Mientras una ola de calor recorre Europa (hasta los rusos están pillando) una pequeña ciudad al norte de España parece convertirse en un pequeño oasis en el desierto, al menos, durante el tiempo en que el “heatwave” de Martha Reeves empape el ambiente de la nueva edición del festival Euroyeyé. La ciudad de Gijón acoge desde hoy hasta el lunes el que posiblemente sea el festival mod más importante del mundo, y el más anclado en el espíritu de los 60’s.

El Euroyeyé revive esa dorada época (en lo musical al menos) con conciertos, exposiciones, ciclo de cine culto sixties, mercadillos, paradas de disco, y hasta un rally de scooters. La ciudad asturiana se tiñe de minifaldas, topos, flequillos, Lambrettas y espíritu yeyé para acoger conciertos de la talla de Martha Reeves (leyenda del soul que aterriza hoy 29 de julio sin sus Vandellas). Un inmejorable preámbulo al live de DC Fontana del viernes 30. Mientras que el sábado el plato fuerte será el veterano soulman Tommy Hunt, y domingo el rock garage contundente de los españoles Wua y los Arrrrghs. Finalmente el lunes pondrá el brochazo final los británicos The Shoestrung.  

Gijón revivirá estos días la cultura sixtie con música de lujo, conferencias, exposiciones, ciclos de cine, mercadillos, ropa, y ambiente mod. Cita imprescindible para los amantes.

Toda la información en la web del Festival

El verano es sol, bronceados, bikinis, playas, arena, agua, comida, terrazas, cocktails, charlas, sexo, amores fugaces y sueños. Son encuentros y desencuentros, propósitos y despropósitos, kilos y dietas, viajes y estancias, playas y montañas, carreteras doradas y oscuras, amaneceres y atardeceres,  y ante todo desconectar de la rutina autoimpuesta. Pero sobre todo, el verano es música, es la música que te ameniza los largos viajes en coche, la música con la que te despiertas y con la que te vas a dormir, la música que golpea tu cuerpo en los festivales, en las discotecas, en los bares, y es la música que te golpea con insistencia durante el resto del año para recordarte los buenos momentos vívidos durante estas especiales jornadas.

Ahora, adentrados de lleno en julio, es un buen momento para proponeros la siguiente selección musical con los temazos que pueden marcar este caluroso verano (o el año). Es una selección (de 14 temas) configurada con mucho indie, rock, pop, y aliñada con una gota de soul, otra de electrónica, y algunas de hip-hop. Ideal para los que empiezan sus vacaciones, y pequeño antídoto para los que estáis de vuelta. Enjoy it.

Escuchar los temazos del verano EDC en Spotify

The Drums – “Let’s go surfing” (Indie)

The Dead Weather - “The Difference between us” (Rock)

The Drums – “Forever and ever Amen” (Indie)

The Big Pink – “Dominos” (Indie)

Eli “Paperboy” Reed- “Explosion” (Soul)

Sleigh Bells – “Crown on the ground” (Hip-hop)

Sleigh Bells – “Ring Ring” (Hip-hop)

The Roots – “Right on” (Hip-hop)

El hijo – “Toda la noche nevando”

Mistery Jets – “Alice Springs” (Indie)

Uffie - “Difficult” (Electrónica)

Two Door Cinema Club – “Something good can work” (Indie)

The Morning Benders – “Wet Cement” (Indie)

Quizás los new yorkers estén acostumbrados, puede que también los londinenses o los angelinos, pero lamentablemente, en este país, no suele suceder que en una misma semana te visiten tres mitos vivientes de la historia de la música popular. Y sin duda, si uno es melómano, y tiene dinero y tiempo suficiente, hay que aprovechar estas grandes ocasiones que se dan en unas determinadas coordenadas espacio-temporales cercanas a las nuestras.

Dr. John & The Lower 911 (12/07/10) – Auditori de Barcelona 30€

Empezamos por el más temprano de ellos. Este lunes, en el Auditori de Barcelona, se podrá gozar del rock, soul, funk, blues que imparte un maestro de la música de Nueva Orleans como es Dr. John. El veterano artista, con más de cuatro décadas de carrera en sus espaldas se presenta junto a The Lower 911 para desmenuzar las raíces de la música negra y confirmarse como uno de los mayores estandartes vivos de la música americana.

Solomon Burke (15/07/10)  – Apolo (BCN) 20€

La próxima cita imprescindible para los residentes en Barcelona, viene de la mano de un mito del soul. El septuagenario Solomon Burke ofrecerá en la sala Apolo  su único recital en territorio español. El de Filadelfia ofrecerá un recorrido de dos horas por clásicos del soul y de la música de raíces americanas.

Ray Davies (15/07/10) – Escenario Verde FIB 70 €

En uno de esos solapamientos fatídicos típico de festivales, Ray Davies (ex líder de los Kinks) ofrecerá, el mismo día que Solomon Burke pero en distinta latitud, un concierto único e irrepetible. El británico viene dispuesto a engrandecerse a través de los clásicos eternos de The Kinks en un concierto de dos horas. A su alrededor han montado un festival de grupos en la tabla media, que sin duda no justifican el abono del FIB, pero sí que pueden ser unos buenos canapés para la velada del The Kink.

