El viejo trovador de las almas rotas, el galán derrotado, la voz de Montreal, regresa a casa para arroparnos durante los tristes días de invierno. Al viejo Cohen nada le queda para demostrar en esta vida, pero lejos de despedirse ( eso parecía indicar esa gira que lo llevó a la carretera durante dos años), ha decidido embarcarse en su duodécimo álbum de estudio planchando este Old Ideas. A diferencia de otros músicos que se avanzaron a su tiempo, y otros que se vieron forzados a cambiar para adaptarse a los nuevos tiempos, el canadiense siempre se ha mantenido invariable, fiel a sí mismo, destapando como nadie, y mediante esa voz irrepetible con la que le ha dotado la naturaleza, las pasiones humanas más profundas. Por todo eso, difícilmente su último trabajo podría decepcionar, como difícilmente vaya a sorprender a estas alturas.

En Old ideas Leonard Cohen sigue seduciendo con sus dotes líricas y vocales al alcance de pocos…muy pocos. Su mente y su corazón siguen explorando los entresijos del amor, el paso del tiempo, la vejez, y el estado de las cosas. Su último disco respira un aire eminentemente blues, con algún toque gospel (de forma clara en el canto espiritual que supone “Come Healing”), por los que circulan sus versos cargados de sentimiento, profundidad, y lucidez. Cohen sigue aprovechando su prodigiosa voz como si de un instrumento propio se tratará, y mediante su poderío penetra en las capas más profundas de las epidermis que se exponen ante ella. A través de los habituales coros femeninos consigue un bello contrapunto, que en ocasiones, se usa en desmedida. Old ideas representa otra fascinante muestra del talento que atesora el canadiense para conmover con sus susurros musicales. Es un trabajo que no defraudará a sus fieles, pero tampoco es la obra de su carrera. Mientras el humilde bastardo siga puliendo cortes como “Going home”, el maldito diablo tendrá que esperar para llevárselo. Y cuando lo haga, lo que nunca podrá llevarse es su imborrable y extensa marca. Leonard paséate por las casas siempre que quieras.

Tema Clave: “Going home”

The Maccabes – Given to the wild

Tampoco parece que el tercer álbum de los ingleses The Maccabes vaya a cambiar su cuota de notoriedad entre el gran público. Difícil de entender para una banda adscrita a la escena indie inglesa y que aglutina ingredientes para calar en mayor grado del que ahora gozan.

En este sentido, su último trabajo, Given to the wild, lleva sus capacidades como músicos un peldaño más arriba. Su sonido conecta con el porte de tantas bandas del indie británico, ( unos Wild Beasts como referencia más plausible), y con arranques de post rock en el bando instrumental, y con aprecio melódico, muy propios de los islandeses Sigur Ros. El resultado es un trabajo que mantiene una buena línea en todo su recorrido, sin apenas altibajos, pero tampoco sin picos coronados cuya sombra cubra todo el valle.

Tema clave: “Feel to follow”

Other Lives – Tamer Animals

Recupero para este mes uno de los trabajos discográficos más arrebatadores del 2011 y que sin embargo pasó desapercibido en su momento para el que esto escribe, y tras leer un buen número de listas de lo mejor del año, también para la gran mayoría. De hecho si tuviera la posibilidad de retroceder en el tiempo, la lista que elaboré con los diez mejores discos del año, presentaría un aspecto distinto.

Este quinteto de Oklahoma navega en Tamer Animals por aguas íntimas, crudas, oscuras y épicas. Saltando de una a otra con una naturalidad inexplicable, y con un encaje de piezas asombroso. El sonido del disco parte de una base indie-folk para abrirse paso con fuerza hacía terrenos modelados por capas de distorsión, atmósferas agrestes y voces emotivas con regusto anestésico para quien sujete la combinación. Su estampado de tejidos claroscuros se agita sin que termine de estallar, se exhibe sin recrearse, y con eso hace que el efecto sea aún más perecedero. Other Lives consigue construir un disco que queda suspendido por encima de marcas temporales, algo de lo que muy pocos son capaces en el circuito americano. Para imaginarse el poderío que desprenden deben unir piezas de distinta forma y tamaño: la emoción épica de The National, las resonancias místicas de Fleet Foxes, y las ambientaciones magnéticas de Radiohead. Otro Bocatta di cardinale de tierras yanquis que alcanza su punta de sabor con “Tamer Animals” (mimetizando con Matt Berninger y los suyos), los arreglos celestiales, pastorales y brumosos de “for 12″ (con huellas de Fleet Foxes y el último trabajo de Pj Harvey esparcidas por el camino), o la sensibilidad embriagadora a lo Beach House de “Dark Horse”.

Tema clave: “For 12”

The Big Pink – Future this

El dúo londinense The Big Pink salieron al terreno de juego con un primer disco, A brief history of love, que recogía once cortes paridos bajón el denominador de la euforia y con unos estribillos que se pegaban con ímpetu por debajo del cuero cabelludo, especialmente “Domino”, un tema que sigue enganchado ahí con superglue. Eso era en 2009, ahora han pasado tres años para que veamos su segundo disco editado, y parece que esa garra desbordante se ha suavizado, y pese que el cómputo global no es tan contagioso ni motivador, el resultado sigue siendo más que apreciable.

Las sensaciones a las que te transporta este Future this son contrapuestas. Parece que la potencia rítmica de guitarras abre hueco ahora a embalajes más soft pop de aires ochenteros. En ocasiones la apuesta les sale redonda, pero en otras el resultado es demasiado blandengue. En el primer caso entrarían temas como “Stay Gold”, “1313″, “Lose your mind”, mientras que en la parte baja de la clasificación hallaríamos temas de muy poca pegada o regusto blando, es el caso por ejemplo de “Give it up”. No son unos The Big Pink inferiores, pero el paso del tiempo no parece que haya favorecido a unos músicos que pierden aquí parte de su inmediatez, entusiasmo, y de ese sonido sucio e imperfecto pero tan alentador. Esperemos que solo estén adormecidos.

Tema clave: “1313″

White Denim – Last day of summer

El trío de Austin White Denim mantuvo durante 2011 una actividad envidiable. No contentos con planchar en verano un rotundo trabajo de saludables raíces de rock americano (D), regresaron con nuevo material a finales del curso pasado para regalar The last day of summer. Un LP digital gratuito que sin alcanzar los méritos del que lo precede, consigue aunar buena parte de los ingredientes que hacen tan interesante a esta banda norteamericana.

Los tejanos, que incorporan en el nuevo disco a un nuevo guitarrista en sus filas (Austin Jenkins), se han destacado a lo largo de su trayectoria por combinar con facilidad y elegancia un patchwork de referencias ecléctico, que logran filtrar sin trasvases sobre las raíces de rock americano que han venido fijando su recorrido. En Last day of summer observamos de nuevo esa seña, pese a que aquí parecen más volcados hacía el jazz, tanto en la incorporación de instrumentos propios de big band como en la estructura de jam session en la que parecen merodear algunos de sus temas. El efecto es que en ocasiones se deja ver la huella raspada de los Soft Machine más jazzy, en otras, cuando bajan de pistonada rítmica, se acercan más al country-rock, en algunos cortes tontean incluso con el psych-folk de Devendra Banhart y en otros parecen estar tocados por aires tropicalistas. Un marasmo de referencias que en ocasiones inhabilitan cualquier brújula sonora ante esa cantidad de ritmos y oleajes con los que desconciertan. LP que demuestra el buen momento por el que pasa esta banda que nos visitará el próximo mayo con motivo del Primavera Sound 2012.

