Con la mirada fijada en los 80, los de Sheffied recuperan el espíritu romántico y la narrativa pop británica de una de las épocas más excitante en la escena musical de las islas. Menos melodramáticos que The Smiths, referente más palpable e inevitable, tanto éste primer LP como el EP Dreams Of Another Day (2010) transcurren a través de melodías ligeras y trenzados de guitarra a mitad de camino entre Johnny Marr y The Housemartins. No desencajarían si Shane Meadows les hubiera seleccionado para la banda sonora de su recientemente estrenada This Is England 88.

Erland & The Carnival – Nightingale

Nada en la línea de lo corriente y lo común se podía esperar de una formación que reúne a Simon Tong, ex de The Verve, Blur y The Good, The Band & The Queen, Dick Nock, uno de los partícipes de la explosión psicodélica contemporánea de Paul McCartney con The Fireman además de colaborador de The Orb y The Cult, y al escocés Gawain Erland Cooper, alma y responsable de este proyecto. Su segundo trabajo explora con mayor acierto que el homónimo debut una concepción única y retorcida del pop (¿freak-pop?) y el folk inmersa en aires espectrales y góticos.

The Decemberists - The King Is Dead

El sexto trabajo de la banda liderada por Colin Meloy apuesta por la sencillez melódica y la inmediatez. Aparcada la épica y las sonoridades evocadoras de sus primeros trabajos y el espíritu más rockero de The Crane Life (2006), este disco, cuyo título es algo más que un guiño a The Smiths, transcurre  a partes iguales entre el folk más intimista y el pop más vitalista.

Frankie & The Heartstrings -  Hunger

La portada inspirada en Searching For The Young Soul Rebels (1980) es mucho más que un acercamiento a Dexys Midnight Runners. La banda de Sunderland adopta la herencia soul, folk y célica de los de Kevin Rowland filtrada por el dinamismo y la estridencia de los tiempos actuales. El resultado es un vieje por casi tres décadas por la tradición musical británica que paradas en el punk de bajas revoluciones, la new-wave, The Libertines o Franz Ferdinand. Por algo será que han sido apadrinados y producidos por Edwyn Collins.

O Emperor – Hither Thither

El debut de la banda de Waterford se editó en Irlanda en 2010 y tendrá versión europea en 2012, pero 2011 ha sido el año en que O Emperor ha trascendido más allá de los circuitos locales. Pasaron, entre otros, por el Festival Internacional de Benicàssim y allí exhibieron en directo las buenas formas adelantadas en sus sencillos y en un primer álbum, que a día de hoy todavía es una joya a adquirir a través de la red. En una de las actuaciones que figura en youtube son descritos, con envidiable precisión, como un lugar de encuentro entre The Band, Mercury Rev, Radiohead y Midlake.

Sharon Jones & The Dap-Kings – Soul-Time!

Fundada en 2002, la banda de Brooklyn encontró en Gran Bretaña el reconocimiento negado en su país de origen gracias a las colaboraciones con Amy Winehouse y al apoyo de Mark Ronson, uno de los productores  habituales de la londinense. Soul-Time! recoge singles, caras B y temas grabados en directo que desnudan el grupo liderado por Bosco Mann y Sharon Jones y se convierten en el complemento perfecto de otra de sus obras imprescindibles, I Learned The Hard Away (2010).

Ryan Adams – Ashes & Fire

La sobreproducción de material ha alejado al de Jacksonville del primer plano mediático y consecuentemente del reconocimiento generalizado. Desde su debut en solitario, el aclamado Heartbreaker (2000), sale a más de disco por año ya sea bajo su firma o acompañado por The Cardinals. Con Ashes & Fire nos recuerda porqué fue considerado uno de los grandes valores del rock americano de raíz clásica y lo hace prescindiendo de la inyección eléctrica. Recupera su estilo más sentido y libre, su lado más intimista y tradicionalista y ha contado, además, con colaboraciones de lujo como la de Norah Jones.

Sea Of Bees -  Songs For The Ravens

Imaginar a Chane Marshall aparcando el blues, el folk y el rock’n’roll y sumergida en el universo del pop daría como resultado algo muy cercano al debut de Julie Ann Baezinger. Lo suyo es un pop maduro, templado y cargado de profundidad atmosférica muy cercano a Cocteau Twins, con momentos para el rock de baja fidelidad y el folk-rock. Todo ello envuelto en la voz dulce y aniñada, pero también aquejada, de la californiana con la que da vida a una letras fantasiosas.

Telekinesis! – 12 Desperate Straight Lines

Telekinesis! es el proyecto personal de Michael Benjamin Lerner, compositor, guitarra y baterista de una de las formaciones de power-pop más interesantes del actual panorama americano. De la mano de Chris Walla de Death Cab For Cutie, principal valedor y productor de este trabajo y del anterior Telekinesis! (2009), el músico de Seattle despliega su enérgica mirada fijada en la tradición encarnada por Big Star o The Byrds. A día una de las bandas imprescindibles de la escena al lado de Fountains of Wayne, The Broken West o The Little Ones.

Veronica Falls – Veronica Falls

Son varios los méritos de esta joven formación londinense que se dio a conocer en la pasada edición del Primavera Club -repetirán en el Primavera Sound como herederos de The Pains of Being Pure at Heart como banda fetiche de la nueva modernidad barcelonesa-, pero que ya había mostrado sus credenciales unos meses antes en el FIB. Por un lado está el de no defraudar en las expectativas depositadas en su primer LP tras los sencillos de adelanto “Found Love In a Graveyard” y “Beachy Head” y por otro hacer que por una vez, y sin que sirva de precedente, los hipsters caigan bien. El acierto de su pop de mirada escocesa y alma sombría tiene la culpa.

Wild Flag – Wild Flag

Primer trabajo del supergrupo femenino formado por las ex Sleater-Kinney Carrie Brownstein y Janet Weiss, Mary Timony, ex Helium y Rebecca Cole ex Minder. Las de Portland y Washington evocan a las Riot Grrrl de los principios de los 90 con guitarras de raíz punk. Una sonoridad adolescente y urgente, en la senda del grunge y el rock alternativo americano, aunque por momentos también más refinada.

WU LYF – Go Tell Fire To The Mountain

El debut de la World Unite Lucifer Youth Foundation es, de lejos, una de las propuestas interesantes e incatalogables del año. El cuarteto ha autoeditado este trabajo de sonido crudo grabado en directo durante largas sesiones en una antigua iglesia y trabajado desde el estudio en Glasgow por Paul Savage (The Delgados, Franz Ferdinand o Camera Obscura). Por su épica y ritmos tribales suenan a una hipotética versión lisérgica de Arcade Fire.

