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Arctic Monkeys – Palau Sant Jordi (Barcelona, 28 de enero 2012)

Cesc Guimerà — Mon, 30 Jan 2012 12:57:14 +0000

El frío y la lluvia (aunque menos de la esperada) hicieron acto de presencia en Barcelona en este particular invierno primaveral por el que deambulamos desconcertados, la misma tarde que los Arctic Monkeys, acompañados de Miles Kane, aterrizaban en la capital catalana. Ya desde el anuncio de la visita de los de Sheffield al Palau Sant Jordi todo parecía un poco demasiado grande para la banda de Alex Turner, que en las previas visitas había apostado por recintos de menor capacidad, como el anexo a la instalación olímpica (2010) o la Sala Razzmatazz en 2007. Pese a que el público congregado en el Palau apenas ocupaba la mitad del aforo, unas 7.000 personas, los británicos desvanecieron todos los miedos a una tarde fría y desangelada.

Parte del mérito recayó en Miles Kane. El que fuera líder de los semidesconocidos The Little Flames, de los desaprovechados The Rascals y cincuenta por ciento de The Last Shadow Puppets, cumplió en su misión de entonar a los asistentes más puntuales con una notable puesta en escena de su destacado debut en solitario, Colour Of The Trap. Conocedor de su papel de secundario pese al crecimiento de su reconocimiento, el de Wirral repasó prácticamente la totalidad de su disco con una solvencia y efectividad notables, aunque en directo desaparezcan los matices del encanto retro, alimentado de la tradición del rock británico de los 60 y los 70, fabricado en el estudio.

En un entorno sobrio que resalta la apuesta por la contundencia y las formas, y no por el envoltorio, los grandes protagonistas de la noche se encargaron de calentar el ambiente desde el inicio. “Don’t Sit Down ‘Case I’ve Moved Your Chair”, “Teddy Picker”, “Crying Lightning” y “The Hellicat Spangled Shalalala” fueron la carta de presentación de un Alex Turner que lucía su recién estrenada imagen de iconografía rockabilly. El cóctel de punk y pop de pulsión callejera, guitarras sucias y estribillos fulminantes con claras referencias a The Clash o Buzzcocks, con el que alcanzaron la fama en sus primeros trabajos siendo prácticamente adolescentes, ha derivado hacia sonoridades más melódicas y elaboradas. Rock de granito con aires añejos despojado de cualquier componente nostálgico.

Pese al calado dispar de “Suck It And See” entre los fans, la formación apostó por su último trabajo en una muestra de confianza absoluta en sí mismos. Sonaron “Black Treacle”, “Library Pictures”, “Evil Twin” (cara B del single que da nombre al álbum) y “She’s Thunderstorms” , además de “Suck It And See” en el primer de los tres bises.

Con un setlist calcado al que viene interpretando en la presente gira, no faltaron tampoco la mayor parte de los grandes éxitos que consagraron a los Arctic Monkeys como la banda de rock británico más influyente de la segunda mitad de la primera década del siglo XXI. “I Bet You Look Good on the Dancefloor”, “Brianstorm”, “When the Sun Goes Down”, “Fluorescent Adolescent” o “505” (con Kane en el escenario), para poner punto y final a la noche, todo ello plagado de guiños al público y con una entrega considerable por una banda de su estatus, que no deja lugar para la autocomplacencia y el piloto automático.

Los de Turner y Matt Helders (el batería merece una mención especial por su papel fundamental en el grupo, que le hace pensar a uno que el haber sido incluido entre los diez mejores de todos los tiempos por la revista Q en 2010 no es una frivolidad) saben que todo tiene su momento y que no se puede aplicar por inercia porqué pierde la efectividad. Han alcanzado plena madurez con apenas 26 años.

Crónica Primavera Club 11 (Parte II)

KeithModMoon — Mon, 28 Nov 2011 08:10:45 +0000

Foto: Dani Canto

Reemprendemos la crónica del Primavera Club 2011 ahí dónde lo habíamos dejado.

Viernes 25

St. Vincent

La jornada del viernes empezó con dos de los platos más sabrosos del festival, y servidos en el acogedor, pero lejano, Casino de l’Aliança del Poblenou. La primera en abrir fuego fue Annie Erin Clark con su proyecto St. Vincent. La norteamericana destapó pronto el tarro de las esencias con una fuerza magnética que la mantenía todo el rato bajo el foco central. Desde su inseparable guitarra y su voz lanzó consignas pop que se resquebrajaban en remolinos de distorsión y dejando descargas entusiastas a su paso. La artista estuvo en todo momento bien cubierta por la banda que la acompañaba encima del escenario. Quizás se excedió en alargar los intervalos que separaban canción y canción, pero su versatilidad, la emoción desplegada, y las tablas hicieron que vislumbráramos a una seria competidora de Polly Jean Harvey.

Girls

Los norteamericanos Girls pisaban de nuevo una de sus ciudades favoritas para presentar su último disco hasta la fecha (Father, Son, Holy Ghost!). Christopher Owens y compañía empaquetaron un live que fue claramente de menos a más. A un inicio renqueante pronto le siguió una fiabilidad y contundencia de admiración. Seguramente “Vomit” fue el giro que empezó a elevar el asunto. Entre los lamentos en forma de riffs, el clamor amargo que surgía de las cuerdas vocales de Owens, y los estallidos de rock crudo convirtieron el single de su segundo álbum en un poderoso reclamo. Ya luego enlazaron temas que radiaban por la contundencia con que fueron interpretados, así como la intensidad que transmitieron, y por el afecto que impregnaba sobre el público. Esa alternancia entre destellos de hedonismo, amargura intimista y desequilibrio eléctrico fue acompañando la velada hasta el previsible broche de oro que puso un “Lust for Life”, tema con el que se guardan una parcela en nuestro cerebro ante el paso de los años. Y lo dice uno que ninguno de sus dos álbumes le ha encandilado, pero que sí que se ha visto amasado con su arrollador directo. Girls seguirá brillando mientras la luz oscura guíe a su líder.

Stephen Malkmus & The Jicks

De vueltas a la sala Apolo, el líder de los recuperados Pavement se acercó hasta el festival para presentar su último trabajo discográfico en solitario. Sin embargo, todas las condiciones parecieron jugar en su contra en la noche del viernes. Primero fueron los problemas técnicos con el sonido (malditos micros del PC), luego el propio Malkmus lanzó al suelo un amplificador, y el nivel de enfado en él fue aumentado a medida que su sonido y el de la banda se desgastaba ante los elementos en contra. Como era de esperar el público no respondió, y se confirmó de esta manera como uno de los conciertos más decepcionantes de todo el festival.

Givers

En un tono muy distinto, y con todo bien puesto y engrasado, aterrizaron Givers. Formación de Louisiana de pop colorido que sigue los caminos ya transitados por Vampire Weekend, Pasion Pitt y Paul Simon. A diferencia de un irregular LP, su directo fue una celebración festiva que llevó a los presentes hacía ese clímax que es “Up, up, up”, y en la que hubo espacio para versionar a Talking Heads. La entrega descarada, el desfreno efervescente que les apoderó, y la naturalidad talentosa de su líder multiinstrumentista, fueron algunas de las claves que convirtieron su show en uno de los más vibrantes y hedonistas.

Sábado 26

Foto: Dani Canto

John Maus

Lo de John Maus fue la coletilla más utilizada durante todas las tertulias del sábado, y el show con el que asociar la edición de este año. Veníamos advertidos tras las reacciones desatadas en Madrid, y sabíamos que su espectáculo no nos iba a dejar indiferente. Pero ni aún así pudimos reducir el impacto con el que nos noqueó el músico norteamericano. Su actuacion escapa de las convenciones de un concierto para situarte en un terreno movedizo llenos de espinosas provocaciones en forma de gritos, playback, auto lesiones, zarandeos y otras manifestaciones nihilistas. Armado con un micro y un Ipad, y sobre la base de sus propias canciones, Maus acribilló a la platea con sus cuchillos escénicos, y el resultado no solo fue asombroso (también lo fue ver a tanto público saltando como poseidos en las primeras filas), sino también hiriente, chocante y lúcidamente provocador. En sus 40 minutos de performance (quizás el término más adecuado para describir sus directos) Maus obsequió con las muestras más exquisitas (“Believer”, “Street Light”) de su genial We must become The Pitiless Censor of Ourselves. No solo ha parido uno de los álbumes más brillantes del año, sino que también ha dejado caer el show más bizarro y esperpéntico. Nada mal para un profesor de filosofía universitario.

