El binomio artístico que conforman la cantante M.I.A. y el realizador Romain Gavras ha dejado obras tan remarcables como ésta. Ahora vuelven a unir sus fuerzas para trasladar en imágenes el nuevo single de la cantante londinense.

En esta ocasión Gavras emplaza la acción en Marruecos, con una singular escenografia con ecos de Need for speed, universo arabian gangsta, coreografía Bollywood, y personajes que no sabes muy bien si son muyahidines o jeques jordanos que se divierten. Es algo así como presenciar una espectacular hora del recreo de unos petrodólares amantes de los rituales poligoneros y la estética Fast & the Furios trasladada al desierto.

Romain Gavras desinfla un poco su nervio visual, aparta su vena violenta, y se deja seducir por la opulencia, la espectacularidad y el exotismo bizarro y con un toque kitsch.

Como siempre un buen regado de comentarios y discusiones, dejará a su paso.

Tras cerrar el balance retrospectivo del 2011 es momento de avanzar algunas de las propuestas musicales más estimulantes del año que abrimos. No encontraréis a continuación un desglose de todos los lanzamientos programados, pero sí una pequeña agenda de los lanzamientos discográficos más esperados por el plumilla que sirve y algunos de los nuevos talentos que podrían marcar el año.

2012 será el año en que el fenómeno Lana del Rey se consagre en lo más alto o caiga arrastrada por la bola de hype (particularmente opto por lo primero), también será el año en que el trovador de las almas rotas Leonard Cohen regrese con nuevo disco (y motivo suficiente para vivir este 2012), en que el weird-folk de Animal Collective asome de nuevo la cabeza después de tres años del genial Merriweather Post Pavilion, en el que la jovencísima rapper Azealia Banks arrase como un huracán, o por qué no, el año en el que sus majestades satánicas regresen con un nuevo disco o se despidan de los escenarios a lo grande.

Lana del Rey – Born to die

Fecha de lanzamiento: 30 de enero

El fenómeno del pasado año deberá validar en este todo el buzz levantado con su estreno en largo. Born to die es el nombre del trabajo del cual Lizzy Grant ya ha ido ofreciendo pequeñas muestras que invitan a pensar a que resistirá el empuje de su propia ola.

Leonard Cohen – Old Ideas

Fecha de lanzamiento: 31 de enero

El veterano cantautor canadiense de 77 años publica nuevo LP Old Ideas, ocho años después del último Dear Heather, y del que ya se puede escuchar como adelanto el corte “Darkness” (arriba).

Chairlift – Something

Fecha de lanzamiento: enero

Amanaemonesia from Chairlift on Vimeo.

El tercer disco del dúo (antes trío) de pop electrónico Chairlift debería salir este propio mes y cuenta con Alan Moulder (le precede la fama por sus trabajos junto a Depeche Mode), como ingeniero de sonido y con la habitual, y fascinante, voz de Caroline Polachek.

John Talabot – ƒin

Fecha de lanzamiento: Primeras semanas febrero 2012

So will be now… (feat. Pional) by John Talabot

El productor español de música electrónica con rango internacional presenta por fin su esperado larga duración, ƒin. Once temas en los que Talabot abre su paleta sonora a nuevos horizontes y por el camino se deja acompañar por los camaradas Pional y Ekhi (cantante de Delorean)

Perfume Genius – Put your back N 2 It

Fecha de lanzamiento: Finales de febrero
all waters // perfume genius by sexmusic

El segundo LP del músico de Seattle Mike Hadreas tiene números para hacernos derramar más de una lagrimilla en este 2012, tal y como incita el single de adelanto de arriba.

The Magnetic Fields – Love at the bottom of the sea

Fecha de lanzamiento: 6 de marzo

The Magnetic Fields – Andrew in Drag by MergeRecords

Stephen Merritt y su cancionero rociado de desamor y amargura volverá a dar señales con el LP Love at the bottom of the sea. Con el que emprende gira, y además vendrá a presentarlo en Barcelona (6 de mayo) y Madrid (7 de mayo)

The Shins – Port of Morrow

Fecha de lanzamiento: Marzo

Simple Song by theshins
Cinco años de silencio han pasado desde que The Shins lanzaran Wincing the night away. Por el camino su líder James Mercer se entretuvo con el proyecto que compartía con Danger Mouse, Broken Bells. Ahora regresa de nuevo con su banda para regalar el cuarto álbum de estudio.

Sigur Ros

Fecha de lanzamiento: Primavera

La banda islandesa liderada por Jonsi pretende volver a estremecernos de placer con un nuevo disco previsto para ser publicado en primavera

Sin fecha confirmada

Animal Collective

El colectivo animal anda inmerso en labores de estudio para preparar la continuación de su mejor obra hasta la fecha, Merriweather Post Pavilion. Aún no hay confirmación ni fecha de salida, pero debería ser una de las cumbres musicales del año.

The XX

El cuarteto londinense (ahora trío) que convulsionó hace tres años la escena musical con su pop dark, denso y nihilista sacarán este año su ansiado sophomore.

Black Sabbath

La sorprendente vuelta con la formación original, con la milagrosa vida de Ozzy Osbourne entre ellos, se cita este año por partida doble. Por un lado disfrutaremos de un nuevo disco producido por Rick Rubin tras 33 años sin material de una de las bandas más elementales del hard-rock, y por otro, su paso por el Azkena Rock en junio.

The Beach Boys

Uno de los tótem de la música popular se reúnen, con todos los miembros originales que siguen vivos (sí, Brian Wilson en cabeza), para sacar nuevo disco y hacer gira conjunta con motivo de su 50º aniversario. Crucemos los dedos para que pisen nuestro país.

Dry the river

Esta banda de folk gospel con tintes rockeros tiene boletos para convertirse en la banda indie de masas del 2012. Temas como el de arriba y un EP de debut con el productor de The national podrían facilitarlo.

Jaime N Commons

Cuesta creer que este chaval amante del whisky y los Ducados que se postula para coger el testigo a toda una hornada de cantautores de voz áspera al estilo Johnny Cash, Nick Cave o Neil Young, tenga solo 22 años y sea original de Bristol (UK). Seguiremos su rastro…

Grizzly Bear

Los encantadores osos neoyorquinos tienen nuevo material ejecutado listo para ser planchado en LP. Se desconoce por ahora el nombre y el cuándo, pero es una gran noticia

Azealia Banks

La última perla surgida del negro Harlem mostró sus uñas en los últimos meses del 2011 con el eléctrico “212”. Para 2012, la niña de veinte añitos, tiene preparado un álbum con el afamado productor británico Paul Epworth en el que contará con un sonido que mezcla sin tapujos el pop, con el house, el R&B y el hip-hop más canalla.

Friends

Brooklyn sigue siendo un campo de cultivo importante para bandas cool con proyección internacional. Puede que la nueva flor les haya salido con esta banda de cinco componentes que responden al nombre de Friends, y que un con solo tema de weird pop (“I’m his girl”) se han puesto en el radar de muchos.

The Avalanches

Tras marcarse uno de los discos más brutales de la pasada década, que sigue siendo su única medalla en la solapa, ¿será éste el ansiado año del segundo disco de The avalanches?

Encendimos la mecha el pasado sábado cuando publicamos la primera parte de los mejores temas del año. Hoy, a un día de finiquitar el año, toca despedirse a lo grande con las veinte mejores canciones que ha circulado por oídos de quien arriba firma. Los diez primeros están sin orden de preferencia, y a partir de ahí empieza el Top 10 que concluye con la mejor canción de año, la cual resulta fácil de adivinar si se atiende a la poca discusión que habido al respecto en la mayoría de webs y medios especializados.

Antes de pasar al ataque con las píldoras más memorables del año, recuerdo que podéis escucharlas o bien en este mismo post o bien en las siguientes listas de Spotify creadas para la ocasión, y que podréis utilizar, según dicte el criterio del dj de turno, para enderezar el fin del año o la entrada al próximo.