El Destilador intentará desdoblarse, o al menos, asistir a algunas de estas citas, para contároslo con detalle.

Desde el primer hasta el último fotograma me fascinó este videoclip de “No one’s gonna love you more”; una versión del tema de Band of Horses (perteneciente al álbum Cease to Begin, 2007) por obra y gracia de Cee Lo, la mitad pensante (la vocal) del excelente dúo neo-soul Gnarls Barkley. Lo que al principio parece la típica road movie norteamericana con una historia de amor entre dos jóvenes apuestos y atrevidos como elemento central, acaba girando hacía una triste historia de desamor y desilusión. Esos sueños conjuntos terminan estrellándose en una cuneta desolada. Y nosotros, como espectadores, lo apreciamos ya con el cambio de tono en las imágenes, que pasan del cielo crepuscular a lo anuncio de Tommy Hilfiger a la oscuridad y crudeza de los ambientes que retrata Larry Clark.

Más allá de la impecable factura, la historia en sí, y el endiablado ritmo visual, si prestáis atención, descubriréis una estupenda versión de la mano de este artista, que posee una potente e identificable voz que ensalza esa vestimenta musical de doble filo, a la que tan bien han sabido acompañar un tal Skinny con las imágenes del videoclip, pasando de un viaje Estrella Damm a los reversos duros y oscuros de la fisonomía norteamericana, valiéndose de ese icono contemporáneo que es la carretera. Hacer este viaje, y si podéis desquitaros de la potencia de las imágenes, hacerlo con los ojos y las orejas. Vale la pena.

Parece ser que este single es un adelanto de un álbum en solitario que prepara el cantante para otoño,  con producción a cargo de Paul Epworth.

Refrescantes remedios musicales para un caluroso verano. (Para escuchar el disco en Spotify clica en su título)

The Drums- The Drums

La última sensación indie procede de la escena Brooklyn, pero su sonido parece ser la antítesis de la psicodelia que baña a cada nuevo grupo de esa zona de NYC. Después de editar un primer EP Summertime  que recogió todo tipo de elogios, publican ahora su primer larga durada The Drums, donde recogen algunas de las canciones que los han convertido en una banda en boga.

Su sonido, definido por algunos como pop surf, es un entramado pop de estribillos pegadizos y coreables, interpretados con una actitud fresca, juvenil y despreocupada. Sus coros nos remiten a las horas despreocupadas de juventud, a olas y a chicas de Vice Beach. El álbum lo componen 12 píldoras revitalizantes de pop bailable y contagioso. Temas como “Let’s go surfing” y “Forever and ever amen” lo certifican, y se posicionan en la pole position de cara a los temazos veraniegos 2010, o  por qué no, del año.

Eli “Paperboy” Reed – Come and get it

Escuchar a Eli “Paperboy” Reed da tanta satisfacción como coincidir con los únicos rayos de sol que se filtran en un día nubloso. Nadie que vea a este joven blanco flacucho es capaz de imaginar que de su interior pueda brotar una voz soul tan potente. Su música está anclada en el género que cimentaron Sam Cooke, Aretha Franklin, James Brown o Otis Redding, entre muchos otros. De hecho tanto este Come and get it , como su anterior Roll with you, son obras que no parecen hijas de su tiempo.

Con Come and get it, Eli “Paperboy” Reed reemprende la senda de su debut para recrearse en ese soul añejo que tanto parece haber mamado en su natal Massachusets, y lo hace a través de 13 cápsulas de optimismo rebosado. A pesar de una cadencia rítmica que se repite de forma similar canción tras canción, la entrega en cuerpo y alma del norteamericano contagia de vitalidad al oyente que se acerca a escuchar. Atención a “Explossion”, que como ya indica el nombre del tema te sacude con su explosivo ritmo inspirado en el desenfreno de Mr. Dynamite (AKA James Brown).

Holy Fuck – Latin

Encasillados dentro del neo-electro, la verdad es que el sonido rabioso y potente de este colectivo canadiense no cabe en etiquetas.  Latin es su última obra, y quizás la máxima expresión de dónde puede llegar su música. La mayor parte de él es eminentemente instrumental, y de un matiz caótico y paranoico, pero debajo de ese aparente desorden se esconde unas capas de sonido que proceden de distintas fuentes (batería, guitarras, sintes) pero que saben encontrarse y acoplarse a la perfección.

Viendo el desenfreno energético que desprende la banda sobre los escenarios resulta difícil  imaginárselos en el confort de un estudio, pero los de Toronto han sabido trasladar esa rabia y potencia controlada con rigor a estos temas que configuran la obra. Mezclando toda clase de sonidos inidentificables, Holy Fuck construye unas inspiradoras capas que terminan estremeciendo por potencia. Su último álbum es algo así como escuchar las tormentas eléctricas de Explosions in the sky pero tejidas desde bases electrónicas.