Superchunk

Con las líneas de sintetizador sinuosas, las atmósferas cargadas , y los golpes en el pecho de Maus instaladas en nuestras cabezas, fue el momento de dejar el barrio del Poblenou e instalarse de nuevo en el refugio del Paralel. Allí nos esperaba una banda mítica de la escena norteamericana de los 90′s, Superchunk. Su rock guitarrero de espíritu teenager perdió alcance a los pocos temas. La fórmula de canciones breves y contundentes se agotó rápidamente entrando en un bucle que resultó cansino para todos aquellos no devotos de la banda.

Factory Floor

Poco tiempo se tuvo para disfrutar de Factory Floor, si se pretendía asistir a Com Truise. Sin embargo media hora, dos temas, y la lucha con problemas técnicos por un micro, resultaran suficientes para llevarse una grata sorpresa de este proyecto con base en Londres. Su cold wave hipnótico, de drones alargados y loops que se van retorciendo y adquiriendo una dimensionalidad extra se fue desplegando con cada vez mas presencia a través de las paredes de la Sala 2.

Com Truise

Sin embargo en la 1 nos esperaba el electro seductor del productor norteamericano Com Truise. Con la ayuda de un incansable batería, el neoyorquino arrojó sus bases fornidas de electro, con rabillos melódicos construidos con el sintetizador y bajos poderosos que parecieron surgir efecto entre el público congregado.

Domingo 27

Foto: Dani Canto

Con las energías por los suelos, la última jornada del festival se convirtió en una prueba de resistencia para todos aquellos no afortunados que nos quedamos sin ver a los Fleet Foxes en el Auditori. Pero al menos había una razón para acercarse de nuevo al Apolo.

Puro Instinct

Las hermanas Kaplan de Californiana poco pudieron convencer a los desplazados a la Sala 2 del Apolo de lo acertado de la decisión tomada para un domingo por la noche, y tras el maratón musical vivido. Su pop melódico levantado a base de guitarras, sintetizador y la voz de la jovencísima de las hermanas no solventaron un directo impreciso, tímido y que denostó un estado verde y frágil en su dream-pop de reminiscencias ochenteras.

EMA

Muchos mejores augurios implicaba la llegada de la cantante y guitarrista Erika M. Anderson para presentarnos su proyecto como EMA, y su magnífico álbum debut: Past Life Martyred Saints. La californiana arrancó su concierto con una misteriosa e hipnótica introducción para enfrentarse luego a la saturación que salía de los amplis. Una vez más los problemas técnicos deslucían una actuación musical en la Sala 2. No obstante EMA se recompuso, y fue ganando en intensidad y profundidad a medida que Anderson se sintió más cómoda en el escenario y destapó su lado salvaje. A través del rock crudo y potente que desplegaron, Anderson fue pasando de los goteos emocional en clave folk a las vivencias narrativas de una Patti Smith de carretera y polvo. De forma previsible apuntilló su paso por Barcelona con una efectiva, pero desnutrida (una vez más las malas equilibraciones), “California”.

Con la mirada hacía California claudicamos esas cinco intensas jornadas de vida musical.

Crónica Primavera Club 11 (Parte I)

KeithModMoon — Sat, 26 Nov 2011 08:00:52 +0000

Foto: Damià Bosch

El hermano menor del Primavera Sound abrió sus puertas el pasado martes en Madrid, y miércoles lo hacía en Barcelona, con todos los abonos agotados. La oferta musical que propone este festival por estas fechas resulta irresistible para la manada de gafapastas y hipsters que componen la fauna urbana indie, y así lo demostró el buen aspecto que lució la sala Apolo de Barcelona durante sus dos primeras jornadas, a pesar de ser entre semana y de ofrecer sus propuestas menos reconocibles.

A continuación haremos un breve recorrido por lo visto hasta la fecha en el Primavera Club 11 de Barcelona, a la espera de los platos fuertes que nos depara todo el fin de semana.

Miércoles 23

Veronica Falls

El cuarteto londinense abrió la veda con las píldoras de pop oscuro que han convertido su álbum debut en una de las sensaciones más gratas de la temporada. A pesar del empeño, y de la calidad que atesoran sus composiciones, a Veronica Falls se les vio un poco tensos, especialmente su bajista que estaba demasiado preocupada en que el público no percibiera sus carencias con el instrumento. El resultado fue más que correcto, con un concierto que fue claramente de menos a más (pese a la concentración de sus hits en el primer tramo), pero algo gélido por el sumo respeto que les causamos los presentes (y eso que la sala no estaba hasta arriba) Lo mejor de los escasos 35 minutos de música en vivo fue comprobar que sus nuevas canciones siguen respirando la frescura y la celeridad demostrada en su primer LP.

Charles Bradley

Completamente distinto al vendaval tórrido que justo después asoló la Sala Apolo. A Charles Bradley se le debería declarar figura de la humanidad por conciertos como los vividos la noche del martes, o al menos conservar en formol el Gésier de voz que atesora. Este veterano músico neoyorquino curtido en una y mil batallas (y duras, infancia en las calles) zambulló a todos los presentes hacía el éxtasis con su descarga de endorfinas depuradas por el soul más añejo, ese que bebe del soul clásico 60’s & 70’s, y que desplegó bajo una portentosa voz, una presencia física asombrosa, una gracia sexual indiscutible, y con una compenetrada banda de acompañamiento. Si Time for no dreaming fue uno de los más mayúsculos trabajos descubierto el pasado año, el concierto de Bradley se erige desde ya en lo mejor del año, y casi imposibilita que alguien supere la garra y la emoción vivida en lo que queda de festival. Larga vida a este reverendo Sex Machinaa.

Jueves 24

Foto: Dani Cantó

Pure X

Con la apabullante descarga de Charles Bradley aún retumbando en las profundidades huecas de mi cerebro, tocó el momento de afrontar una nueva jornada. Y la primera cabeza visible (al menos dos) fue el trío de Austin Pure X. Su vaporoso sonido a base de drones, sintetizadores y guitarras distorsionadas debió parecer idóneo para echar una cabezadita, pero para el que escribe, sus atmósferas lúgubres y nebulosas se fueron apoderando de la sala y de mi mente hasta provocar evocadores paisajes musicales, donde por alguna extraña razón el hijo de “The Godfather” seguía impartiendo muchas lecciones.

Sleep Over

Una propuesta enmarcada bajo el mismo tono fue la de Sleep Over. El proyecto de Stefanie Franciotta vino acompañado por dos de los miembros de Pure x, y transitó por terrenos contemplados en esa misma sala. Un dream-pop evocador moldeado a través de lamidos sintéticos construidos por labtop y sintetizadores, y realzados por la voz evocadora, sensual y cristalina de Franciotta. Otra propuesta ensoñadora y calma, que apenas llegó a los 30 minutos.

Jeef the BrotherHood

Los hermanos Orall se convirtieron gracias a su entrega y garra en una de las primera sorpresas del PC 11. Su desparpajo y contundencia en el directo no solo enloqueció a los exaltados de las primeras filas sino que puso en peligro la propia estructura arquitectónica de la sala. A base de pulverizar el sonido de una guitarra y una batería, Jeff the Brotherhood perfilaron un directo de garage y rock duro, que digo, demoledor. Con la respuesta sucia y bronca de The White Stripes cerramos la jornada del jueves, no sin antes testimoniar el esgarro griterio propuesto por The Pop Groups.