Con este clima de tensión e inquietud instalado día sí y día también en nuestra espina dorsal, parecía normal, que terminando este 2011, lo que abracemos con mayor ímpetu sea la cosecha cultural recogida a lo largo de estos doce meses que dejamos atrás con pésimo balance.

En la área que aquí nos ocupa volvemos a completar otro gran año. Si bien no ha resultado tan revelador, ni ha aportado tantas gemas como en 2010 (aún recuerdo el dolor para ordenar el Top 3 de final del año) la sensación que deja este año de transición musical es altamente satisfactoria, y vierte con ello, dosis de optimismo para confiar en el presente musical, y aún más importante, el flote incesante de bálsamos musicales con los que equilibrar el desajuste que provocan los tiempos difíciles.

Tras esta introducción pasemos a desfilar (y a escuchar via Spotify) delante de la más sabrosa cosecha sonora que ha empapado los oídos de quien escribe.

10. Lykke Li – Wounded Ryhmes

La hermosa cantante sueca se desquitaba del ropaje romántico naiff de su primer disco para enfundarse en un pelaje más oscuro, como si su corazón hubiera experimentado la amargura del desamor. El resplandor de este portento de voz que la naturaleza le ha otorgado, lidia en Wounded Ryhmes con atmósferas más industriales, urbanas, y cargadas. Con texturas hipnóticas, producciones bien talladas, y el ronroneo de los ritmos tribales dejándose oír. Los extraños contrastes sonoros y su capacidad para cuajar un entramado musical válido en ellos, hacen del disco una gema de pop etéreo del que resulta difícil sustraerse. Temas como “Follow Rivers”, “Love our of Lust” o “Get some” describen a la perfección el extraño poder de fascinación que destila esta chica con enorme talento.

9. Charles Bradley – No Time for Dreaming

Las gemas soul son el petróleo más valioso para aquellos surcadores que andan tras su extinguida pista. Por eso cuando servidor se topó en marzo con Charles Bradley y su No Time for Dreaming todos sus pensamientos se dirigieron a creer estar ante alguna joya oculta del soul de los 60′s, o delante del oportunismo de alguien con criterio para sacarle el polvo a algún material abandonado en los almacenes del sello Atlantic. Pero nada de esto. Bajo el nombre de Charles Bradley respondía un veterano músico de Brooklyn nacido en el 1948, y su trabajo era hijo de los días presentes. Luego descubrimos en el maravilloso concierto del Primavera Club (una de las cotas en directo del año) que “Sex machine” se había además reencarnado en este curtido músico. En el intervalo que permitió conocerlo en persona, su revelador No time for Dreaming Sus seguía brindado 12 temas que albergan la propia definición de la música soul: emociones expresadas desde lo más profundo del alma. Una intensidad sonora solo al alcance del hombre negro, y de muy pocos casos, el citado James Brown, Sam Cooke, Ottis Redding (a cuyo tono de voz recurre a veces Bradley) y por qué no el propio Charles Bradley con su voz rota, despedaza por experiencias curtidoras y canalizada con notas sinceras y de amplio calado emocional. En una época en la que soul sufre cierto revisionismo que intenta recuperar, a su modo, la época dorada del género, empaparse de temas como “I relieve in your love”, “Why is it so hard” y transportarse directamente a aquella época se convierte en una auténtica delicia.

8. Radiohead – The King of Limbs

Este año Tom Yorke le ha cogido el testimonio a Brian Burton (Aka Danger Mouse) como el hombre más hiperactivo del campo musical. Su nombre ha salido impreso en diversas colaboraciones y trabajos a lo largo del año, y por si no fuera poco saldo, también ha podido entregar un nuevo álbum con Radiohead. Su octavo disco de estudio se subscribe en la misma vertiente electrónica que ha venido marcando su sonido en los últimos años, y cuyas mayores señas se perciben en el abandono de los instrumentos de banda de rock por un sonido sintético más incipiente y atmosférico. Una electrónica que se guía por parámetros jazz, o al menos a la interpretación sui generis ofrecida por la banda de Oxford. Ahora los loops han pasado a ser el esqueleto del disco. Esenciales para construir estas atmósferas envolventes, cautivantes, hipnóticas y obsesivas con un resultado marcadamente desalentador. Este The King of Limbs no es un disco demasiado accesible, no puede conquistar al oyente con un primer contacto (la carencia de hits no ayuda a ello), necesita de su tiempo, adaptación y sobre todo, de varias escuchas. Pero sí las recibe, es un álbum que te agarra, pese a que la crítica parece no ubicarlo entre los trabajos más aplaudidos de estos chicos que siguen andando a su antojo por la liga de oro.

7. Cat’s Eyes – Cat’s Eyes

Uno de los debuts más estimulantes del año llegó de la mano de una de las parejas más extravagantes de los últimos años: Él, Faris Bawdan (líder de The Horrors), ella Rachel Zefirra (cantante de opera y multiinstrumentista). De la unión de los polos opuestos llegó una pieza de orfebrería pop que contenía algunas de las más hermosas joyas musicales de la temporada. Las diez cortas y concisas canciones que componen el debut de este dúo son un deleite para el oyente más sibarita. Talladas con precisión, aplomo y elegancia, los temas de este debut aletean alrededor de tu cuerpo erizando el bello con sus suaves caricias. El secreto lo guarda esta soprano con voz angelical, y el genial contrapunto oscuro y macabro que aporta el cantante de The Horrors. A esto, se añaden arreglos orquestales, una producción que bebe tanto de Phil Spector como de las bandas sonoras de Ennio Morricone o del John Williams más intimista, y ya se dispone de uno de los debut del año. Que encuentra su cara más perdurable y convincente en el preciosismo platónico de “The best person I know”, el reposo de paz inquebrantable de “The Llull” (otro de los temas más hermosos del disco), el loop esotérico “Cat’s Eyes”, el reverso gótico de las Ronettes de “Face in the crowd”, y cada una de las canciones que configuran este redondo debut.