Las 40 mejores canciones del 2011 (Parte I)

Las 40 mejores canciones del 2011 (Parte II)

Las 40 mejores canciones del 2011 por El Destilador Cultural (40 temas + bonus tracks)

Gruff Rhys – “Christopher Columbus”

The Black Keys – “Dead and Gone”

Summer Camp – “I want you”

Tyler, the creator – “Yonkers”

Lykke Li – “I follow Rivers”

Austra – “Beat and the pulse”

Holy Other – “Touch”

Pj Harvey – “On Battleship Hill”

Neon Indian – “Polish Girl”

10. Mogwai – “Rano Pano”

Muy pocas veces caos y orden, oscuridad y luz, tormentas y cielos radiantes, ruido y melodía habían cuajado con tal avenencia. Los culpables de este extraño, pero fascinante fenómeno son Mogwai, que pese a facturar un disco por debajo de su media, también nos brindaron esta tormenta abrasiva de post-rock con efectos electrizantes.

9. Girls – “Vomit”

Christopher Owens se retuerce en la amargura que parece acompañarle hasta vomitar esta épica canción de seis minutos, en la que los de San francisco se suben a un tiovivo de emociones donde caen una y otra vez para levantarse de nuevo con una fuerza rockera cruda e imperante, que se despierta como un arrebato de actitud hacía los lamentos iniciales. Hay ecos lejanos de Pink Floyd, hay un riff celestial, hay coros, hay dolor, hay belleza, hay motivos más que de sobras para que quede grabada en un futuro ( esperemos que lejano) en la lápida de Girls.

8. EMA – “California”

La cantante de South Dakota impregnó con rock salvaje de carretera, actitud hip-hop, y samplers demoledores una de las canciones claves de su disco debut, y uno de los cortes que han dejado una huella más profunda, agrietada, cruda, y tristes para quienes se han atrevido a ser golpeados por esta chica de carácter.

7. Apparat – “Black Water”

El cambio de tornas en el sonido de Apparat hacía un pop de matiz electrónico y con alguna reminiscencia a Tom Yorke no terminó de contentar a todos los seguidores del músico alemán. Pero seguro que ninguno de ellos pudo evitar la parálisis total cuando el single “Black Water” se cruzó por su paso. Apparat construye frágiles parajes de belleza transitoria que van creciendo con pasos tímidos hasta ese clímax en que se destapa toda la profundidad vocal de Sascha Riing. Una de las canciones más bellas del año. Lo que suena al final es una lluvia de lágrimas.

6. Pete & The Pirates – “Half Moon Street”

Una de las piezas pop más inmediatas y directas del curso la han fabricado los ingleses Pete & The Pirates. Pese a que el tema original es obra de Tap Tap, (proyecto en paralelo del líder de la banda, Thomas Sanders) los londinenses han decidido recuperarla para su segundo disco de estudio, dotándola de nueva energía, y potenciando las virtudes de esta contagiosa píldora que invita a un optimismo rabioso sin olvidar la aura melancólica de tiempos más alegres.

5. Metronomy – The Bay

Con el último disco de Joseph Mount y su banda lo más laborioso ha resultado elegir el tema con el que auparlos a los primeros puestos del año. Finalmente ha sido para “The Bay”, corte que aterrizó con ínfulas de erigirse en el tema del verano, y que ha sobrepasado todos las fronteras estacionales. Desde ese irresistible órgano que abre la veda, pasando por la sinuosa melodía, y esa reveladora estrofa a la que el cerebro se une con pegamento. Del principio al final, The bay es una pieza de pop electrónico perfecta, duradera e incansable.

4. The Rapture – “How deep is your love”

El esperado nuevo trabajo de los neoyorquinos se plantó en las últimas horas calurosas del verano. Cuando el oyente llegaba al corte diez del álbum la locura se desataba, el sudor brotaba por todo el cuerpo y las feromonas se disparaban hasta límites insospechados. Con “How deep is your love”, The Rapture coronaron otro 3.000 con los que concluir conciertos, cerrar sesiones, o morir en la pista de baile. Sigue siendo complicado decidir, mientras todo el cuerpo se menea, que fragmento resulta más deslumbrador si los coros vocales, el saxo, ese organillo, o el estribillo que fulmina de placer todo el cuerpo.

3. Lana del Rey – “Video Games”

Antes de convertirse en la nueva reina Indie/pop en 2012, recordaremos 2011 como el año en que Lana del Rey embriagó a millones de oyentes por todo el planeta a una velocidad de vértigo. “Video Games” fue la hermosa carta de presentación de la joven Lizzy Grant. Una joya musical con la que fragmentó en mil pedacitos los corazones de todos los que no sentimos atraídos por la mágica aura que desprendía un talento desconocido, que con sus primeros acordes ya nos dejaba fantaseando con su sencillez melódica, intrigados por su voz de matices claroscuros, y paralizados por una producción divina. “Video games” materializó en notas inmortales esa atracción fatal hacía la femme fatale más talentosa e irresistible del panorama actual.

2. John Maus – “Street Lights”

La cascada de sintetizadores con la que te recibe John Maus en “Street Lights” ha sido uno de los momentos musicales más alucinantes de la temporada, si a la base de sintes se le añade la voz fantasmal, distorsionada y alejada del propio Maus dibujado un escenario desolado, oscuro, etéreo y pre-apocalíptico entonces podréis entender porque su fuerza de impacto ha dejado una alargada huella sobrenatural y mágica en mi hipotálamo. Si hay una canción que sirva para definir la desazón de los días presentes, la desesperanza futura, y todo y eso, sacarle un punto fulgurante, seguramente esta sea “Street Lights”

1. M83 – “Midnight City”

Apenas ha habido discusión este año sobre cuál ha sido el temazo que ha sobrevolado más alto que los demás. El francés Anthony Gonzalez se ha ganado un puesto en el panteón de los más grandes con su M83 y su descomunal “Midnight City”. Le bastan los cinco segundos iniciales de un riff de sintetizadores para levantar los ánimos de un país hundido en guerra y miseria, para distinguirse en solitario de todos los otros cortes del año, para erigirse como el último recuerdo musical que llevarse a la tumba. Por si no hubiera hecho suficiente daño con cinco notas, le sigue una tormenta de batería, para luego pasar a un descanso vocal, que relaja los músculos, devuelve a la normalidad el riego sanguíneo, como previo y necesario paso fisiológico con el que preparar el cuerpo ante el nuevo, y más contundente, estallido del riff perfecto, el que te lleva a levitar segundos después cuando entra en juego una ensalada de saxos. Si dices temón del 2011 mi mente repetirá siempre “Midnight City”

Bonus Track

Toro y Moi – “New Beat”

Metronomy – “The Look”

Virgo Four – “It’s crime” (Caribou Remix)

El columpio asesino – “Toro”

Con este clima de tensión e inquietud instalado día sí y día también en nuestra espina dorsal, parecía normal, que terminando este 2011, lo que abracemos con mayor ímpetu sea la cosecha cultural recogida a lo largo de estos doce meses que dejamos atrás con pésimo balance.

En la área que aquí nos ocupa volvemos a completar otro gran año. Si bien no ha resultado tan revelador, ni ha aportado tantas gemas como en 2010 (aún recuerdo el dolor para ordenar el Top 3 de final del año) la sensación que deja este año de transición musical es altamente satisfactoria, y vierte con ello, dosis de optimismo para confiar en el presente musical, y aún más importante, el flote incesante de bálsamos musicales con los que equilibrar el desajuste que provocan los tiempos difíciles.

Tras esta introducción pasemos a desfilar (y a escuchar via Spotify) delante de la más sabrosa cosecha sonora que ha empapado los oídos de quien escribe.

10. Lykke Li – Wounded Ryhmes

La hermosa cantante sueca se desquitaba del ropaje romántico naiff de su primer disco para enfundarse en un pelaje más oscuro, como si su corazón hubiera experimentado la amargura del desamor. El resplandor de este portento de voz que la naturaleza le ha otorgado, lidia en Wounded Ryhmes con atmósferas más industriales, urbanas, y cargadas. Con texturas hipnóticas, producciones bien talladas, y el ronroneo de los ritmos tribales dejándose oír. Los extraños contrastes sonoros y su capacidad para cuajar un entramado musical válido en ellos, hacen del disco una gema de pop etéreo del que resulta difícil sustraerse. Temas como “Follow Rivers”, “Love our of Lust” o “Get some” describen a la perfección el extraño poder de fascinación que destila esta chica con enorme talento.