Mala Rodríguez – Dirty Bailarina

Dirty Bailarina es la última propuesta en gran formato de la rapera española.  La Mala alcanza con este trabajo niveles que harán envidiar a muchos artistas autóctonos. La envidia de ese sonido pasa por la excelente producción a cargo del estadounidense Focus, Griffi, y Señor T. Cee. Y por cuajar sin salir malparada el rap con el flamenco y el pop.

La jerezana coge el resultado de estas largas horas en el estudio, y le estampa su sello inconfundible mediante su elocuente lírica urbana y su perfecta rima. El álbum crece con cortes como  “Yo no mato el tiempo” o la inicial y 100% Mala “En la línea”. También con la balada experimental de corte futurista que es ese “Nene”, o con esos coros cálidos de “Amo” . Mientras sus cápsulas más neo-soul y flamenco son las que desaceleran la impresión global que uno se guarda, son temas como “Un corazón” y “Patito feo”.

The Roots – How I got over

El ultimo producto de la factoría The Roots es una pieza de orfebrería tallada con maestría según los patrones del soul, el hip-hop y el crossover indie-rock más limpio. ¿Y cómo se puede salir airosos de todo ello?, con precisión, elegancia, criterio, lucidez, y un saber hacer general a manos de muy pocos.

Lo último de los de Philadelphia es todo un despliegue emocional. How I got over desprende un aire desalentador, en ocasiones melancólico y apagado. Ayudan en ese sentido las excelentes colaboraciones vocales que aportan: Joanna Newsom, Jim James de The Morning Jacket,  Dirty Projectors o John Legend, entre otros. En la perpetuidad deberían quedar cortes como “The day”, “Walk alone” o “Right on”.  How I got over no es un disco de rap de The Roots, es un enorme disco de rap-soul heterodoxo  con un aroma descorazonador.

Devo – Something for everybody

Something for Everybody supone el primer álbum de estudio de Devo tras veinte años de sequía creativa. El disco requiere de varias escuchas si no quiere verse abocado a la papelera, y eso sería injusto, porque pese a no encontrarse en la cresta de la ola como hace treinta años, la veterana banda new wave sigue despuntando por su sencillez harmónica y por la facilidad y manejo a la hora de transmitir buenas vibraciones al oyente.

Enmarcado en una corriente electro pop de baja intensidad conceptual e instrumental, el disco funciona a medida que el oyente consigue adaptarse al nuevo sonido del grupo. Hay poco adornos y florituras, de hecho la estructura rítmica es muy pareja en todo el disco, pero si su objetivo era un “something for everybody”, creo que sus estribillos pegadizos pueden medio conseguirlo, al menos para algunos. Los mejores resultados llegan con “Fresh”, la Roxymusicera “No place like home”, “What we do” o “Don’t shoot (I’m a man)”.

Las frescas novedades para empezar el verano

The National – High Violets

Los neoyorquinos quieren reivindicar con High Violets su papel preponderante en el Indie norteamericano, y por qué no en la escena internacional. Porque su nueva obra son más que 11 temas de pop rock tallados a la perfección, son muestras de la capacidad del grupo para encarrilar majestuosas canciones en terrenos que tanto cruzan parajes luminosos como tristes e embriagadores.

High Violets desprende una belleza intrínseca que cuando más se escucha más se aprecia, pero de entrada todo oyente quedará atrapado con los sencillos “Bloodbuzz Ohio” o “Terrible Love”. Un pequeño aperitivo para que los de Brooklyn nos transporten a su antojo por diferentes estados de ánimo, todos irrepetibles. Puede que no sea su mejor trabajo, ya impartieron lecciones con sus dos anteriores álbumes, pero es una  clara muestra de que estamos ante una de las bandas norteamericanas más esenciales del panorama actual.

Sharon Jones & The dap Kings – I learned the hard way

Sharon Jones, con sus inseparables The Dap Kings, lleva años ganándose a pulso el apodo de reina del soul, con el permiso de la leyenda viva Aretha Franklin. Lo que esta brooklyniata impregna a su música suena tan fresco y vivo como lo podría haber hecho en los años 60’s, porque sus temas al ser escuchados nos transportan precisamente a esa época dorada del soul.

Con I learned the hard way vuelve a repetir a la perfección su formula de soul añejo que sale dispensado por un desgarro interior de un corazón castigado, y cuyo principal síntoma en el oyente se traduce en una fuerza adictiva que lo hace levantarse de golpe para sumirse entusiasmado al credo que profana Sharon.  

Subiza- Delorean

El grupo vasco afincado en Barcelona hace tiempo que decidieron ir a su bola, mientras en su país de origen los ninguneaban, en EEUU se volcaron con ellos. De hecho los yanquis desde el primer día encumbraron su nuevo trabajo Subiza, un irresistible disco de pop cristalino que te lleva directamente a la cresta de la ola.