6.  The Roots – Undun

Lo de esta numerosa crew de Philadelphia empieza a sonar a fantasía épica. Con una asombrante regularidad propia de Joel y Ethan Coen, vuelven a planchar un disco con los que filtrarse en lo alto de esta lista (ya hicieron lo propio el pasado año). Y es que Undun se encuentra entre los trabajos más celebrados de The Roots. ¿Sus armas? un fuego cruzado a base de neo-soul elegante, aroma funky old skool, y hip-hop con garra, de regusto maduro y sofisticado. Todo bien regado por una producción exquisita y por unos acompañamientos vocales que desenredarán matas de pelo. El resultado es un trabajo mayúsculo e inspirador, que hará enloquecer las neuronas de los gourmets de la música negra mediante un ajuste de influencias, elementos, y ritmos asombroso. The Roots siguen a lo suyo andando por una senda imparable, y con Undun despiden el año a lo grande.

5. Fleet Foxes – Helplessness Blues

El nuevo trabajo de los norteamericanos Fleet Foxes ha servido para poner a su líder Robin Pecknold en el alto pedestal donde merece estar, y a toda su banda por superar con nota la difícil criba del segundo álbum. Helplessness Blues, a diferencia del debut (Fleet Foxes, 2008), no es un disco cargado de himnos imperecederos, no hay en todo su recorrido piezas inmediatas, pero en contraposición, se cocina todo con fuego de leña, con lo que los temas adquieren cierta aureola mística creando espacio a una resonancia magnética, cautivante y misteriosa. Fleet Foxes no encabezan el revival folk, están por encima de él, en otra dimensión aislada del resto, y por suerte el mundo no lo está de su magia.

4. EMA – Past Life Martyred Saints

Erika M. Anderson no es una recién llegada en el campo musical, pero fue este 2011 cuando la vimos por primera centrada en su propio proyecto, conocida con las siglas EMA. Past Life Martyred Saints supuso el esplendorosos debut que la catapultó hacia las más distinguidas y elevadas alabanzas, y que la consagró como la más gratificante nueva sensación del curso. Y lo consiguió gracias a una formula que coge el polvo seco de su natal South Dakota le añade sombras neo-psicodélicas con el que va esparciendo su rastro por el mismo asfalto que recorría Fred Madison en la carretera perdida. El resultado es un artefacto absorbente, poderoso, y dinámico, que destapa una revelación vocal e instrumental con inmenso talento. Nada suena a artificioso o forzado. Todo el discurso se mantiene áspero, árido, pero a la vez revitalizante al desenvolver cierto halo hipnótico en una producción que aterra a la vez que maravilla. Su voz rota, su emoción vivida, sus vivencias impresas sobre arena y asfalto pueden invitar a establecer comparaciones con grandes artistas como Patti Smith o Cat Power, pero creerme, que EMA merece una distinción aparte, con identidad propia.

3. John Maus – We Must Become The Pitiless Censors of Ourselves

John Maus parece querer convertirse en el apóstol críptico de nuestros tiempos, en una especie de mensajero oscuro de la desazón de nuestros días. Al menos eso es lo que transpiraba We must become The Pitiless Censors of Ourselves, su mejor obra hasta la fecha. Apostada en terreno de pop hipnágotico y el lo-fi, y removido de raíz por impulsos sintéticos este LP es un viaje tortuoso, desalmado y oscuro a una tierra despojada. Este singular profesor de filosofía consiguió aislar la belleza de la naturaleza muerta. Mediante el uso de melodías cristalinas apoyadas en los sintetizadores, y el uso forzado de una voz que en ocasiones mimetiza con la de la del Scott Walker más desatinado, construye paisajes oníricos de pelaje rugoso y matiz alicaído. De ese espíritu desolado tan propio de formaciones de los 80′s como Joy Division, Suicide o Dead Can Dance, Maus logra sacar bellos parajes sonoros. Los mejores cortes transportan al oyente a ese extraño estado que deambula de lo placentero a lo afligido. Lo consigue por ejemplo con “Cop killer”, con la lluvia sintética de “Believer”, con la sublime (algo tellierana) “Street Light”.

2. Balam Acab – Wander/Wonder

Alec Koone es el nombre real de un niño prodigio que con 20 añitos se ha cascado el debut más glorioso del año. Bajo el alias de Balam Acab lanzó Wander/Wonder, un LP que ha permanecido intocable en los rincones más profundos del hipotálamo de quien escribe estas líneas. Las sensaciones que provoca Koone con este trabajo guarda similitudes físicas (retuerce el estomago y dilata el corazón) con las que te golpeaba Burial con sus dos primeros trabajos, o con la cascada de emociones que te invadía con la primera y segunda escucha del Merriweather Post Pavilion de Animal Collective. Sin embargo la propuesta de Balam Acab se desentiende del dubstep o el psych-folk para establecerse en el pop y el R/B, sin embargo, el tratamiento de las texturas y el uso de las voces resulta tan arrebatador como en los ejemplos citados. Adentrarse en este disco es como un buceo en apnea por un entramado marino que presenta bellos parajes repletos de corales, cuevas y corrientes submarinas asombrosas. Un símil que no resulta gratuito si se atienden los diferentes efectos de sonido marinos utilizados a lo largo de la grabación (los chapoteos de “Await” siendo claros) Si nos obligaran a aportar mayores referencias sobre el género por el que se pasea Balam Acab diríamos que transita entre el ambient, el pop etéreo, el R&B y ciertas chispas de chill out (quizás la única friega no necesaria en todo el disco) Sus herramientas son los sintetizadores, las voces fantasiosas, y una sensibilidad sobrenatural para aunar todo esto. No sé muy bien ante lo que estamos, ni si tendrá continuación, pero sé que cada vez que me pongo los cascos para escuchar temas como “Now Time”, “Motion”, “Await” o “Welcome” mi cuerpo muta en otras formas…espirituales, de fondo sublime, y placer divino.

1. PJ Harvey – Let England Shake

Ya con su prematuro lanzamiento en los primeros meses del año se percibió que el disco de Pj Harvey iba a ocupar los puestos altos de las listas de final de año, sin poder adivinar que tendría el honor de ocupar finalmente el trono que lo acredita como el mejor disco del año, Y Polly Jean Harvey lo ha conseguido ejecutando un disco político, melancólico, mágico y estremecedor. La cantautora ha tejido una bella postal de su tierra donde sobresale su distinguible voz (en ocasiones con el contrapunto magistral de una presencia masculina), los arreglos finos, limpios y proporcionados en su justa medida. Un empaque distinguido e inteligente que convierte las melodías de las canciones en suaves y reconfortantes estímulos. Hay cierta luz en sus composiciones, pero en general impera un ambiente melancólico, gris y de una extraña niebla que no permite ver con claridad, pero en cuyo trayecto, el oyente será desvelado por mágicos parajes (lo entenderán mejor si escuchan los temas “England”, “Let England Shake” o “The glorious Land”). Let England Shake es la última demostración del talento innato, que se saca aquí un pulcro e inspirado trabajo, con señas de convertirse en atemporal.