9. Charles Bradley – No Time for Dreaming

Las gemas soul son el petróleo más valioso para aquellos surcadores que andan tras su extinguida pista. Por eso cuando servidor se topó en marzo con Charles Bradley y su No Time for Dreaming todos sus pensamientos se dirigieron a creer estar ante alguna joya oculta del soul de los 60′s, o delante del oportunismo de alguien con criterio para sacarle el polvo a algún material abandonado en los almacenes del sello Atlantic. Pero nada de esto. Bajo el nombre de Charles Bradley respondía un veterano músico de Brooklyn nacido en el 1948, y su trabajo era hijo de los días presentes. Luego descubrimos en el maravilloso concierto del Primavera Club (una de las cotas en directo del año) que “Sex machine” se había además reencarnado en este curtido músico. En el intervalo que permitió conocerlo en persona, su revelador No time for Dreaming Sus seguía brindado 12 temas que albergan la propia definición de la música soul: emociones expresadas desde lo más profundo del alma. Una intensidad sonora solo al alcance del hombre negro, y de muy pocos casos, el citado James Brown, Sam Cooke, Ottis Redding (a cuyo tono de voz recurre a veces Bradley) y por qué no el propio Charles Bradley con su voz rota, despedaza por experiencias curtidoras y canalizada con notas sinceras y de amplio calado emocional. En una época en la que soul sufre cierto revisionismo que intenta recuperar, a su modo, la época dorada del género, empaparse de temas como “I relieve in your love”, “Why is it so hard” y transportarse directamente a aquella época se convierte en una auténtica delicia.

8. Radiohead – The King of Limbs

Este año Tom Yorke le ha cogido el testimonio a Brian Burton (Aka Danger Mouse) como el hombre más hiperactivo del campo musical. Su nombre ha salido impreso en diversas colaboraciones y trabajos a lo largo del año, y por si no fuera poco saldo, también ha podido entregar un nuevo álbum con Radiohead. Su octavo disco de estudio se subscribe en la misma vertiente electrónica que ha venido marcando su sonido en los últimos años, y cuyas mayores señas se perciben en el abandono de los instrumentos de banda de rock por un sonido sintético más incipiente y atmosférico. Una electrónica que se guía por parámetros jazz, o al menos a la interpretación sui generis ofrecida por la banda de Oxford. Ahora los loops han pasado a ser el esqueleto del disco. Esenciales para construir estas atmósferas envolventes, cautivantes, hipnóticas y obsesivas con un resultado marcadamente desalentador. Este The King of Limbs no es un disco demasiado accesible, no puede conquistar al oyente con un primer contacto (la carencia de hits no ayuda a ello), necesita de su tiempo, adaptación y sobre todo, de varias escuchas. Pero sí las recibe, es un álbum que te agarra, pese a que la crítica parece no ubicarlo entre los trabajos más aplaudidos de estos chicos que siguen andando a su antojo por la liga de oro.

7. Cat’s Eyes – Cat’s Eyes

Uno de los debuts más estimulantes del año llegó de la mano de una de las parejas más extravagantes de los últimos años: Él, Faris Bawdan (líder de The Horrors), ella Rachel Zefirra (cantante de opera y multiinstrumentista). De la unión de los polos opuestos llegó una pieza de orfebrería pop que contenía algunas de las más hermosas joyas musicales de la temporada. Las diez cortas y concisas canciones que componen el debut de este dúo son un deleite para el oyente más sibarita. Talladas con precisión, aplomo y elegancia, los temas de este debut aletean alrededor de tu cuerpo erizando el bello con sus suaves caricias. El secreto lo guarda esta soprano con voz angelical, y el genial contrapunto oscuro y macabro que aporta el cantante de The Horrors. A esto, se añaden arreglos orquestales, una producción que bebe tanto de Phil Spector como de las bandas sonoras de Ennio Morricone o del John Williams más intimista, y ya se dispone de uno de los debut del año. Que encuentra su cara más perdurable y convincente en el preciosismo platónico de “The best person I know”, el reposo de paz inquebrantable de “The Llull” (otro de los temas más hermosos del disco), el loop esotérico “Cat’s Eyes”, el reverso gótico de las Ronettes de “Face in the crowd”, y cada una de las canciones que configuran este redondo debut.

6.  The Roots – Undun

Lo de esta numerosa crew de Philadelphia empieza a sonar a fantasía épica. Con una asombrante regularidad propia de Joel y Ethan Coen, vuelven a planchar un disco con los que filtrarse en lo alto de esta lista (ya hicieron lo propio el pasado año). Y es que Undun se encuentra entre los trabajos más celebrados de The Roots. ¿Sus armas? un fuego cruzado a base de neo-soul elegante, aroma funky old skool, y hip-hop con garra, de regusto maduro y sofisticado. Todo bien regado por una producción exquisita y por unos acompañamientos vocales que desenredarán matas de pelo. El resultado es un trabajo mayúsculo e inspirador, que hará enloquecer las neuronas de los gourmets de la música negra mediante un ajuste de influencias, elementos, y ritmos asombroso. The Roots siguen a lo suyo andando por una senda imparable, y con Undun despiden el año a lo grande.

5. Fleet Foxes – Helplessness Blues

El nuevo trabajo de los norteamericanos Fleet Foxes ha servido para poner a su líder Robin Pecknold en el alto pedestal donde merece estar, y a toda su banda por superar con nota la difícil criba del segundo álbum. Helplessness Blues, a diferencia del debut (Fleet Foxes, 2008), no es un disco cargado de himnos imperecederos, no hay en todo su recorrido piezas inmediatas, pero en contraposición, se cocina todo con fuego de leña, con lo que los temas adquieren cierta aureola mística creando espacio a una resonancia magnética, cautivante y misteriosa. Fleet Foxes no encabezan el revival folk, están por encima de él, en otra dimensión aislada del resto, y por suerte el mundo no lo está de su magia.

4. EMA – Past Life Martyred Saints

Erika M. Anderson no es una recién llegada en el campo musical, pero fue este 2011 cuando la vimos por primera centrada en su propio proyecto, conocida con las siglas EMA. Past Life Martyred Saints supuso el esplendorosos debut que la catapultó hacia las más distinguidas y elevadas alabanzas, y que la consagró como la más gratificante nueva sensación del curso. Y lo consiguió gracias a una formula que coge el polvo seco de su natal South Dakota le añade sombras neo-psicodélicas con el que va esparciendo su rastro por el mismo asfalto que recorría Fred Madison en la carretera perdida. El resultado es un artefacto absorbente, poderoso, y dinámico, que destapa una revelación vocal e instrumental con inmenso talento. Nada suena a artificioso o forzado. Todo el discurso se mantiene áspero, árido, pero a la vez revitalizante al desenvolver cierto halo hipnótico en una producción que aterra a la vez que maravilla. Su voz rota, su emoción vivida, sus vivencias impresas sobre arena y asfalto pueden invitar a establecer comparaciones con grandes artistas como Patti Smith o Cat Power, pero creerme, que EMA merece una distinción aparte, con identidad propia.