Tema clave: “Incaviglia”

Lana del Rey – Born to die

Se han derramado tanto litros de tinta con el fenómeno Lana del Rey que resulta casi imposible desvincularse de todo el runruneo de ese oleaje a la hora de encarar su debut. Las esperanzas depositadas en esta cantante neoyorquina han ido creciendo como un enrome alud, que ahora por fin, llegado abajo, la cosa se ha derretido en un santiamén. Parte de la vilipendiada que está sufriendo Born to die proviene del mismo sector que se abalanzaron sobre ella, viendo un diamante de una intensidad cegadora (aquí de los primeros en ser golpeados por flechazo) Partiendo de este escenario, el resultado desplegado por Lana del Rey puede ser una decepción mayúscula. Pero si por milagros de la vida has esquivado los ríos de tinta vertidos a su nombre, este disco tiene algunos placeres que depararte.

El debut de Lana del Rey parece albergar en su interior el drama de una estrella moldeada a juicio y antojo de su entorno. Escuchando su disco, no queda del todo claro si su intención era erigirse en la nueva musa misteriosa del indie o en la diva pop mainstream a la que parece encaminarse a día de hoy. Esa dualidad la proyecta el propio álbum con una separación abismal entre una parte del disco y la otra. La mitad apreciable está compuesta, prácticamente, por todos los temas filtrados antes de la salida del disco. Esos en lo que Lana se metía en la piel de una afligida y críptica Laura Palmer para susurrarnos al oído pensamientos impuros y embrujarnos con la visión de su imagen turbadora en llamas. Pero, aquí también reluce otra Lana, su cara opuesta, la versión en cadena, la que aparca la sugerencia para mostrarse previsible, la que cambia la actitud triste y desolada por la impostada, la que modifica las líricas sutiles por cantarillas para ser escuchadas por teenagers castigadas en su cuarto, la que transforma el erotismo en una sesión porno de un canal local. Es una Lana totalmente distinta, desprovista de cualquier atisbo de calidez, profundidad y garra. Es un modelo prefabricado que no habían mostrado en la publicidad previa al lanzamiento. Pese a la dualidad inconexa y fragmentaria que divide el disco, Born to die guarda al menos unos preciados oasis en los que el oyente encontrará la paz, una calma apetecible como a la que te impulsa temas como “Blue jeans, “Video games”, “Bon to die” o “Diet Mountain Dew”. Todos en su medida hemos sido responsables de desfigurar la nueva muñeca del pop, lo que pase a partir de ahora, no nos debería ya sorprender, o puede que sí, quién sabrá… ni la propia Lizzy lo sabe.

Tema clave: “Video games”

John Talabot – ƒin

La imparable ascensión fraguada por John Talabot durante los últimos tres años llega a su primer gran puerto de montaña, el debut en larga duración. ƒin es el nombre elegido para el disco que el músico barcelonés acaba de editar para el sello de munich Permanent Vacation. Vistas las primeras reacciones y la respuesta levantada entre la prensa, este trabajo debería confirmar a Talabot como el talento patrio con mayor rango internacional, y abanderado (gracias también a Hivern Discs, el sello que dirige) de una escena electrónica local que goza de una tremenda reputación, especialmente, fuera de nuestras fronteras.

Uri (su nombre real) ha decidido para planchar su primer trabajo desprenderse de las vestimentas más bailables con las que nos había habituado en sus maxis, para sumergirse de lleno en ambientes más oscuros y densos, donde afloran (sin perder nunca de vista la pulsión rítmica) texturas gaseosas, atmósferas tribales y paisajes evocadores. El oyente puede olvidarse de encontrar en ƒin recetas infalibles para la pista de baile (solo cumplirían con esta función la gema nostálgica “When the past was present” y “Last land”) Éste es un álbum hilvanado con temas moldeados bajo un mismo patrón, siguiendo la estructura más cercana a la canción pop, pero rellenada y matizada por cantidades de influencias de los 80’s y los 90’s, así como temperamento y graduación del house emocional y el balearic. Ahora el sampler, los bajos secos y contundentes se alejan del esqueleto central para dar paso a fragmentos más atmosféricos y ambientales, pero si cabe, aún más estimulantes. Pese a la coherencia formal del conjunto, Talabot no duda en desmarcarse con cortes como el que abre, “Depak ine”. Una especie de viaje tenebroso por la selva amazónica guiado por Klaus Kinski y donde suena Popol Vuh en lugar de los arias de Verdi, o ese tránsito tenebroso y decadente al que te arrastra con el loop de “El oeste”. En este hechizador recorrido que propone el barcelonés se hace acompañar por dos ilustres compañeros de viaje. El cantante de Delorean Ekhi presta su voz al tema “Journeys”, y la nueva joya salida de las despensas de Hivern…el madrileño Pional que aporta su marca a dos de los mejores cortes del álbum: “Destiny” y el hipnótico “So will be now”. Pese a la oscuridad del tono que desprende, el enmascarado John Talabot se ha marcado un luminoso debut, un cuvée de música electrónica para los paladares más exquisitos. Un fino diamante, que antes de exportarlo, debería ser admirado aquí con orgullo y aprecio.

Tema clave: “So will be now…feat. Pional”

Chairlift – Something

El dúo (anteriormente trío) de Brooklyn Chairlift se recuerda entre la modernidad más rabiosa de la gran manzana por haber planchado “Bruises”, un hit indestructible. Incluido éste en el álbum debut Does inspire you, ecaso bagaje para un proyecto iniciado en 2006. Ahora la banda de pop electrónico quiere remediarlo fichando por un major (Columbia), y sacando este Something, que de entrada se abre a públicos más amplios sin perder la identidad.

Pese a que su orientación, debido al fichaje comentado, puede haber cambiado, sus armas siguen siendo más o menos las mismas. Una sensibilidad emocional recogida con precisión y ritmo en esquemas de pop bailable, sintes sensuales, atmósferas sedosas y la encantadora presencia vocal de Caroline Polacheck. A veces su ahínco por abrumar al oyente se pasa de acelerado (“Cool as fire”), pero en líneas generales disponen un estupendo banquete regado con notas de melancolía ochentera, que pueden funcionar para noches hedonistas como para tardes tranquilas en el calor del hogar, como demuestran los temas “Amanaemonesia”, “Met before” o “Take it out on me”.

Tema clave: “Met before”

El frío y la lluvia (aunque menos de la esperada) hicieron acto de presencia en Barcelona en este particular invierno primaveral por el que deambulamos desconcertados, la misma tarde que los Arctic Monkeys, acompañados de Miles Kane, aterrizaban en la capital catalana. Ya desde el anuncio de la visita de los de Sheffield al Palau Sant Jordi todo parecía un poco demasiado grande para la banda de Alex Turner, que en las previas visitas había apostado por recintos de menor capacidad, como el anexo a la instalación olímpica (2010) o la Sala Razzmatazz en 2007. Pese a que el público congregado en el Palau apenas ocupaba la mitad del aforo, unas 7.000 personas, los británicos desvanecieron todos los miedos a una tarde fría y desangelada.

Parte del mérito recayó en Miles Kane. El que fuera líder de los semidesconocidos The Little Flames, de los desaprovechados The Rascals y cincuenta por ciento de The Last Shadow Puppets, cumplió en su misión de entonar a los asistentes más puntuales con una notable puesta en escena de su destacado debut en solitario, Colour Of The Trap. Conocedor de su papel de secundario pese al crecimiento de su reconocimiento, el de Wirral repasó prácticamente la totalidad de su disco con una solvencia y efectividad notables, aunque en directo desaparezcan los matices del encanto retro, alimentado de la tradición del rock británico de los 60 y los 70, fabricado en el estudio.

En un entorno sobrio que resalta la apuesta por la contundencia y las formas, y no por el envoltorio, los grandes protagonistas de la noche se encargaron de calentar el ambiente desde el inicio. “Don’t Sit Down ‘Case I’ve Moved Your Chair”, “Teddy Picker”, “Crying Lightning” y “The Hellicat Spangled Shalalala” fueron la carta de presentación de un Alex Turner que lucía su recién estrenada imagen de iconografía rockabilly. El cóctel de punk y pop de pulsión callejera, guitarras sucias y estribillos fulminantes con claras referencias a The Clash o Buzzcocks, con el que alcanzaron la fama en sus primeros trabajos siendo prácticamente adolescentes, ha derivado hacia sonoridades más melódicas y elaboradas. Rock de granito con aires añejos despojado de cualquier componente nostálgico.

