crystal Castles en “I want you” . Pero sí hay que rendirse ante este glorioso rookie album es por el placer alargado que conlleva enfrentarse a 12 temas que en ningún momento bajan de cilindrada y que mantienen el mismo patrón encandilador de melodías vaporosas sobre amores y desamores en la adolescencia. Summer Camp no sólo acalla de golpe las voces que los veían como una propuesta extremadamente naiff y esteta para un par de temas, sino que nos dejan soñando con su dreampop acogedor a la espera de nuevos romances en ese Condale u otro pueblo de su delicado y entrañable imaginario.

Tema Clave: I want you

Veronica Falls – Veronica Falls

Veronica Falls supone la meritoria carta de presentación lustrosa de esta banda homónima de Inglaterra. En ella el cuarteto de Londres dejan esparcir su nube sonora de riffs alargados, percusiones acaloradas y melodías ásperas . Pese a que su pop lo-fi los acerca al sonido de bandas norteamericanas como Dum Dum Girls o Vivian girls, ellos se resisten a ser absorbidos por el imán de las etiquetas y modulan a su entorno un sonido diferenciado, pese a las conexiones evidentes con sus influencias.

El resultado es este encomiable LP, en el que resaltan la inmediatez y efectividad de todos sus temas. Veronica Falls perfilan un repertorio guiados por la nostalgia sentida de un sonido añejo, por la sencillez compositiva, por los atajos directos, y en definitiva, por construir una carcasa sonora más modélica y limpia que los ejemplos citados en el párrafo de arriba. La mezcla entre las armonías vocales de regusto amargo y la contundencia sonora de estilo 80’s y 90’s (ahí entra la visión  del productor Guy Fixen (My Bloody Valentine)) articula estas jugosas píldoras merecedoras de repetidas dosis.

Tema Clave: “Bad Feeling”

Feist – Metals

La cantante norteamericana Feist confirma con su último trabajo, Metals, su tentativa de sellarse a sí misma de fans enloquecidos, portadas de revistas de tendencias y primeros puestos en las listas de ventas. Feist tiene una voz con la que podría codearse con las divas del pop, pero ella ha optado, en su último paso hasta la fecha, por retorcerse sobre si misma, por buscar el sendero de la introspección, y aclimatarse sobre capas de folk, y pop de raíces country.

Metals se adentra de forma repentina en la mente del oyente con unas formas frágiles y bellas que encuentran en la sensible voz de su cantante, y en los hermosos arreglos, sus mejores aliados para penetrar el hipotálamo. Es el caso por ejemplo de la majestuosa “Caught a long wind” o “A Commotion”. También hay espacio para acercamientos encrudecidos a territorios ampliamente explorados por Cat Power. Pero la verdad es que resulta fácil encandilarse por la mayoría de temas de este disco. Feist vuelve a demostrar con creces, que es capaz de tocar la fibra con pocos elementos a su alcance, y sin caer en trampas de mercadotecnia que la podrían acabar desfigurando. Ella prefiere seguir un camino propio.

Tema clave: “A Commotion”

Girls – Father, Son, Holy Ghost

El dúo de San Francisco Girls aterrizó en 2009 con Album. Un trabajo de pop juvenil, fresco y etéreo que conquistó el corazón de la legión indie más puesta, a su vez, fue elegido como uno de los diez mejores álbumes por varios medios de prestigio. Ahora regresan con nuevo título bajo el brazo, y lejos de asentarse en el mismo pop ensoñador y hedonista que los aupó a la fama, deciden desviarse ligeramente.

En Father, Son, Holy Ghost Christopher Owens y Matt Fishbeck recrudecen su sonido con un tono más pesado, más triste y reflexivo. Ahora hay una presencia más instrumental en los cortes, y la voz de Owens aflora como un susurro amargo y desolado desde un rincón alejado donde la luz apenas ingresa. A pesar del tono amargo que nos embarga, Girls saben saltearlo con inteligencia (para que el oyente no se rinda) con dosis de pop resplandeciente, más próximos a su primer LP: “Honey Bunny”, “Magic”. Para este nuevo disco parecen haberse desvestido del todo y las marcas en su piel son signos de un pasado traumático. Todo ese dolor lo expulsa con fuerza y maestría en temas como “Vomit” (con un crescendo propio la etapa tardía de Pink Floyd), pero en otros (“Die”, poseídos por Dioses guitarreros o “Alex”) parecen arrastrados por una cadena pesada y oxidada.

Tema clave: “Vomit”

Das Racist – Relax

A este dúo (ahora convertido en trío) de Brooklyn ya hacía tiempo que les veníamos siguiendo la pista. Los buenos augurios que les pronosticamos se materializan ahora con Relax, su debut en LP. Tras la ligera popularidad que han venido experimentado durante los últimos años, con este debut en largo viene a confirmar que tanto su humor corrosivo, como las letras gamberras y los ritmos fiesteros siguen intactos en su ADN.

