Descubro mal y tarde una de esas mágicas voces femeninas del jazz que injustamente quedaron eclipsadas por los grandes nombres del género: Anita O’day, Billie Holiday o Nina Simone. Su nombre era Etta Jones, no confundir con la recientemente desaparecida Etta James ni con la soul singer Sharon Jones. Cantante de jazz norteamericana nacida en Harlem en año 1928, de trayectoria artística dilatada (publicó hasta el mismo día de su muerte), y poseedora de una voz prodigiosa, que en ciertos registros puede recordar a Simone y a Holiday.

Jones murió de un cáncer el 16 de noviembre del 2001, pero algunos de sus temas como este “Don’t go to strangers” seguirán acompañándonos para dar abrigo a tardes frías y oscuras como las de hoy.

Último día de septiembre y con él despedimos esta pequeña sección de los viernes apodada “Friday Song”. Han sido algo más de 4 meses intentando aportar pequeñas perlas musicales que intentarán amenizar las insufribles últimas horas de trabajo. Con la marcha del verano ha llegado el momento de pasar página y pensar en nuevas secciones para dotar  de nuevo impulso a este site. Me sentiré satisfecho si en alguna de estas “Friday Song” algunos de vosotros habéis descubierto alguna gema o redescubierto esa canción que teníais aparcada en algún rincón de vuestro cerebro.

Para despedir, he decidido hacerlo con “Eight days a week”,  clásico tema, cuyo original pertenece a los Beatles y data del año 64. Número 1 en los EEUU e incluida en el álbum Beatles for sale. El tema ha sido versionado por cantidad de artistas, pero aquí recupero la mágica versión de Alma Cogan. La cantante nacida en Whitechapel (Londres) mantiene el esqueleto melódico del tema de los Beatles y su letra, pero absorbe la composición para hacérsela propia mediante estos majestuosos acompañamientos musicales y el especial candor que traspira de su voz. El envoltorio orquestal, barroco, que gira en momentos hacía el swing de Glenn Miller, y con eso arreglos tan exquisitos, hacen de esta versión un tallo de oro de la música de los 60′s, más anclada con el pasado de ese tiempo que con el rabioso presente que revolucionaría la música popular.

Cuentan algunas lenguas que la canción estaba inspirada en un chofer que condujo a Paul McCartney hasta la casa de John Lennon, al que Paul le preguntó que “¿Cómo estaba?”, y éste le dijo: “bien, trabajando duro, trabajando ocho días a la semana” Precisamente nuestro reto de esta sección fue exactamente lo contrario, hacer que vuestras semanas durarán 4 días, o al menos tener la sensación de que la pesadez del viernes a última hora se aligeraba.

Lo dejamos con este bello y glorioso corte. Hasta muy pronto.

Su música era el reflejo de su alma y su vida personal el de una forma de entender el arte. La que habla de una senda espinosa, la del camino del exceso por el que muchos artistas han optado a lo largo de las décadas y por el que también caminó Amy Winehouse hasta el pasado sábado. Si el arte es hacer ver a los demás cosas que por ellos mismos no son capaces de ver, Amy era una artista en mayúsculas. Su muerte supone la pérdida de una de los iconos más importantes en la música popular de la primera década siglo XXI, cuyo gran mérito ha sido el de devolver el soul al gran público y allanar el camino al éxito comercial de artistas como Adele, Duffy e incluso, Eli “Paperboy” Reed. No en vano, en 2010 fue considerada la artista más importante de lo que va de siglo por la revista Q.

El otro gran logro de Amy, sin embargo, recae en la unanimidad generada por su figura. Venerada por igual por los admiradores de la música negra, los consumidores de productos más comerciales y el siempre sectario público indie.

Las muestras de dolor, lejos de ser multitudinarias, no han cesado delante del número 30 de Camden Square desde se hiciera pública la trágica noticia. Hija de una enfermera y un taxista judío aficionado al jazz y admirador de Sinatra, publicó Frank (Island-Universal, 2003) con solo 19 años. Fue la culminación de una trayectoria prematura. Con 14 años ya era habitual verla actuar en los pubs de Camden y con 16 había estampado la firma en el primer contrato profesional con Island, casualidad o no, el histórico sello fundado por Chris Blackwell que introdujo la música jamaicana en la esfera social del Reino Unido allá por los años sesenta.  