Pese al calado dispar de “Suck It And See” entre los fans, la formación apostó por su último trabajo en una muestra de confianza absoluta en sí mismos. Sonaron “Black Treacle”, “Library Pictures”, “Evil Twin” (cara B del single que da nombre al álbum) y “She’s Thunderstorms” , además de “Suck It And See” en el primer de los tres bises.

Con un setlist calcado al que viene interpretando en la presente gira, no faltaron tampoco la mayor parte de los grandes éxitos que consagraron a los Arctic Monkeys como la banda de rock británico más influyente de la segunda mitad de la primera década del siglo XXI. “I Bet You Look Good on the Dancefloor”, “Brianstorm”, “When the Sun Goes Down”, “Fluorescent Adolescent” o “505” (con Kane en el escenario), para poner punto y final a la noche, todo ello plagado de guiños al público y con una entrega considerable por una banda de su estatus, que no deja lugar para la autocomplacencia y el piloto automático.

Los de Turner y Matt Helders (el batería merece una mención especial por su papel fundamental en el grupo, que le hace pensar a uno que el haber sido incluido entre los diez mejores de todos los tiempos por la revista Q en 2010 no es una frivolidad) saben que todo tiene su momento y que no se puede aplicar por inercia porqué pierde la efectividad. Han alcanzado plena madurez con apenas 26 años.

Tras cerrar el balance retrospectivo del 2011 es momento de avanzar algunas de las propuestas musicales más estimulantes del año que abrimos. No encontraréis a continuación un desglose de todos los lanzamientos programados, pero sí una pequeña agenda de los lanzamientos discográficos más esperados por el plumilla que sirve y algunos de los nuevos talentos que podrían marcar el año.

2012 será el año en que el fenómeno Lana del Rey se consagre en lo más alto o caiga arrastrada por la bola de hype (particularmente opto por lo primero), también será el año en que el trovador de las almas rotas Leonard Cohen regrese con nuevo disco (y motivo suficiente para vivir este 2012), en que el weird-folk de Animal Collective asome de nuevo la cabeza después de tres años del genial Merriweather Post Pavilion, en el que la jovencísima rapper Azealia Banks arrase como un huracán, o por qué no, el año en el que sus majestades satánicas regresen con un nuevo disco o se despidan de los escenarios a lo grande.

Lana del Rey – Born to die

Fecha de lanzamiento: 30 de enero

El fenómeno del pasado año deberá validar en este todo el buzz levantado con su estreno en largo. Born to die es el nombre del trabajo del cual Lizzy Grant ya ha ido ofreciendo pequeñas muestras que invitan a pensar a que resistirá el empuje de su propia ola.

Leonard Cohen – Old Ideas

Fecha de lanzamiento: 31 de enero

El veterano cantautor canadiense de 77 años publica nuevo LP Old Ideas, ocho años después del último Dear Heather, y del que ya se puede escuchar como adelanto el corte “Darkness” (arriba).

Chairlift – Something

Fecha de lanzamiento: enero

Amanaemonesia from Chairlift on Vimeo.

El tercer disco del dúo (antes trío) de pop electrónico Chairlift debería salir este propio mes y cuenta con Alan Moulder (le precede la fama por sus trabajos junto a Depeche Mode), como ingeniero de sonido y con la habitual, y fascinante, voz de Caroline Polachek.

John Talabot – ƒin

Fecha de lanzamiento: Primeras semanas febrero 2012

So will be now… (feat. Pional) by John Talabot

El productor español de música electrónica con rango internacional presenta por fin su esperado larga duración, ƒin. Once temas en los que Talabot abre su paleta sonora a nuevos horizontes y por el camino se deja acompañar por los camaradas Pional y Ekhi (cantante de Delorean)

Perfume Genius – Put your back N 2 It

Fecha de lanzamiento: Finales de febrero
all waters // perfume genius by sexmusic

El segundo LP del músico de Seattle Mike Hadreas tiene números para hacernos derramar más de una lagrimilla en este 2012, tal y como incita el single de adelanto de arriba.

The Magnetic Fields – Love at the bottom of the sea

Fecha de lanzamiento: 6 de marzo

The Magnetic Fields – Andrew in Drag by MergeRecords

Stephen Merritt y su cancionero rociado de desamor y amargura volverá a dar señales con el LP Love at the bottom of the sea. Con el que emprende gira, y además vendrá a presentarlo en Barcelona (6 de mayo) y Madrid (7 de mayo)

The Shins – Port of Morrow

Fecha de lanzamiento: Marzo

Simple Song by theshins
Cinco años de silencio han pasado desde que The Shins lanzaran Wincing the night away. Por el camino su líder James Mercer se entretuvo con el proyecto que compartía con Danger Mouse, Broken Bells. Ahora regresa de nuevo con su banda para regalar el cuarto álbum de estudio.

Sigur Ros

Fecha de lanzamiento: Primavera

La banda islandesa liderada por Jonsi pretende volver a estremecernos de placer con un nuevo disco previsto para ser publicado en primavera

Sin fecha confirmada

Animal Collective

El colectivo animal anda inmerso en labores de estudio para preparar la continuación de su mejor obra hasta la fecha, Merriweather Post Pavilion. Aún no hay confirmación ni fecha de salida, pero debería ser una de las cumbres musicales del año.

The XX

El cuarteto londinense (ahora trío) que convulsionó hace tres años la escena musical con su pop dark, denso y nihilista sacarán este año su ansiado sophomore.

Black Sabbath

La sorprendente vuelta con la formación original, con la milagrosa vida de Ozzy Osbourne entre ellos, se cita este año por partida doble. Por un lado disfrutaremos de un nuevo disco producido por Rick Rubin tras 33 años sin material de una de las bandas más elementales del hard-rock, y por otro, su paso por el Azkena Rock en junio.

The Beach Boys

Uno de los tótem de la música popular se reúnen, con todos los miembros originales que siguen vivos (sí, Brian Wilson en cabeza), para sacar nuevo disco y hacer gira conjunta con motivo de su 50º aniversario. Crucemos los dedos para que pisen nuestro país.

Dry the river

Esta banda de folk gospel con tintes rockeros tiene boletos para convertirse en la banda indie de masas del 2012. Temas como el de arriba y un EP de debut con el productor de The national podrían facilitarlo.

Jaime N Commons

Cuesta creer que este chaval amante del whisky y los Ducados que se postula para coger el testigo a toda una hornada de cantautores de voz áspera al estilo Johnny Cash, Nick Cave o Neil Young, tenga solo 22 años y sea original de Bristol (UK). Seguiremos su rastro…

Grizzly Bear

Los encantadores osos neoyorquinos tienen nuevo material ejecutado listo para ser planchado en LP. Se desconoce por ahora el nombre y el cuándo, pero es una gran noticia

Azealia Banks

La última perla surgida del negro Harlem mostró sus uñas en los últimos meses del 2011 con el eléctrico “212”. Para 2012, la niña de veinte añitos, tiene preparado un álbum con el afamado productor británico Paul Epworth en el que contará con un sonido que mezcla sin tapujos el pop, con el house, el R&B y el hip-hop más canalla.

Friends

Brooklyn sigue siendo un campo de cultivo importante para bandas cool con proyección internacional. Puede que la nueva flor les haya salido con esta banda de cinco componentes que responden al nombre de Friends, y que un con solo tema de weird pop (“I’m his girl”) se han puesto en el radar de muchos.

The Avalanches

Tras marcarse uno de los discos más brutales de la pasada década, que sigue siendo su única medalla en la solapa, ¿será éste el ansiado año del segundo disco de The avalanches?