Das Racist vuelven a demostrar que pueden mostrarse canallas, gamberros, lanzar consignas incendiarias, sin que su sonido se resienta por una falta de compromiso o seriedad. En Relax los beats se amoldan a la perfección a las líricas, las líneas melódicas son adictivas, cada voz aporta su apunte, y el ritmo en las catorce canciones no decae ni cuando se salen del camino habitual. Pese a que el hip-hop es el medio en que se sienten más confortables, hay aquí también incursiones electro con deje a Chromeo, “Girl”, hay spoken word con la mínima expresión rítmica, samples de world music, “Booty in the air”, pop teñido de comercialidad, muchas palmas, algunas frases en español y cantidad de eclecticismo. No se dejen confundir por la pose despreocupada y pretendidamente cool que se gastan, porque estos tres son capaces de lanzar un rap desenfrenado e irresistible.

Tema clave: “Rainbow in the dark”

Apparat – The Devil’s Walk

El productor alemán Sascha Ring, conocido por Apparat, ha decidido dar un vuelco respecto a su carrera como referente del techno y la IDM, y adentrarse con paso firme hacía terrenos de pop efervescente, melodías acariciantes y actitud melancólica e introspectiva. El resultado es The Devil’s Walk.

Un caldo de melodías, arreglos y composturas vocales que se juntan para crear una masa firme e uniforme que te acaricia y te emociona, sin resultar empalagosa. Quedan atrás lo beats, ahora los arreglos electrónicos son un bello complemento pero no el motivo principal, y el propio Ring se vuelca en la apuesta con su voz sensible y emocional (con reflejos claros de Tom Yorke) que cuaja a la perfección con los pianos estremecedores, las cuerdas penetrantes y otros sonidos inesperados que dotan de tanto candor y magia al conjunto. Su máxima expresión es la invencible “Black Water”. Apparat ha logrado con The Devil’s Walk un inspirado, y estimulante ejercicio de pop candente, ideal para románticos entristecidos que no logran concilian el sueño hasta altas horas de la noche.

Tema clave: “Black Water”

Plaid – Scintilli

Han tenido que pasar ocho años para que el dúo electrónico Plaid regale otro de sus artefactos sonoros repletos de texturas etéreas y ambientes elevadores. La inquietud de la banda los sigue llevando al terreno de la experimentación con Scintilli, y pese a no estar al nivel del imprescindible Double Figure, componen un recorrido de puertos inesperados y cotas abstractas, de la que resulta más que recomendable adentrarse.

Puede que Plaid haya perdido esa frescura fascinante del inicio, pero no han disminuido en su incesante búsqueda de sonidos fascinantes, siempre de origen incierto y sensaciones chocantes. Siguen formulando esas estimulantes capas donde brota color, formas imprecisas y color resplandeciente. Plaid vuelve planchar música para alejarse de las realidades cuadrículas, para transportarse a estados oníricos, y salir recargado con su perceptivo, aunque de entrada pueda parecer sesudo, viaje de experiencias electrónicas.

Tema clave: “35 summers”

Givers – In light

Cada temporada irrumpe ese grupo imberbe y con acné juvenil que te contagia con su música despojada de pretensiones, directa, fresca y optimista. Pensar en The Foals, Vampire Weekend, Two Door cinema club. Este año el título podría caer (con el permiso de Foster the people) en los americanos Givers.

Este quinteto de Portland reproducen con precisión y exactitud la fórmula que tan bien funciona dentro de la ola indie-popera más festiva: estribillos adhesivos, riffs movedizos, melodías accesibles, intercambios vocales entre hombre y mujer, acompañado de coros y palmas. Todo ello impulsa de ritmo esta colección de temas cargados con pop despreocupado, alegre y revitalizante. Pero no todo es un encaje con soltura, porque una vez cogen la fórmula, la reproducen constantemente sin apenas variaciones, y eso acaba por hacer decaer la impresión global de su debut. In light llega tarde a nuestras tierras, pasado el verano (en EEUU apareció en junio), pero la energía que desprende es un buen remedio para alegrarse el día cuando los ánimos están alicaídos. Sin embargo se aconseja también no hacer un uso reiterado, porque el efecto puede ser el contrario…orejas empalagosas y adormecidas.

Tema clave: “Up, Up, Up”

Wilco – The Whole Love

El último trabajo de Jeff Tweedy y los suyos recorre la misma senda trazada en la última etapa de la banda. La madurez compositiva de su líder es incuestionable, las salidas experimentales se las han guardado bajo llave, y el rock alternativo estable es una constante en todo el disco.

Y precisamente, esa pequeña intro de pulsiones electrónicas incidentes (marca de la casa Radiohead) con la que abren The Whole Love, parece sugerirnos un cambio de rumbo. Pese a que “Art of Almost” resulta un arriesgado torpedo de impulsión rock con gotas de sintes, es también una excepción, ya que pronto el grupo recupera el camino más transitado. Un sendero plano, alisado y compacto, fruto de los años que llevan pisándolo. En el nuevo LP hay instantes rockeros a grabar con fuego, pero también hay una muy estimable fracción de temas low tempo ( las bellas “Sunloathe” y “Black Moon”), salida vodevilescas con “Capitol City”. En definitiva el sonido que reluce del octavo disco de la banda está perfectamente ajustado, sin altibajos ni salidas de tono, tampoco sin hits precederos, (quizás “Born Alone” pueda cumplir con esa función). Wilco siguen manteniendo su esencia rockera desde una posición de privilegio.