Y lo hace al minuto de despegar, con temas tan evocadores e inspiradores como “Stay Close” y “Real Love”, que le recuerdan a uno amaneceres gloriosos en los últimos días de los veranos de juventud. El pop melancólico y regenerador de Delorean tiene cierta conexión con el pop psicodélico de Animal Collective, pero también alguna textura etérea parece obra de algún productor de IDM.

Caribou – Odessa

La evocadora música de Caribou ha ido marcando puntualmente el último lustro de la primera década de este siglo. Ahora regresa con este estimulante LP donde el pop cristalino de Andorra cobra un matiz más bailable.

Es como si el dream pop que consigue despegar mezclando el pop con la electrónica, y que con Andorra quedaba mezclado de manera memorable con el folk y el psych british sesentero, le hubiera impregnado una píldoras efervescentes subministradas por Hot Chip. Temas tan fascinantes y cautivadores como el que abre el disco, hacen que el exquisito sabor de boca general no se pueda desquitar.

Roky Erickson – True Love Cast Out All Evil

Roky Erickson, legendario líder del referente psicodélico 13th floor Elevator, llevaba 14 años alejado de la actualidad musical. Ahora regresa a ella con la ayuda de Will Sheff y su banda Okkervil River, los cuáles le acompañan como banda, y Sheff a la vez de productor, en estos 12 temas surgidos de una alma sincera, profunda y curtida.

Erickson parece abordar con True Love Cast Out All Evil su particular expurgación musical para desprenderse de los fantasmas del pasado: drogas, arrestos, un ingreso en una institución psiquiátrica que cambiaria su vida. Todo ello ha sido puesto en el fresco contexto sonoro que propone Okkervil River (que nadie se espere la psicodelia que caracterizó a los 13th Floor Elevator), done las letras y la voz demoledora del veterano artista ocupan un lugar central.

A modo anecdótico, decir que la canción que abre el álbum y la que cierra, pertenecen a grabaciones amateurs que grabó el propio artista cuando se le diagnosticó una esquizofrenia y fue ingresado en un hospital psiquiátrico, de ahí que el sonido sea tan casero en esos dos temas.

The Dead Weather –  Sea of cowards

Su técnica con la guitarra se podría comparar con la de “Slowhand”, pero las comparaciones van más allá, porque el también blanquito con alma blues Jack White multiplica sus proyectos paralelos, tal y como hiciera Clapton en los 60’s. Su último grupo paralelo se conoce con el nombre de The Dead Weather, y Sea of cowards es su segundo trabajo.

En esta ocasión Jack se deja acompañar por Alison Mosshart (cantante de The Kills) en la voz, y por Dean Fertita y Jack Lawrence. El resultado es un disco de garage revivial,  más compacto y coherente que su opera prima, y que sigue teniendo esa cadencia White Stripes que Jack impregna con su guitarra y los estribillos que salen de ella. La voz bluesera de Mosshart le da un plus de sabor genuino.  Pero el que escribe sigue prefiriendo el tándem que formaba con su hermana.

Woods – At echo lake

Otra perla surgida de la escena Brooklyn, que sin embargo no goza de la repercusión de unos vecinos Grizzly Bear o MGMT, pese a tener algún punto musical común con ellos. At echo lake es su último disco, y en él imparten una delicia de rock-folk lo-fi que se cuela en el oído para instalarse durante una temporada.

Con su último álbum Woods parecen remontarse al esplendor de melodías pop que conquistó la costa oeste a finales de los 60’s. Las influencias de The Byrds, Donovan y cantautores folk clásicos en las melodías es muy visible a lo largo de sus 11 composiciones, y no por ello, deja de ser un gozo escucharlo. Incluso se atreven a ir más allá en reproducir este sabor añejo con unos admirables riffs e incursiones psicodélicas que no desequilibran el manso estado emocional al que te evoca el disco.  

LCD Soundsystem – This is happening

Otro paso más de James Murphy al frente de LCD Soundsystem. This is happening es un paso continuista en la línea que ha llevado al grupo a ser una de las cabezas más visibles y cotizadas del indie electronico. El disco está sellado por las altas habilidades de producción que profesa Murphy, y esto el oído lo aprecia con los syntes que suenan orgánicos, pulidos y secos beats, y esos cambios repentinos que aportan color especial.

El álbum deja varios regalos en formato sencillo. El autorreferencial “You wanted a hit” (que se podría haber completado con un “ and I know how to serve you”), o los dos jugosos temas que abren: el extenso “Dance Irself Clean” y el punk electro de “Drunk Girls”, y el que lo cierra “Home”.  

Seguimos con esta sección hermandada con GX, para destacar los discos más jugosos del mes de abril de 2010.

Four  Tet -  There is love in you

Tras cuatro años de silencio como Four Tet, Kieran Hebden’s regresa para maravillarnos con There is love in you. Un regalo de electrónica gustativa, de esa que perfora el oído para instalarse en la mente mediante sus entramados de capas hipnóticas.