Su primer trabajo, de ecos más jazzísticos que su predecesor, tuvo una repercusión mediática discreta pero ya destapó la artistas más prometedora de la escena británica. Canciones como “You Sent Me Flying”, “Fuck Me Pumps”, “In My Bed” o “What Is It About Men” le valieron las primeras comparaciones con los grandes nombres de la Motown.

Pero si hubo un punto de inflexión en la carrera de Amy Winehouse fue en 2006 con el lanzamiento de Back To Black (Island-Universal). La tortuosa relación de amor con el que fue su marido Blake Fielder-Civil, impregnó su música de una resonancia emocional muy intensa.

De la mano de Mark Ronson y Salaa Remi en la producción llegó el éxito comercial. Si una obra de arte debe ser presentada tal y como ha sido concebida por su creador, el gran logro de ambos recayó en dejar a Amy volcar los sentimientos personales de amor, desamor y desesperanza, sin alterar la sinceridad y la autenticidad de su discurso, y adornarlo todo con el espíritu del soul más clásico.

“Sólo pretendía poner todo lo que pasaba por mi cabeza en un disco, y lo hice elevado a la centésima potencia. Estoy muy orgullosa. Me matarían los celos si otro hubiera escrito unas canciones así. Todo el disco va sobre mi vida, mis canciones son autobiográficas. Vivo para esto”, declaró en su día en la revista Mojo. 

Con Back To Black, Amy Winehouse abrió su corazón al público, evidenció que  la sinceridad formaba una parte elemental de su proceso creativo. Su nuevo look, tatuajes, piercings, un maquillaje cuidado al detalle y un peinado imposible al que los ingleses denominan beehive (colmena), inspirado en las pin-ups y los grupos de chicas de la factoría de Detroit, detonaba la imagen de una chica dura, pero su música desprendía una vulnerabilidad que la hacía terrenal, más próxima al público.

Pero esta misma imagen terrenal fue la que la convirtió en presa fácil de la prensa sensacionalista británica siempre sedienta de escándalos. Los crecientes problemas de Amy con las drogas y el alcohol y sus problemas sentimentales Fielder-Civil convirtieron a la pareja en una especie de Sid & Nancy del siglo XXI, y dejaron el plano musical en un segundo término.

Su música, lo que verdaderamente interesa y quedará de Amy Winehouse, en cambio fue ganando a medida que sus excesos eran más evidentes. Su voz, más melancólica y profunda, se desprendía del rudo acento cockney del norte de Londres como el humo de un viejo club cuando subía al escenario. La intensidad con la que vivía cada una de sus canciones, como una parte de la propia alma, le hacía, a menudo, olvidar sus propias letras y romper en lágrimas. El arte como una forma de vida.

Una senda, como en muchos otros casos destinada a un final trágico que nadie fue capaz de impedir. Por desgracia, Amy no pudo gozar de la longevidad de las estrellas del jazz que idolatró desde pequeña.

El legado de Amy Winehouse

Frank (Island-Universal, 2003)

Un éxito menor (alcanzó el número 13 de las listas británicas en 2004) mezcla de nu soul, jazz, hip hop y con un sentido del funk con el que ya afloraron las comparaciones con Erikah Badu o Billie Holiday.

Back To Black (Island-Universal, 2006)

Ronson y Remi lanzan a Amy al estrellato con un majestuoso trabajo en la producción del disco en el que incorporan a The Dap-Kings, la banda de Sharon Jones, para recuperar la esencia del soul clásico. Figura en el Top 10 de los discos más vendidos en Gran Bretaña en lo que va de siglo y logró el número uno en las listas americanas.

Frank + Back To Black (Boxset)

La caja, de cuatro discos, incluye los dos trabajos de la londinense más numeroso material adicional abstraído del proceso de grabación de ambos discos entre el que destacan demos, caras-B, directos como el de “Stronger Than Me” en el célebre show de Jools Holland o versiones como “Monkey Man” de Toots & The Maytals.