Con la mirada fijada en los 80, los de Sheffied recuperan el espíritu romántico y la narrativa pop británica de una de las épocas más excitante en la escena musical de las islas. Menos melodramáticos que The Smiths, referente más palpable e inevitable, tanto éste primer LP como el EP Dreams Of Another Day (2010) transcurren a través de melodías ligeras y trenzados de guitarra a mitad de camino entre Johnny Marr y The Housemartins. No desencajarían si Shane Meadows les hubiera seleccionado para la banda sonora de su recientemente estrenada This Is England 88.

Erland & The Carnival – Nightingale

Nada en la línea de lo corriente y lo común se podía esperar de una formación que reúne a Simon Tong, ex de The Verve, Blur y The Good, The Band & The Queen, Dick Nock, uno de los partícipes de la explosión psicodélica contemporánea de Paul McCartney con The Fireman además de colaborador de The Orb y The Cult, y al escocés Gawain Erland Cooper, alma y responsable de este proyecto. Su segundo trabajo explora con mayor acierto que el homónimo debut una concepción única y retorcida del pop (¿freak-pop?) y el folk inmersa en aires espectrales y góticos.

The Decemberists - The King Is Dead

El sexto trabajo de la banda liderada por Colin Meloy apuesta por la sencillez melódica y la inmediatez. Aparcada la épica y las sonoridades evocadoras de sus primeros trabajos y el espíritu más rockero de The Crane Life (2006), este disco, cuyo título es algo más que un guiño a The Smiths, transcurre  a partes iguales entre el folk más intimista y el pop más vitalista.

Frankie & The Heartstrings -  Hunger

La portada inspirada en Searching For The Young Soul Rebels (1980) es mucho más que un acercamiento a Dexys Midnight Runners. La banda de Sunderland adopta la herencia soul, folk y célica de los de Kevin Rowland filtrada por el dinamismo y la estridencia de los tiempos actuales. El resultado es un vieje por casi tres décadas por la tradición musical británica que paradas en el punk de bajas revoluciones, la new-wave, The Libertines o Franz Ferdinand. Por algo será que han sido apadrinados y producidos por Edwyn Collins.

O Emperor – Hither Thither

El debut de la banda de Waterford se editó en Irlanda en 2010 y tendrá versión europea en 2012, pero 2011 ha sido el año en que O Emperor ha trascendido más allá de los circuitos locales. Pasaron, entre otros, por el Festival Internacional de Benicàssim y allí exhibieron en directo las buenas formas adelantadas en sus sencillos y en un primer álbum, que a día de hoy todavía es una joya a adquirir a través de la red. En una de las actuaciones que figura en youtube son descritos, con envidiable precisión, como un lugar de encuentro entre The Band, Mercury Rev, Radiohead y Midlake.

Sharon Jones & The Dap-Kings – Soul-Time!

Fundada en 2002, la banda de Brooklyn encontró en Gran Bretaña el reconocimiento negado en su país de origen gracias a las colaboraciones con Amy Winehouse y al apoyo de Mark Ronson, uno de los productores  habituales de la londinense. Soul-Time! recoge singles, caras B y temas grabados en directo que desnudan el grupo liderado por Bosco Mann y Sharon Jones y se convierten en el complemento perfecto de otra de sus obras imprescindibles, I Learned The Hard Away (2010).

Ryan Adams – Ashes & Fire

La sobreproducción de material ha alejado al de Jacksonville del primer plano mediático y consecuentemente del reconocimiento generalizado. Desde su debut en solitario, el aclamado Heartbreaker (2000), sale a más de disco por año ya sea bajo su firma o acompañado por The Cardinals. Con Ashes & Fire nos recuerda porqué fue considerado uno de los grandes valores del rock americano de raíz clásica y lo hace prescindiendo de la inyección eléctrica. Recupera su estilo más sentido y libre, su lado más intimista y tradicionalista y ha contado, además, con colaboraciones de lujo como la de Norah Jones.

Sea Of Bees -  Songs For The Ravens

Imaginar a Chane Marshall aparcando el blues, el folk y el rock’n’roll y sumergida en el universo del pop daría como resultado algo muy cercano al debut de Julie Ann Baezinger. Lo suyo es un pop maduro, templado y cargado de profundidad atmosférica muy cercano a Cocteau Twins, con momentos para el rock de baja fidelidad y el folk-rock. Todo ello envuelto en la voz dulce y aniñada, pero también aquejada, de la californiana con la que da vida a una letras fantasiosas.

Telekinesis! – 12 Desperate Straight Lines

Telekinesis! es el proyecto personal de Michael Benjamin Lerner, compositor, guitarra y baterista de una de las formaciones de power-pop más interesantes del actual panorama americano. De la mano de Chris Walla de Death Cab For Cutie, principal valedor y productor de este trabajo y del anterior Telekinesis! (2009), el músico de Seattle despliega su enérgica mirada fijada en la tradición encarnada por Big Star o The Byrds. A día una de las bandas imprescindibles de la escena al lado de Fountains of Wayne, The Broken West o The Little Ones.

Veronica Falls – Veronica Falls

Son varios los méritos de esta joven formación londinense que se dio a conocer en la pasada edición del Primavera Club -repetirán en el Primavera Sound como herederos de The Pains of Being Pure at Heart como banda fetiche de la nueva modernidad barcelonesa-, pero que ya había mostrado sus credenciales unos meses antes en el FIB. Por un lado está el de no defraudar en las expectativas depositadas en su primer LP tras los sencillos de adelanto “Found Love In a Graveyard” y “Beachy Head” y por otro hacer que por una vez, y sin que sirva de precedente, los hipsters caigan bien. El acierto de su pop de mirada escocesa y alma sombría tiene la culpa.

Wild Flag – Wild Flag

Primer trabajo del supergrupo femenino formado por las ex Sleater-Kinney Carrie Brownstein y Janet Weiss, Mary Timony, ex Helium y Rebecca Cole ex Minder. Las de Portland y Washington evocan a las Riot Grrrl de los principios de los 90 con guitarras de raíz punk. Una sonoridad adolescente y urgente, en la senda del grunge y el rock alternativo americano, aunque por momentos también más refinada.

WU LYF – Go Tell Fire To The Mountain

El debut de la World Unite Lucifer Youth Foundation es, de lejos, una de las propuestas interesantes e incatalogables del año. El cuarteto ha autoeditado este trabajo de sonido crudo grabado en directo durante largas sesiones en una antigua iglesia y trabajado desde el estudio en Glasgow por Paul Savage (The Delgados, Franz Ferdinand o Camera Obscura). Por su épica y ritmos tribales suenan a una hipotética versión lisérgica de Arcade Fire.

Encendimos la mecha el pasado sábado cuando publicamos la primera parte de los mejores temas del año. Hoy, a un día de finiquitar el año, toca despedirse a lo grande con las veinte mejores canciones que ha circulado por oídos de quien arriba firma. Los diez primeros están sin orden de preferencia, y a partir de ahí empieza el Top 10 que concluye con la mejor canción de año, la cual resulta fácil de adivinar si se atiende a la poca discusión que habido al respecto en la mayoría de webs y medios especializados.

Antes de pasar al ataque con las píldoras más memorables del año, recuerdo que podéis escucharlas o bien en este mismo post o bien en las siguientes listas de Spotify creadas para la ocasión, y que podréis utilizar, según dicte el criterio del dj de turno, para enderezar el fin del año o la entrada al próximo.

Las 40 mejores canciones del 2011 (Parte I)

Las 40 mejores canciones del 2011 (Parte II)

Las 40 mejores canciones del 2011 por El Destilador Cultural (40 temas + bonus tracks)

Gruff Rhys – “Christopher Columbus”

The Black Keys – “Dead and Gone”

Summer Camp – “I want you”

Tyler, the creator – “Yonkers”

Lykke Li – “I follow Rivers”

Austra – “Beat and the pulse”

Holy Other – “Touch”

Pj Harvey – “On Battleship Hill”

Neon Indian – “Polish Girl”

10. Mogwai – “Rano Pano”

Muy pocas veces caos y orden, oscuridad y luz, tormentas y cielos radiantes, ruido y melodía habían cuajado con tal avenencia. Los culpables de este extraño, pero fascinante fenómeno son Mogwai, que pese a facturar un disco por debajo de su media, también nos brindaron esta tormenta abrasiva de post-rock con efectos electrizantes.