El álbum parece construido con la precisión de Philip Glass, pero Hebden’s sabe añadirle un tono multicolor; de alegría y felicidad. Se nota el amor empeñado en su elaboración, porque a lo largo de sus nuevos temas reluce mucho brillo en las texturas, las capas y la detallista producción que se va entrecruzando con una cohesión asombrosa. Temas como “Angel Echos”, “This unfolds” o “Love Crying” lo corroboran.  

Broken Bells – Broken Bells 

Rompiendo con la línea de emparejamientos musicales impostados que no suelen resultar, Broken Bells marcan un tanto a favor con este luminoso debut homónimo. El proyecto viene avalado por la sola presencia de sus dos exponentes. Por un lado Danger Mouse, el polifacético Dj y productor responsable de hits como “Crazy” con Gnarls Barkley, y por otro, de James Mercer, el líder de la banda indie The Shins.

Ante esta variopinta mezcla surge este disfrutable álbum, con bellos cortes, pulidos por la maestra mano de Brian Burton (nombre real de Danger Mouse), con un sonido a medio camino entre el pop lumínico, la psicodelia, y adornado con ciertos dejes electro ochenteros. Resulta ejemplar lo bien que se compenetra la voz de Mercer con las florituras de Mouse.

Groove Armada – Black Night

El pasado 1 de marzo Groove Armada publicó su último trabajo, Black Night. Un revitalizante exponente de la época dorada del disco. Este dúo de electrónica londinense se ha acompañado de colaboraciones de lujo para completar su sonido fresco y motivador.

Con colaboraciones de Brian Ferry, Will Young, and Little Nickmore (Empire of the Sun), el resultado es un más que notable álbum de electrónica con reminiscencias a Blondie, Grace Jones, y al disco y el dance más brillante. Unas cápsulas vitamínicas esenciales para asaltar la pista con optimismo. Para remarcar temazos como ”Look me in the eye sister”, “Paper romance” o “I won’t kneel”.

Yeasayer – Odd Blood

El grupo de pop psicodélico Yeasayer son otro de los grandes exponentes de la escena Brooklyn. Ahora vuelven a salir a la palestra con Odd Blood, otra muestra de su particular visión estratosférica de concebir la música pop.

Su Odd Blood destila colorido por cada uno de sus poros. El entramado musical navega en los cauces del pop, para a partir de ahí desviarse hacia la electrónica y la psicodelia configurando con ello una adictiva red que va atrapando al oyente con cada nueva escucha.

Fredrick – Trilogy

Fredrick es un grupo de folk proveniente de las tierras frías de Suecia, y eso queda impregnado en el ADN musical de la banda, con un folk oscuro y experimental que se filtra en el oyente con la misma suavidad con la que su cantante arropa las canciones. Trilogy, publicado en 2009, es hasta ahora su último trabajo.

Su experimentación invade el folk costumbrista para crear bellas e intrincadas composiciones. No dudan en mezclar con precisión las guitarras, los cellos, y los instrumentos de viento con los sintetizadores. Y de todo ello florece en una bonita y melancólica música, que mantiene puntos en común con la añoranza gélida de Sigur Ros. Se aprecia de forma clarividente en temas como “Ner”, o “locked in the basement” o su brillante epitafio con “Omberg”.

Titus Andronicus – The Monitor

Esta banda de indie-rock salida de New Jersey, publica estos días su segundo trabajo con el nombre de The Monitor. Como en su primer álbum, The airing of grievances, este larga duración está cargado de temas contundentes que respiran inspiración etílica.

Se respira en él un cierto sabor a pub irlandés, a sudor punk, y a borracheras alargadas hasta altas horas de la noche, o de la mañana según se vea. Cortes donde los instrumentos se arañan, donde el folk está más cerca de la agresividad del punk, que de la dulzura de Joan Baez. Es como el encuentro repentino de unos Black Lips etílicos con los componentes de una banda de folk que acaba de hacer un recital de pureza en pleno Central Park.

Disco del mes (análisis extenso)

Valleys of Neptune – Jimi Hendrix

En septiembre se cumplirán 40 años de la muerte de Jimi Hendrix, y sin embargo nos sigue llegando material inédito de uno de los guitarristas más legendarios de la historia del Rock. Sony  nos resucita al genio de Seattle con este Valleys of Neptune, tal y como ya ocurriera con el  también álbum de estudio First rays of the new Rising Sun . Puede sonar a oportunismo para desenvolver la maquinaria de dinero, pero alabados sean, por proporcionar nuevas dosis de rock puro e incendiario a los nostálgicos de la edad de oro del rock.

Doce cortes inéditos de rock & roll puro, incendiario y salvaje. Hendrix demuestra una vez más su pasmosa facilidad para recrearse en el riff y los torbellinos de distorsión imposibles. Incluso se apropia, haciéndola muy suya, de una versión del “Sunshine of my love”, de sus admirados Cream. Valleys of Naptune no es el mejor álbum de este artista (difícilmente podría serlo un álbum inacabado por el artista), pero es motivo de júbilo y fulgor poder degustar de las sobras del genio eléctrico.