Polémica, discordia, iras, amenazas, descrédito y ante todo inconformidad y descontento. Esto son las listas, y nos flipan.

Aparte de este tremendo y eficaz invento de raíz consumista que responde al nombre de Navidad, y el cual este año tiene visos de aferrarse únicamente a su faceta tradicional,  son estas también fechas para lanzar listas de toda índole con las que radiografiar lo mejor del año, y si hay alguna que a servidor le motive elaborar es la de las mejores canciones del año. Una recopilación injusta, imprecisa, ajustada a un número caprichoso, desquilibrada y variable al gusto personal del que la firma (cambiante y subjetivo), pero útil para permitirse reflotar los mejores momentos musicales vividos durante el 2011, y que gracias al enlace Spotify que encontrareis a continuación también puede convertirse en un grato recurso para aligerar el empache de comilonas, turrón y familia, así como una guía para poner a prueba los equipos de sonido en las próximas noches de jolgorio y diversión que nos aguardan, sin ir más lejos, la de hoy.

Así que sin más rodeos, sin orden ni preferencia (de momento)… las primeras 20 mejores canciones del 2011.

Escuchar en Spotify Las 40 canciones del 2011 (Parte I)

The Naked And Famous – “Young Blood”

The Pains of Being Pure at Heart – “Heart in your Heartbreak”

Peter Bjorn and John – “Tomorrow Has to wait”

Israel Nash Gripka – “Goodbye Ghost”

Cults – “Go Outside”

A$AP Rocky – “Peso”

Thurston Moore – “Circulation”

Arctic Monkeys – “Brick by Brick”

Jay-Z/Kanye West/Mr Hudson – “Why I Love You”

Tune-Yards – “Bizness”

Azelia Banks – “212″

The Roots (feat. Bilal Oliver & Greg Porn) – “The OtherSide”

Cut Copy – “Need You Now”

Jonathan Keevil – “Babyfin” (Bellflower soundtrack)

Creep – “Days”

Washed Out – “Amor Fati”

Foster the People – “Pumped Up Kicks”

Cat’s Eyes – “The Best Person I Know”

Bon Iver - “Holocene”

Drake – “Marvins Room”

La banda norteamericana The Roots se ganó con su penúltimo disco (How I Got Over) un puesto privilegiado en la lista de esta casa creada para recoger los mejores trabajos publicados en el 2010. Apenas un año después, regresa con un nuevo título bajo el brazo bautizado con el nombre de Undun. Para construir esta nueva entrega han partido de una inusual inspiración, la vida ficticia de Redford Stephens, un pandillero neoyorquino arrastrado hacía un desenlace trágico por culpa del tráfico de drogas.

Con su treceavo álbum de estudio, la crew de Philadelphia demuestra un apetito voraz para superarse a sí misma. Con Undun vuelven a planchar un trabajo admirable, digno de volver a filtrarse en las listas de lo mejor del año, y lo logra salpicando los oídos con fuego cruzado a base de neo-soul elegante, aroma funky old skool, y hip-hop con garra, de regusto maduro y sofisticado.  Todo bien regado por una producción exquisita y por unos acompañamientos vocales que desenredarán matas de pelo. El resultado es un trabajo mayúsculo e inspirador, que hará enloquecer las neuronas de los gourmets de la música negra mediante un ajuste de influencias, elementos, y ritmos asombroso. The Roots siguen a lo suyo andando por una senda imparable, y con Undun nos hacen despedir el año a lo grande.

Tema Clave: “The OtherSide”

Nneka – Soul is heavy

La nigeriana afincada en Alemania Nneka ya tiene en la calle la continuación del aplaudido Concret Jungle. La cantante sigue lanzando sus proclamas políticas desde las mismas coordenadas sonoras que en anteriores trabajos. En Soul is heavy se sigue respirando afro-beat, reggae, hip-hop, y R&B, pero el efecto no es igual de alentador que en el LP que lo precede.

El discurso de Nneka pierde aquí algo de intensidad, parece como que la joven talento nigeriana haya optado por acomodarse a su fórmula. Pese a las lustrosas colaboraciones (Ms. Dynamite y Black Thought de The roots en dos de los mejores cortes de todo el álbum), Soul is heavy sufre durante el trayecto la repetición, algunos arreglos caducos, y cierta desgana. Alcanza los mejores puertos cuando abraza los sonidos tribales y autóctonos africanos, y los peores cuando Nneka intenta aproximarse a una Tracy Champan de ropaje R&B, en modo meloso y espiritual (“J”). No es un mal disco, pero sí una decepción viniendo de este precioso diamante africano.

Tema Clave: “God knows why”

Drake – Take Care

Tras las buenas maneras apuntadas en su debut Thank Me Later, el canadiense Drake regresa con su segundo trabajo de estudio. En Take Care el cantante aparta su ego, la mirada reflexiva a su éxito repentino para destapar un corazón lloroso, para mostrarnos su aspecto más desolado. Y lo lleva a cabo rodeado por invitados de lujo: Jaime XX en tareas de producción, Andre 300, The Weeknd, Rihanna, Nicki Minaj, Lil Wayne, Rick Ross.

Quizás el aspecto más atrevido y llamativo de este LP es ver cómo la polaridad que desempeña Drake como MC y cantante R&B no acaba por destrozar los cabezales de los tocadiscos. La escucha de su voz seductora con intervalos de rimas punzantes cuaja en general de forma bastante satisfactoria hasta llegar al tramo final, donde el sonido queda atrapado en una sustancia empalagosa. Pese a que el disco es una declaración sentimental eminentemente urban y R&B, hay lugar para destellos de chicha bass, de hip-hop mainstream, de neo-soul delicado, y eso aporta profundidad y frescura a los 18 cortes del álbum. Se percibe con notoriedad, y buen ajuste, en temas como “Take Care”, con producción de Jaime XX y Rihanna poniendo la voz, y con samplers del malogrado Gill Scott-Heron. Take Care no es un trabajo brillante, pero sí que supone una declaración de principios de su artífice para reivindicarse dentro del soft hip-hop como un músico válido que no se debe arrugar ni ante los compañeros de reparto que lo vean como un moñarron, ni ante la lluvia de dólares que le caigan por las ventas masivas de este trabajo.