 I Told You I Was Trouble: Live In London (DVD)

Única pieza en la videografía oficial de Amy. Incluye 18 temas en directo de la actuación grabada en el Shepherd’s Bush Empire de Londres y el documental que da nombre al DVD.

¿Te quedaste sin corear el “Common People”? ¿Te perdiste los perdigones de rock etílico de Nick Cave y sus Grinderman? ¿Te faltó comprobar si James Blake está por encima del hype?¿No tuviste la oportunidad de vaciar tus presas lagrimales con The National?…pues tranquilo, porque nosotros también nos perdimos todos estos momentos del recién clausurado Primavera Sound 2011.

Y decimos lo de tranquilos porque esto no ha hecho nada más que empezar. El verano se planta en el horizonte más próximo, y lo hace repleto de festivales de música, tanto a nivel nacional como internacional. Para remediar la notable ausencia en el festival más madrugador de la temporada, os hemos preparado la siguiente guía de festivales, para que nadie se pierda en el marasmo, y para que podáis ir organizando vuestras merecidas vacaciones musicales.

Isla de Wight

Dónde: Isla de Wight, Inglaterra

Cuándo: 10-12 de junio

Razones musicales: Band of horses, Pulp, Jeff Beck, Beady Eye, Kings of Leon

Precio: 2oo € con acampada. 172€ sin acampar

Meltdown festival

Dónde: Londres

Cuándo: 10-19 junio

Razones musicales: Ray Davies, Nick Lowe, The Madness, Wire, The Sonics, The Fugs

Sonar

Dónde: Barcelona/A Coruña

Cuándo: 16-18 junio

Razones musicales: M.I.A., Aphex Twin, Cut Copy, Janelle Monae, Underworld, Four Tet

Precio: Abono 155€/ taquilla 165€. Entrada Sonar día 39€. Entrada Sonar noche 60€

Glastonbury

Dónde: Glanstonbury (UK)

Cuándo: 22-26 junio

Razones musicales: U2, Morrissey, Tv on the Radio, Fleet Foxes, Paul Simon, Queens of the stone age

Precio: Sold Out

Hop Farm Festival

Dónde: Kent (UK)

Cuándo: 1-3 julio

Razones musicales: Prince, Morrisey, Iggy & The Stooges, Lou Reed, Patti Smith, Brian Ferry, Death Cab For Cutie, The Eagles, Magazine

Precio: 150€

T in the park

Dónde: Balado (Escocia)

Cuándo: 8-10 julio

Razones musicales: Pulp, The Strokes, Weezer, Bright Eyes, Odd Future, Diplo, Coldplay, The Streets, Blondie, Primal Scream

Precio: Entradas agotadas

Pitchfork Music Festival

Dónde: Chicago

Cuándo: 15-17 julio

Razones musicales: Animal Collective, TV on the Radio, Fleet Foxes, Cut Copy, Toro y Moi, Dj Shadow, James Blake

Precio: 3o€ por día

FIB

Dónde: Benicàssim

Cuándo: 15-18 julio

Razones musicales: Arcade Fire, Portishead, Cut Copy, Arctic Monkeys, The Strokes, The Streets, Primal Scream

Precio: Pack 4 días 175€. Entradas día 70€

Heineken Jazzaldia

Dónde: San Sebastián

Cuándo: 21-25 julio

Razones musicales: B.B. King, Cindy Lauper, Cut Copy, Crystal Fighters, Cassandra Wilson, Mavis Staples, Lee Konitz

Precio: Abono 100€

Sziget Festival

Dónde: Budapest (Hungria)

Cuándo: 8-15 agosto

Razones musicales: Pulp, The National, Amy Winehouse, Interpol, Chemical Brothers, Dizzie Rascal

Precio: Abono camping 200€. Abono sin camping 170€. Entradas día 45€

Festival Jardins de Cap Roig

Dónde: Palafrugell i Mont-Ras

Cuándo: 15 julio – 21 agosto

Razones musicales: B.B. King, Sting, Tom Jones, Josep Carreras y Chicago

Precio: De 20 a 240€ dependiendo de función, artista y localidad

Festival Porta Ferrada

Dónde: Sant Feliu de Guíxols

Cuándo: 21 julio – 20 agosto

Razones musicales: Brian Ferry, Chick Corea, Mavis Staples, Cindy Lauper, Gilberto Gil