3. John Maus – We Must Become The Pitiless Censors of Ourselves

John Maus parece querer convertirse en el apóstol críptico de nuestros tiempos, en una especie de mensajero oscuro de la desazón de nuestros días. Al menos eso es lo que transpiraba We must become The Pitiless Censors of Ourselves, su mejor obra hasta la fecha. Apostada en terreno de pop hipnágotico y el lo-fi, y removido de raíz por impulsos sintéticos este LP es un viaje tortuoso, desalmado y oscuro a una tierra despojada. Este singular profesor de filosofía consiguió aislar la belleza de la naturaleza muerta. Mediante el uso de melodías cristalinas apoyadas en los sintetizadores, y el uso forzado de una voz que en ocasiones mimetiza con la de la del Scott Walker más desatinado, construye paisajes oníricos de pelaje rugoso y matiz alicaído. De ese espíritu desolado tan propio de formaciones de los 80′s como Joy Division, Suicide o Dead Can Dance, Maus logra sacar bellos parajes sonoros. Los mejores cortes transportan al oyente a ese extraño estado que deambula de lo placentero a lo afligido. Lo consigue por ejemplo con “Cop killer”, con la lluvia sintética de “Believer”, con la sublime (algo tellierana) “Street Light”.

2. Balam Acab – Wander/Wonder

Alec Koone es el nombre real de un niño prodigio que con 20 añitos se ha cascado el debut más glorioso del año. Bajo el alias de Balam Acab lanzó Wander/Wonder, un LP que ha permanecido intocable en los rincones más profundos del hipotálamo de quien escribe estas líneas. Las sensaciones que provoca Koone con este trabajo guarda similitudes físicas (retuerce el estomago y dilata el corazón) con las que te golpeaba Burial con sus dos primeros trabajos, o con la cascada de emociones que te invadía con la primera y segunda escucha del Merriweather Post Pavilion de Animal Collective. Sin embargo la propuesta de Balam Acab se desentiende del dubstep o el psych-folk para establecerse en el pop y el R/B, sin embargo, el tratamiento de las texturas y el uso de las voces resulta tan arrebatador como en los ejemplos citados. Adentrarse en este disco es como un buceo en apnea por un entramado marino que presenta bellos parajes repletos de corales, cuevas y corrientes submarinas asombrosas. Un símil que no resulta gratuito si se atienden los diferentes efectos de sonido marinos utilizados a lo largo de la grabación (los chapoteos de “Await” siendo claros) Si nos obligaran a aportar mayores referencias sobre el género por el que se pasea Balam Acab diríamos que transita entre el ambient, el pop etéreo, el R&B y ciertas chispas de chill out (quizás la única friega no necesaria en todo el disco) Sus herramientas son los sintetizadores, las voces fantasiosas, y una sensibilidad sobrenatural para aunar todo esto. No sé muy bien ante lo que estamos, ni si tendrá continuación, pero sé que cada vez que me pongo los cascos para escuchar temas como “Now Time”, “Motion”, “Await” o “Welcome” mi cuerpo muta en otras formas…espirituales, de fondo sublime, y placer divino.

1. PJ Harvey – Let England Shake

Ya con su prematuro lanzamiento en los primeros meses del año se percibió que el disco de Pj Harvey iba a ocupar los puestos altos de las listas de final de año, sin poder adivinar que tendría el honor de ocupar finalmente el trono que lo acredita como el mejor disco del año, Y Polly Jean Harvey lo ha conseguido ejecutando un disco político, melancólico, mágico y estremecedor. La cantautora ha tejido una bella postal de su tierra donde sobresale su distinguible voz (en ocasiones con el contrapunto magistral de una presencia masculina), los arreglos finos, limpios y proporcionados en su justa medida. Un empaque distinguido e inteligente que convierte las melodías de las canciones en suaves y reconfortantes estímulos. Hay cierta luz en sus composiciones, pero en general impera un ambiente melancólico, gris y de una extraña niebla que no permite ver con claridad, pero en cuyo trayecto, el oyente será desvelado por mágicos parajes (lo entenderán mejor si escuchan los temas “England”, “Let England Shake” o “The glorious Land”). Let England Shake es la última demostración del talento innato, que se saca aquí un pulcro e inspirado trabajo, con señas de convertirse en atemporal.

Polémica, discordia, iras, amenazas, descrédito y ante todo inconformidad y descontento. Esto son las listas, y nos flipan.

Aparte de este tremendo y eficaz invento de raíz consumista que responde al nombre de Navidad, y el cual este año tiene visos de aferrarse únicamente a su faceta tradicional,  son estas también fechas para lanzar listas de toda índole con las que radiografiar lo mejor del año, y si hay alguna que a servidor le motive elaborar es la de las mejores canciones del año. Una recopilación injusta, imprecisa, ajustada a un número caprichoso, desquilibrada y variable al gusto personal del que la firma (cambiante y subjetivo), pero útil para permitirse reflotar los mejores momentos musicales vividos durante el 2011, y que gracias al enlace Spotify que encontrareis a continuación también puede convertirse en un grato recurso para aligerar el empache de comilonas, turrón y familia, así como una guía para poner a prueba los equipos de sonido en las próximas noches de jolgorio y diversión que nos aguardan, sin ir más lejos, la de hoy.

Así que sin más rodeos, sin orden ni preferencia (de momento)… las primeras 20 mejores canciones del 2011.

Escuchar en Spotify Las 40 canciones del 2011 (Parte I)

The Naked And Famous – “Young Blood”

The Pains of Being Pure at Heart – “Heart in your Heartbreak”

Peter Bjorn and John – “Tomorrow Has to wait”

Israel Nash Gripka – “Goodbye Ghost”

Cults – “Go Outside”

A$AP Rocky – “Peso”

Thurston Moore – “Circulation”

Arctic Monkeys – “Brick by Brick”

Jay-Z/Kanye West/Mr Hudson – “Why I Love You”

Tune-Yards – “Bizness”

Azelia Banks – “212″

The Roots (feat. Bilal Oliver & Greg Porn) – “The OtherSide”

Cut Copy – “Need You Now”

Jonathan Keevil – “Babyfin” (Bellflower soundtrack)

Creep – “Days”

Washed Out – “Amor Fati”

Foster the People – “Pumped Up Kicks”

Cat’s Eyes – “The Best Person I Know”

Bon Iver - “Holocene”

Drake – “Marvins Room”

La banda norteamericana The Roots se ganó con su penúltimo disco (How I Got Over) un puesto privilegiado en la lista de esta casa creada para recoger los mejores trabajos publicados en el 2010. Apenas un año después, regresa con un nuevo título bajo el brazo bautizado con el nombre de Undun. Para construir esta nueva entrega han partido de una inusual inspiración, la vida ficticia de Redford Stephens, un pandillero neoyorquino arrastrado hacía un desenlace trágico por culpa del tráfico de drogas.

Con su treceavo álbum de estudio, la crew de Philadelphia demuestra un apetito voraz para superarse a sí misma. Con Undun vuelven a planchar un trabajo admirable, digno de volver a filtrarse en las listas de lo mejor del año, y lo logra salpicando los oídos con fuego cruzado a base de neo-soul elegante, aroma funky old skool, y hip-hop con garra, de regusto maduro y sofisticado.  Todo bien regado por una producción exquisita y por unos acompañamientos vocales que desenredarán matas de pelo. El resultado es un trabajo mayúsculo e inspirador, que hará enloquecer las neuronas de los gourmets de la música negra mediante un ajuste de influencias, elementos, y ritmos asombroso. The Roots siguen a lo suyo andando por una senda imparable, y con Undun nos hacen despedir el año a lo grande.

Tema Clave: “The OtherSide”

Nneka – Soul is heavy

La nigeriana afincada en Alemania Nneka ya tiene en la calle la continuación del aplaudido Concret Jungle. La cantante sigue lanzando sus proclamas políticas desde las mismas coordenadas sonoras que en anteriores trabajos. En Soul is heavy se sigue respirando afro-beat, reggae, hip-hop, y R&B, pero el efecto no es igual de alentador que en el LP que lo precede.

El discurso de Nneka pierde aquí algo de intensidad, parece como que la joven talento nigeriana haya optado por acomodarse a su fórmula. Pese a las lustrosas colaboraciones (Ms. Dynamite y Black Thought de The roots en dos de los mejores cortes de todo el álbum), Soul is heavy sufre durante el trayecto la repetición, algunos arreglos caducos, y cierta desgana. Alcanza los mejores puertos cuando abraza los sonidos tribales y autóctonos africanos, y los peores cuando Nneka intenta aproximarse a una Tracy Champan de ropaje R&B, en modo meloso y espiritual (“J”). No es un mal disco, pero sí una decepción viniendo de este precioso diamante africano.