Tema Clave: “Headlines”

Tom Waits – Bad as me

Sietes eternos años han tenido que pasar para que la voz tabernera más castigada y profunda, los bronquios ahogados en litros de ron, coñac y whisky, volvieran a escupir notas. Bad as Me es el lanzamiento que vuelve a poner sobre la palestra uno de los cantantes más genuinos y auténticos de la superficie terrestre. Este largo intervalo entre Real gone (2004) y el disco que aquí nos ocupa han servido para dar forma a un disco contundente, sólido, sin apenas estridencias palpables, y que demuestran una vez más la singularidad incorrupta de este artista inimitable.

En este álbum volvemos a encontrar un Waits que oscila con comodidad entre la balada para el amanecer post etílico y el desmadre salvaje en plena faena tabernaria. No hay un patrón claro que sirva de espina dorsal en el disco, es simplemente admirar la capacidad esponjosa de su artista para absorber toda la gama de referencias: jazz, gospel, blues, cabaret, y enderezarlas en unas composiciones asombrosas y únicas. Que en el caso de “Chicago” sirven para ponerte en situación con un azote contundente, que en “Talking at the same time” absorben gotas dylanianas, que en “Get lost” se mueven por terrenos inundados del Nueva Orleans que vive por el jazz, que en “Bad as Me” coge tintes incendiarios y diabólicos, y que en “Hell Broke Luce” disponen el ejercicio de una danza macabra. En definitiva el de la voz casacada e inconfundible vuelve a demostrar que es tan excelente como músico que como cantante y letrista, si bien aquí también cede parcela a colaboradores de lujo como las de Keith Richards, Marc Ribot o David Hidago, planchando un disco que supone un acontecimiento sonoro para todos los apasionados del sonido con olor a barrena. Tom Waits sigue a lo suyo, atemporal por la vida.

Tema Clave: “Bad as me”

Roots Manuva – 4everevolution

Rodney Smith lleva años paseando por las calles del sur de Londres con el pseudónimo de Roots Manuva y lanzando sus molotov cargados de dancehall, hip-hop, raices de dub y ragga, y consignas críticas de carácter socio-político. El artista londinense saca ahora el disco 4everevolution vestido con un ropaje algo distinto al que nos tenía acostumbrados.

Y es que Smith con este disco parece haber tomado la Northern line en el sur con dirección norte para dejar atrás la orilla sur del Thamesis. Su sonido se ha desprendido de la oscuridad mal oliente del underground londinense, del asfalto carcomido de Brixton para adentrarse en espacios más iluminados y accesibles, aptos para un abanico de público más amplio. No es que haya un reset de sus raíces y sonido, no es que se haya arrugado ante el status quo (son 39 años a sus espaldas como para ablandar su postura, de hecho sigue sacando sus afilados cuchillos para rendir cuentas con el gobierno y los problemas sociales), pero el añadido de capas de producción limpias, los coqueteos con el dubstep de radio formula, el grime, el disco u otros sonidos más propios de una discoteca de Picadilly Circus que de un mugrienta warehouse del sur de Londres, provocan que el impacto neuronal que produce su discurso se haya suavizado. Rodney no renuncia a él mismo, mantiene su voluptuosa e imponente voz, y el espíritu combativo sigue con él, pero se acerca a otros rapper british como Dizzee Rascal o Mike Skinner, quienes han cosechado el éxito que a él siempre se le ha denegado. Quizás 4everevolution sirva para cambiar eso…méritos para lograrlo hace tiempo que los hizo.

Tema Clave: Skid Valley

Boots Electric – Honkey Kong

“It’s easier without complexity”. Lo proclama solo arrancar el álbum con la contagiosa “Complexity”, a partir de ese momento ya estaremos listos para calzarnos un suéter hortera que ponga DIY, una cinta en la cabeza de color amarillo chillón, una chupa de cuero grasienta, unos zapatos de tacón posh, un bigote gayer, y salir a correr sin complejos por las calles de cualquier gran ciudad. Esto es más o menos la propuesta de Jesse “The Devil” Huges bajo el alias de Boots Electric, y Honkey Kong es su eléctrico debut.

La coctelera vitaminada que sirve este músico resulta de lo más variopinta. Hay en ella mucha marca del sello DFA dirigido por James Murphy, pero también asoman con valentía a lo largo de los diez intensos cortes gotas del electro pop mas desenfrenado, Glam ochentero, la ELO renegada del rock sinfónico de finales de los 70’s, y otras energías renovadoras para el espíritu y el cuerpo. Mucho beat desengrasante de caderas y sintes seductores para este ocioso primer LP. Es un disco algo hortera, algo descabellado e irreverente, pero tan atractivo para soltar melena y mover el culo, que no podía pasar por alto en la última lista del año si queremos despedir una mierda de año con estímulos revitalizantes.

Tema Clave: Complexity

Foto: Damià Bosch

El hermano menor del Primavera Sound abrió sus puertas el pasado martes en Madrid, y miércoles lo hacía en Barcelona, con todos los abonos agotados. La oferta musical que propone este festival por estas fechas resulta irresistible para la manada de gafapastas y hipsters que componen la fauna urbana indie, y así lo demostró el buen aspecto que lució la sala Apolo de Barcelona durante sus dos primeras jornadas, a pesar de ser entre semana y de ofrecer sus propuestas menos reconocibles.

A continuación haremos un breve recorrido por lo visto hasta la fecha en el Primavera Club 11 de Barcelona, a la espera de los platos fuertes que nos depara todo el fin de semana.

Miércoles 23

Veronica Falls

El cuarteto londinense abrió la veda con las píldoras de pop oscuro que han convertido su álbum debut en una de las sensaciones más gratas de la temporada. A pesar del empeño, y de la calidad que atesoran sus composiciones, a Veronica Falls se les vio un poco tensos, especialmente su bajista que estaba demasiado preocupada en que el público no percibiera sus carencias con el instrumento. El resultado fue más que correcto, con un concierto que fue claramente de menos a más (pese a la concentración de sus hits en el primer tramo), pero algo gélido por el sumo respeto que les causamos los presentes (y eso que la sala no estaba hasta arriba) Lo mejor de los escasos 35 minutos de música en vivo fue comprobar que sus nuevas canciones siguen respirando la frescura y la celeridad demostrada en su primer LP.