The Rapture – Sala Razzmatazz (Barcelona, 22 de noviembre)

Cesc Guimerà — Fri, 25 Nov 2011 14:00:11 +0000

Estuvieron cerca del abismo y la disolución, pero sus turbulentos cinco años de silencio, en los que han superado problemas internos y una andadura nada satisfactoria etapa en Universal, parecen haber curtido a The Rapture. Favorecidos por el cambio de dirección tomado en In The Grace Of Your Love, los neyorquinos llegaron a Barcelona de la mano del sello DFA, en una de las actuaciones más esperadas dentro del undécimo aniversario de la Sala Razzmatazz.

Lejos del lleno, quien se dejó caer por el número 88 de la calle Pamplona disfrutó de una banda conocedora de la buena aceptación de su último trabajo. En parte, gracias al giro hacia corrientes más entusiásticas que ha calado de forma especial entre el público más novel, para el que el estallido del revival post-punk de principios de siglo supone una laguna en su imaginario. Sin la necesidad de reivindicarse como pieza fundamental de una escena (Radio 4, The Faint, Liars, o !!!) que se ha convertido en una sombra de lo que fue, el trio, habitualmente convertido en cuarteto sobre el escenario, apostó por la versatilidad y los ritmos más bailables y accesibles de su último trabajo.

Conscientes de lo imperante de la inmediatez “In The Grace Of Your Love” y “Never Die Again” abrieron la noche y ya dejaron entrever el buen hacer de The Rapture en la siempre complicada tarea de trasladar al directo las sonoridades más pisteras elaboradas en el estudio. Muy a su favor juega la grabación de su último álbum, para la que aparcaron las programaciones y apostaron firmemente por registrar casi en directo. Buena parte del mérito de este buen hacer cara al público recae en el impecable trabajo de Vicco Roccorte en la batería y el esencial refuerzo de la sección rítmica con la presencia de un bajo.

“Pieces of the People We Love”, “Get Myself Into” y “The Devil”, pertenecientes a su trabajo más discreto, sonaron resultonas en el contexto de un tramo intermedio en el que la banda no tuvo reparo en recuperar, pese a las ganas generalizadas de fiesta, el frío y distante Echoes (2003). Las elegidas fueron “Killing” y “Olio” antes de dar paso, precedida de una breve escala (“Whoo! Alright –Yes… Uh Huh”), por Pieces of the People We Love (2005) a “House Of Jealous Lovers”. Pese a que “How Deep Is Yor Love?” se llevara todas las ovaciones y para muchos de los asistentes valiera, literalmente, el precio de la entrada, ésta sigue siendo la máxima cota alcanzada por The Rapture. “House of Jealous Lovers” es, sin paliativos, el gran himno gracias al que el funk-punk será algo más que un breve soplo revolucionario que hizo latir los clubs de todo el mundo.

“Come Back To Me” y “Sail Away” y “Echoes”, beneficiada por el efecto Misfits, cerraron la primera parte de un show con una recta final cantada de antemano, en la que no podían faltar y no faltaron “Children”, “Miss You” y la inapelable retrodance, y candidata a canción del año, “How Deep Is Your Love?” Cada vez más alejados de etiquetas, todas las direcciones tomadas por The Rapture confluyen en un afán entusiasta que en Barcelona alcanzaron con creces.

The Yardbirds – Festival Internacional Blues de Cerdanyola (21 de octubre 2011)

KeithModMoon — Mon, 24 Oct 2011 07:00:57 +0000

We’re more than a tribute band

Foto: Marc Muñoz

A lo largo de 24 ediciones el Festival Internacional de Blues de Cerdanyola se ha convertido en un referente dentro del panorama español a base de un cartel poblado por artistas de primer nivel que han puesto en el radar sonoro una pequeña localidad a las afueras de Barcelona, como es Cerdanyola. Músicos como Johnny Winter, Solomon Burke, Robin Trower, Ten Years After han pasado por la localidad catalana a lo largo de algunas de las ediciones de este festival.

Este año, la organización puede enorgullecerse de haber sumado a la lista bandas del calibre de The Yardbirds, Y&T o Wishbone Ash.

Pese a ser un festival centrado en la música negra, también caben propuestas fronterizas al blues, de ahí la presencia de una formación mítica de los 60′s como los Yardbirds, percusora del hard-rock, antesala de los legendarios Led Zeppelin, y cantera de guitarristas excepcionales que durante diferentes etapas militaron en ella: Jeff Beck, Jimmy Page y Eric Clapton.

Los que hayáis leído alguna de mis crónicas por estos lares conoceréis mi debilidad por el rock de los 60′s, así que no desaproveche plantarme en Cerdanyola para asistir a otra cita con la historia del rock. También os podréis imaginar el batacazo que supuso comprobar ya en el primer tema una importante ausencia encima del escenario. Los que seguimos la actualidad de esta banda, sabíamos que la nueva formación estaba compuesta por dos miembros originales más tres nuevas, y jóvenes, incorporaciones. Sin embargo, tal y como nos notificó Jim McCarty (único miembro original de la banda presente el viernes) su amigo y compañero Chris Dreja (guitarra rítmica) no había podido acudir a la cita debido a un paro cardíaco. Nos tranquilizó saber que ya se encontraba fuera de peligro.

Un mazazo tempranero para los que allí nos reunimos. Sin embargo, el cuarteto de esa noche pronto se obceco en sacarnos la cabeza la sensación de estar presenciado algo más parecido a una band tribute que a la clásica formación R&B que sacudía los clubes de Londres a mediados de los 60′s.

La nueva formación es más que una banda de tributo porque no se limita a reproducir los grandes éxitos de los Yardbirds sino que los interpretan y ejecutan encima de un escenario con la garantía de haber sido adiestrados por dos de los miembros originales. Y eso se nota, no sólo en la exactitud y vigorosidad con que interpretan sus temas, sino también en el respeto que muestran hacía sus mentores los tres jóvenes que se ocupan de la guitarra, el bajo y la voz.

Foto: Marc Muñoz

Su concierto fue de menos a más, del susto inicial y la decepción, a la plena aceptación y goce de un recorrido que repaso casi la totalidad de los temas clásicos, así como espacio para incursiones al blues, temas recientes creados por los nuevos Yardbirds y alguna incursión psicodélica. En todos los terrenos los cuatro componentes se movieron con oficio, solvencia y entrega. Compenetrados y con ese notable equilibrio entre veterania sabia y frescura juvenil (quizás solo hubo frescura juvenil, porque McCarty se mantuvo, ante el desconcierto de los presentes, al mismo ritmo incesante que sus pupilos)

A lo largo de una hora y media la veterana concurrencia que se ceñía al escenario pudo disfrutar de la mayor parte de los temas que han definido a este legendario grupo. “I’m not talking” se dejó oír hacía los primeros acordes, no faltaron tampoco “Shape of things”, la estimulante “For your Love”, o la tan bien ejecutada “Train Kept a-rollin”, para afrontar sus últimas píldoras con “Dazed and confused” (que recordaron que pese a lo contrario que muchas piensan, Led Zeppelin se la tomo prestada de ellos), y terminaron finalmente con una versión de “I’m a man” de Bo Diddley. Para los más lisérgicos se echó en falta canciones de la talla de “You’re better man than I”, “Stroll on” o “I feel I’m sick”.

Con el concierto de The Yardbirds en el Ateneu de Cerdanyola fuimos testigos (quizás los últimos) de la consistencia contrarrestada entre los cuatro integrantes, pero si hay que buscarle debilidades al su directo este sería el exceso de respeto hacía lo que representan, que se traduzco con ceñirse con exactitud (demasiada perfecta) a los hitos de antaño. En ese sentido se echo en falta algo de carácter, un punto de chispa improvisada, algo de eso que los definía en sus shows de la década de los 60′s, donde se sucedían alocadas jam rockeras con puntas caóticas y sin minutaje que los frenará. Dada la importante ausencia, la formación fue a asegurar su bolo con un guión marcado y prefijado.