9. Girls – “Vomit”

Christopher Owens se retuerce en la amargura que parece acompañarle hasta vomitar esta épica canción de seis minutos, en la que los de San francisco se suben a un tiovivo de emociones donde caen una y otra vez para levantarse de nuevo con una fuerza rockera cruda e imperante, que se despierta como un arrebato de actitud hacía los lamentos iniciales. Hay ecos lejanos de Pink Floyd, hay un riff celestial, hay coros, hay dolor, hay belleza, hay motivos más que de sobras para que quede grabada en un futuro ( esperemos que lejano) en la lápida de Girls.

8. EMA – “California”

La cantante de South Dakota impregnó con rock salvaje de carretera, actitud hip-hop, y samplers demoledores una de las canciones claves de su disco debut, y uno de los cortes que han dejado una huella más profunda, agrietada, cruda, y tristes para quienes se han atrevido a ser golpeados por esta chica de carácter.

7. Apparat – “Black Water”

El cambio de tornas en el sonido de Apparat hacía un pop de matiz electrónico y con alguna reminiscencia a Tom Yorke no terminó de contentar a todos los seguidores del músico alemán. Pero seguro que ninguno de ellos pudo evitar la parálisis total cuando el single “Black Water” se cruzó por su paso. Apparat construye frágiles parajes de belleza transitoria que van creciendo con pasos tímidos hasta ese clímax en que se destapa toda la profundidad vocal de Sascha Riing. Una de las canciones más bellas del año. Lo que suena al final es una lluvia de lágrimas.

6. Pete & The Pirates – “Half Moon Street”

Una de las piezas pop más inmediatas y directas del curso la han fabricado los ingleses Pete & The Pirates. Pese a que el tema original es obra de Tap Tap, (proyecto en paralelo del líder de la banda, Thomas Sanders) los londinenses han decidido recuperarla para su segundo disco de estudio, dotándola de nueva energía, y potenciando las virtudes de esta contagiosa píldora que invita a un optimismo rabioso sin olvidar la aura melancólica de tiempos más alegres.

5. Metronomy – The Bay

Con el último disco de Joseph Mount y su banda lo más laborioso ha resultado elegir el tema con el que auparlos a los primeros puestos del año. Finalmente ha sido para “The Bay”, corte que aterrizó con ínfulas de erigirse en el tema del verano, y que ha sobrepasado todos las fronteras estacionales. Desde ese irresistible órgano que abre la veda, pasando por la sinuosa melodía, y esa reveladora estrofa a la que el cerebro se une con pegamento. Del principio al final, The bay es una pieza de pop electrónico perfecta, duradera e incansable.

4. The Rapture – “How deep is your love”

El esperado nuevo trabajo de los neoyorquinos se plantó en las últimas horas calurosas del verano. Cuando el oyente llegaba al corte diez del álbum la locura se desataba, el sudor brotaba por todo el cuerpo y las feromonas se disparaban hasta límites insospechados. Con “How deep is your love”, The Rapture coronaron otro 3.000 con los que concluir conciertos, cerrar sesiones, o morir en la pista de baile. Sigue siendo complicado decidir, mientras todo el cuerpo se menea, que fragmento resulta más deslumbrador si los coros vocales, el saxo, ese organillo, o el estribillo que fulmina de placer todo el cuerpo.

3. Lana del Rey – “Video Games”

Antes de convertirse en la nueva reina Indie/pop en 2012, recordaremos 2011 como el año en que Lana del Rey embriagó a millones de oyentes por todo el planeta a una velocidad de vértigo. “Video Games” fue la hermosa carta de presentación de la joven Lizzy Grant. Una joya musical con la que fragmentó en mil pedacitos los corazones de todos los que no sentimos atraídos por la mágica aura que desprendía un talento desconocido, que con sus primeros acordes ya nos dejaba fantaseando con su sencillez melódica, intrigados por su voz de matices claroscuros, y paralizados por una producción divina. “Video games” materializó en notas inmortales esa atracción fatal hacía la femme fatale más talentosa e irresistible del panorama actual.

2. John Maus – “Street Lights”

La cascada de sintetizadores con la que te recibe John Maus en “Street Lights” ha sido uno de los momentos musicales más alucinantes de la temporada, si a la base de sintes se le añade la voz fantasmal, distorsionada y alejada del propio Maus dibujado un escenario desolado, oscuro, etéreo y pre-apocalíptico entonces podréis entender porque su fuerza de impacto ha dejado una alargada huella sobrenatural y mágica en mi hipotálamo. Si hay una canción que sirva para definir la desazón de los días presentes, la desesperanza futura, y todo y eso, sacarle un punto fulgurante, seguramente esta sea “Street Lights”

1. M83 – “Midnight City”

Apenas ha habido discusión este año sobre cuál ha sido el temazo que ha sobrevolado más alto que los demás. El francés Anthony Gonzalez se ha ganado un puesto en el panteón de los más grandes con su M83 y su descomunal “Midnight City”. Le bastan los cinco segundos iniciales de un riff de sintetizadores para levantar los ánimos de un país hundido en guerra y miseria, para distinguirse en solitario de todos los otros cortes del año, para erigirse como el último recuerdo musical que llevarse a la tumba. Por si no hubiera hecho suficiente daño con cinco notas, le sigue una tormenta de batería, para luego pasar a un descanso vocal, que relaja los músculos, devuelve a la normalidad el riego sanguíneo, como previo y necesario paso fisiológico con el que preparar el cuerpo ante el nuevo, y más contundente, estallido del riff perfecto, el que te lleva a levitar segundos después cuando entra en juego una ensalada de saxos. Si dices temón del 2011 mi mente repetirá siempre “Midnight City”

Bonus Track

Toro y Moi – “New Beat”

Metronomy – “The Look”

Virgo Four – “It’s crime” (Caribou Remix)

El columpio asesino – “Toro”

Con este clima de tensión e inquietud instalado día sí y día también en nuestra espina dorsal, parecía normal, que terminando este 2011, lo que abracemos con mayor ímpetu sea la cosecha cultural recogida a lo largo de estos doce meses que dejamos atrás con pésimo balance.

En la área que aquí nos ocupa volvemos a completar otro gran año. Si bien no ha resultado tan revelador, ni ha aportado tantas gemas como en 2010 (aún recuerdo el dolor para ordenar el Top 3 de final del año) la sensación que deja este año de transición musical es altamente satisfactoria, y vierte con ello, dosis de optimismo para confiar en el presente musical, y aún más importante, el flote incesante de bálsamos musicales con los que equilibrar el desajuste que provocan los tiempos difíciles.

Tras esta introducción pasemos a desfilar (y a escuchar via Spotify) delante de la más sabrosa cosecha sonora que ha empapado los oídos de quien escribe.

10. Lykke Li – Wounded Ryhmes

La hermosa cantante sueca se desquitaba del ropaje romántico naiff de su primer disco para enfundarse en un pelaje más oscuro, como si su corazón hubiera experimentado la amargura del desamor. El resplandor de este portento de voz que la naturaleza le ha otorgado, lidia en Wounded Ryhmes con atmósferas más industriales, urbanas, y cargadas. Con texturas hipnóticas, producciones bien talladas, y el ronroneo de los ritmos tribales dejándose oír. Los extraños contrastes sonoros y su capacidad para cuajar un entramado musical válido en ellos, hacen del disco una gema de pop etéreo del que resulta difícil sustraerse. Temas como “Follow Rivers”, “Love our of Lust” o “Get some” describen a la perfección el extraño poder de fascinación que destila esta chica con enorme talento.