Precio: Diferentes precios en función artista y localidad

Reading and Leeds Festival

Dónde: Reading y Leeds (UK)

Cuándo: 26-28 agosto

Razones musicales: Pulp, The Strokes, The National, Crystal Castles, Death from above, 1979, Odd Future, Muse, The Horrors

Precio: Abono con camping 220€

¿Y vosotros? ¿Ya habéis escogido? ¿Habéis ido a alguno de estos en años anteriores? ¿Recomendáis algún otro? Haznos saber tu ruta festivalera y cuáles son tus favoritos. Yo este año lo tengo muy claro.

A nivel nacional: El FIB de Benicàssim

A nivel internacional: El Hop Farm Festival de Kent, Inglaterra

Poeta de la calle, maestro del soul airado, símbolo de la contracultura, o padre del hip-hop. Posibles epígrafes al cantante Gil Scott-Heron que fallecía ayer en Nueva York a los 62 años de edad tras una enfermedad contraída en su última gira europea.

La vida de este músico nacido en Chicago no fue lo que definiríamos como un paseo plácido. Enfermo de sida desde hacía dos décadas, pena en prisión por posesión de drogas, y adicción a varias de ellas durante parte de su vida que lo empujaron incluso a las calles de Nueva York. Sin embargo todos estos sinsabores curtieron al Scott-Heron músico, convirtiéndolo en un poeta de la calle de nuestros tiempos imprescindible, en un cronista desgarrado del submundo urbano.

Recientemente vivimos un milagroso renacer musical con el estupendo I’m new here, donde la lírica y la voz cavernosa, con todas las amarguras tatuadas en ella, sobresalía en temas que erizaban el vello. Sin embargo a él se le recordará por sus trabajos discográficos de los 70′s.

De esa época pertenece “The Bottle”, uno de sus temas más eternos, donde practicaba una escalofriante radiografía del alcoholismo.

Otro de sus temas fundamentales es “The revolution will not be televised“, una ácida crónica de la banalización de una sociedad preocupada por los mass media y el espectáculo en lugar de las grietas sociales que los rodean. Un discurso que entona con el que estamos viviendo con el 15-m, y al que abría que readaptar con el más propio “The Revolution will not be Twitted” , ¿o sí?

El otro día el gusto por el masoquismo y la mortificación de la carne y del espíritu que me derivan de una educación católica nunca completamente encubierta, han hecho que asistiera a toda la noche de los Goya. Una verdadera viacrucis. A menudo, el aburrimiento que produce este tipo de celebración es comparable sólo a la mala calidad de las obras ganadoras. Lo mismo, por supuesto, se puede decir de los Oscar, de los MTV Awards, o del Eurofestival.

Los Grammy no representan ninguna excepción. Merecen la molestia de la visión como mucho para supervisar el estado de descomposición física de alguna divinidad clásica. Al respecto, busquen los vídeos de Bob Dylan septuagenario tambaleando durante una versión coral de “Maggie’s Farm“ o de Mick Jagger que homenajea Solomon Burke con “Everybody needs somebody to love”. En los últimos años, además, el monopolio de las “social network’s stars” ha sido tan difundido, cuanto doloroso. Ya porque Twitter, Facebook y socios no han generado solamente las revoluciones en el norte de África o el culto a la personalidad de Julian Assange, sino que también la nociva difusión de modelos musicales efímeros como Katy Perry o Lady Gaga. Y tampoco es que la década inmediatamente anterior, con Britney Spears y Christina Aguilera, hubiese regalado fenómenos mucho mejores. Es curiosa, de hecho, la declinación femenina de esa terrible deriva de la música Made in Usa.
Sin embargo, la última edición de los Grammy ha consagrado una figura femenina que se diferencia del pésimo estándar general. Se trata de Esperanza Spalding, ganadora como Mejor Nueva Artista.

En primer lugar, confieso: antes de los Grammy no tenía idea de quién fuera. Así que, intrigado, he investigado y lo que he encontrado no está nada mal. Se trata de un jazzista de veintiséis años semidesconocida a nivel internacional. Es de Portland, Oregon, y ha publicado tres discos: Junjo en 2006, Esperanza en 2008 y Chamber Music Society en 2010, que ya he procurado descargarme (si, podría decir comprar, pero ¿quién se lo va a creer?).