Foto: Marc Muñoz

Su directo, además de disfrutarse como un acto de nostalgia, nos sirvió para comprobar el talento desaforado de un joven guitarrista que por su físico diríamos que ha sido sacado de alguna hermandad universitaria dedicada al fútbol americano. Nada más lejos de la realidad, porque Ben King es un talento innato y lo demostró de sobras con sus riffs, punteos y solos. Maneja la guitarra de una manera alucinante para un tipo de veintiún años.

También destacar la labor de su cantante, con habilidad para adaptar su voz a los diferentes registros por los que se mueve la banda, y con una faceta animadora que no terminó de cuajar en el público de la noche del viernes.

Tras la gustosa imprenta rockera y bluesera dejada por los Yardbirds, cerraron la noche la banda americana de hard-rock Blackfoot.

Crónica Euroyeyé 2011

KeithModMoon — Mon, 15 Aug 2011 07:00:45 +0000

Back to the future

Tras un último escollo en forma de túnel y 9 horas y media grabadas en nuestras sudadas espaldas, se vislumbraba en el horizonte una pequeña ciudad del norte de España conocida con el nombre de Gijón. Allí el GPS finalizaba la ruta de su recorrido, concretamente en un hostal mugriento hospedado por la hermana menor de Norman Bates. Por delante quedaban cuatro días de comidas fabulosas, música añorada, y buenas compañías.

Pero el relato que sigue se centra en lo puramente musical, en las experiencias vividas en el marco del festival y en las actitudes de la gente que nos reunimos en la ciudad asturiana para celebrar una época pretérita. Bienvenidos al Euroyeye 2011.

La primera jornada de la decimosexta edición de este festival internacional sixtie arrancó el jueves 4 de agosto. El primer plato del día lo guisó la banda inglesa The Bongolian, y el escenario escogido fue la plaza mayor de Gijón, donde peregrinos de la cultura sesentera se mezclaban con nativos y curiosos varios.

La propuesta de esta banda transita en un punto intermedio entre el jazz, el funk y el latin soul. Su sonido se acopla al ritmo de percusión que marca su líder y cantante Nasser Bouzida. Pese a pillar a muchos sin previo calentamiento, y dada las particularidades de una música poco familiar, su propuesta pareció calar incluso entre los asistentes que no formaban parte del festival, y eso dice bastante a su favor.

Foto: Mateo Ramírez

Tras The Bongolian, y tras visualizar las primeras Lambrettas delatadoras, el festival se trasladaba a la ubicación natural en que se nos citaría durante las próximas jornadas. A los pocos instantes de adentrarse en la discoteca Oasis uno ya pronto se daba cuenta de estar presenciando un pequeño santuario de la cultura mod y sixtie que se promueve desde el festival. Un pequeño mercado de vinilos y ropa vintage recibía a los invitados en la entrada. Seguidos por las barras de una discoteca con patio abierto y dos salas más, que por decoración y iluminación podían recordar a alguna discoteca cañí que haya utilizado Bigas Luna en alguno de sus filmes. Sin embargo el verdadero jugo se palpaba en los atuendos de los presentes. Algunos tonos psicodélicos, otros de impoluta estética mod, cada uno revisando con su particular estilo una época que a nuestro pesar no pudimos vivir.

Algo que sí hicieron el segundo plato de la noche. Desde Inglaterra nos trajeron a la formación psicodélica July. Banda de culto con un solo disco editado (July), y que tras décadas de ausencia, se volvían a reunir para girar y para sacar nuevo material. Como suele ocurrir en algunos “comebacks” su estado de forma resultó sorprendente, así como la compenetración entre todos los miembros de la banda que abarrotaban un escenario que se les quedó muy pequeño. En un bolo que mezcló los temas de antaño con los de hogaño destacaron por una fibra psicodélica estimulante (a ratos más progresiva o instrumental, y a ratos más melódica y vocal), y por la voz de su cantante Tom Newman (Dollyspot: Keith Richards + Paco de Lucía) que ha conseguido mantenerse firme y emocional al paso de los años. A diferencia de otros de sus coetáneos el nuevo material suena fresco y apetitoso (habrá que estar a atentos a su publicación).

Foto: Mateo Ramírez

Tras este buen sabor de boca, la primera noche allnighter enseñó sus cartas en tres ambientes dedicados a la música negra, a la blanca (beat, psych, garage) y al northern soul . Sin embargo, nuestros tullidos cuerpos, a causa del largo el viaje, recomendaron izar bandera blanca y refugiarnos en nuestros grises aposentos. Y así hicimos.

El viernes, ya con las pilas recargadas, aprovechamos las actividades paralelas programadas por los organizadores y nos acercamos a la proyección de Banda a Parte de Godard. Tras los imprescindibles preparativos culinarios y vinícolas que brinda la tierra asturiana, nos acercamos al meollo del festival donde los geroneses The Pepper Pots intentaban contagiar al público con su soul alegre, de ascendencia motown inconfundible, y de efectos inmediatos pero poco duraderos.

Mucho mas destacables se mostraron a los pocos minutos como escuderos de Maxine Brown. La gran diva del soul se plegó a sus clásicos del soul con una entrega y arrollo que ya quisieran para sí muchos veinteañeros. La norteamericana no solo mostró preservar toda su pasión hacía la música, sino que pese a haber sobrepasado los setenta años conserva en formol un chorro de voz asombroso, lleno de vigor, emoción y alma. A eso le añadió una simpatía, proximidad, sinceridad y simpleza que sintonizó de primeras con un público plegado a su encanto. Las notas más álgidas de la noche las compartieron el clásico propio “All in my mind” y versiones ajenas como la inmortal “Take a little piece of my heart”.

Foto: Mateo Ramírez

Tras esos impagables recortes musicales que uno sabe que se lleva a la tumba, llegó la hora de encontrar ese punto en que la ingesta de alcohol no supere la percepción del oído para discernir algo familiar en el inabarcable background musical de unos Dj’s que se alimentan de la escena undergound de los años 60′s. Como suele ocurrir la balanza se descontroló, y a estas alturas sólo recuerdo ciertos rostros con los que ya me había topado en Le Beat Bespoké. La noche terminó con los primeros rayos del sol y con algunas lagunas revoloteando en voz alta durante el largo camino hacía el hostalucho.

El sábado arrancó tarde, pero ya embutidos en el ambiente propio del festival. Las tardes del festival los asistentes patrios tomaban como lugar de encuentro un bar de primera línea de mar, donde algunos Dj’s se encargaban de calentar el ambiente con perlas de antes.

Caldeados por el ambiente del lugar, y por el placentero aire que mecía el centro histórico llegamos al recinto del festival pasadas las doce, con la mala fortuna de escuchar solo un par de canciones de los ingleses The Faithkeepers. Una banda con ramificaciones garage y psicodélicas que debutó en nuestro país con su concierto en el Euroyeyé.

Foto: Mateo Ramírez

Ya bien asentados nos pilló ese vendaval de ritmo que proponen los zaragozanos The Higher State, con su mezcla de funk, soul canalla, r&b, bugulú, y sobre todo, mucho sudor resultante de la euforia que contagia a su líder infatigable (por Dios que alguien le suministre tranquilizantes a ese buen hombre). Pese al derroche de los españoles, el público no se rindió y recargó las pilas de alguna manera para seguir danzando al compás del soul, la psicodelia, beat, boogalo, el garage, el northern soul, el ska, y demás estilos que pinchaban Dj’s nacionales e internacionales, entre ellos Rob Bailey, y hasta altísimas horas de la noche.

Al día siguiente algunos aún gozaron del garage salvaje de King Khan & The Shrines, pero los protagonistas de este relato, debido a la distancia a recorrer, empaquetamos de nuevo para realizar el viaje inverso, dejando atrás ese Gijón, que durante unos días, a través de un festival minoritario, se había convertido en el oasis musical de un grupo de personas apasionadas por la música, la cultura y una escena muy concreta de una época no vivida, pero tremendamente , y paradójicamente, añorada.