Israel Nash Gripka – Barn Doors and Concrete Floors

El segundo largo del norteamericano Israel Nash Gripka atraviesa de forma fulminante, y sin descomponerse, un extenso valle cultivado con las mejores semillas del country-rock, el folk-rock y la americana. Un valle por el que su día pasaron Neil Young, The Band, Bruce Springsteen, o los más recientes Ryan Adams o My Morning Jacket, y del que Nash Gripka sabe recoger los mejores frutos para elaborar este imperdible Barn Doors and Concrete Floors.

Un disco que absorbe todo el calor del entorno en el que ha sido sembrado. Se vislumbran en él las montañas de Ozark, la región de Missouri de donde proviene el autor; se palpa el verde radiante que asoma en sus prados, se intuyen las sesiones musicales alrededor de una fogata, en definitiva, se respira, mediante unos referentes muy específicos del rock de finales los 60’s y principios de los 70’s, un paisaje remoto de la América profunda. Quizás Israel Nash Gripka no aporta nada nuevo al género, pero se muestra como un auténtico prodigio, y no le tiembla el pulso a la hora de transformarse, por momentos (el registro vocal se encamina a la confusión), en The Band, el Boss de Nebraska o incluso a los Stones de Exile of Main St.

Tema clave: “Goodbye Ghost”

Beirut – The Rip Tide

Zach Condon sigue inmerso en su último disco con su particular exploración de los paisajes emocionales enderezados con un marcado folk de raíces balcánicas, cubierto con algo de polvo mejicano, y algunas pizcas de chanson.

The Rip Tide supone otro viaje emocional repleto de buenas vibraciones y pasmosos encuentros. Una orquestra compuesta por ukelele, trombones, acordeones y sinfín de instrumentos acompañan al sensible backpacker. La postal que nos envían Beirut en esta ocasión no procede de ninguna coordenada concreta, pero se recogen en ella pedacitos de todos los territorios transitados por este personal cantante. Sin aportar nada nuevo, The Rip Tide sigue la senda marcada en anteriores trabajos con resultados igual de reseñables.

Tema Clave: “East Harlem”

Balam Acab – Wonder/Wander

Cada cierto tiempo irrumpe un disco, una pieza, un artista que te desorienta. Te desconcierta mediante un trabajo al que no puedes acotarle unas coordenadas predefinidas y conocidas. En los últimos años, me vienen a la mente el Merriweather Post Pavillion de Animal Collective o la llegada del dubstep con Burial. Ahora creo que se les puede sumar un tercero en discordia… se hace llamar Balam Acab, y su música aparte de inclasificable, resulta regeneradora.

Wonder/ Wander es el debut de este prodigio de 20 años apellidado Koone, Alec Koone. Su música se reivindica como una tira adhesiva e hipnotizante de ambientes inexplorados por la mente humana. Su primer LP se posiciona como un gran entramado marino que abarca bellos parajes repletos de corales, cuevas y corrientes submarinas asombrosas. El símil viene por la pasión del joven músico con esta materia, y por los diferentes efectos de sonido marinos utilizados a lo largo de la grabación (los chapoteos de “Await” siendo claros) Si nos obligaran a aportar mayores referencias sobre el género por el que se pasea Balam Acab diríamos que transita entre el ambient, el pop etéreo, el R&B y ciertas chispas de chill out (quizás la única friega no necesaria en todo el disco) Sus herramientas son los sintetizadores, las voces fantasiosas, y una sensibilidad sobrenatural para aunar todo esto. No sé muy bien ante lo que estamos, ni si tendrá continuación, pero sé que cada vez que me pongo los cascos para escuchar temas como “Now Time”, “Motion”, “Await” o “Welcome” mi cuerpo muta a otras formas, experimentando unas sensaciones de las que no estoy acostumbrado a verme envuelto mediante la música. Placer divino.

Tema Clave: “Await”

The Rapture- In The Grace of Your Love

The Rapture cayó en escena a principios de este siglo como una cometa imparable. Su estela de revival post-punk fue adaptándose a otras formas y géneros y con ello se volvió más tenue. Tras cinco años de descanso, en las que su cantante y compositor Luke Jenner se las ha visto de todos los colores (casi todos de tonos amargos), la banda neoyorquina vuelve al centro del mundo indie con este redondo In The Grace of Your Love.

Pese a las desgracias que han afligido a Jenner durante estos años y que mantuvieron la disolución de la banda en la cuerda floja, el trío regresa con un resplandeciente trabajo, de un lirismo más volcado en la pena y la madurez emocional, pero con una coraza voluminosa encajada a bolillos. El resultado es que en estos 11 cortes, The Rapture no sólo recuperan su mejor pulso a base de efervescentes cápsulas de indie-dance con mucha cuota electrónica, sino que por el camino dejan algunos piezas para permanecer imborrables en nuestros reproductores. Es el caso por ejemplo del “Sail Hawai” con el que zarpamos, “Miss you”, el tema que da nombre al disco “In the Grace of you Love”, la indescifrable “Children”, experimentos psicodélicos en “Roller Coaster”, y sobre todo, ese perfecto tallo vitalista llamado “How deep is your love?”, incrustado ya en nuestros tejidos con la misma virulencia que en su día el “House of jealous lovers”. Sin duda, la espera mereció la pena.