Esperanza es una elegante polinstrumentista, cantante y contrabajista. Comenzó a tocar el violín a los 5 años, luego estudió con su madre y se convirtió en primer violín de la Chamber Music Society de Oregón. Empezó a seguir clases de jazz como espectadora y, más tarde, se graduó al Berklee College, donde asumió el papel de profesora de contrabajo a la edad de 20 años. La música de Esperanza, al igual que las influencias que han marcado su formación, es un conjunto de culturas, influencias e idiomas diferentes, una mezcla de jazz, experimentación, pop y ritmos brasileños. Ha colaborado con músicos de primer plano como Stanley Clarke, Pat Metheny, Donald Harrison, Joe Lovano y la cantante Patti Austin.

Su disco homónimo, de 2008, es el que más me ha gustado. Se abre con “Ponta de Areia”, que introduce a las que serán las sonoridades de todo el álbum: cantada con naturalidad y elegancia en portugués, su voz juega entre las líneas del bajo y de los coros, acompañada por el piano de Leo Genovese y las percusiónes de Jamey Haddad y Otis Brown. “I Know You Know” o “Precious”, se ven dirigidas a un público más amplio, pese a los altos niveles de calidad. Digna de mención también la inédita versión del estandard “Body & Soul”, propuesta por primera vez en castellano. Su ultímo trabajo, Chamber Music Society, cambia de registro. Siguen apareciendo las notas (bienvenidas, por lo que me compite) de word music, como en “Chacarea” (siempre con Genovese) o en “Inútil Paesagem”, pero aquí entra incluso la sombra de Frank Sinatra en un dueto impecable con Milton Nascimento en “Apple Bossom“. Además, Esperanza impresiona de verdad con su voz en “Knowledge of Good and Evil“. Sin embargo, puede que haya cargado demasiado el disco de tonalidades otoñales, mientras que personalmente ya empiezo a estar un poco hartito del frío… De modo que el album que le ha dado el Grammy acaba sonándome demasiado construido y ‘limpio’.

En fin, reconozco que las atmósferas son sugestivas y que se trata de un artista ni siquiera comparable con la basura que ha invadido la escena musical mundial. O sea que Esperanza es decididamente bienvenida. Chamber Music Society, por ejemplo, es un álbum perfecto para ser escuchado de fondo, mientras trabajas, o si quieres aparecer lo suficientemente sofisticado en una fiesta un poco esnob… Sin embargo, y con ganas de encontrárle algún defecto, confieso que mis preferencias se dirigen más bien hacia un tipo de jazz más despeinado. No voy a decir más auténtico, porque aquí no hay nada falso (es decir, por suerte no estamos en frente de una Amy Winehouse del jazz…), pero si hecho en falta un toque un poco más irreverente.

Pero bueno, una vez acabada la cena, no se aprecia la cuchara… Además, estoy orgulloso de haber sido capaz de escribir este artículo sin mencionar el hecho de que Esperanza Spalding, entre sus muchos méritos, también es guapísima.

Congratula ver cómo Cataluña, y en concreto Barcelona, sigue siendo un destino apetecible para los artistas de música, los managers y promotores. Si bien la hornada del rock clásico a veces es esquiva, los nuevos artistas emergentes son un plato habitual por estas tierras. 

Hoy mismo los sibaritas del jazz  tienen una oportunidad de oro de ver a Herbie Hancock, uno de los artistas de jazz más importantes en vida. Con seis años en las filas de la Miles Davis Quintet, y con varios éxitos en las listas de pop, Hancock se presenta esta noche en el Auditori para presentar su último álbum The Imagine Project.  De este modo el Festival del Mil.leni nos ofrece este valioso presente prenavideño con la visita de esta leyenda del jazz.

En un plano diametralmente opuesto, mañana viviremos en la sala Razzmatazz de Barcelona la visita de MGMT. Tras la vorágine enfermiza de Oracular Spectacular, con incluso amagos de extrapolar la neopsicodelia al mundo de la moda, el dúo de Brooklyn ha dado un brusco cambio de sentido (de 120º, que no de 180º) con Congratulations.