Tema Clave: “God knows why”

Drake – Take Care

Tras las buenas maneras apuntadas en su debut Thank Me Later, el canadiense Drake regresa con su segundo trabajo de estudio. En Take Care el cantante aparta su ego, la mirada reflexiva a su éxito repentino para destapar un corazón lloroso, para mostrarnos su aspecto más desolado. Y lo lleva a cabo rodeado por invitados de lujo: Jaime XX en tareas de producción, Andre 300, The Weeknd, Rihanna, Nicki Minaj, Lil Wayne, Rick Ross.

Quizás el aspecto más atrevido y llamativo de este LP es ver cómo la polaridad que desempeña Drake como MC y cantante R&B no acaba por destrozar los cabezales de los tocadiscos. La escucha de su voz seductora con intervalos de rimas punzantes cuaja en general de forma bastante satisfactoria hasta llegar al tramo final, donde el sonido queda atrapado en una sustancia empalagosa. Pese a que el disco es una declaración sentimental eminentemente urban y R&B, hay lugar para destellos de chicha bass, de hip-hop mainstream, de neo-soul delicado, y eso aporta profundidad y frescura a los 18 cortes del álbum. Se percibe con notoriedad, y buen ajuste, en temas como “Take Care”, con producción de Jaime XX y Rihanna poniendo la voz, y con samplers del malogrado Gill Scott-Heron. Take Care no es un trabajo brillante, pero sí que supone una declaración de principios de su artífice para reivindicarse dentro del soft hip-hop como un músico válido que no se debe arrugar ni ante los compañeros de reparto que lo vean como un moñarron, ni ante la lluvia de dólares que le caigan por las ventas masivas de este trabajo.

Tema Clave: “Headlines”

Tom Waits – Bad as me

Sietes eternos años han tenido que pasar para que la voz tabernera más castigada y profunda, los bronquios ahogados en litros de ron, coñac y whisky, volvieran a escupir notas. Bad as Me es el lanzamiento que vuelve a poner sobre la palestra uno de los cantantes más genuinos y auténticos de la superficie terrestre. Este largo intervalo entre Real gone (2004) y el disco que aquí nos ocupa han servido para dar forma a un disco contundente, sólido, sin apenas estridencias palpables, y que demuestran una vez más la singularidad incorrupta de este artista inimitable.

En este álbum volvemos a encontrar un Waits que oscila con comodidad entre la balada para el amanecer post etílico y el desmadre salvaje en plena faena tabernaria. No hay un patrón claro que sirva de espina dorsal en el disco, es simplemente admirar la capacidad esponjosa de su artista para absorber toda la gama de referencias: jazz, gospel, blues, cabaret, y enderezarlas en unas composiciones asombrosas y únicas. Que en el caso de “Chicago” sirven para ponerte en situación con un azote contundente, que en “Talking at the same time” absorben gotas dylanianas, que en “Get lost” se mueven por terrenos inundados del Nueva Orleans que vive por el jazz, que en “Bad as Me” coge tintes incendiarios y diabólicos, y que en “Hell Broke Luce” disponen el ejercicio de una danza macabra. En definitiva el de la voz casacada e inconfundible vuelve a demostrar que es tan excelente como músico que como cantante y letrista, si bien aquí también cede parcela a colaboradores de lujo como las de Keith Richards, Marc Ribot o David Hidago, planchando un disco que supone un acontecimiento sonoro para todos los apasionados del sonido con olor a barrena. Tom Waits sigue a lo suyo, atemporal por la vida.

Tema Clave: “Bad as me”

Roots Manuva – 4everevolution

Rodney Smith lleva años paseando por las calles del sur de Londres con el pseudónimo de Roots Manuva y lanzando sus molotov cargados de dancehall, hip-hop, raices de dub y ragga, y consignas críticas de carácter socio-político. El artista londinense saca ahora el disco 4everevolution vestido con un ropaje algo distinto al que nos tenía acostumbrados.

Y es que Smith con este disco parece haber tomado la Northern line en el sur con dirección norte para dejar atrás la orilla sur del Thamesis. Su sonido se ha desprendido de la oscuridad mal oliente del underground londinense, del asfalto carcomido de Brixton para adentrarse en espacios más iluminados y accesibles, aptos para un abanico de público más amplio. No es que haya un reset de sus raíces y sonido, no es que se haya arrugado ante el status quo (son 39 años a sus espaldas como para ablandar su postura, de hecho sigue sacando sus afilados cuchillos para rendir cuentas con el gobierno y los problemas sociales), pero el añadido de capas de producción limpias, los coqueteos con el dubstep de radio formula, el grime, el disco u otros sonidos más propios de una discoteca de Picadilly Circus que de un mugrienta warehouse del sur de Londres, provocan que el impacto neuronal que produce su discurso se haya suavizado. Rodney no renuncia a él mismo, mantiene su voluptuosa e imponente voz, y el espíritu combativo sigue con él, pero se acerca a otros rapper british como Dizzee Rascal o Mike Skinner, quienes han cosechado el éxito que a él siempre se le ha denegado. Quizás 4everevolution sirva para cambiar eso…méritos para lograrlo hace tiempo que los hizo.

Tema Clave: Skid Valley

Boots Electric – Honkey Kong

“It’s easier without complexity”. Lo proclama solo arrancar el álbum con la contagiosa “Complexity”, a partir de ese momento ya estaremos listos para calzarnos un suéter hortera que ponga DIY, una cinta en la cabeza de color amarillo chillón, una chupa de cuero grasienta, unos zapatos de tacón posh, un bigote gayer, y salir a correr sin complejos por las calles de cualquier gran ciudad. Esto es más o menos la propuesta de Jesse “The Devil” Huges bajo el alias de Boots Electric, y Honkey Kong es su eléctrico debut.

La coctelera vitaminada que sirve este músico resulta de lo más variopinta. Hay en ella mucha marca del sello DFA dirigido por James Murphy, pero también asoman con valentía a lo largo de los diez intensos cortes gotas del electro pop mas desenfrenado, Glam ochentero, la ELO renegada del rock sinfónico de finales de los 70’s, y otras energías renovadoras para el espíritu y el cuerpo. Mucho beat desengrasante de caderas y sintes seductores para este ocioso primer LP. Es un disco algo hortera, algo descabellado e irreverente, pero tan atractivo para soltar melena y mover el culo, que no podía pasar por alto en la última lista del año si queremos despedir una mierda de año con estímulos revitalizantes.

Tema Clave: Complexity

Os traigo aquí tres destilados con los que combatir la resaca, descansar de la felicidad insultante a la que nos obliga este extenso puente o apartarse momentáneamente de la soledad tristona a la que nos sumerge este clima y el apagón de luz (desde mañana aún más acentuado).

El vídeo de arriba pertenece a Pepper Rabits una banda de indie con modales seductores pero manidos, que apenas arriesgan en su propuesta musical pero que distraen con este videoclip sobre una macabra tienda taxidermista.

Seguimos con hip-hop de la mano de la potente píldora sonora creada por el rapero El-P a través de un remix de un propio single que verá la luz con la salida de su nuevo álbum, Cancer for cure. Lo curioso y admirable, es que lo remezcla con “Tom Sawyer”, una canción clásica de la banda de rock-prog canadiense Rush que le sienta de maravilla a sus rimas y ritmos. Golosina para nuestros oídos.

RUSH OVER BKLYN by PRODUCTOMART

Terminamos seguramente con el más trascendente de los tres (pero no el más estimulante para este servidor) ya que supone la vuelta del dúo inglés electrónico Orbital con una gira y nuevo material. “Never” es su primer adelanto y con el que parecen acercarse a texturas cristalinas mientras su vídeo nos ofrece una vuelta gratis por el Londres nocturno.