Tema Clave: “How Deep is Your Love ?”

Clap your hands say yeah – Hysterical

La banda norteamericana Clap Your Hands Say Yeah llevaban 4 años esfumados de las gacetas musicales y páginas de actualidad, concretamente desde la salida de Some Loud Thunder en 2007. Para suerte de los que guardamos predilección por los de Brooklyn, septiembre ha sido el mes escogido para volver a los ruedos con la publicación del nuevo LP, Hysterical.

Es arrancar con “Same Mistake” y rememorar toda esa chispa, todo ese tono seductor y transcendental que tensa la voz de Alec Ounsworth, y todo ese aprecio por la melodía asentada y perfilada mediante la vibración que hicieran que los tuviéramos en tan alta estima. Una estima que no pierde ni un ápice con estos 11 temas regados con la sabiduría, la elegancia, la sensbilidad de los neoyorquinos. Que se aprecia a todas luces con ese despertar luminosos a ralentí que es “Misspent Youth”, la acelerada con gotas Devonianas “Maniac”, la inquietantemente bella “In a motel”, la Killeriana, y no por ello, hermosa y especial, “Siesta (For Snake)”, y ese tremendo colofón que es “The witness Dull Suprise”. Casi nada.

 Tema Clave: “In a motel”

Housse de Racket – Alésia

Housse de Racket es un dúo franchute que con este Alésia ven publicado su segundo álbum. Editados por Kitsuné el pasado 22 de agosto, el sonido que desprende este trabajo va muy unido a los estandartes que ha utilizado el sello francés para triunfar fuera de sus fronteras, es decir, combinar guitarras efervescentes con bases electrónicas saquea esqueletos.

Lejos de reseguir con exactitud la fórmula, el dúo parece erigirse como los alumnos aventajados, los listos y sobrados de la clase. Con un claro deje al pop electrónico galo (Phoenix, Is tropical, también hay pizcas de Midnight Juggernauts cuando deciden afrontar otras batallas), Housse de Racket, si se diferencia en algo de la banda liderada por Thomas Mars, es por tener las feromonas aún a un nivel descontrolado, y eso les hace circular con un pistón por encima. Pese a que las similitudes son obvias, (uno de los mejores cortes, “Roman”, se podría haber gestado mientras escuchaban Lizstomania), intentan imprimir su marca diferencial mediante pianos juguetones, melodías sabrosas, letras en francés e inglés y una actitud desacomplejada que redondean las positivas sensaciones vertidas sobre ellos. Mientras Mars disfruta de su luna de miel al lado de Sofia Coppola, otros vecinos le suplen con dignidad.

Tema Clave: “Roman”

Wooden Shjips – West

Si hubiera que buscarle un símil fotográfico a la banda californiana Wooden Shjips sería una fotografía desgarrada, con tonos psicodélicos, puntos de desenfoque y mucho grano. Desde el 2003 la banda de San Francisco va destilando cápsulas temporales donde el rock, la psicodelia, y el garage vuelve a fluir de las calles empinadas de la ciudad norteamericana.

Ahora regresan con West, su tercer álbum de estudio, en el que vuelven a deleitarnos con ritmos recargolados e intensos, guitarras fornidas y espesas, y torbellinos psicodélicos apisonados. Atmósferas densas, tullidas y estáticas que te transportan a unas alturas y a unos tiempos muy alejados de nuestros días.

Tema Clave: “Home”

Kanye West & Jay-Z – Watch The Throne

Desde que se conoció la noticia del álbum que los juntaba surgieron las primeras dudas sobre si  Jay-Z y Kanye West habrían sido capaces de retener sus ansías de destacar  en pos de un beneficio común.  Y creo, que la impresión general que va a dejar el disco, es de ser un valioso trabajo pero incomparable a las mejores obras de ambos artistas por separado.

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Tema Clave: ” Murder to excellence”

La llegada de Watch The throne se esperaba entre sus aficionados con más anhelo que la aprobación del endeudamiento por el Congreso en la economía norteamericana. Su llegada el pasado 8 de agosto ha pillado a la gran mayoría de vacaciones.

Las razones ante la expectación son evidentes para cualquier aficionado al rap y a la cultura hip-hop. ¿O acaso se reúnen cada día las dos figuras más importantes del panorama, los dos egos más crecidos de los EEUU, los dos capos de la industria hip-hop?

Desde que se conoció la noticia del álbum que los juntaba surgieron las primeras dudas sobre si  Jay-Z y Kanye West habrían sido capaces de retener sus ansías de destacar  en pos de un beneficio común.  Y creo, que la impresión general que va a dejar el disco, es de ser un valioso trabajo pero incomparable a las mejores obras de ambos artistas por separado.