Crónica FIB 2011 (Parte II)

KeithModMoon — Mon, 01 Aug 2011 07:00:29 +0000

Y llegó el Domingo de resurrección

Dejamos nuestra primera parte de la crónica del FIB 11 en un punto incierto de la madrugada del viernes a sábado, y la retomamos ahora de nuevo instalados de lleno en el sábado 16 de julio, un día marcado por los excesos y la ingesta de los monos del ártico como el plato fuerte de la noche.

Las postales diurnas seguían dejando imágenes espeluznantes, si cabe, parecían sacadas aún más de una película de George A. Romero; los fibers jóvenes se amontonaban en áreas con sombras, cajeros automáticos, fuentes y arenas abrasivas (en este caso inconscientes) en busca del descanso y la sombra que el camping no presta a sus inquilinos.

Sábado

Tras los rigurosos cubatas de preparación, y sintiendo que el cansancio hacía mella en cuerpo y mente, la hora de llegada al recinto fue de las de escándalo. Pese a todo, con tiempo suficiente para comprobar como Zack Condon, bajo el alias de Beirut, encantaba al público con su folk multinstrumental, y para darse una vuelta por el divertido y amigable Silent Disco.

Con un cuarto de hora de antelación nos desplazamos hacía el Maravillas, donde iban a hacer acto de presencia los Arctic Monkeys con flamante disco bajo el brazo. Los de Sheffield abrieron pronto la caja de truenos con sus hits incontestables, pero al contrario del escenario que muchos imaginaban, los ingleses no se arrugaron a sus clásicos y sacaron muchos temas rocosos de su último disco. Una demostración del paso evolutivo dado por esta banda, que se aleja del ritmo hormonal de la edad del acné y se inserta en un rock bajado de decibelios, pero igual de musculado y compacto, en definitiva, un paso importante, y logrado, hacía la madurez.

Algo que no impedía el desbocamiento por parte de un público eufórico, que a la que podía (hablamos del inglés, por supuesto) lanzaba sus vasos de plástico (con contenido incierto en su interior), y sus ropajes, especialmente las zapatillas iban que volaban (literalmente). Entre la lluvia de objetos de origen desconocidos, Alex Turner y los suyos nos iban arrastrando a su terreno con talento y profesión. Seguramente el setlist no fuera el más acertado, pero los Arctic supieron hacer bailar el respetable cuando tocaba (“When the sun goes down”, “I bet you look on the dancefloor”), como calmarlo para deleitar con una balada (“Piledriver Waltz”) , como lanzar bengalas de rock fornido extraído de su último trabajo (“Brick by brick”, “Don’t sit down cause I’ve moved your chair”) El esfuerzo mutuo quedo compensado con un bis que terminó con “505″.

Por problemas de logística evidentes sólo pudimos asomar la cabeza al concierto de Big Audio Dynamite y comprobar que el proyecto del ex-The Clash, Mick Jones, es una gran sartén ecléctica horneada con reggae, hip-hop y rock-punk.

La sorpresa (grata) de la noche la dispensaron Primal Scream con un espectáculo modélico de lo que debería ser un directo sin fisuras. Bobby Gillespie se erigió al instante en el frontman todoterreno que es, y lo hizo con motivo del vigésimo aniversario de su determinante Screamadelica. “Movin’ On Up”, “Higher than the sun” y la acid “Don’t fight it, feel it” se presentaron vestidas de gala, y la respuesta entusiasta de los asistentes quedo al descubierto. A Gillespie le acompañó un chorro de voz colosal de una corista negra, y una banda compenetrada y entregada al 100%. El resultado como digo, y pese a ser mi segunda vez compartiendo espacio con ellos, fue de nota.

Tras Primal Scream tocaba recargar pilas en las barras y dirigirse a los escenarios de los DJ’s. Nuestros pies escogieron el ya segundo hogar FIB Club, donde el Dj residente de la sala Razz, Amable, repetía su sesión manida, pero siempre efectiva, con hits siempre más de hogaño que de antaño. Allí la euforia seguía instalada en el público, esta vez más apoyada por otras sustancias que por los impulsos musicales. Por momentos, se vivieron incluso escenas grotescas, en que parecía que una furgoneta conducida por Ozzy Osbourne hubiera empezado a repartir caramelos psicotrópicos entre los presentes. A esto, se fueron uniendo personajes estrafalarios de mucha calaña, procedencia incierta y habla incomprensible. Algunos disimulaban el cansancio compensado y las horas de exceso originarias en letrinas infectas con disfraces salidos tras un mal viaje con Wayne Coyne. Entre ese peculiar microcosmos seguimos quemando grasa a pie de lo que pinchaba Amable, hasta que el sol, las aceleraciones cardiacas o las lesiones en los dedos de los pies nos indicaron que tocaba retirada hacía los lejanos aposentos.

Domingo

El despertar del domingo no fue más crítico que el de los días anteriores, la diferencia principal fue que cierto punzón religioso nos indicaba que se avecinaba un domingo de resurrección para nuestros tullidos cuerpo con la que probablemente sea la mejor banda del momento. Una constatación que no pudieron vivir alguno de los fibers congregados, que obligados por fuerzas de carácter equivocado, como trágico, tuvieron que ausentarse ante la mejor jornada del festival.

Para los curtidos que seguíamos al pie del cañón, el día empezó tarde, como siempre (si las otras citas me las tomará como las musicales moriría más solo que Desmond Hume en su escotilla). Y lo hizo con la reina de los antagonismos, Beth Gibbons y Portishead embobaron a los presentes con su equilibrio entre melodías sedosas y atmósferas densas y cargantes. Sus torbellinos de sonido son de difícil digestión aunque el viento suavice su trayecto (literalmente), y más en el contexto de un festival (como el del FIB), pero como siempre, no decepcionaron a los interesados.

Hablando de antagonismos, a Portishead le siguieron los festivos The Go! Team, que por culpa de las dimensiones del Fiberfib.com no sonaron igual de contagiosos que en otras ocasiones, su efusividad quedaba algo diluida dependiendo del ángulo en que uno se encontrase y los espacios vacíos que tuvieras en medio.

Poco importo, porque al rato, todos los confesos de la banda canadiense (y no somos pocos) nos replegamos y nos dirigimos en sagrada profesión hacía el Maravillas donde los pastores de la épica iban a hacer acto de presencia. En un escenario que parecía sonsacado de su último álbum, con letreros cinematográficos, luces de neón y vídeos de los suburbios de Austin, uno hasta tenía la sensación de encontrarse en un autocine norteamericano compartiendo batidos con su chica, mientras un apacible viento refrescaba su nuca y a segundos de ver un show único e irrepetible. Y más o menos así fue.

Arcade Fire saltaron con toda su extensa crew de músicos e instrumentos y lo hicieron con la casi obligada ”Ready to start”. En “Keep the car running”, Win Butler ya alertó que ese era el último concierto de la gira, y que ellos iban a darlo todo si el público se entregaba, y ninguno falló a su promesa. El repertorio ganó en magia y dimensión a medida que el live avanzaba. Sus hits, y los nuevos temas, sonaban de maravilla en ese entorno. El arrebato eufórico se inicio con “No cars go” y se desató como un huracán imparable, incluso dañino para corazones frágiles (como el de este servidor) con Rebellion (Lies). En el camino los de Montreal emocionaron, entristecieron, desataron el éxtasis, y tuvieron episodios de nostalgia con “The Suburbs”, todo impartido desde la maestría y el poderío que los hace reconocible y los posiciona como el mejor directo del panorama alternativo. Butler se consolidó desde el principio en ese Mesías necesario que guía a los suyos encima del escenario, e inyecta energía emocional a los que le siguen desde la explanada. Le faltó dividir al mar de gente en dos, y casi lo consigue en el bis con “Wake up” y, finalmente, la hermosa “Sprawl II” interpretada por Regine Chassange vestida de ángel (bueno…más de Último guerrero) que provoca que las emociones salgan a flor de piel. Un broche perfecto para un concierto que de por sí se merecía todo el agotamiento de esos días, y por el que muchos hubiéramos estado al 100% durante un par de horas más.