Veronica Falls – Veronica Falls

Veronica Falls supone la meritoria carta de presentación lustrosa de esta banda homónima de Inglaterra. En ella el cuarteto de Londres dejan esparcir su nube sonora de riffs alargados, percusiones acaloradas y melodías ásperas . Pese a que su pop lo-fi los acerca al sonido de bandas norteamericanas como Dum Dum Girls o Vivian girls, ellos se resisten a ser absorbidos por el imán de las etiquetas y modulan a su entorno un sonido diferenciado, pese a las conexiones evidentes con sus influencias.

El resultado es este encomiable LP, en el que resaltan la inmediatez y efectividad de todos sus temas. Veronica Falls perfilan un repertorio guiados por la nostalgia sentida de un sonido añejo, por la sencillez compositiva, por los atajos directos, y en definitiva, por construir una carcasa sonora más modélica y limpia que los ejemplos citados en el párrafo de arriba. La mezcla entre las armonías vocales de regusto amargo y la contundencia sonora de estilo 80’s y 90’s (ahí entra la visión  del productor Guy Fixen (My Bloody Valentine)) articula estas jugosas píldoras merecedoras de repetidas dosis.

Tema Clave: “Bad Feeling”

Feist – Metals

La cantante norteamericana Feist confirma con su último trabajo, Metals, su tentativa de sellarse a sí misma de fans enloquecidos, portadas de revistas de tendencias y primeros puestos en las listas de ventas. Feist tiene una voz con la que podría codearse con las divas del pop, pero ella ha optado, en su último paso hasta la fecha, por retorcerse sobre si misma, por buscar el sendero de la introspección, y aclimatarse sobre capas de folk, y pop de raíces country.

Metals se adentra de forma repentina en la mente del oyente con unas formas frágiles y bellas que encuentran en la sensible voz de su cantante, y en los hermosos arreglos, sus mejores aliados para penetrar el hipotálamo. Es el caso por ejemplo de la majestuosa “Caught a long wind” o “A Commotion”. También hay espacio para acercamientos encrudecidos a territorios ampliamente explorados por Cat Power. Pero la verdad es que resulta fácil encandilarse por la mayoría de temas de este disco. Feist vuelve a demostrar con creces, que es capaz de tocar la fibra con pocos elementos a su alcance, y sin caer en trampas de mercadotecnia que la podrían acabar desfigurando. Ella prefiere seguir un camino propio.

Tema clave: “A Commotion”

Girls – Father, Son, Holy Ghost

El dúo de San Francisco Girls aterrizó en 2009 con Album. Un trabajo de pop juvenil, fresco y etéreo que conquistó el corazón de la legión indie más puesta, a su vez, fue elegido como uno de los diez mejores álbumes por varios medios de prestigio. Ahora regresan con nuevo título bajo el brazo, y lejos de asentarse en el mismo pop ensoñador y hedonista que los aupó a la fama, deciden desviarse ligeramente.

En Father, Son, Holy Ghost Christopher Owens y Matt Fishbeck recrudecen su sonido con un tono más pesado, más triste y reflexivo. Ahora hay una presencia más instrumental en los cortes, y la voz de Owens aflora como un susurro amargo y desolado desde un rincón alejado donde la luz apenas ingresa. A pesar del tono amargo que nos embarga, Girls saben saltearlo con inteligencia (para que el oyente no se rinda) con dosis de pop resplandeciente, más próximos a su primer LP: “Honey Bunny”, “Magic”. Para este nuevo disco parecen haberse desvestido del todo y las marcas en su piel son signos de un pasado traumático. Todo ese dolor lo expulsa con fuerza y maestría en temas como “Vomit” (con un crescendo propio la etapa tardía de Pink Floyd), pero en otros (“Die”, poseídos por Dioses guitarreros o “Alex”) parecen arrastrados por una cadena pesada y oxidada.

Tema clave: “Vomit”

Das Racist – Relax

A este dúo (ahora convertido en trío) de Brooklyn ya hacía tiempo que les veníamos siguiendo la pista. Los buenos augurios que les pronosticamos se materializan ahora con Relax, su debut en LP. Tras la ligera popularidad que han venido experimentado durante los últimos años, con este debut en largo viene a confirmar que tanto su humor corrosivo, como las letras gamberras y los ritmos fiesteros siguen intactos en su ADN.

Das Racist vuelven a demostrar que pueden mostrarse canallas, gamberros, lanzar consignas incendiarias, sin que su sonido se resienta por una falta de compromiso o seriedad. En Relax los beats se amoldan a la perfección a las líricas, las líneas melódicas son adictivas, cada voz aporta su apunte, y el ritmo en las catorce canciones no decae ni cuando se salen del camino habitual. Pese a que el hip-hop es el medio en que se sienten más confortables, hay aquí también incursiones electro con deje a Chromeo, “Girl”, hay spoken word con la mínima expresión rítmica, samples de world music, “Booty in the air”, pop teñido de comercialidad, muchas palmas, algunas frases en español y cantidad de eclecticismo. No se dejen confundir por la pose despreocupada y pretendidamente cool que se gastan, porque estos tres son capaces de lanzar un rap desenfrenado e irresistible.

Tema clave: “Rainbow in the dark”

Apparat – The Devil’s Walk

El productor alemán Sascha Ring, conocido por Apparat, ha decidido dar un vuelco respecto a su carrera como referente del techno y la IDM, y adentrarse con paso firme hacía terrenos de pop efervescente, melodías acariciantes y actitud melancólica e introspectiva. El resultado es The Devil’s Walk.

Un caldo de melodías, arreglos y composturas vocales que se juntan para crear una masa firme e uniforme que te acaricia y te emociona, sin resultar empalagosa. Quedan atrás lo beats, ahora los arreglos electrónicos son un bello complemento pero no el motivo principal, y el propio Ring se vuelca en la apuesta con su voz sensible y emocional (con reflejos claros de Tom Yorke) que cuaja a la perfección con los pianos estremecedores, las cuerdas penetrantes y otros sonidos inesperados que dotan de tanto candor y magia al conjunto. Su máxima expresión es la invencible “Black Water”. Apparat ha logrado con The Devil’s Walk un inspirado, y estimulante ejercicio de pop candente, ideal para románticos entristecidos que no logran concilian el sueño hasta altas horas de la noche.

Tema clave: “Black Water”

Plaid – Scintilli

Han tenido que pasar ocho años para que el dúo electrónico Plaid regale otro de sus artefactos sonoros repletos de texturas etéreas y ambientes elevadores. La inquietud de la banda los sigue llevando al terreno de la experimentación con Scintilli, y pese a no estar al nivel del imprescindible Double Figure, componen un recorrido de puertos inesperados y cotas abstractas, de la que resulta más que recomendable adentrarse.

Puede que Plaid haya perdido esa frescura fascinante del inicio, pero no han disminuido en su incesante búsqueda de sonidos fascinantes, siempre de origen incierto y sensaciones chocantes. Siguen formulando esas estimulantes capas donde brota color, formas imprecisas y color resplandeciente. Plaid vuelve planchar música para alejarse de las realidades cuadrículas, para transportarse a estados oníricos, y salir recargado con su perceptivo, aunque de entrada pueda parecer sesudo, viaje de experiencias electrónicas.

Tema clave: “35 summers”

Givers – In light

Cada temporada irrumpe ese grupo imberbe y con acné juvenil que te contagia con su música despojada de pretensiones, directa, fresca y optimista. Pensar en The Foals, Vampire Weekend, Two Door cinema club. Este año el título podría caer (con el permiso de Foster the people) en los americanos Givers.

Este quinteto de Portland reproducen con precisión y exactitud la fórmula que tan bien funciona dentro de la ola indie-popera más festiva: estribillos adhesivos, riffs movedizos, melodías accesibles, intercambios vocales entre hombre y mujer, acompañado de coros y palmas. Todo ello impulsa de ritmo esta colección de temas cargados con pop despreocupado, alegre y revitalizante. Pero no todo es un encaje con soltura, porque una vez cogen la fórmula, la reproducen constantemente sin apenas variaciones, y eso acaba por hacer decaer la impresión global de su debut. In light llega tarde a nuestras tierras, pasado el verano (en EEUU apareció en junio), pero la energía que desprende es un buen remedio para alegrarse el día cuando los ánimos están alicaídos. Sin embargo se aconseja también no hacer un uso reiterado, porque el efecto puede ser el contrario…orejas empalagosas y adormecidas.