Pero mejor vayamos por pasos…

De entrada se intuye sobre Watch the throne una destacada influencia de esos mecanismos de producción que sirvieron para convertir  My beautiful Dark Twisted fantasy en una pieza mastodóntica del rap mainstream y del pop del SXXI, a parte de álbum del año para la práctica totalidad de la prensa. En ese sentido, Kanye West parece volver a verter esos ingredientes que tanto aportaron a su último disco, repartiendo a manta y estopa sobrexcitación mediante samplers de vértigo, producciones sofisticadas, auto-tune controlado (en ese sentido parece que West le ha truquillo al juguete), colaboraciones de lujo, y todo regado con esa sustancia pop que camufla el rap más ortodoxo.

Pero si en el disco de West todo era perfección, el resultado aquí no es el mismo. Y no hay que echar las culpas a su nuevo partner. Nada más faltaría retraer al inmenso Jay-Z su peso en el disco, sus rimas y su voz inconfundible. De hecho para los puristas del rap, tampoco tendría mucha lógica de culpar a West sobre el alejamiento de Jay-z de las malas calles. El dinero, y estar casado con una estrella del pop como Beyonce deben favorecer a ello.

Pero a fin de cuentas, lo que aflora en este LP (y por lo que hay que invertir tiempo en escuchas) es una colección de temas irrefutables, y otros de desechables.

Como por ejemplo ese buen tentempié con el que arranca todo, en el que los dos egos se rodean de la melosa voz de Frank Ocean para dibujar su intro con “No church in the wild”.

Tras éste, llega el turno de otra querida para ellos. Beyonce imprime nervio y ritmo a “Lift Off”, clásico tema de sobremesa de radio local, del que resulta igual de fácil cargarse en él como rendirse a sus encantos. Servidor ha optado más por dejarse arrastrar.

La corriente referencial instalada en la mente inquieta de Kanye se deja ver de nuevo en “Ni**as in Paris”, donde un ritmo obsesivo de dubstep callejero recorre, junto al dúo de rappers, sus peripecias consumistas en la ciudad del amor.

El número 4 del disco se lo lleva “Otis”, single de adelanto, y homenaje de reverencia al enorme capataz del soul (¿es una declaración propia sobre el estado de reconocimiento del que gozan?). El corte se construye encima de un sampler alargado y reconstruido de “Try a little tenderness”.

Le sigue “Gotta Have It”, otro impulso multiétnico que mezcla con sabor, ritmo y sabiduría, ritmos africanos, suspiros orientales y rimas que versan sobre la sociedad norteamericana.  Súper pegamento para el oyente.

“New Day” se impone en su ecuador como un lapso de descanso no solicitado. Un soso tema para el grupo de temas prescindibles.

“That’s my bitch” suena como una canción del privado de un club. Donde los privilegiados se regocijan en su suerte, y el champán, las chicas y el dinero champán en exceso.

De ahí a la rudeza lírica y musical de “Welcome to the jungle”, un tema al que le falta una pizca de ambición para ser recordable.

“Who Gon Stop Me” es un corte dance expulsado desde las entrañas de unos  bombos secos y duros que potencian las carencias de la criatura sonora. Pieza que encajaría a la perfección en una rave capitaneada por Jessie J., y con demasiados signos inequívocos del último disco de West, como para no considerarla un descarte de ese.

La pareja de rappers neoyorquinos se guardan algunos de los mejores temas para el final. Uno de ellos es  “Murder to Excellence”. Sobre la base de un sampler de gourmet infringen su particular torbellino de beats y rimas, que para la ocasión, rebozan cierto contenido social.

A continuación “Made in America”, con la ayuda de Frank Ocean, esparce glucosa en la escucha, y el resultado es bastante empachoso, por mucho que Jay-Z y Kanye West se empecinen en endurecer la escucha.

“Why I love you” rubrica con frenesí sinuoso este LP. Nunca el auto tune se había mostrado sexy y atractivo como aquí lo hace. Más allá de su perfecta adaptabilidad para convertirse en jingle (como ya ha ocurrido), el tema no deja de ser menos temazo.

Watch The Throne es más que una estimable muestra de lo que los dos egos más subidos del panorama rap son capaces de hacer. Se impone más los pros que los contra.

Sólo se les podría recriminar que gastan una visión del mundo muy alejada de la realidad, y que la inexistencia de modestia de sus egos se acaba transmitiendo a unas canciones que buscan ser la rehostia, y en muchas ocasiones no lo son .

Parece como si desde sus presidenciales lofts en el SOHO y áticos en Upper West Side fuera complicado acercarse a lo que nos preocupa a la mayoría de los oyentes, pero si siguen haciendo obras con las que nos podamos olvidar momentáneamente de esos problemas, bienvenidos sean.

Con su último disco, Suck it and See, los Arctic Monkeys parecen consumar su irremediable paso hacía la madurez. Quedan así atrás los años de instituto, las campanas, las novietas y sus píldoras de indie-rock rabiosas e incendiarias. Ahora son esos alumnos aventajados de último año de carrera que lo ven todo desde una posición acomodada, y con esa tranquilidad que se les otorga a aquellos que en su momento ya son conscientes que los mejores días concluirán para dejar paso a otros de no tan fervientes.