9. Charles Bradley – No Time for Dreaming

Las gemas soul son el petróleo más valioso para aquellos surcadores que andan tras su extinguida pista. Por eso cuando servidor se topó en marzo con Charles Bradley y su No Time for Dreaming todos sus pensamientos se dirigieron a creer estar ante alguna joya oculta del soul de los 60′s, o delante del oportunismo de alguien con criterio para sacarle el polvo a algún material abandonado en los almacenes del sello Atlantic. Pero nada de esto. Bajo el nombre de Charles Bradley respondía un veterano músico de Brooklyn nacido en el 1948, y su trabajo era hijo de los días presentes. Luego descubrimos en el maravilloso concierto del Primavera Club (una de las cotas en directo del año) que “Sex machine” se había además reencarnado en este curtido músico. En el intervalo que permitió conocerlo en persona, su revelador No time for Dreaming Sus seguía brindado 12 temas que albergan la propia definición de la música soul: emociones expresadas desde lo más profundo del alma. Una intensidad sonora solo al alcance del hombre negro, y de muy pocos casos, el citado James Brown, Sam Cooke, Ottis Redding (a cuyo tono de voz recurre a veces Bradley) y por qué no el propio Charles Bradley con su voz rota, despedaza por experiencias curtidoras y canalizada con notas sinceras y de amplio calado emocional. En una época en la que soul sufre cierto revisionismo que intenta recuperar, a su modo, la época dorada del género, empaparse de temas como “I relieve in your love”, “Why is it so hard” y transportarse directamente a aquella época se convierte en una auténtica delicia.

8. Radiohead – The King of Limbs

Este año Tom Yorke le ha cogido el testimonio a Brian Burton (Aka Danger Mouse) como el hombre más hiperactivo del campo musical. Su nombre ha salido impreso en diversas colaboraciones y trabajos a lo largo del año, y por si no fuera poco saldo, también ha podido entregar un nuevo álbum con Radiohead. Su octavo disco de estudio se subscribe en la misma vertiente electrónica que ha venido marcando su sonido en los últimos años, y cuyas mayores señas se perciben en el abandono de los instrumentos de banda de rock por un sonido sintético más incipiente y atmosférico. Una electrónica que se guía por parámetros jazz, o al menos a la interpretación sui generis ofrecida por la banda de Oxford. Ahora los loops han pasado a ser el esqueleto del disco. Esenciales para construir estas atmósferas envolventes, cautivantes, hipnóticas y obsesivas con un resultado marcadamente desalentador. Este The King of Limbs no es un disco demasiado accesible, no puede conquistar al oyente con un primer contacto (la carencia de hits no ayuda a ello), necesita de su tiempo, adaptación y sobre todo, de varias escuchas. Pero sí las recibe, es un álbum que te agarra, pese a que la crítica parece no ubicarlo entre los trabajos más aplaudidos de estos chicos que siguen andando a su antojo por la liga de oro.

7. Cat’s Eyes – Cat’s Eyes

Uno de los debuts más estimulantes del año llegó de la mano de una de las parejas más extravagantes de los últimos años: Él, Faris Bawdan (líder de The Horrors), ella Rachel Zefirra (cantante de opera y multiinstrumentista). De la unión de los polos opuestos llegó una pieza de orfebrería pop que contenía algunas de las más hermosas joyas musicales de la temporada. Las diez cortas y concisas canciones que componen el debut de este dúo son un deleite para el oyente más sibarita. Talladas con precisión, aplomo y elegancia, los temas de este debut aletean alrededor de tu cuerpo erizando el bello con sus suaves caricias. El secreto lo guarda esta soprano con voz angelical, y el genial contrapunto oscuro y macabro que aporta el cantante de The Horrors. A esto, se añaden arreglos orquestales, una producción que bebe tanto de Phil Spector como de las bandas sonoras de Ennio Morricone o del John Williams más intimista, y ya se dispone de uno de los debut del año. Que encuentra su cara más perdurable y convincente en el preciosismo platónico de “The best person I know”, el reposo de paz inquebrantable de “The Llull” (otro de los temas más hermosos del disco), el loop esotérico “Cat’s Eyes”, el reverso gótico de las Ronettes de “Face in the crowd”, y cada una de las canciones que configuran este redondo debut.

6.  The Roots – Undun

Lo de esta numerosa crew de Philadelphia empieza a sonar a fantasía épica. Con una asombrante regularidad propia de Joel y Ethan Coen, vuelven a planchar un disco con los que filtrarse en lo alto de esta lista (ya hicieron lo propio el pasado año). Y es que Undun se encuentra entre los trabajos más celebrados de The Roots. ¿Sus armas? un fuego cruzado a base de neo-soul elegante, aroma funky old skool, y hip-hop con garra, de regusto maduro y sofisticado. Todo bien regado por una producción exquisita y por unos acompañamientos vocales que desenredarán matas de pelo. El resultado es un trabajo mayúsculo e inspirador, que hará enloquecer las neuronas de los gourmets de la música negra mediante un ajuste de influencias, elementos, y ritmos asombroso. The Roots siguen a lo suyo andando por una senda imparable, y con Undun despiden el año a lo grande.

5. Fleet Foxes – Helplessness Blues

El nuevo trabajo de los norteamericanos Fleet Foxes ha servido para poner a su líder Robin Pecknold en el alto pedestal donde merece estar, y a toda su banda por superar con nota la difícil criba del segundo álbum. Helplessness Blues, a diferencia del debut (Fleet Foxes, 2008), no es un disco cargado de himnos imperecederos, no hay en todo su recorrido piezas inmediatas, pero en contraposición, se cocina todo con fuego de leña, con lo que los temas adquieren cierta aureola mística creando espacio a una resonancia magnética, cautivante y misteriosa. Fleet Foxes no encabezan el revival folk, están por encima de él, en otra dimensión aislada del resto, y por suerte el mundo no lo está de su magia.

4. EMA – Past Life Martyred Saints

Erika M. Anderson no es una recién llegada en el campo musical, pero fue este 2011 cuando la vimos por primera centrada en su propio proyecto, conocida con las siglas EMA. Past Life Martyred Saints supuso el esplendorosos debut que la catapultó hacia las más distinguidas y elevadas alabanzas, y que la consagró como la más gratificante nueva sensación del curso. Y lo consiguió gracias a una formula que coge el polvo seco de su natal South Dakota le añade sombras neo-psicodélicas con el que va esparciendo su rastro por el mismo asfalto que recorría Fred Madison en la carretera perdida. El resultado es un artefacto absorbente, poderoso, y dinámico, que destapa una revelación vocal e instrumental con inmenso talento. Nada suena a artificioso o forzado. Todo el discurso se mantiene áspero, árido, pero a la vez revitalizante al desenvolver cierto halo hipnótico en una producción que aterra a la vez que maravilla. Su voz rota, su emoción vivida, sus vivencias impresas sobre arena y asfalto pueden invitar a establecer comparaciones con grandes artistas como Patti Smith o Cat Power, pero creerme, que EMA merece una distinción aparte, con identidad propia.

3. John Maus – We Must Become The Pitiless Censors of Ourselves

John Maus parece querer convertirse en el apóstol críptico de nuestros tiempos, en una especie de mensajero oscuro de la desazón de nuestros días. Al menos eso es lo que transpiraba We must become The Pitiless Censors of Ourselves, su mejor obra hasta la fecha. Apostada en terreno de pop hipnágotico y el lo-fi, y removido de raíz por impulsos sintéticos este LP es un viaje tortuoso, desalmado y oscuro a una tierra despojada. Este singular profesor de filosofía consiguió aislar la belleza de la naturaleza muerta. Mediante el uso de melodías cristalinas apoyadas en los sintetizadores, y el uso forzado de una voz que en ocasiones mimetiza con la de la del Scott Walker más desatinado, construye paisajes oníricos de pelaje rugoso y matiz alicaído. De ese espíritu desolado tan propio de formaciones de los 80′s como Joy Division, Suicide o Dead Can Dance, Maus logra sacar bellos parajes sonoros. Los mejores cortes transportan al oyente a ese extraño estado que deambula de lo placentero a lo afligido. Lo consigue por ejemplo con “Cop killer”, con la lluvia sintética de “Believer”, con la sublime (algo tellierana) “Street Light”.