Al menos Butler y los suyos nos dieron energía suficiente para seguir con nuestra cruzada musical por Benicàssim. La contundencia chichera de Roska tuvo su gracia por momentos. Pero pronto la Silent Disco volvió a lanzar sus redes sobre nosotros. Finalmente decidimos concluir la jornada en el fin de fiestas habitual. En el FIB club, un serio Dj se aderezaba a los presentes con una selección de temas bailables para todos los públicos. El espectáculo se tornó lamentable cuando el tal Aldo Linares empezó a pasearse por encima del escenario con cubata en mano, y con cara de perdona vidas erigía un pequeño gesto a lo que el debió considerar una parroquia entregada (risas enlatadas de fondo).

Nada, ni nadie, podían ya empañar lo vivido esa noche. Una experiencia que llevaríamos de vuelta a nuestras camas, y que duraría durante algunos días más.

Así terminaba nuestro periplo por el FIB. Supervivientes de la edición 2011, y como tal, futuros aspirantes a sobrevivir a la del 2012.

- Primera parte crónica FIB11

Crónica FIB 2011 (Parte I)

KeithModMoon — Mon, 25 Jul 2011 08:00:21 +0000

Repaso a las dos primeras jornadas del FIB11

Una semana después de concluirse el Festival Internacional de Benicàssim, los fibers que superamos ese intervalo de la vida apodado por los de la tercera edad “divino tesoro”, podemos decir que nos empezamos a recuperar a nivel físico (a nivel mental seguimos arrastrando secuelas de efectos irreversibles) Sin embargo, el tiempo transcurrido desde que dejáramos tierras valencianas, parecen ser el prudente para afrontar una breve crónica de lo que dio de sí el FIB 11.

La edición de este año contrastó con la última, por el llenazo de 200.000 asistentes que circularon por las instalaciones a lo largo de los cuatros días de festival (igualando el record del 2009). Los organizadores volvieron a atraer el público mediante unos cabezas de cartel de peso que empequeñecieron a las segundas filas. Según los datos trascendidos, los extranjeros volvieron a ser mayoría con un 55% del total. Aunque cabe decir que la impresión que daba es que uno se encontraba en mucha más inferioridad con respecto a ~~ellos~~ los ingleses. Una sensación que se revertía en los últimos conciertos, donde los de aquí, resistíamos en agarrar las sabanas, los sacos, o lo que uno pudiera atrapar.

Jueves

Para el primer día los organizadores nos prepararon un menú muy al gusto de los defensores del fish & chips. Los grandes nombres de la noche fueron artistas de gran calado en el Reino Unido, pero que aquí aún no han penetrado. Fue el caso de Paolo Nutini, Plan B, y un Mike Skinner con The Streets que goza de inmensa popularidad en su país de origen, pero que por estas tierras no se le tiene en igual valía.

Con este panorama, la primera opción para la mayoría de los españoles fue acercarse al escenario FIB Club, donde los londinenses, que en su día se creía que eran de origen navarro, desplegaron su tarjeta de éxitos de su escuchadísimo Star of Love. Crystal Fighters supieron encender los ánimos de los presentes a unas horas donde los más respetables y novatos del aforo aún estábamos ubicándonos, redirigiendo muchas miradas a chicas con atuendos sugerentes, escaneando la ubicación de barras y baños (siempre en ese orden) e incluso fijándonos demasiadas veces en alguna atracción de feria de pueblo de la que era imposible sustraerse. Quizás por esos motivos, la primera toma de contacto fue algo insípida y muy opuesta al fervor general que allí se vivía.

Tras perdernos los shows de Anna Calvi y Congontronics vs Rocketers (Nota: en el FIB uno puede olvidarse de cumplir su agenda de conciertos desde el primer día, más si el alcohol y el cansancio van mermando la motivación musical a cada jornada, y sobre todo, si se está acompañado de amigos), era el turno de acercarse al escenario Maravillas, donde Mike Skinner se despedía ante una multitud considerable (siendo el primer día) del proyecto conocido como The Streets. A la cita llegamos tarde y descolocados. Mientras la gente de alrededor parecía vibrar con la actuación del inglés (especialmente sus compatriotas), el amigo de fatigas y servidor intentaban tomarle el pulso al asunto. Un pulso que se aceleró mínimamente con “going through the hell”, que sin lamentos ni penas (por nuestra parte), puso punto final al live.

Tras The Streets, las opciones se reducían a perderse por el basto espacio en busca de un Dj lo suficientemente astuto como para hacer mover nuestros esqueletos sin descomponer nuestros cerebros. Por momentos lo parecimos encontrar en el FIB Club con un invitado a la fiesta de la música inesperado para algunos. Invitado porque ese fue el papel al que se relegó al ex-jugador del Valencia y del FC Barcelona Gaizka Mendieta. Gasteiz Gang abrieron el baúl de los vinilos sesenteros y setenteros y demostraron su buen olfato para hacer bailar al personal con temas conocidos y menos conocidos, pero siempre con buen olfato de cara al público. De mientras Mendieta seguía con su papel testimonial, y la gente se volcaba con su mera presencia.

De ahí, se siguió la fiesta a otra sesión de cuyo protagonista no quiero acordarme o puede que ni me llegase a acordar en ningún momento…, prefiero no saberlo.

Y así concluyó una primera jornada endeble, carente de motivos por los que vibrar cerca de los escenarios y sí cerca de las barras, y muy útil para aclimatarse a su geografía, a las gentes alocadas que las disputaban, y para equilibrar distancias físicas y emocionales.

Viernes

Tras los paseos por la playa, las comidas tragantonas, los primeros Almax y Omeprazol, y los primeros deshechos humanos amontonados por calles, parques, cajas y tejados, tocaba mentalizarse para asistir al concierto de una de las bandas rock más reseñables de la primera década del siglo XXI. La noche depositaba toda su atención sobre el esperado concierto de The Strokes.

El primer plato con sabor agradable, pese a llegar tarde (como no), nos lo sirvieron uno de los pocos clásicos que habían guardado para la edición de hogaño. El resplandor rock, y la actitud punk siguen envalentando a unos The Undertones que se mostraron furiosos y solventes en el escenario con su rock de corte clásico, directo y perforador. Sin pegas.

Ya a las 00:15, la gente se adueñaba de sus parcelas efímeras y movibles en el extenso terreno que abastece al escenario Maravillas. Allí subieron The Strokes al escenario ante el júbilo de una audiencia deseosa tras cinco años de espera, y consciente de las debilidades de su último trabajo. La noche empezó prometedora con un “New York City Cops”, que visto lo que luego seguiría, tendríamos que haber tomado como el último daiquiri de nuestras vidas. Lo que siguió fue una batería de hits desganados donde pocas canciones causaron baja (sonaron ”Reptilia”, “Under cover the darkness”, “Is this it”). Pese al setlist, los componentes de los Strokes hicieron un directo soso, apagado, mal equilibrado, y tocaron la antítesis de la euforia rítmica que representan algunos de sus himnos más identificables. Su actitud chulesca y sobrada traspasó sus vestimentas y se coló en su pose a medio gas en el escenario. Tan sólo, Albert Hammond Jr. parecía aportar un poco de ímpetu. Los peores momentos se vivieron con “Some day” y la interpretación de Julian Casablancas, cuando la gente de alrededor vociferaba sobre el líder de los Strokes:

- Un momento… ese es Bob Dylan reconstruyendo a los Strokes.

- Si te refieres al de la papada…. creo que es un tio que aspira a igualar en kilos a Jim Morrisson a los 27 años.

Con conciertos como los del FIB no nos extrañaría que Casablancas ~~fuera expulsado~~ dejará de cantar con los Strokes, parece que el chico le está pillando cariño excesivo a los iabadumbas con cola.