Tema clave: “Up, Up, Up”

Wilco – The Whole Love

El último trabajo de Jeff Tweedy y los suyos recorre la misma senda trazada en la última etapa de la banda. La madurez compositiva de su líder es incuestionable, las salidas experimentales se las han guardado bajo llave, y el rock alternativo estable es una constante en todo el disco.

Y precisamente, esa pequeña intro de pulsiones electrónicas incidentes (marca de la casa Radiohead) con la que abren The Whole Love, parece sugerirnos un cambio de rumbo. Pese a que “Art of Almost” resulta un arriesgado torpedo de impulsión rock con gotas de sintes, es también una excepción, ya que pronto el grupo recupera el camino más transitado. Un sendero plano, alisado y compacto, fruto de los años que llevan pisándolo. En el nuevo LP hay instantes rockeros a grabar con fuego, pero también hay una muy estimable fracción de temas low tempo ( las bellas “Sunloathe” y “Black Moon”), salida vodevilescas con “Capitol City”. En definitiva el sonido que reluce del octavo disco de la banda está perfectamente ajustado, sin altibajos ni salidas de tono, tampoco sin hits precederos, (quizás “Born Alone” pueda cumplir con esa función). Wilco siguen manteniendo su esencia rockera desde una posición de privilegio.

Israel Nash Gripka – Barn Doors and Concrete Floors

El segundo largo del norteamericano Israel Nash Gripka atraviesa de forma fulminante, y sin descomponerse, un extenso valle cultivado con las mejores semillas del country-rock, el folk-rock y la americana. Un valle por el que su día pasaron Neil Young, The Band, Bruce Springsteen, o los más recientes Ryan Adams o My Morning Jacket, y del que Nash Gripka sabe recoger los mejores frutos para elaborar este imperdible Barn Doors and Concrete Floors.

Un disco que absorbe todo el calor del entorno en el que ha sido sembrado. Se vislumbran en él las montañas de Ozark, la región de Missouri de donde proviene el autor; se palpa el verde radiante que asoma en sus prados, se intuyen las sesiones musicales alrededor de una fogata, en definitiva, se respira, mediante unos referentes muy específicos del rock de finales los 60’s y principios de los 70’s, un paisaje remoto de la América profunda. Quizás Israel Nash Gripka no aporta nada nuevo al género, pero se muestra como un auténtico prodigio, y no le tiembla el pulso a la hora de transformarse, por momentos (el registro vocal se encamina a la confusión), en The Band, el Boss de Nebraska o incluso a los Stones de Exile of Main St.

Tema clave: “Goodbye Ghost”

Beirut – The Rip Tide

Zach Condon sigue inmerso en su último disco con su particular exploración de los paisajes emocionales enderezados con un marcado folk de raíces balcánicas, cubierto con algo de polvo mejicano, y algunas pizcas de chanson.

The Rip Tide supone otro viaje emocional repleto de buenas vibraciones y pasmosos encuentros. Una orquestra compuesta por ukelele, trombones, acordeones y sinfín de instrumentos acompañan al sensible backpacker. La postal que nos envían Beirut en esta ocasión no procede de ninguna coordenada concreta, pero se recogen en ella pedacitos de todos los territorios transitados por este personal cantante. Sin aportar nada nuevo, The Rip Tide sigue la senda marcada en anteriores trabajos con resultados igual de reseñables.

Tema Clave: “East Harlem”

Balam Acab – Wonder/Wander

Cada cierto tiempo irrumpe un disco, una pieza, un artista que te desorienta. Te desconcierta mediante un trabajo al que no puedes acotarle unas coordenadas predefinidas y conocidas. En los últimos años, me vienen a la mente el Merriweather Post Pavillion de Animal Collective o la llegada del dubstep con Burial. Ahora creo que se les puede sumar un tercero en discordia… se hace llamar Balam Acab, y su música aparte de inclasificable, resulta regeneradora.

Wonder/ Wander es el debut de este prodigio de 20 años apellidado Koone, Alec Koone. Su música se reivindica como una tira adhesiva e hipnotizante de ambientes inexplorados por la mente humana. Su primer LP se posiciona como un gran entramado marino que abarca bellos parajes repletos de corales, cuevas y corrientes submarinas asombrosas. El símil viene por la pasión del joven músico con esta materia, y por los diferentes efectos de sonido marinos utilizados a lo largo de la grabación (los chapoteos de “Await” siendo claros) Si nos obligaran a aportar mayores referencias sobre el género por el que se pasea Balam Acab diríamos que transita entre el ambient, el pop etéreo, el R&B y ciertas chispas de chill out (quizás la única friega no necesaria en todo el disco) Sus herramientas son los sintetizadores, las voces fantasiosas, y una sensibilidad sobrenatural para aunar todo esto. No sé muy bien ante lo que estamos, ni si tendrá continuación, pero sé que cada vez que me pongo los cascos para escuchar temas como “Now Time”, “Motion”, “Await” o “Welcome” mi cuerpo muta a otras formas, experimentando unas sensaciones de las que no estoy acostumbrado a verme envuelto mediante la música. Placer divino.

Tema Clave: “Await”

The Rapture- In The Grace of Your Love

The Rapture cayó en escena a principios de este siglo como una cometa imparable. Su estela de revival post-punk fue adaptándose a otras formas y géneros y con ello se volvió más tenue. Tras cinco años de descanso, en las que su cantante y compositor Luke Jenner se las ha visto de todos los colores (casi todos de tonos amargos), la banda neoyorquina vuelve al centro del mundo indie con este redondo In The Grace of Your Love.

Pese a las desgracias que han afligido a Jenner durante estos años y que mantuvieron la disolución de la banda en la cuerda floja, el trío regresa con un resplandeciente trabajo, de un lirismo más volcado en la pena y la madurez emocional, pero con una coraza voluminosa encajada a bolillos. El resultado es que en estos 11 cortes, The Rapture no sólo recuperan su mejor pulso a base de efervescentes cápsulas de indie-dance con mucha cuota electrónica, sino que por el camino dejan algunos piezas para permanecer imborrables en nuestros reproductores. Es el caso por ejemplo del “Sail Hawai” con el que zarpamos, “Miss you”, el tema que da nombre al disco “In the Grace of you Love”, la indescifrable “Children”, experimentos psicodélicos en “Roller Coaster”, y sobre todo, ese perfecto tallo vitalista llamado “How deep is your love?”, incrustado ya en nuestros tejidos con la misma virulencia que en su día el “House of jealous lovers”. Sin duda, la espera mereció la pena.

Tema Clave: “How Deep is Your Love ?”

Clap your hands say yeah – Hysterical

La banda norteamericana Clap Your Hands Say Yeah llevaban 4 años esfumados de las gacetas musicales y páginas de actualidad, concretamente desde la salida de Some Loud Thunder en 2007. Para suerte de los que guardamos predilección por los de Brooklyn, septiembre ha sido el mes escogido para volver a los ruedos con la publicación del nuevo LP, Hysterical.

Es arrancar con “Same Mistake” y rememorar toda esa chispa, todo ese tono seductor y transcendental que tensa la voz de Alec Ounsworth, y todo ese aprecio por la melodía asentada y perfilada mediante la vibración que hicieran que los tuviéramos en tan alta estima. Una estima que no pierde ni un ápice con estos 11 temas regados con la sabiduría, la elegancia, la sensbilidad de los neoyorquinos. Que se aprecia a todas luces con ese despertar luminosos a ralentí que es “Misspent Youth”, la acelerada con gotas Devonianas “Maniac”, la inquietantemente bella “In a motel”, la Killeriana, y no por ello, hermosa y especial, “Siesta (For Snake)”, y ese tremendo colofón que es “The witness Dull Suprise”. Casi nada.