Esto a nivel musical se traduce en composiciones eléctricas de marcado acento roquero, y por otra parte por un grupo de baladas bañadas por un espíritu nostálgico. En el primer grupo tienen cabida producciones brillantes que taladran tímpanos por su contundencia como son “Brick by brick” o “Don’t sit down ‘Cause I’ve moved your chair”. Canciones configuradas bajo el molde del rock tabernero, donde se aprecia el paso de la banda inglesa por tierras californianas y la grabación del disco en estudios con la compañía de James Ford (y la sombra alargada de Josh Homme aún presente) Por otro lado encontramos ese grupo en el que Alex Turner se vuelve tierno sin caer en la parodia y en el que resaltan la preciosa versión de “Piledriver Waltz” (uno de los temas estrellas de la banda sonora que Turner compuso para Submarino), la inmediata “The Hellcat Spangled Shalala” o la serenata de desamor “Love is a Laserquest”. Arctic Monkeys aprueban con nota este último examen repasando el largo temario que los ha acompañado en sus cinco años de trayectoria, y dejan entrever que su paso a la edad adulta (a diferencia de otras bandas con edad más avanzada) no será traumática, sino más bien, lo contrario.

John Maus – We Must Become The Pitiless Censors of Ourselves

Inscrito en la corriente del pop hipnagógico, y lo qué carajos signifique eso, no genera dudas la capacidad de John Maus para abrazarnos con una delicadeza extenuante mediante su música. Su última prueba procede de We must become the Pitiless Censors of ourselves, un disco de pop lo-fi removido por impulsos sintéticos.

Maus seduce al oyente con una belleza de naturaleza inerte. Mediante el uso de melodías cristalinas apoyadas en los sintetizadores, y el uso forzado de una voz que en ocasiones mimetiza con la de la del Scott Walker más desatinado, construye paisajes oníricos de pelaje rugoso y matiz alicaído. De ese espíritu desolado tan propio de formaciones de los 80′s como Joy Division, Suicide o Dead Can Dance, Maus logra dibujar bellos parajes pese a inspirarse en naturaleza muerta. Los mejores cortes transportan al oyente a ese extraño estado que deambula de lo placentero a lo afligido. Lo consigue por ejemplo con “Cop killer”, con la lluvia sintética de “Believer”, con la sublime (algo tellierana) “Street Light”.

Bon Iver – Bon Iver

Muchos tenían marcados en rojo en sus agendas la llegada del segundo largo del cantautor Justin Vernon, y el de Wisconsin les ha correspondido como es debido con este Bon Iver. Tres años después de desencadenar uno de los debuts más brillantes con For Emma, Forever Ago, Bon Iver se calza de nuevo sus vestimentas de cantautor y nos propone este lujoso viaje por parajes emocionales de envergadura.

El mínimo denominador común en este álbum vuelve a ser un terciopelo sensible con el que arropa a todas sus canciones. Si en su debut esté afloraba potenciado por una voz de órdago inserto en estructuras folk, que respiraba autenticidad a la vez que simplicidad, aquí se sustituye más por un cofre musical donde tienen cabida trompetas, violines, coros, teclados y hasta ciertos despuntes de sintetizadores que al fin y al cabo promueven cierta barrera a la inmediatez emocional que destilaba su primer disco. El Iver barroco, y hasta ochentero de Bon Iver, parece demasiado ensimismado en contentar a su parroquia de seguidores, y con ello pierde esa chispa natural que lo consagró de primeras. No obstante, algunos de sus viajes resultan para enmarcar como el “Perth” que abre el disco, el magnífico ecuador que supone “Hinnom, TX”, o ese Himalaya que ha conquistado con “Calgary”. En el otro lado de la balanza tendríamos que situar el synth-pop de “Beth/Rest”, un tema chirrioso con el que concluye el disco y que encajaría perfectamente como melodía de algún serial televisivo americano de los años 80′s.

Washed Out – Within and Without

Washed Out es el alias de Ernest Greene, uno de esos jóvenes músicos encaprichados en producir música desde su labtop, y entroncado en la chillwave (subgénero por el que ya han ido dejando sus perlas Toro y Moi o Memory Tapes). Ahora debuta en formato largo, tras el EP Life of Leisure, y lo hace acompañado por el productor Ben Allen (productor del Merriweather Post Pavilion). El fruto es este Within and Without.

Un disco compuesto por nueve temas de profundos arreglos, carácter hedonista y empeño en acariciar la piel del oyente. Las armas de Washed Out se concentran en la irrupción de baterías de sintetizadores, el uso de samplers, pero también la instrumentalización mediante baterías, violines, teclados o xilófonos. Todo este amalgama, tejido con sensibilidad y sugerencia, produce una tela de la que el oyente siente de cerca su suavidad y el placer anestesiado que produce su tacto. Para el recuerdo de nuestros días de verano especiales, las apuestas de sol contempladas quedan ya asociados temas como “Eyes be closed”, “Before” o el suspiro placentero de “Amor Fati”.