Charles Bradley

Completamente distinto al vendaval tórrido que justo después asoló la Sala Apolo. A Charles Bradley se le debería declarar figura de la humanidad por conciertos como los vividos la noche del martes, o al menos conservar en formol el Gésier de voz que atesora. Este veterano músico neoyorquino curtido en una y mil batallas (y duras, infancia en las calles) zambulló a todos los presentes hacía el éxtasis con su descarga de endorfinas depuradas por el soul más añejo, ese que bebe del soul clásico 60’s & 70’s, y que desplegó bajo una portentosa voz, una presencia física asombrosa, una gracia sexual indiscutible, y con una compenetrada banda de acompañamiento. Si Time for no dreaming fue uno de los más mayúsculos trabajos descubierto el pasado año, el concierto de Bradley se erige desde ya en lo mejor del año, y casi imposibilita que alguien supere la garra y la emoción vivida en lo que queda de festival. Larga vida a este reverendo Sex Machinaa.

Jueves 24

 

Foto: Dani Cantó

Pure X

Con la apabullante descarga de Charles Bradley aún retumbando en las profundidades huecas de mi cerebro, tocó el momento de afrontar una nueva jornada. Y la primera cabeza visible (al menos dos) fue el trío de Austin Pure X. Su vaporoso sonido a base de drones, sintetizadores y guitarras distorsionadas debió parecer idóneo para echar una cabezadita, pero para el que escribe, sus atmósferas lúgubres y nebulosas se fueron apoderando de la sala y de mi mente hasta provocar evocadores paisajes musicales, donde por alguna extraña razón el hijo de “The Godfather” seguía impartiendo muchas lecciones.

Sleep Over

Una propuesta enmarcada bajo el mismo tono fue la de Sleep Over. El proyecto de Stefanie Franciotta vino acompañado por dos de los miembros de Pure x, y transitó por terrenos contemplados en esa misma sala. Un dream-pop evocador moldeado a través de lamidos sintéticos construidos por labtop y sintetizadores, y realzados por la voz evocadora, sensual y cristalina de Franciotta. Otra propuesta ensoñadora y calma, que apenas llegó a los 30 minutos.

Jeef the BrotherHood

Los hermanos Orall se convirtieron gracias a su entrega y garra en una de las primera sorpresas del PC 11. Su desparpajo y contundencia en el directo no solo enloqueció a los exaltados de las primeras filas sino que puso en peligro la propia estructura arquitectónica de la sala. A base de pulverizar el sonido de una guitarra y una batería, Jeff the Brotherhood perfilaron un directo de garage y rock duro, que digo, demoledor. Con la respuesta sucia y bronca de The White Stripes cerramos la jornada del jueves, no sin antes testimoniar el esgarro griterio propuesto por The Pop Groups.

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Hoy entramos en una semana alterada por la resaca de las presidenciales, la ruleta rusa diaria de las primas de riesgo y la atenta mirada de los socios europeos sobre nuestros pasos. Por suerte surgen refugios musicales en nuestro entorno con los que equilibrar el malestar al que te sumerge la coyuntura actual.  Esta semana nos sobran las opciones gracias al Primavera Club que desembarca en Barcelona y Madrid, y a los festejos del onceavo aniversario del Razzmatazz con los conciertos de The Rapture (mañana) y el dream team electrónico del jueves 24 con Caribou, James Holden, Joy Orbison y John Talabot.

Pero el motivo de esta entrada se centra en el festival que empieza pasado mañana en Barcelona (mañana en Madrid). C0mo ya he dicho en anteriores ocasiones los organizadores del Primavera Sound, y su hermano menor, el Primavera Club son unos exploradores incansables de las últimas tendencias y los sonidos rupturistas más vanguardistas del momento. La confianza con su paladar es prácticamente ciega, por eso, siempre este servidor ha recomendado que lo mejor es dejarse llevar por el instinto y descubrir (con inocencia virginal) esas perlas escondidas que los organizadores han tenido para bien programar.

Sin embargo, si tampoco la cosa consiste en dar palos de ciego, a continuación recogo algunos artistas que considero que van a estar entre los “musts” de estas cinco noches que nos alegrarán la semana pase lo que pase.

Veronica Falls

(23/11 – BCN; 24/11 – MAD)

El cuarteto londinense se ha marcado un sonoro debut con un álbum homónimo anclado en el noise-pop de pelaje suave. Ahora tendremos la oportunidad de valorar sus tablas en directo.

Charles Bradley

(22/11 – MAD; 23/11 – BCN)

Primera solapamiento crítico que se dará en Barcelona con la coincidencia horaria de Charles Bradley, y su soul añejo, con el noise-pop de los de arriba. La potencia vocal de este veterano músico neoyorquino tiene muchos números para seducir al oyente mediante una música que permanece intacta a como se entendía el soul en su época dorada. Los cimientos de la sala Apolo y la sala Caracol corren el riesgo de derrumbarse con la intensidad que transmite este cantante.

Pure X

(24/11 – BCN; 25/11 – MAD)

Trío de Austin que practica una clase de dream-pop oscuro y cargado de guitarras ruidistas. Tras publicar su primer LP en verano, ésta será su primera visita a nuestras tierras.

Girls

(25/11 – BCN; 27/11 – MAD)

La banda californiana se marcó un rotundo rookie álbum con Album, ahora se desmarcan un poco del pop de aire juvenil y fresco que conquistó a la platea indie con un nuevo trabajo titulado Father, Son, Holy Ghost. Habrá que comprobar que faceta nos enseñan encima del escenario.

SLEEP OVER

(24/11 – BCN; 25/11-MAD)

Otra propuesta de dream pop experimental que llega desde USA. Su nombre es SLEEP OVER y lo lidera la cantante de voz cristalina Stefanie Fanciotti. Acaban de editar su primer LP’, y su objetivo será construir parajes emocionales con los que hacernos ensoñar.

St. Vincent

(25/11 – BCN; 26/11 – MAD)

Annie Erin Clark es una artista de larga carrera que por fin asume el reconocimiento con Strange Mercy, su tercer trabajo bajo el alias de St. Vincent. La del Primavera Club será una ocasión de oro para disfrutar del talento de esta multi instrumentista.

Superchunk

(25/11 – MAD; 26/11 – BCN)

Grupo clave de la escena indie rock de los 90′s en USA. No llegaron a las cotas de popularidad de unos Pavement o Pixies, pero su legado es profundo y alargado.

Com Truise

(25/11 – MAD; 26/11 – BCN)

La cuota de sintes sinuosos, bajos levanta faldas y recorrido fornido por el imaginario eighties lo pondrá un productor neoyorquino que bajo el alias de Com Truise se ha ganado el respeto de compañeros de la rama para remezclar trabajos propios: Twin Shadow, Neon Indian o Daft Punk. Ahora viene para presentarnos su LP de debut y seducirnos con su electro de quilates.