Los norteamericanos han dado un paso  anticomercial con su último trabajo, y parece que sus “fan like” no han crecido. Pese a ello, es de esperar que la sala 1 del Razz esté a reventar con su llegada, y que caigan los himnos “Time to Pretend”, “Kids” o “Electric Feel”, y que se mezclen entre los alargados y densos  “Flash Delirium” o “Congratulations”.

Antony & The Johnsons – Swanlights

Lo nuevo de Antony & The Johnsons supone una vuelta continuista a ese inconfundible sonido que tantos detractores y admiradores genera por partes iguales. Si la voz andrógena de Antony te saca de tus casillas, este disco no sería una buena elección. Si te encuentras en el otro lado, Swanlights será un espontáneo brote de felicidad para ser escuchado en una plácida tarde de domingo.

Su calmado tempo, sus sedosas melodías, y su emoción a flor de piel se siguen manifestando con una precisión de reloj suizo. Aquí el acompañamiento musical está en una línea más clásica contemporánea, con gran aporte de instrumentos de orquestra en un estilo que puede pasar de la escuela Phillip Glass (“Ghost”) a una línea más moderna (“I’m in love”). Si uno quiere hacerse bien a la idea de lo que se va a enfrentarse, el corte “Swanlights” sintetiza lo que va a ofrecer el álbum.

Egyptian Hip-hop – Some reptiles developed wings

Este grupo de mocosos de Manchester tienen el suficiente descaro juvenil para colarse en estas líneas con tan sólo un EP en su cartera. Su pop de raíces ingleses se cubre con una cuidada capa de pop electrónico pensado para ser disfrutado más allá de las líneas radiofónicas. La voz de su cantante no puede esconder su mimetismo con la del líder de The Cure. Sin embargo, su abanico de influencias va más allá con grupos de pop electrónico actuales como Late of the pier o Two door cinema club.

El tema “Rad Pitt” empieza a expandirse a banda ancha por los terrenos de la red, y con ello, prometen dar que hablar en los próximos meses si la adecuada promoción de revistas especializadas los empujan. Actitud y calidad no les falta, veremos como responden en primera línea y con un LP en su CV. De momento, una de las rookie bands de este año. “Middle name period” y “Native” certifican su postura a no quedarse en una banda momentánea más.

Janelle Monáe – The ArchAndroid

Janelle Monáe. Quédense con atención con este hombre, porque van a cansarse de repetírselo a sus amigos y familiares durante los próximos meses. Janelle Monaé publicó su primer EP (2008) encuadrado en una serie de suites bajo el nombre de Metropolis, dónde la cantante de Kansas se mete en la piel Cindi Mayweather viviendo en el año 2719, precisamente fechas venideras con las que la música de esta artista parece conectar a la perfección. Porque su polvorín de soul, funk, cabaret, jazz, hip-hop y pop que recoge su primer álbum, The ArchAndroid, es más propio del futuro que de nuestro tiempo

Es difícil encontrar ahora una música enmarcada por los parámetros pop que suene más  fresca, vibrante, avanzada y dinámica que la de Janelle. Su collage sonoro presenta todas las credenciales para conquistar al gran público (escuchen esa mezcla entre Outkast y Beyonce que es “Cold war”), y pretendientes en el mundillo no le faltan (colaboraciones con Big Boi, a añadir a los que se suman a este disco: Saul Williams, Of Montreal, Deep Cotton). Lo de encumbrarla como diva funky-soul aún le queda lejos a la norteamericana, pero no hay duda de que aquí nos encontramos con un fresco e innovador diamante en bruto, que no necesita de muchas capas de corrección.

Blonde Redhead – Penny Sparkle

Estos neoyorquinos que empezaron como Blonde Redhead en 1993 entrarían en la definición de lo que entendemos como grupo de culto. Su sonido de guitarras disonantes, ecos y reverbs que se alargan en la estructura de sus cortes, melodías esponjosas, y la voz aguda y hermosa de su cantante, se filtra sin pedir permiso por el oído para instalarse en el hipotálamo y llevarnos a un estado de calma y satisfacción que desearíamos que fuera eterno.