Nneka – Nneka..to and Fro

Recuperamos este desapercibido disco del 2009, que servía de carta de presentación de la cantante de origen nigeriano pero establecida en Alemania, Nneka. Una bella cantante que despliega con su vibrante tono de voz un neo-soul con claras raíces multiétnicas. 

De bien seguro, que la carretera de esta artista nos seguirá ofreciendo otros buenos momentos. De hecho este año ha lanzado Concrete Jungle, pero hasta que no podamos escucharlo, los aficionados al cruce de ritmo tribales, con la electrónica, el reggae, el soul, y la envolvente y potente voz de las femme singer con carácter, tienen en Nneka y su Nneka…to and Fro una perfecta combinación para disfrutar.

Inaguramos con esta entrada una nueva sección en El Destilador Cultural, en la que una vez al mes (durante sus primeros días), os traeremos las novedades discográficas más calientes e interesantes del mes entrante. Empezamos con las siguientes recomendaciones para el mes de marzo.

Exsonvaldes -  Near the edge of something beautiful

Near the edge of something beautiful es el reciente trabajo de la banda francesa Exsonvaldes. El cuarteto se ha dejado acompañar por Alex Firla (productor de Phoenix) para amoldar las capas electrónicas con el pop de corte emocional.

En la plasmación de ese sonido, destaca la voz de su cantante, con claras reminiscencias a Tom Yorke, y las melodías sugerentes de sus guitarras. Pude que el tema “Lali” quede como la píldora más efervescente, pero el oyente no debe dejarse cegar por ese primer impacto, ya que en su conjunto también hay canciones muy reconfortantes.  

Spoon – Transference

Spoon es uno de esos grupos que uno podría dictaminar que no gozan del respaldo de público y critica que deberían tras publicar trabajos como Gimmie fiction o Ga Ga Ga Ga Ga. Ahora este trío de Austin regresa a la plana de la actualidad con Transference, su nuevo disco de estudio.

La energía con el que completaron sus anteriores trabajos da paso a un sonido más calmado y reposado, se podría decir que más maduro. Aquí los seguidores del rock independiente no encontraran singles, pero si una esmerada producción, y un disco, que pese no estar a la altura de sus mejores trabajos, es una pieza destacable. 

Sade – Soldiers of Love

La voz suave y aterciopelada de Helen Folasade Adu ha vuelto tras un largo silencio de 8 años. La añorada Sade regresa con Soldier of love, un acertado álbum donde vuelve a demostrar sus dotes como cantante.

La cantante de origen africano se ha rodeado de un grupo de músicos muy profesionales, y por una producción detallista y muy elaborada. Pero en ningún caso permite que éstos sobresalgan por encima de la envidiable voz de esta cantante que cuando canta parece que esté arropando al oyente con su delicadeza y elegancia.

Ghostface Killah- Supreme Clientele

Ahora que revistas y webs especializadas han encumbrando a los mejores discos de la primera década del siglo XXI, es un buen momento para recordar una de las joyas del hip-hop que marcaron ese período.

Ghostface Killah, ex miembro de los reverenciados Wu-Tang Clan, se sacó de la manga este superlativo álbum de beats endiablados, rimas segadoras, samplers tremendos (con mucho aroma cinéfilo) y con una envidiable producción que saca un brillo cegador en sus incursiones al soul. Puro nervio y ritmo contundente de la mano de un monstruo del género. Un álbum de referencia para los amantes del hip-hop.

Massive Attack– Heligoland

Los de Bristol saltaron a la primer línea musical propagando desde su ciudad el trip-hop. Un género musical que dieron a conocer entre ellos, y Portishead. Mientras que Beth Gibbons y los suyos se reinventaron hace un par de años con su encumbrado Third, Massive Attack, tras una larga ausencia (2003 fue el último año en que editaron su último álbum) siguen en la línea que los ha caracterizado.

Heligoland tiene ese sello característico de la banda; atmósferas hipnóticas, beats industriales que marcan un ritmo sincopado, y una voz angelical que despeja la densidad. Es un sonido apreciable, pero no aporta nada nuevo a su trayectoria, es más bien un disco para los incondicionales de la banda y su sonido. 

Gil Scott-Heron – I’m new here

El que fuera uno de los progenitores del rap vuelve a recorrer el asfalto de las calles para provocar profundas heridas en sus oyentes mediante su desgarrada poesía. Gil Scott-Heron regresa a sus 61 años con este nuevo trabajo: I’m new here.

La demoledora voz de este ecléctico músico de R&B sigue siendo el principal marcapasos con el que mantiene las constantes musicales de su estilo. A su desgarrados mensaje de poeta de la calle, les suma, en esta ocasión, una oscura y atmosférica producción que crea el marco perfecto para que su lamento de los más profundo sea todo un shock para quien se atreva a sumergirse en este tour por las partes más oscuras del ghetto neoyorquino.  