John Maus

(25/11 MAD; 26/11 – BCN)

John Maus no solo es vanagloriado por haberse cascado una tormenta arrasadora de tecnopop levitador en su último trabajo We Must Become The Pitiless Censors Of Ourselves, sino por situar a éste entre las obras más preciadas y queridas del año. Este licenciado en filosofía viene con la intención de agujerarnos la epidermis también en las distancias cortas.

EMA

(26/11 – Madrid – 27/11 – BCN)

Otra de las sorpresas más reveladoras de la temporada nos llega de la mano de EMA, el proyecto de la curtida Erika. M. Anderson, quien en su debut ha tejido con maestría, sangre y dolor en un anagrama que aúna rock sucio, electrónica y folk.

Fleet Foxes

(25/11 – MAD; 27/11 – BCN)

Con Fleet Foxes sobra cualquier presentación. La banda folk más venerada por la fauna indie que disfruta de sus arreglos crepusculares y harmonías celestiales. Están allá arriba porque su música encantadora los ha auspiciado.

Toda la programación por días

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En esta cita musical de los viernes no hemos dado nunca demasiado espacio a las girl groups, cosa que pretendo subsanar de inmediato con esta entrada.

The Shirelles estuvieron siempre un eslabón por debajo (en popularidad) de The Supremes y algo menos de Martha and the Vandellas, pero suyas son algunas de las canciones más bellas y pegadizas de finales de los 50′s y principios de los 60′s.

Es el caso por ejemplo de este “Baby it’s you”. Escrita a seis manos por Burt Bacharach, Luther Dixon y Mack David fue popularizada por The Shirelles en el año 1961, alcanzando con ella el Top 8 en el Billboard americano. Posteriormente los Beatles realizarían otra exitosa versión para su álbum Please Please me.

Pero la que aquí se expone es la clásica gema interpretada por la popular girlband. La versión producida por Luther Dixon mantiene su pulso vigoroso con la sonora presencia de la vocalista principal, con sus pequeños arreglos musicales y con el mítico coro del “Sha la la”. Un tema vibrante, sexy y romántico que se mantiene sin perder ni una chispa de su encanto.

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Para los barceloneses el mes de septiembre conlleva echarse a la calle para celebrar la Mercè. Durante estas fechas la ciudad mediterránea se tiñe de fiesta y de música. Y como cada año, el BAM adornará con propuestas musicales los diferentes emplazamientos que albergarán los conciertos de la Mercè desde el jueves 22 hasta el sábado 24.

Este año la organización ha partido de un presupuesto más reducido que en anteriores ediciones, pero estos no les ha supuesto ningún impedimento para articular una programación interesante.  Como viene siendo marca de la casa se recogen los gustos de diferentes paladares mediante una selección ecléctica de bandas y solistas. Así, se podrá disfrutar tanto de artistas internacionales de nuevo cuño  como WU LYF, Villagers, Zoomby o Javiera Mena, como una extensa representación patria: Za!, Antonia Font, El Columpio asesino, Cuchillo, Astrud & Col.lectiu Brossa, Pional.

Como viene siendo ya una tónica en las últimas fiestas, Estrella Damm organizará una serie de conciertos gratuitos en el encalve de la Antigua fábrica Damm. Este año los fogones dispensaran para las multitudinarias aglomeraciones el indie-rock de los suecos Mando Diao y el folk del dúo francés Herman Dunne.

A continuación destilamos lo más estimulante de estas jornadas musicales.

Jueves 22

Astrud & Col.lectiu Brossa     

Plaça del rei, 23:00

Thiki Phantoms

Plaça Reial, 23:00

Viernes 23

JC Brooks & The Uptwon Sound (neo-soul con salidas post-punk)

Plaza Reial, 00:15

Villagers (Pop-folk intimista)

Plaça del Rei, 00:15

Za!

Plaça dels Àngels, 21:15

WU LYF (Rock tribal y ruidoso)

Pl. dels Àngels, 22:45

El columpio asesino (Rock progresivo)

Parc del Fòrum, 00:00

Lori Meyers

Parc del Fòrum, 03:00

Zomby (post-dubstep)

Parc del Fòrum, 03:00

Sábado 24

Sr. Chinarro

Plaza Reial, 23:00

John Vanderlisce (pop íntimo)

Plaça del Rei, 22:45

Little Scream (folk-pop)

Plaça del Rei, 00:15

Cuchillo (Folk, psicodelia)

Pl. dels Àngels, 21:15h

King Midas Sound

Pl. dels Àngels, 00:30

Javiera Mena (pop chileno)

Plaz Joan Coromines, 23:30

Pional (talento electrónico del sello Hivern Discs)

Parc del Fòrum, 02:00

Herman Dunne (Folk)

Antigua Fábrica Damm, 21:00

Mando Diao (Pop-rock)

Antigua Fábrica Damm, 22:30

Aquí podéis consultar la programación completa del BAM11

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Euroyeyé, Gijón 2011 from Mateo Ramírez-Louit on Vimeo.

En su día intentamos relataros lo qué habían supuesto esas cuatro placenteras jornadas en el festival Euroyeyé de Gijón. Sin embargo, resultó sumamente difícil describir el ambiente vivido con palabras, la gente que lo habitó y el latir musical de soul, beat, psicodelia, R&B, garage y otros géneros populares en los 60′s que nos rodeó durante las horas del festival.

Ahora intentamos acercarnos un poquito más a lo que se vivió en agosto en la ciudad asturiana a través este laborioso vídeo que Mateo Ramírez  ha tenido el gran gesto de grabar y editar para este site. Sin más, espero que lo disfrutéis y os plantéis un viajecito hacía el norte el próximo año.

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Tras un último escollo en forma de túnel y 9 horas y media grabadas en nuestras sudadas espaldas, se vislumbraba en el horizonte una pequeña ciudad del norte de España conocida con el nombre de Gijón. Allí el GPS finalizaba la ruta de su recorrido, concretamente en un hostal mugriento hospedado por la hermana menor de Norman Bates. Por delante quedaban cuatro días de comidas fabulosas, música añorada, y buenas compañías.

Pero el relato que sigue se centra en lo puramente musical, en las experiencias vividas en el marco del festival y en las actitudes de la gente que nos reunimos en la ciudad asturiana para celebrar una época pretérita. Bienvenidos al Euroyeye 2011.