 Tema Clave: “In a motel”

Housse de Racket – Alésia

Housse de Racket es un dúo franchute que con este Alésia ven publicado su segundo álbum. Editados por Kitsuné el pasado 22 de agosto, el sonido que desprende este trabajo va muy unido a los estandartes que ha utilizado el sello francés para triunfar fuera de sus fronteras, es decir, combinar guitarras efervescentes con bases electrónicas saquea esqueletos.

Lejos de reseguir con exactitud la fórmula, el dúo parece erigirse como los alumnos aventajados, los listos y sobrados de la clase. Con un claro deje al pop electrónico galo (Phoenix, Is tropical, también hay pizcas de Midnight Juggernauts cuando deciden afrontar otras batallas), Housse de Racket, si se diferencia en algo de la banda liderada por Thomas Mars, es por tener las feromonas aún a un nivel descontrolado, y eso les hace circular con un pistón por encima. Pese a que las similitudes son obvias, (uno de los mejores cortes, “Roman”, se podría haber gestado mientras escuchaban Lizstomania), intentan imprimir su marca diferencial mediante pianos juguetones, melodías sabrosas, letras en francés e inglés y una actitud desacomplejada que redondean las positivas sensaciones vertidas sobre ellos. Mientras Mars disfruta de su luna de miel al lado de Sofia Coppola, otros vecinos le suplen con dignidad.

Tema Clave: “Roman”

Wooden Shjips – West

Si hubiera que buscarle un símil fotográfico a la banda californiana Wooden Shjips sería una fotografía desgarrada, con tonos psicodélicos, puntos de desenfoque y mucho grano. Desde el 2003 la banda de San Francisco va destilando cápsulas temporales donde el rock, la psicodelia, y el garage vuelve a fluir de las calles empinadas de la ciudad norteamericana.

Ahora regresan con West, su tercer álbum de estudio, en el que vuelven a deleitarnos con ritmos recargolados e intensos, guitarras fornidas y espesas, y torbellinos psicodélicos apisonados. Atmósferas densas, tullidas y estáticas que te transportan a unas alturas y a unos tiempos muy alejados de nuestros días.

Tema Clave: “Home”

Kanye West & Jay-Z – Watch The Throne

Desde que se conoció la noticia del álbum que los juntaba surgieron las primeras dudas sobre si  Jay-Z y Kanye West habrían sido capaces de retener sus ansías de destacar  en pos de un beneficio común.  Y creo, que la impresión general que va a dejar el disco, es de ser un valioso trabajo pero incomparable a las mejores obras de ambos artistas por separado.

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Tema Clave: ” Murder to excellence”

La llegada de Watch The throne se esperaba entre sus aficionados con más anhelo que la aprobación del endeudamiento por el Congreso en la economía norteamericana. Su llegada el pasado 8 de agosto ha pillado a la gran mayoría de vacaciones.

Las razones ante la expectación son evidentes para cualquier aficionado al rap y a la cultura hip-hop. ¿O acaso se reúnen cada día las dos figuras más importantes del panorama, los dos egos más crecidos de los EEUU, los dos capos de la industria hip-hop?

Desde que se conoció la noticia del álbum que los juntaba surgieron las primeras dudas sobre si  Jay-Z y Kanye West habrían sido capaces de retener sus ansías de destacar  en pos de un beneficio común.  Y creo, que la impresión general que va a dejar el disco, es de ser un valioso trabajo pero incomparable a las mejores obras de ambos artistas por separado.

Pero mejor vayamos por pasos…

De entrada se intuye sobre Watch the throne una destacada influencia de esos mecanismos de producción que sirvieron para convertir  My beautiful Dark Twisted fantasy en una pieza mastodóntica del rap mainstream y del pop del SXXI, a parte de álbum del año para la práctica totalidad de la prensa. En ese sentido, Kanye West parece volver a verter esos ingredientes que tanto aportaron a su último disco, repartiendo a manta y estopa sobrexcitación mediante samplers de vértigo, producciones sofisticadas, auto-tune controlado (en ese sentido parece que West le ha truquillo al juguete), colaboraciones de lujo, y todo regado con esa sustancia pop que camufla el rap más ortodoxo.

Pero si en el disco de West todo era perfección, el resultado aquí no es el mismo. Y no hay que echar las culpas a su nuevo partner. Nada más faltaría retraer al inmenso Jay-Z su peso en el disco, sus rimas y su voz inconfundible. De hecho para los puristas del rap, tampoco tendría mucha lógica de culpar a West sobre el alejamiento de Jay-z de las malas calles. El dinero, y estar casado con una estrella del pop como Beyonce deben favorecer a ello.

Pero a fin de cuentas, lo que aflora en este LP (y por lo que hay que invertir tiempo en escuchas) es una colección de temas irrefutables, y otros de desechables.

Como por ejemplo ese buen tentempié con el que arranca todo, en el que los dos egos se rodean de la melosa voz de Frank Ocean para dibujar su intro con “No church in the wild”.

Tras éste, llega el turno de otra querida para ellos. Beyonce imprime nervio y ritmo a “Lift Off”, clásico tema de sobremesa de radio local, del que resulta igual de fácil cargarse en él como rendirse a sus encantos. Servidor ha optado más por dejarse arrastrar.

La corriente referencial instalada en la mente inquieta de Kanye se deja ver de nuevo en “Ni**as in Paris”, donde un ritmo obsesivo de dubstep callejero recorre, junto al dúo de rappers, sus peripecias consumistas en la ciudad del amor.

El número 4 del disco se lo lleva “Otis”, single de adelanto, y homenaje de reverencia al enorme capataz del soul (¿es una declaración propia sobre el estado de reconocimiento del que gozan?). El corte se construye encima de un sampler alargado y reconstruido de “Try a little tenderness”.

Le sigue “Gotta Have It”, otro impulso multiétnico que mezcla con sabor, ritmo y sabiduría, ritmos africanos, suspiros orientales y rimas que versan sobre la sociedad norteamericana.  Súper pegamento para el oyente.

“New Day” se impone en su ecuador como un lapso de descanso no solicitado. Un soso tema para el grupo de temas prescindibles.

“That’s my bitch” suena como una canción del privado de un club. Donde los privilegiados se regocijan en su suerte, y el champán, las chicas y el dinero champán en exceso.

De ahí a la rudeza lírica y musical de “Welcome to the jungle”, un tema al que le falta una pizca de ambición para ser recordable.

“Who Gon Stop Me” es un corte dance expulsado desde las entrañas de unos  bombos secos y duros que potencian las carencias de la criatura sonora. Pieza que encajaría a la perfección en una rave capitaneada por Jessie J., y con demasiados signos inequívocos del último disco de West, como para no considerarla un descarte de ese.

La pareja de rappers neoyorquinos se guardan algunos de los mejores temas para el final. Uno de ellos es  “Murder to Excellence”. Sobre la base de un sampler de gourmet infringen su particular torbellino de beats y rimas, que para la ocasión, rebozan cierto contenido social.

A continuación “Made in America”, con la ayuda de Frank Ocean, esparce glucosa en la escucha, y el resultado es bastante empachoso, por mucho que Jay-Z y Kanye West se empecinen en endurecer la escucha.

“Why I love you” rubrica con frenesí sinuoso este LP. Nunca el auto tune se había mostrado sexy y atractivo como aquí lo hace. Más allá de su perfecta adaptabilidad para convertirse en jingle (como ya ha ocurrido), el tema no deja de ser menos temazo.

Watch The Throne es más que una estimable muestra de lo que los dos egos más subidos del panorama rap son capaces de hacer. Se impone más los pros que los contra.

Sólo se les podría recriminar que gastan una visión del mundo muy alejada de la realidad, y que la inexistencia de modestia de sus egos se acaba transmitiendo a unas canciones que buscan ser la rehostia, y en muchas ocasiones no lo son .

Parece como si desde sus presidenciales lofts en el SOHO y áticos en Upper West Side fuera complicado acercarse a lo que nos preocupa a la mayoría de los oyentes, pero si siguen haciendo obras con las que nos podamos olvidar momentáneamente de esos problemas, bienvenidos sean.