2. Balam Acab – Wander/Wonder

Alec Koone es el nombre real de un niño prodigio que con 20 añitos se ha cascado el debut más glorioso del año. Bajo el alias de Balam Acab lanzó Wander/Wonder, un LP que ha permanecido intocable en los rincones más profundos del hipotálamo de quien escribe estas líneas. Las sensaciones que provoca Koone con este trabajo guarda similitudes físicas (retuerce el estomago y dilata el corazón) con las que te golpeaba Burial con sus dos primeros trabajos, o con la cascada de emociones que te invadía con la primera y segunda escucha del Merriweather Post Pavilion de Animal Collective. Sin embargo la propuesta de Balam Acab se desentiende del dubstep o el psych-folk para establecerse en el pop y el R/B, sin embargo, el tratamiento de las texturas y el uso de las voces resulta tan arrebatador como en los ejemplos citados. Adentrarse en este disco es como un buceo en apnea por un entramado marino que presenta bellos parajes repletos de corales, cuevas y corrientes submarinas asombrosas. Un símil que no resulta gratuito si se atienden los diferentes efectos de sonido marinos utilizados a lo largo de la grabación (los chapoteos de “Await” siendo claros) Si nos obligaran a aportar mayores referencias sobre el género por el que se pasea Balam Acab diríamos que transita entre el ambient, el pop etéreo, el R&B y ciertas chispas de chill out (quizás la única friega no necesaria en todo el disco) Sus herramientas son los sintetizadores, las voces fantasiosas, y una sensibilidad sobrenatural para aunar todo esto. No sé muy bien ante lo que estamos, ni si tendrá continuación, pero sé que cada vez que me pongo los cascos para escuchar temas como “Now Time”, “Motion”, “Await” o “Welcome” mi cuerpo muta en otras formas…espirituales, de fondo sublime, y placer divino.

1. PJ Harvey – Let England Shake

Ya con su prematuro lanzamiento en los primeros meses del año se percibió que el disco de Pj Harvey iba a ocupar los puestos altos de las listas de final de año, sin poder adivinar que tendría el honor de ocupar finalmente el trono que lo acredita como el mejor disco del año, Y Polly Jean Harvey lo ha conseguido ejecutando un disco político, melancólico, mágico y estremecedor. La cantautora ha tejido una bella postal de su tierra donde sobresale su distinguible voz (en ocasiones con el contrapunto magistral de una presencia masculina), los arreglos finos, limpios y proporcionados en su justa medida. Un empaque distinguido e inteligente que convierte las melodías de las canciones en suaves y reconfortantes estímulos. Hay cierta luz en sus composiciones, pero en general impera un ambiente melancólico, gris y de una extraña niebla que no permite ver con claridad, pero en cuyo trayecto, el oyente será desvelado por mágicos parajes (lo entenderán mejor si escuchan los temas “England”, “Let England Shake” o “The glorious Land”). Let England Shake es la última demostración del talento innato, que se saca aquí un pulcro e inspirado trabajo, con señas de convertirse en atemporal.

Polémica, discordia, iras, amenazas, descrédito y ante todo inconformidad y descontento. Esto son las listas, y nos flipan.

Aparte de este tremendo y eficaz invento de raíz consumista que responde al nombre de Navidad, y el cual este año tiene visos de aferrarse únicamente a su faceta tradicional,  son estas también fechas para lanzar listas de toda índole con las que radiografiar lo mejor del año, y si hay alguna que a servidor le motive elaborar es la de las mejores canciones del año. Una recopilación injusta, imprecisa, ajustada a un número caprichoso, desquilibrada y variable al gusto personal del que la firma (cambiante y subjetivo), pero útil para permitirse reflotar los mejores momentos musicales vividos durante el 2011, y que gracias al enlace Spotify que encontrareis a continuación también puede convertirse en un grato recurso para aligerar el empache de comilonas, turrón y familia, así como una guía para poner a prueba los equipos de sonido en las próximas noches de jolgorio y diversión que nos aguardan, sin ir más lejos, la de hoy.

Así que sin más rodeos, sin orden ni preferencia (de momento)… las primeras 20 mejores canciones del 2011.

Escuchar en Spotify Las 40 canciones del 2011 (Parte I)

The Naked And Famous – “Young Blood”

The Pains of Being Pure at Heart – “Heart in your Heartbreak”

Peter Bjorn and John – “Tomorrow Has to wait”

Israel Nash Gripka – “Goodbye Ghost”

Cults – “Go Outside”

A$AP Rocky – “Peso”

Thurston Moore – “Circulation”

Arctic Monkeys – “Brick by Brick”

Jay-Z/Kanye West/Mr Hudson – “Why I Love You”

Tune-Yards – “Bizness”

Azelia Banks – “212″

The Roots (feat. Bilal Oliver & Greg Porn) – “The OtherSide”

Cut Copy – “Need You Now”

Jonathan Keevil – “Babyfin” (Bellflower soundtrack)

Creep – “Days”

Washed Out – “Amor Fati”

Foster the People – “Pumped Up Kicks”

Cat’s Eyes – “The Best Person I Know”

Bon Iver - “Holocene”

Drake – “Marvins Room”

El torbellino Lana del Rey sigue escupiendo fuego con cada nuevo paso. La maquinaria de promoción sigue sacando humo a su alrededor, hasta el punto que la cantante deberá refugiarse de toda la humareda causada si no quiere ver cómo su talento se disuelve por su estela mediática. El último fogonazo viral lanzado constata el papel crucial que está desempeñando el marketing para convertirla en el nuevo fenómeno musical.

No se han escatimado recursos a la hora de producir el videoclip de “Born to die”, tema anticipo del álbum que llegará a finales de enero, y que ya adelantamos en estos lares. El palacio de Versalles, tigres, sangre,  Lana en plan rey, la bandera americana a lo grande, y un malote tatuado hasta el pescuezo, todo orquestrado para la cámara de Woodkid; ni un reparo para construir la imagen de diva en ciernes que quieren volcar en Lady Botox.

Yo personalmente, pese a la cuidada factura y la producción de envergadura, me quedo con los hipnóticos primeros videoclips tallados por la propia artista, y con la franqueza natural de alguien quien aún no dispone de un grupo de asesores.

Sea como sea, el talento innato que fluctúa de su voz es innegable, a rezar para que el buzz no disipe la magia que emana de este diamante.

El fenómeno Lana del Rey sigue sacudiendo los cimientos de la red y la blogosfera con cada nueva actualización. A la espera de ese disco que el 30 de enero debe determinar si esta cantante neoyorquina merece ser la “next best thing” del pop, tal y como pronostican algunos, el hype a su alrededor sigue creciendo con cada nuevo lanzamiento musical o visual que asoma.

Es el caso de este single de adelanto que lleva el nombre con el que saldrá a la luz su primer álbum, “Born to die”. Si bien el que firma fue de los que no dudaron en rendirse a los encantos de la joven artista con hits incontestables como “Blue Jeans” y “Video Games” ahora es de justicia aclarar que este último trozo de carne lanzado me ha decepcionado un poco. Su voz pura magnética, de encanto nocivo, sigue ahí presente, pero esta vez el envoltorio sonoro no termina de acompañarla. Es un tema correcto con líricas atrevidas (Let me fuck you hard in the pouring rain, you like your girls insane), que puede que gane con las escuchas, pero lastrado por unas formas insípidas, y por las comparaciones con las dos gemas mencionadas unas líneas arriba.

El 30 de enero será el momento para discernir con exactitud si nos hemos dejado seducir por la espectacular belleza y el magnetismo que desprende, con toda la maquinaria de marketing e imagen que la empuja, o si realmente nos encontramos ante un potencial artístico irresistible e imparable. Yo sigo prefiriendo inclinarme por la segunda.