La primera jornada de la decimosexta edición de este festival internacional sixtie arrancó el jueves 4 de agosto. El primer plato del día lo guisó la banda inglesa The Bongolian, y el escenario escogido fue la plaza mayor de Gijón, donde peregrinos de la cultura sesentera se mezclaban con nativos y curiosos varios.

La propuesta de esta banda transita en un punto intermedio entre el jazz, el funk y el latin soul. Su sonido se acopla al ritmo de percusión que marca su líder y cantante Nasser Bouzida. Pese a pillar a muchos sin previo calentamiento, y dada las particularidades de una música poco familiar, su propuesta pareció calar incluso entre los asistentes que no formaban parte del festival, y eso dice bastante a su favor.

Foto: Mateo Ramírez

Tras The Bongolian, y tras visualizar las primeras Lambrettas delatadoras, el festival se trasladaba a la ubicación natural en que se nos citaría durante las próximas jornadas. A los pocos instantes de adentrarse en la discoteca Oasis uno ya pronto se daba cuenta de estar presenciando un pequeño santuario de la cultura mod y sixtie que se promueve desde el festival. Un pequeño mercado de vinilos y ropa vintage recibía a los invitados en la entrada. Seguidos por las barras de una discoteca con patio abierto y dos salas más, que por decoración y iluminación podían recordar a alguna discoteca cañí que haya utilizado Bigas Luna en alguno de sus filmes. Sin embargo el verdadero jugo se palpaba en los atuendos de los presentes. Algunos tonos psicodélicos, otros de impoluta estética mod, cada uno revisando con su particular estilo una época que a nuestro pesar no pudimos vivir.

Algo que sí hicieron el segundo plato de la noche. Desde Inglaterra nos trajeron a la formación psicodélica July. Banda de culto con un solo disco editado (July), y que tras décadas de ausencia, se volvían a reunir para girar y para sacar nuevo material. Como suele ocurrir en algunos “comebacks” su estado de forma resultó sorprendente, así como la compenetración entre todos los miembros de la banda que abarrotaban un escenario que se les quedó muy pequeño. En un bolo que mezcló los temas de antaño con los de hogaño destacaron por una fibra psicodélica estimulante (a ratos más progresiva o instrumental, y a ratos más melódica y vocal), y por la voz de su cantante Tom Newman (Dollyspot: Keith Richards + Paco de Lucía) que ha conseguido mantenerse firme y emocional al paso de los años. A diferencia de otros de sus coetáneos el nuevo material suena fresco y apetitoso (habrá que estar a atentos a su publicación).

Foto: Mateo Ramírez

Tras este buen sabor de boca, la primera noche allnighter enseñó sus cartas en tres ambientes dedicados a la música negra, a la blanca (beat, psych, garage) y al northern soul . Sin embargo, nuestros tullidos cuerpos, a causa del largo el viaje, recomendaron izar bandera blanca y refugiarnos en nuestros grises aposentos. Y así hicimos.

El viernes, ya con las pilas recargadas, aprovechamos las actividades paralelas programadas por los organizadores y nos acercamos a la proyección de Banda a Parte de Godard. Tras los imprescindibles preparativos culinarios y vinícolas que brinda la tierra asturiana, nos acercamos al meollo del festival donde los geroneses The Pepper Pots intentaban contagiar al público con su soul alegre, de ascendencia motown inconfundible, y de efectos inmediatos pero poco duraderos.

Mucho mas destacables se mostraron a los pocos minutos como escuderos de Maxine Brown. La gran diva del soul se plegó a sus clásicos del soul con una entrega y arrollo que ya quisieran para sí muchos veinteañeros. La norteamericana no solo mostró preservar toda su pasión hacía la música, sino que pese a haber sobrepasado los setenta años conserva en formol un chorro de voz asombroso, lleno de vigor, emoción y alma. A eso le añadió una simpatía, proximidad, sinceridad y simpleza que sintonizó de primeras con un público plegado a su encanto. Las notas más álgidas de la noche las compartieron el  clásico propio “All in my mind” y versiones ajenas como la inmortal “Take a little piece of my heart”.

Foto: Mateo Ramírez

Tras esos impagables recortes musicales que uno sabe que se lleva a la tumba, llegó la hora de encontrar ese punto en que la ingesta de alcohol no supere la percepción del oído para discernir algo familiar en el inabarcable background musical de unos Dj’s que se alimentan de la escena undergound de los años 60′s. Como suele ocurrir la balanza se descontroló, y a estas alturas sólo recuerdo ciertos rostros con los que ya me había topado en Le Beat Bespoké. La noche terminó con los primeros rayos del sol y con algunas lagunas revoloteando en voz alta durante el largo camino hacía el hostalucho.

El sábado arrancó tarde, pero ya embutidos en el ambiente propio del festival. Las tardes del festival los asistentes patrios tomaban como lugar de encuentro un bar de primera línea de mar, donde algunos Dj’s se encargaban de calentar el ambiente con perlas de antes.

Caldeados por el ambiente del lugar, y por el placentero aire que mecía el centro histórico llegamos al recinto del festival pasadas las doce, con la mala fortuna de escuchar solo un par de canciones de los ingleses The Faithkeepers. Una banda con ramificaciones garage y psicodélicas que debutó en nuestro país con su concierto en el Euroyeyé.

Foto: Mateo Ramírez

Ya bien asentados nos pilló ese vendaval de ritmo que proponen los zaragozanos The Higher State, con su mezcla de funk, soul canalla, r&b, bugulú, y sobre todo, mucho sudor resultante de la euforia que contagia a su líder infatigable (por Dios que alguien le suministre tranquilizantes a ese buen hombre). Pese al derroche de los españoles, el público no se rindió y recargó las pilas de alguna manera para seguir danzando al compás del soul, la psicodelia, beat, boogalo, el garage, el northern soul, el ska, y demás estilos que pinchaban Dj’s nacionales e internacionales, entre ellos Rob Bailey, y hasta altísimas horas de la noche.

Al día siguiente algunos aún gozaron del garage salvaje de King Khan & The Shrines, pero los protagonistas de este relato, debido a la distancia a recorrer, empaquetamos de nuevo para realizar el viaje inverso, dejando atrás ese Gijón, que durante unos días, a través de un festival minoritario, se había convertido en el oasis musical de un grupo de personas apasionadas por la música, la cultura y una escena muy concreta de una época no vivida, pero tremendamente , y paradójicamente, añorada.

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