The Soft Pack – The Soft Pack

Son originarios de San Diego, y algunos medios ya se han apresurarlos para definirlos como los nuevo “Next big thing”. Algo que parecen no haber tenido en mente cuando compusieron las irresistibles canciones de su álbum homónimo. Unos temas que respiran autenticidad, al menos, la autenticidad del rock añejo.

Su álbum homónimo se compone por diez cápsulas de rock, energía punk y melodías pop. Surgidas al mezclar a alta decibelia riffs alargados, baterías contundentes, e ingredientes con deje a The Stooges y otros grupos de la escena.

2005

Sufjan Stevens – “Illinoise”

La mejor obra del habitual vodevil sonoro del de Detroit. Hay pocos artistas con una visión tan amplia de las posibilidades a su alcance. Es imaginativo. Simple. Barroco. Come On Feel The Illinoise destaca por una ambientación única, con coros, violines, banjos, teclados, vientos y títulos como “The Black Hawk War, or, How to Demolish an Entire Civilization and Still Feel Good About Yourself in the Morning, or, We Apologize for the Inconvenience but You’re Going to Have to Leave Now, or, ‘I Have Fought the Big Knives and Will Continue to Fight Them Until They Are Off Our Lands!’”. La música de Sufjan Stevens es tan extravagante como su idea de componer un disco para cada uno de los estados norteamericanos. Compuso Michigan en 2003. Ya sólo le faltan 48. 

The Wedding Present – “Take Fountian”

Cuando David Gedge decidió dejar de lado Cinerama para resucitar su vieja y prolífera formación era consciente que sus nuevas canciones estaban bastante cerca del legado dejado a finales de los 80. Vale, Take Fountain no es esa obra de culto músico-futbolístico llamada George Best (1987), pero contiene en gran medida sus rasgos definitorios. Ese power-pop melódico ejecutado en clave punk que hizo de los de Leeds una banda singular en el panorama británico.

The New Pornographers – “Twin Cinema”

Existe un panorama independiente en Canadá más allá de Arcade Fire. The New Pornographers, supergrupo de Vancouver formado por A.C. Newman, Dan Bejar de Destroyer, la cantautora Neko Case, John Collins de Evaporators y Kathryn Calder, encontró en el cauce más clásico del power-pop su razón de ser. Unas composiciones frescas, que han dejado una amplia discografía de la que destacan también Mass Romantics (2000) y Challengers (2007), pero de la que sobresale Twin Cinema del que todos los temas corren a cargo de Newman. Algo fundamental para el buen hacer de la banda.

Broken Social Scene – “Broken Social Scene”

Más inide canadiense. El cuarto álbum de los de Toronto, último hasta la fecha, es su disco más complejo pero más aplaudido. Comparten el gusto por la instrumentación de sus compatriotas Arcade Fire pero con una propuesta de tintes menos épicos y más eléctricos. Lo suyo es indie-rock en esencia, algo de shoegaze, guitarras que hacen la guerra por su cuenta y estructuras que brillan por su ausencia. 

Low – “The Great Destroyer”

Emparentados dentro de la escena slowcore americana, el séptimo disco de los de Duluth (localidad natal de Bob Dylan) abre el radio de acción de la banda hacia nuevos públicos. Supone un giro hacia concepciones menos experimentales, más accesibles. Un trabajo mucho más melódico pero a base de las armonías vocales y el rock magnetizado de ejecución atropellada característico de la banda. Low interpretarán The Great Destroyer de forma íntegra en la próxima edición del festival Primavera Sound.

 2006

Amy Winehouse – “Back To Black”

Elegida por la revista Q como la artista más importante en lo que va de siglo, la londinense cautivó con su segundo disco, tras un debut, Frank (2003), firmado con apenas 19 años y que ya le valió comparaciones con Billie Holliday y Erikah Badu. Back To Black es un disco que desprende una actitud musical y vital nada impostada. La nueva femme fatale del pop vive como actúa, al límite, envuelta en excesos (“Rehab”), pero a la vez no tiene miedo en exhibirse como una persona vulnerable (“Back To Black”), seducida y abandonada (“Love Is A Losing Game”).

Arctic Monkeys – “Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not”

La primera gran banda surgida del fenómeno musical en internet ha sido la encargada de definir el sonido británico de la década. La fórmula es sencilla y recurrente: adoptar lo mejor de los clásicos de la escena local en las últimas tres décadas hasta trenzar un pop contundente, urgente pero de corte elegante. Un discurso básico pero plenamente efectivo, que ya ha dejado tres trabajos capaces de adentrase en la conciencia colectiva de toda una generación y al que les sobran canciones magníficas pero a los les faltan estribillos memorables. Éste es, precisamente, el único gran pero de los de Sheffield.

Gnals Barkley  – “St. Elsewhere”

Existe un pop negro de vanguardia más allá del que mira al soul, al jazz o los sonidos jamaicanos. El proyecto común de Danger Mouse -responsable entre otros del sonido de Damon Days (2005) de Gorillaz o Pieces Of People We Love (2006) de The Rapture- y el cantante Cee-Lo deslumbró con un disco de debut a base de sampleados dispares y con un atractivo gancho melódico. Entre los 18 temas dos destacan especialmente, “Gone Daddy Gone” y la irrefutable “Crazy”.