Foto: Dani Canto

Reemprendemos la crónica del Primavera Club 2011 ahí dónde lo habíamos dejado.

Viernes 25

 

St. Vincent

La jornada del viernes empezó con dos de los platos más sabrosos del festival, y servidos en el acogedor, pero lejano, Casino de l’Aliança del Poblenou. La primera en abrir fuego fue Annie Erin Clark con su proyecto St. Vincent. La norteamericana destapó pronto el tarro de las esencias con una fuerza magnética que la mantenía todo el rato bajo el foco central. Desde su inseparable guitarra y su voz lanzó consignas pop que se resquebrajaban en remolinos de distorsión y dejando descargas entusiastas a su paso. La artista estuvo en todo momento bien cubierta por la banda que la acompañaba encima del escenario. Quizás se excedió en alargar los intervalos que separaban canción y canción, pero su versatilidad, la emoción desplegada, y las tablas hicieron que vislumbráramos a una seria competidora de Polly Jean Harvey.

Girls

Los norteamericanos Girls pisaban de nuevo una de sus ciudades favoritas para presentar su último disco hasta la fecha (Father, Son, Holy Ghost!). Christopher Owens y compañía empaquetaron un live que fue claramente de menos a más. A un inicio renqueante pronto le siguió una fiabilidad y contundencia de admiración. Seguramente “Vomit” fue el giro que empezó a elevar el asunto. Entre los lamentos en forma de riffs, el clamor amargo que surgía de las cuerdas vocales de Owens, y los estallidos de rock crudo convirtieron el single de su segundo álbum en un poderoso reclamo. Ya luego enlazaron temas que radiaban por la contundencia con que fueron interpretados, así como la intensidad que transmitieron, y por el afecto que impregnaba sobre el público. Esa alternancia entre destellos de hedonismo, amargura intimista y desequilibrio eléctrico fue acompañando la velada hasta el previsible broche de oro que puso un “Lust for Life”, tema con el que se guardan una parcela en nuestro cerebro ante el paso de los años. Y lo dice uno que ninguno de sus dos álbumes le ha encandilado, pero que sí que se ha visto amasado con su arrollador directo. Girls seguirá brillando mientras la luz oscura guíe a su líder.

Stephen Malkmus & The Jicks

De vueltas a la sala Apolo, el líder de los recuperados Pavement se acercó hasta el festival para presentar su último trabajo discográfico en solitario. Sin embargo, todas las condiciones parecieron jugar en su contra en la noche del viernes. Primero fueron los problemas técnicos con el sonido (malditos micros del PC), luego el propio Malkmus lanzó al suelo un amplificador, y el nivel de enfado en él fue aumentado a medida que su sonido y el de la banda se desgastaba ante los elementos en contra. Como era de esperar el público no respondió, y se confirmó de esta manera como uno de los conciertos más decepcionantes de todo el festival.

Givers

En un tono muy distinto, y con todo bien puesto y engrasado, aterrizaron Givers. Formación de Louisiana de pop colorido que sigue los caminos ya transitados por Vampire Weekend, Pasion Pitt y Paul Simon. A diferencia de un irregular LP, su directo fue una celebración festiva que llevó a los presentes hacía ese clímax que es “Up, up, up”, y en la que hubo espacio para versionar a Talking Heads. La entrega descarada, el desfreno efervescente que les apoderó, y la naturalidad talentosa de su líder multiinstrumentista, fueron algunas de las claves que convirtieron su show en uno de los más vibrantes y hedonistas.

Sábado 26

 

Foto: Dani Canto

John Maus

Lo de John Maus fue la coletilla más utilizada durante todas las tertulias del sábado, y el show con el que asociar la edición de este año. Veníamos advertidos tras las reacciones desatadas en Madrid, y sabíamos que su espectáculo no nos iba a dejar indiferente. Pero ni aún así pudimos reducir el impacto con el que nos noqueó el músico norteamericano. Su actuacion escapa de las convenciones de un concierto para situarte en un terreno movedizo llenos de espinosas provocaciones en forma de gritos, playback, auto lesiones, zarandeos y otras manifestaciones nihilistas. Armado con un micro y un Ipad, y sobre la base de sus propias canciones, Maus acribilló a la platea con sus cuchillos escénicos, y el resultado no solo fue asombroso (también lo fue ver a tanto público saltando como poseidos en las primeras filas), sino también hiriente, chocante y lúcidamente provocador. En sus 40 minutos de performance (quizás el término más adecuado para describir sus directos) Maus obsequió con las muestras más exquisitas (“Believer”, “Street Light”) de su genial We must become The Pitiless Censor of Ourselves. No solo ha parido uno de los álbumes más brillantes del año, sino que también ha dejado caer el show más bizarro y esperpéntico. Nada mal para un profesor de filosofía universitario.

Superchunk

Con las líneas de sintetizador sinuosas, las atmósferas cargadas , y los golpes en el pecho de Maus instaladas en nuestras cabezas, fue el momento de dejar el barrio del Poblenou e instalarse de nuevo en el refugio del Paralel. Allí nos esperaba una banda mítica de la escena norteamericana de los 90′s, Superchunk. Su rock guitarrero de espíritu teenager perdió alcance a los pocos temas. La fórmula de canciones breves y contundentes se agotó rápidamente entrando en un bucle que resultó cansino para todos aquellos no devotos de la banda.

Factory Floor

Poco tiempo se tuvo para disfrutar de Factory Floor, si se pretendía asistir a Com Truise. Sin embargo media hora, dos temas, y la lucha con problemas técnicos por un micro, resultaran suficientes para llevarse una grata sorpresa de este proyecto con base en Londres. Su cold wave hipnótico, de drones alargados y loops que se van retorciendo y adquiriendo una dimensionalidad extra se fue desplegando con cada vez mas presencia a través de las paredes de la Sala 2.

Com Truise

Sin embargo en la 1 nos esperaba el electro seductor del productor norteamericano Com Truise. Con la ayuda de un incansable batería, el neoyorquino arrojó sus bases fornidas de electro, con rabillos melódicos construidos con el sintetizador y bajos poderosos que parecieron surgir efecto entre el público congregado.

Domingo 27

 

Foto: Dani Canto

Con las energías por los suelos, la última jornada del festival se convirtió en una prueba de resistencia para todos aquellos no afortunados que nos quedamos sin ver a los Fleet Foxes en el Auditori. Pero al menos había una razón para acercarse de nuevo al Apolo.

Puro Instinct

Las hermanas Kaplan de Californiana poco pudieron convencer a los desplazados a la Sala 2 del Apolo de lo acertado de la decisión tomada para un domingo por la noche, y tras el maratón musical vivido. Su pop melódico levantado a base de guitarras, sintetizador y la voz de la jovencísima de las hermanas no solventaron un directo impreciso, tímido y que denostó un estado verde y frágil en su dream-pop de reminiscencias ochenteras.

EMA

Muchos mejores augurios implicaba la llegada de la cantante y guitarrista Erika M. Anderson para presentarnos su proyecto como EMA, y su magnífico álbum debut: Past Life Martyred Saints. La californiana arrancó su concierto con una misteriosa e hipnótica introducción para enfrentarse luego a la saturación que salía de los amplis. Una vez más los problemas técnicos deslucían una actuación musical en la Sala 2. No obstante EMA se recompuso, y fue ganando en intensidad y profundidad a medida que Anderson se sintió más cómoda en el escenario y destapó su lado salvaje. A través del rock crudo y potente que desplegaron, Anderson fue pasando de los goteos emocional en clave folk a las vivencias narrativas de una Patti Smith de carretera y polvo. De forma previsible apuntilló su paso por Barcelona con una efectiva, pero desnutrida (una vez más las malas equilibraciones), “California”.

Con la mirada hacía California claudicamos esas cinco intensas jornadas de vida musical.

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