Eso es precisamente lo que siguen haciendo en su nuevo trabajo, Penny Sparkle, donde las atmósferas absorbentes son potenciadas con una producción de auténtico lujo. “My plants are dead”, “Love or prision”, “Oslo” o “Penny Sparkle” son algunas de las cápsulas que nos sumergirán en estadios de felicidad etérea de la que no nos querremos despertar ni cuando la aguja del tocadiscos haya entrado en un bucle tras finalizar su recorrido.

Dr. John & The Lower 911 – Tribal

La extensa y prolífica carrera de Dr. John no se puede desmenuzar en unas pocas líneas. El cantante se ganó un puesto para la posteridad en la música rock hace tiempo, con trabajos como Gris – Gris o Dr. John’s Gumbo. Ahora tenemos de vuelta a esta voz desgarrada del blues de Nueva Orleans con Tribal, en la que se hace escudar por The Lower 911.

Tribal es un mayúsculo trabajo cuyo eje central siguen siendo las vivencias de este cronista de la ciudad devastada de Nueva Orleans y su personal voz para cantarlo desde el rhythm & blues. Su carácter vitalista, lumínico, se respira en buena parte de los temas que componen el álbum y ese entusiasmo reconfortante le llega con la misma intensidad al oyente.

The Artifacts  – That’s Them

Siempre resulta buena ocasión para sacar del olvido parte de la obra que el dúo rapero The Artifacts dejó en su breve camino en activo. En 1997 publicaron este recomendable sophomore álbum, That’s Them, quedando con el tiempo como un glorioso certificado de defunción de esta banda de New Jersey.

En That’s Them desplegaron un disco sustentado en beats contundentes, marcas de scratching y líricas cocidas a fuego medio (no escupen las palabras ni de forma muy veloz ni muy lenta). Su sonido queda como hijo de la vieja escuela, a pesar del ser parido a finales de los 90’s, y sorprende que tras él, la banda decidiera disolverse para que cada miembro emprendiera un camino por su cuenta. Viendo la compenetración y lo compacto que fue este álbum resulta aún más sorprendente y lastimoso perder tan pronto una banda con su talento.

Los habitantes de Barcelona y alrededores deberíamos recibir con los brazos abiertos eventos de carácter gratuito como el que tendrá lugar este sábado 3 de julio en Montjuïc. Montjuïc de nit nace como un festival de festivales; una interesante propuesta que aúna en un sólo espacio varios escenarios dedicados a los principales festivales que acoge la ciudad. Esto implica que Sonar, Primavera Sound, festival de Jazz de Barcelona, In-Edit, Festival de músiques del món, BAM, Hipnòtik, Barnasants, Festival del Mil.leni, Cruïlla Barcelona, San Miguel Mas i Mas festival, Festival de Blues de Barcelona, y otros dispondrán de sus propios escenario con sus respectivas programaciones.

La mayoría de artistas son nacionales, no por ello la calidad del mismo se resiente, ya que la programación que impulsa el Ajuntament de la ciudad es amplia y de calidad. De hecho sucederá lo que suele suceder en los principales festivales: solapamiento de conciertos. Se dará la curiosa situación, e interesante desde el punto de vista musical, de compartir en una misma cita un amplio abanico de festivales que de por sí congregan un amplio abanico de gente, estilos y gustos diferentes. Esperemos que esta nueva propuesta de música al aire libre y gratuita acabe calando entre los habitantes de esta ciudad, que a veces encontramos a faltar más propuestas culturales de este calibre.

A continuación los principales platos fuertes por escenarios/festivales 

Sónar

En el escenario del Sónar podríamos ya tener una amenizada noche con los platos nacionales que los programadores han escogido servir

bRUNA (20.45 – 21.30)

El joven talento de la electrónica española envolverá de capas etéreas el cielo rosado del atardecer

The Requesters (23:00 – 00:00)

El dúo de electrónica promete volvernos a contagiar con el éxtasis ochentero más bailable

Ángel Molina (00:00-02:00)

Cerrará el clásico Dj español Ángel Molina para demostrar su extensa experiencia en el campo

In-Edit

Don Letts Dj (20:00 – 22:00)

El músico y director inglés trabajó de Dj en el mítico Roxy, y ahora aterriza a Barcelona para ofrecernos un Dj Set.