El que aquí escribe debe reconocer que fue de los que pronosticaron para The Horrors un recorrido de corto alcance. Su estética oscura tan rematadamente cuidada, unido a un primer disco que nunca me ha terminado de convencer fueron los principales motivos. Sin embargo la realidad ha demostrado ser otra bien distinta. Tras el notable Primary Colours, ahora regresan con Skying, la confirmación de que no son una banda pasajera.

Y lo constatan con este disco que supone un giro a su sonido hasta la fecha. A Faris Bawdan parece haberle pasado factura (para bien) su proyecto con la soprano Rachel Zeffira, Cat’s Eyes. El líder de The Horrors se aleja de los rincones oscuros, de las sombras estridentes para facturar un álbum de ráfagas mucho más limpias, más elaboradas. Parece que el grupo ha madurado, y con ellos, se disipa la niebla espesa que envolvía todos sus cortes, destapando con ello texturas más suaves, melodías más respirables, riffs que arañan en lugar de morder, y con la singularidad que le sigue aportando la característica voz de su cantante. En Skying se perciben referencias dispares desde el sonido madchester de los primerizos Happy Mondays, a Depeche Mode, pasando por Suede. El rudísimo gótico parece ser cosa pretérita con este nuevo trabajo, y en lugar de suponer una decepción, resulta un acierto más que notable, al menos, para sus no acérrimos.

Thurston Moore – Demolished Thoughts

A Thurston Moore se le conoce más en el mundo de la música por ser uno de los puntales de la legendaria banda punk/art Sonic Youth. Sin embargo, el de Florida tiene proyectos paralelos, y también una trayectoria en solitario contrastada. Demolished Thoughts es su último ejemplar, y lo hace acompañado por, nada más y nada menos, que por Beck en labores de productor hechizado.

Demolished Thoughts escupe un conjunto de píldoras balsámicas. Por un lado, afloran remansos de calma con predominio de melodías ajustadas a instrumentos de cuerda y acordes de guitarra suave que brillan por su cuenta. Por otra parte hay una vertiente más obsesiva, más recargada que se apoya en los pasajes de carácter psicodélico. La disparidad entre el estado de ánimo afligido que parece señalar la voz de Moore queda contrapuesta por el esmero y la pulcritud del sonido instrumental (la arpas y otros instrumentos barrocos ayudan a recrear esta sensación de paz) En definitiva su último esfuerzo en solitario constituye una ejemplar muestra de folk de cámara con flujos psicodélicos. La constatación definitiva es “Circulation”, un artefacto que recoge a la perfección las dos dualidades del álbum y que lo eleva a cotas inalcanzables para el resto de mortales.

Tyler, The Creator – Goblin

La cabeza mal pensante del colectivo hiphopero Odd Future (OFWGKTA) arde por la ciberesfera con acusaciones (homofobia y machismo por en medio), polémicas, directos descerebrados, y por supuesto, con críticos inclinándose a su debut en solitario, Goblin (XL recordings, 2011). Mucho envoltorio (la mayoría irreal) que puede desvirtuar el ardor de estomago con el que te agujera este joven de 19 años.

Goblin son 18 lanzas de rap siniestro, de lírica críptica, de atmósferas virulentas y cargadas que envuelven de aspereza y dureza la escucha, y que en su conjunto, terminan por incendiar las orejas de los atrevidos que se exponen. No es un disco fácil de escuchar, el angelino no da tregua en su visión descarnada del mundo, en la que alterna pullas ficcionales con crónicas personales. A pesar de su crudeza, de su desaliento (que acoge la máxima nota en “Yonkers”) Tyler, the creator construye una pieza adictiva y perseverante. Un debut con el que se arma de explosivos para dar una trastocada a la escena del rap, ya sea en solitario o liderando el colectivo más animal encima de un escenario. Savia nueva en el circuito, y por lo que parece, van a instalarse para largo.

The Black Lips – Arabia Mountain

Los chicos más insanos de Atlanta y alrededores regresan con un nuevo artefacto de garage psicodélico bajo el brazo. El combo más punky de la escena norteamericana (los que hayan asistido a sus lives, sabrán porque pueden alardear de tal distinción) lanzan Arabia Mountain.

Este último LP supone de entrada un distanciamiento con el sonido que los había ido acompañado hasta ahora pero sin perder ninguna de sus señas identificables. Ahora la rudeza del noise garagero queda suplida por canciones más melódicas, pasadas por el filtro del productor Mark Ronson que ha sabido darle un aire más accesible. Incluso en sus temas parecen haber disminuido la aplicación de pizcas de psicodelia. Sin embargo el cuarteto sigue por su bando impartiendo chulería y sonando salvajes con el lamento de esas voces desgravadas, y mirando por el retrovisor unas áreas de servicio más pretéritas que contemporáneas. El resultado se traduce en una dispensación del polvo denso que acostumbraban a expulsar sus instrumentos, y esto ha posibilitado una mirada más limpia y nítida que permite descubrir pequeñas joyas, como la formidable “Mad Dog”, “Don’t Mess up baby” y la que abre el disco, “Family Tree”. De acuerdo, sus temas pueden haberse vuelto más mainstream (incluso algunas canciones responden a los requisitos para canciones de verano), pero todos ellos pueden conducirte a una noche salvaje de borbotones etílicos y espíritu rockero, como las que nos tenían acostumbrados.