Por suerte, a los neoyorquinos los suplieron pocos minutos después un trío de St. Albans, que pese a tener una discográfica incomparable a la de Casablancas y compañía, les dieron un recital en cuanto entrega y pasión encima de un escenario. Friendly Fires se dejaron la piel en todo momento para satisfacer a la parroquia inglesa que se abalanzaba sobre ellos. Ed Macfarlane sacó las tablas de frontman y el resultado fue un directo arrollador, intenso, orgánico, sudoroso, donde no faltaron los clásicos de esta banda inglesa de pop con salidas electro: “Paris”, “Hawaian Air”, “Live Those days tonight”.

Tras esto siguió la sesión de algún Dj por algún escenario perdido por la mano de Dios (que se plantaría allí en domingo, por cierto), pero sobre todo, la satisfacción, tras el sabor amargo del concierto grande de la noche, que seguíamos vivos y dispuestos a combatir más batallas durante los dos días que restaban.

Crónica Sónar Día 2011

KeithModMoon — Mon, 20 Jun 2011 07:00:07 +0000

Sónar Día, jueves 16

Hay quien dice que no hay nada mejor para descubrir nuevas bandas, dj’s, y solistas que plantarse en festivales como el Primavera Sound o el Sónar con actitud de Coronel Tapioca. Y mi experiencia hasta el momento se apunta a esa línea. Casi siempre reporta descubrimientos golosos, pero a veces desconocer la mayoría de propuestas puede jugar a tu contra, y algo así viví la primera jornada de día del Sónar 11.

Llegar al último tema de Toro y Moi fue una especie de premonición de una jornada que se escaparía de los patrones de lo que consideraríamos afortunada. Por lo que luego oímos, Chaz Bundick y su banda de apoyo certificó en directo el irrefutable Underneath the pine.

La jornada siguió a mi contra cuando el live de Nicholas Jaar se petó al instante, y tras un par de intentos fallidos por accesos secundarios, también hasta los topes, y tras presenciar amagos de Heysel y lipotimias, me obligué a desistir en el empeño de presenciar a esta nueva sensación de la electrónica para mentes inquietas.

Harto de llevar hora y media deambulando por escenarios atestados de guiris, personajes, sombreros, atuendos vejatorios para lo ojos, y mandíbulas desencajadas, me aseguré el tiro yendo hacía el SonarDome, donde Kidkanevil se dejaba llevar por su “hip-hop imaginario”. Entrega valedora, pero insuficiente para convencer a mi tullido cuerpo en el deseo de un cambio de escenario.

Parecí encontrar un ambiente más relajado en la semi oscuridad del Sonar Complex, pero pronto se desveló en una trampa humana y musical. Humana por el hedor humano que pronto se apoderó de la sala, y musical porque la propuesta marciana de los grillados japoneses conocidos por Open Reel Ensemble, tan sólo funcionaba para los diez minutos que tardabas en intentar entender el espectáculo de sampling y manipulación de sonido sobre la base de bobinas Revox (la cinta magnética en total desuso) y bajo. Demasiado bizarro para cuerpo y mente cansadas, agobiadas y frustradas.

Algo peor fue con Tyondai Braxton. El ex miembro de Battles se rodeó de máquinas diversas para lanzar drones y loops siniestros. Cinco minutos resultaron excesivos para saber que el cuerpo de uno no estaba predestinado a presenciar una electrónica experimental tan huraña.

Por fin nos acomodamos a un show como el de DELS. Kieren Dickins ofreció un show a medio gas, pero sus proclamas raperas calaron de maravilla tras el fracaso continuo al que me había conducido la jornada.

Los escasos minutos delante de Eskmo evidenciaron un Dj suelto y llamativo, alardeando de técnica y aportando un plus exótico y original con maquinitas y artefactos sonoros inclasificables (mucho picoteo de pájaro) Una llamada inoportuna nos privó seguir con la interesante escucha, poniendo punto final a una jornada para el no recuerdo. Por suerte, al día siguiente todo sería distinto.

Sónar Día, viernes 17

La jornada del viernes, al contrario que la del jueves, la iniciamos con mejor pie y todo dispuesto desde el inicio. La primera parada me dejaba frente al escenario SonarComplex para recibir el productor oOoOO. El Dj americano etiquetado en la nueva corriente de witch house se hizo acompañar por una cantante de voz seductora, mientras él envolvía de atmósferas densas y brumosas todo el escenario (físicamente también nos rodeaba el humo). Una invitación interesante, pero programada con un pelín de infortunio al coincidir con horas de extrema calor, en un escenario donde se creaban ambientes bastante irrespirables.

De una propuesta densa y difícil de digerir a otra muy popular. Esa choli de extrarradio inglés alejada de las cajas de los supermercados por algún cazador de talentos pareció meterse el público en el bolsillo con su pop mainstream con gotas de dubstep. Katy B puso la nota verberena a un público sediento de ella, pero a servidor no estaba para esos trotes.

Tom Krell y su proyecto How to dress well tuvo que lidiar con adversidades parecidas que las de sus compañeros de sello OooOOO. El norteamericano ofreció un show en el que quería llegar a tocar la fibra anímica mediante la expresión vocal encima de unas bases pregrabadas de origen desconocido. Sin embargo, Krell se las tuvo con los técnicos de la mesa de sonido, llegando a interrumpir constantemente sus interpretaciones mientras seguía quejándose sobre el asunto. Esto, unido al calor de la sala, y la dificultad de sintonizar con su particular R&B y pop de baja fidelidad con reverse oscuro, hizo que la mayoría de los presentes que iniciaron se perdieran un concierto que fue de menos a más, pero aún así, insuficiente para aprobar su directo en esas condiciones. Mil veces preferible la escucha de su particular música en el salón de nuestras casas.

Lo que siguió justificó todas las penurias, todos los intentos fallidos, todo el calor insoportable, las aglomeraciones insufribles y toda la energía desperdiciada por los escenarios del Sonar día. El primero en llevar la jornada a sensaciones de vértigo dulzón fue Four Tet. Kieran Veden pasa por un estado de forma envidiable y eso lo percibió el público que se amontonaba en su directo. Hizo vibrar a los asistentes con “Love Cry” moviéndola a su antojo y siempre cerca de la perfección. Pero la locura llegó cuando introdujo bombos irresistibles, y los presentes se dejaron llevar por el éxtasis propio o el ayudado por sustáncias.

Tras la sonrisa permanente a medio sol, me refugie de nuevo en el SonarHall donde un mastodóntico Ghostpoet nos conquistaba con su rap seco, árido, con tintes wonky y dubstep, tan oscuro como penetrable, tan poco convencional como permanente. Ni las jugarretas que le deparó su labtop, fallando en varias ocasiones, pudieron empeñar un director crudo, enérgico, potente, a veces áspero, pero seductor y altamente irresistible.

Y hablando de cosas irresistibles…mejor no conocer a Dominque Young Unique, una rapera explosiva de Tampa que puso patas arriba a todos los respetables que se obstinaban en dejar la fiesta. Sus incendiarias rimas llegaron cargadas de contundencia, ritmo y desparpajo, en una chica que parece querer proclamarse con apresura la nueva sensación de la escena rap. Actitud le sobra, su energía desbordante la logra transmitir al público, y la calidad queda más que contrastada. Diamante en bruto el que pudimos presenciar. Dada su juventud (sí, 19 añitos) no nos extrañaría que la del viernes en el Sónar sea un recuerdo histórico de aquí unos años.

Roger Waters – The Wall (O2 Londres, 18 mayo del 2011)

KeithModMoon — Mon, 23 May 2011 12:00:00 +0000

Hay unos pocos conciertos que se ganan la etiqueta de “míticos” incluso antes de ser presenciados. Un mérito que se ha ganado la gira mundial de The Wall con la que Roger Waters está levantando mantas de ovaciones allí donde ancla. Y precisamente bajo estos pensamientos y con la incógnita de qué me depararía la especial cita, este servidor encaminaba el 18 de mayo su paso hacía el O2 de Londres dispuesto a presenciar el que sería el último concierto de los seis que Waters celebró en la capital británica.