El resto de programación de este festival de cine documental lo ocuparán los filmes: Soul Power (22:00), NY 77 The Coolest year in the hell (23:30), Superstonic Sound: The Rebel Dread (01:00).

Primavera Sound

A priori el Primavera aportará la cuota indie al evento con formaciones nacionales

Tarántula (23:00 – 24.30)

El cantautor Joe Crepúsculo se dejará ver por la montaña de Montjuïc al frente del proyecto donde ejerce de cantante y teclista

Standstill (00:30 – 24:00)

Uno de los platos fuertes será ver al grupo catalán haciendo temblar la tierra con su nuevo disco Adelante Bonaparte.

San Miguel Mas i Mas

Llibert Fortuny y Manel Camp (21:30 – 22:15)

Una de las grandes realidades del jazz autóctono acudirá a deleitar a los presentes, esta vez acompañado por el pianista Manel Camp

I-F (01:15-02:00)

Sorprende, de la ilusión que me embarga, ver que el productor holandés afincado en Barcelona volverá a ponerse en los platos.

Estas son sólo algunas de las ofertas que se intuyen recomendables. Sin embargo la programación del Montjuïc de nit se complementa con otra gran cantidad de actividades, que lo mejor será que las consultéis desde aquí.

Yo no sé que ocurre, no sé si deben ser los ánimos alicaídos de estos días en que la oscuridad nos atrapa a la salida de casa y a su vuelta, que necesitamos buscar el calor humano en salas atiborradas hasta las cejas, pero el hecho es que durante este fin de semana, y la próxima semana, los rayos musicales invadirán nuestras ciudades y nuestras salas con directos muy  recomendables. Si se dispone de una agenda poco apretada, y de dinero, aquí van algunas sugerencias que pueden aportar luz a los oscuros días de noviembre.

Depeche Mode. Palau Sant Jordi, Barcelona - 20.15h

Empezamos con los dos conciertos que esta noche copan la agenda musical barcelonesa. Sin duda, el que más público va a atraer es el segundo concierto de Depeche Mode en Barcelona.  El concierto de los británicos se vuelve a celebrar en el Palau Sant Jordi por segunda noche consecutiva, las puertas se abrirán a las 20.15h.

Imelda May. Sala Luz de gas, Barcelona - 21.00h

A la misma hora, escenario Luz de Gas, el revival rockabilly de Imelda May hará acto de presencia dentro del festival de Jazz de Barcelona. La rockera presenta su primer disco, Love Tattoo, que está recibiendo toda clase de elogios. Veremos cómo se desarrolla encima de los escenarios combinando el rock de los cincuenta con colores jazzísticos.

Andrew Bird. Sala Joy Eslava, Madrid  – 20.00h

Mientras en la capital, la sala Joy Eslava programa al inquieto y multiinstrumentista Andrew Bird, una buena oportunidad para ver a este Philip Cocu de la música.

Y durante la semana, empezamos fuerte, casi con un concierto por semana.

Porcupine Tree. Sant Jordi Club, Barcelona – 21.00 h

El lunes 23 de noviembre será una oportunidad espléndida para presenciar a la gran esperanza del rock progresivo actual. Porcupine Tree, liderados por Steve Wilson regresan de gira tras su muy reciente paso con Sold Out.

The Horrors. Razzmatazz, Barcelona – 24/11/09 y Joy Eslava, Madrid – 25/11/2009

Estos inglese de tez pálida vuelven para presentar su segundo álbum, y acallar las posibles discusiones en torno a su valía más allá del efecto hype. Para demostrarlo tendrán que hacer frente a dos grandes contratiempos. Por un lado el Barça-Inter que se juega el mismo martes 24, y por otro lado el concierto que sigue. Quizás el día después, en Madrid, jueguen contra menos competencia.

Muse. Palau Sant Jordi, Barcelona – 24/11/09

Una de las bandas que en la actualidad goza con más legión de fans pisará Barcelona este próximo martes para presentar su último trabajo, The Resistance, sin duda su álbum más discutido de su discografía

Y hasta aquí el frenesí musical que nos espera, desde aquí esperamos que sepáis encontrar la luz en la oscuridad de los recintos.