Foster the people – Torches

Cuando ya todo el mundo daba por hecho que el Pala de Friendly Fires iba a recordarse como el disco de este verano, va e irrumpen Foster the people para hacerles la competencia con Torches. Una banda nacida en California que parece instalada en estados anímicos soleados a juzgar por sus líricas optimistas, ritmos contagiosos y melodías radiantes.

Su música se podría definir como un cruce entre Passion Pit, MGMT, el house-disco que pongan en un chiringuito de playa y algo de flúor. Para reducirlo a una etiqueta sería algo así como un grupo de indie-electrónica para todos los públicos. Sea como sea su disco está plagado de temas molones, que alteraran nuestras neuronas y sirven de excusa al más tímido para desatarse al baile. No se engañen porque el placer de su escucha es efímero, demasiado amable y accesible como para perdurar, o no…., esperen… les dejo que en mi cabeza retoma el estribillo endémico de “Pumped Up Kicks”.

Connan Mockasin – Forever Dolphin Love

Debajo de la piel amorfa (frodita) de Connan Mockasin se esconde en realidad un neozelandés conocido por el nombre de Connan Hosford. Telonero de grupos como Crowded House, Warpaint o Mystery Jets, el de Oceanía edita ahora su debut, el LP doble Forever Dolphin love, compuesto por réplicas en directo de la mayoría de los temas que configuran el primer volumen.

En este trabajo el oyente se deja arrastrar, o sacudir hacía fuera (ahí la subjetividad de cada uno), por un océano de coral repleto de algas psicodélicas, remolinos lo-fi, drones que chipotean y demás seres inclasificables que revolotean por el universo que ha plasmado este artista. Cortes como “Megumi The Milkway Above”, con mimetismo total (y sospechoso) con el Let England Shake de Pj Harvey, “Quadropuss island”, o “Please turn me into the snap” facilitan la sumersión sin bombona de oxigeno. Una vez en las profundidades las corrientes te absorben y la mente de uno se ciega por el embriagador clima creado por Connan Mockasin. Ni su extraña voz, ni su patchwork de referencias múltiples (Beatles, Pj Harvey, David Bowie, Syd Barret ), ni su inquieta mezcla de aguas amargas y dulces, ni nada, ni nadie, pueden sustraerte ya de las profundidades.

Digitalism – I love you dude

El dúo alemán Digitalism irrumpieron con fuerza en la escena en 2007 con el bailado “Pogo”, que se incluía en su LP de debut Idealism. Cuatro años después recuperamos sus comprimidos de electro con I love you dude.

En 2007 dejamos a Jens Moelle e Ismail Tuefekçi en un estado de euforia desbordante con la que nos acabaron contagiando irremediablemente, ahora, a su regreso percibimos las mismas constantes vitales que los empujaban: electro enfocado a levantar culos de los sofás más cómodos, house de escuela daftpunkera (“Miami Showdown”, es un corte inspirado (in)directamente en la banda sonora que los franceses parieron para TRON ), electro-house de los seguidores de los franceses (Justice como abanderado), mediotiempos disco con sello Sebastien Tellier ( Just Gazin’) e incluso copias a sí mismos ( “Circles” es el “Pogo” de este disco) Sin embargo, su último trabajo pasa también por un descenso de revoluciones en el músculo de sonido, se respira además cierto acercamiento a terrenos pop que los acaban dirigiendo hacía esquemas más convencionales, con la pérdida de potencia y actitud frenética que conlleva. Pese a todo siguen reluciendo con hits incontestables para estas épocas del año, como el que logran con el buque insignia del disco, “2 Hearts”, o la más indie “Forrest Gump”, donde además cuentan con la colaboración del cantante neoyorquino Julian Casablancas.

Okkervil River – I am very far

A Okkervil River se les podría meter en el mismo saco que grupos indie-folk americanos como My Morning Jacket, Band of horses, Fleet Foxes, o incluso, si me apuran, Arcade Fire. Pero eso sería una injusticia de proporciones. Es como si agrupas en un mismo saco al gazpacho, el ajo blanco, la vichyssoise o el salmorejo. Injustificable, ¿verdad?, pues la entidad de Okkervil River tampoco es justo reducirla a un grupo o etiqueta.

Porque la banda que lidera Will Sheff, a medida de ir construyendo una discografía mayúscula (y algo desapercibida), se han ganador un merecido puesto de honor dentro de la escena indie-rural americana. I am very far es el último testigo de ese viraje del country alternativo a un indie rock de carácter épico que empezó a asomar en su anterior The Stand is. En su último Lp la banda de Austin ha optado por un sonido más voluminoso ( con espacio reservado para las estrofas intimistas), con líneas instrumentales más elaboradas y con una producción más ambiciosa. Que no hayan terminado de conectar con una audiencia más amplia es un tema para ponérselo sobre la mesa a Iker Jiménez. Puede que sea por la lírica de sus canciones, que en lugar de lumínica, es algo críptica. Pero ni aún así, se entendería que alguien con un mínimo de educación musical se perdiese este I am very far.