Sentado en la lejanía de una localidad de tercera grada discurría en pensamientos sobre mis anteriores experiencias con la música de Pink Floyd y los shows de Roger Waters, a cual más mágico, mientras mi cabeza abría resquicios de esperanza para que David Gilmour y Nick Mason irrumpieran en escena en algún momento de la noche, tal y como habían hecho por sorpresa en el mismo escenario 3 días antes, sin embargo la razón volvía a imponerse a la fantasía. Embutido en esos pensamientos las luces se apagaron y empezó el espectáculo, un espectáculo que con “In the flesh” se tornó esencialmente en un alarde pirotécnico cuya respuesta inmediata fue un escalofrío recorriendo de arriba abajo mi cuerpo. Un escalofrío que no sería el único de la noche.

De entrada, la primera impresión que me abordó, fue presenciar el envidiable estado de forma de Roger Waters, no sólo a nivel físico, como un veterano, que junto a Richard Gere (cierto parecido hay entre ambos, ya que estamos en la semana de los dobles), podría levantar admiración entre jovenzuelas, sino el cómo a sus 68 años de edad se mueve incansable por el escenario y mantiene su voz en perfectas condiciones. Y créanme que esto último resulta muy complicado cuando vas a concierto por día (y sino que se lo pregunten a un disciplinado Jagger que canceló parte de la última gira por sus problemas con la garganta). Tal es mi pasmo ante el estado de su voz, que hubo momentos, sobre todo cuando el espectacular muro que se iba levantando encima del escenario ladrillo a ladrillo no permitía ver a los músicos, que me llegara a cuestionar si realmente era él quién cantaba o nos habían puesto una grabación.

Pero volvamos a lo que fue el show en sí mismo. Waters ha concebido esta gira como un espectáculo total en el que música, performance, teatro, marionetas, arte, vídeo, luces, fuegos se funden en un todo para entregar una experiencia única al asistente. Si Pink Floyd siempre ha mantenido una especial atención por mezclar lo visual con lo sonoro, aquí se alcanzan proporciones épicas. Con una puesta en escena inspirada por la corta gira que Pink Floyd hizo del disco en 1980 y 81 que casi los lleva a la quiebra, y por ese histórico concierto que Waters celebró en Berlín, justo un año después de la caída del muro, con invitados como Van Morrison, Sinead O’Connor, Cindy Lauper, el bajista de Pink Floyd retorna esta clásica obra conceptual y la despliega en escena con todos los medios imaginables. El resultado es una explosión de sensaciones y sentimientos que te dejan petrificado en el asiento y ensimismado con todo lo que acontece alrededor.

Sin embargo, si hace 30 años, a Waters le surgió la idea de The Wall fantaseando con la idea de construir un muro de separación entre la banda y su público (se ve que tras un concierto en Canadà al que escupió a un enloquecido de las primeras filas), e inspirando el carácter central de la obra (el anti-héroe Pink) en la figura de Syd Barret, ahora parece que su relación con la audiencia ha cambiado tajantemente. Él se convierte en el centro por el que gira todo el concierto, se erige en un Mesías rockero, que interpreta varios papeles en la función. Y eso se nota encima del escenario, Waters se muestra muy a gusto inmerso en la pomposidad de su obra, y viendo como el público se entrega a la majestuosidad de su discurso. Sin duda, muchas cosas han cambiado a lo largo de estos treinta años.

Pero lo que resulta innegable es que estamos ante un genio de la música, artífice de algunos de los discos más esenciales de la reciente historia del rock. Y además de ser un hombre de negocios, un showman, y un ególatra, el de Surrey es una persona muy inteligente. Si The Wall habla sobre los traumas que van marcando la vida de esa estrella de rock ficticia que es Pink: la muerte del padre en la guerra, la sobreprotección de la madre, la opresión de la educación británica…. ahora Waters reconstruye el discurso de la obra original y lo adapta a los tiempos en que vivimos: cargados de injusticia, crisis salvajes, pobreza, y estos últimos días, indignación. De esta forma buena parte de las canciones de The Wall son adornadas a nivel escénico por reclamas en contra de las multinacionales (Shell, McDonalds y Mercedes son las más malparadas), la guerra (estremecedor resulta “Bring the boys back home” con las fotos de soldados caídos en batalla) y otras injusticias sociales, políticas y económicas que siguen lapidando el mundo en que vivimos y que quedan recogidas en forma de mensajes en el nuevo muro de Roger. Reconvirtiendo así todo el peso conceptual de la magnífica obra en un discurso plenamente vigente.

Retornando al aspecto musical del asunto, apena un poco ver como el show, el espectáculo, se come un poco el elemento sonoro. Un aspecto, que por otra parte, resulta brillante tanto por la aportación de Waters como por la del gran guitarrista que cumple las funciones del añorado David Gilmour. Ya peca algo más, el otro cantante que acompaña al protagonista de la gira, y un coro que no está a la altura de los que han acompañado las andanzas en directo de la banda y del bajista. Fue quizás por esa representación tan teatral, operística, y perfeccionista, tan calculada e inamovible (parece todo prediseñado al milímetro, sin espacio para la improvisación), que este servidor se inclinara más a favor por los temas intimistas del disco, cuya plasmación encima del escenario solo incumbia la voz de Waters, su guitarra acústica, y un público en absoluto silencio. En ese contexto ráfagas de escalofríos recorrieron de nuevo mi esqueleto con las interpretaciones de “Vera”, “Is there anybody out there” y “Mother”.

El tramo final de la obra, al igual que con el disco, es una sucesión imparable de truenos operísticos, que en ocasiones, hasta se aparentan con Queen, pero que resultan pasmosos de presenciar en directo.

Tras los agradecimientos, las últimas ovaciones, y la dilatación de renunciar al bis, el cuerpo se destensó, el cerebro empezó a ordenar en orden de preferencia (para intentar retenerlos a lo largo de la vida) las sensaciones vívidas y los sentimientos expuestos sobre ellos, servidor se preguntó de inmediato si esta había sido su última experiencia en directo con la mejor banda de rock de la historia, si el tercer encuentro con el bajista de esa banda sería ya la última, o si el futuro aún les depararía otro encuentro. Sea como sea, satisfecho de haber pagado por esa cita el precio más alto por el que nunca he pagado una entrada, pero también debo añadir, que pese a que el marco era perfecto, mi cerebro va a retener más instantes de este show en Barcelona, y por supuesto, de mi primera y única experiencia con los Pink Floyd, y sin Waters.

Consideraciones rencuentro Waters y Gilmour

En el concierto del 18 de mayo el protagonista de esta crónica destacó el momento histórico vivido en el mismo escenario tres noches antes, cuando se reunió de nuevo con David Gilmour y Nick Mason. Sin duda un instante que debió enloquecer a todos los afortunados en el O2. Sin embargo de esta reunión yo extraigo una lectura muy gráfica de la relación que mantienen los dos polos opuestos que cogieron las riendas del grupo tras la pérdida (mental) de Syd Barret.

En la interpretación de “Comfortably Numb”, tal y como se aprecia en la foto de arriba, el muro separa a ambos egos. Una metáfora acojonante de la distancia insalvable que separa a un Gilmour más tímido e introspectivo de un Waters expresivo y egocéntrico. No obstante ambos quieren protagonismo, adjudicarse la gloria de haber parido parte de la música más influyente y estimulante del siglo XX. Pero ese muro que los separa, lleno de rencor, disputas, enfrentamiento de egos, medallas a atribuirse, parece irrompible ahora mismo, y representa dos actitudes sobre el legado de su obra enfrentadas. No sé si volveré a ver a Roger Waters o a Pink Floyd, pero a ambos juntos, creo que es sólo cuestión de temas benéficos, por que lo del otro día fue un bonito espejismo (muy bonito, como reluce la guitarra de Gilmour) en el que subyace la relación de estos dos grandes maestros y que ha marcado la que considero la mejor banda de rock de la historia.