Cat Power – “The Greatest”

El mejor disco desde que Chan Marshall empezara su carrera como Cat Power allá por 1995 con Dear Sir. Tras más de una década inmersa en la búsqueda de nuevos lenguajes dentro del marco del folk, la cantautora de Georgia encontró refugio en el blues y el soul para firmar junto a la Memphis Rhythm Band un trabajo que se ajusta a la perfección a su melancólica y humeante voz.

Band Of Horses – “Everything All The Time”

Hablamos de The Shins como una de las formaciones de referencia en el pop norteamericano. Band Of Horses tiene mucho en común con la banda de James Mercer, más allá de la emocional voz que comparte con Ben Bridwell, pero también con My Morning Jacket o Mercury Rev. Su concepción es algo más madura, y aunque base sus estructuras en el pop lo hace desde una vertiente más firme pero igual de sutil, amónica y melódica, que además de Everything All The Time dejó un año más tarde otro disco imprescindible: Cease To Begin.

2007

Okkervil River – “The Stage Names”

La banda de liderada por Will Sheff ha sido una de las formaciones que se han dedicado con más esmero a dotar de nuevas sonoridades la música tradicional norteamericana. Desde una base folk contemporánea a caballo entre Wilco o Centro Matic, los de Austin (Texas) han logrado perfilar un pop intenso y juguetón a base de una rica instrumentación que les ha valido un status preferencial en la escena independiente local. The Strange Names, además de ser un disco melódicamente impecable, destaca por sus constantes guiños a la cultura popular en un sentido tan amplio que va desde los Beach Boys y su “Sloop John B” en John Allyn Smith Sails, hasta la actriz porno Savannah en “Savannah Smiles”.

The National – “Boxer”

La banda más melancólica de la escena norteamericana ya había despertado el interés del público dos años antes con Alligator (2005), un trabajo emparado en una sensibilidad y sofisticación casi únicas. En Boxer, The Nacional se muestran igual de románticos, pero su música es todavía más angustiosa, elegante y con una tensión emocional difícil de encontrar. Recomendable acompañar el disco del documental A Skin, A Night dirigido por Vincent Moon, en el que se muestra la formación al desnudo en inmersa en pleno proceso de la tortuosa grabación del disco.

Elvis Perkins – “Ash Wednesday”

Hijo del actor Anthony Perkins y la fotógrafa Berry Anderson, fallecida en los atentados del 11 de septiembre, el cantautor neoyorquino entró en la escena internacional con un disco en el que algunas de las canciones estuvieron casi siete años en el armario. La trágica experiencia vital de Perkins es el reflejo de sus canciones aunque en ningún momento aprovecha explícitamente de ello. Acompañado de su banda y una esmerada instrumentación (violines, trompetas, chelos…) Ash Wednesday despertó constantes comparaciones con Van Morrison o Nick Drake.  

Spoon – “Ga Ga Ga Ga Ga”

Siempre a mitad de camino entre el rock más tradicional y los recursos contemporáneos, la banda, al igual que Okkervil River, de  Austin, encontró la mejor versión de sí misma en un álbum plagado de detalles, arreglos y que destaca por una composición limpia. Tras el también remarcable Gimme Fiction (2005), Britt Daniel y Jim Eno contraponen en sonido más refinado de los 70 (“Don’t Make Me A Target”) con una comedida dosis de melodías pop (“You Got Yr. Cherry Bomb”)  y todo ello sobre una líneas rítmicas muy marcadas (“Rhthm & Soul”).

Bright Eyes – “Cassadaga”

Con casi diez años de carrera a sus espaldas y discos que incluso jugueteaban con la electrónica para deshacerse de la etiqueta de cantautor clásico enmarcado en la música y el discurso de Dylan, Conor Oberst se reencontró con su lado más tradicional de forma brillante, en otro disco centrado en el rock, el country y el folk. Cassadaga es un trabajo que no se entiende sin su antecesor I’m Wide Awake, It’s Morning (2005).

Tres años antes de que el mundo se volcara con la muerte del rey del pop, otra figura clave de la música negra americana nos dejaba sin tanta repercusión de por medio (en estos lares, en su tierra natal sí que la tuvo); El Padrino del Soul moría por fallo cardíaco a los 73 años de edad. Tras su muerte miles de personas, la gran mayoría afro americanas, salieron a las calles de Harlem (NY) en peregrinación hacia el teatro Apollo, lugar donde yacía el féretro, y donde la gente pudo despedirse de él. No fue ninguna casualidad que se escogiera tal espacio para la despedida, ya que esas mismas paredes, 40 años atrás,  habían albergado uno de los mejores lives registrados de la Historia, y todo por obra y gracia de James Brown. Gracias al vinilo, CD’s, MP3 y remasterizaciones (pese a los que pudiera opinar Walter Benjamin)  todos los que no estuvimos en esa inolvidable velada podemos ser partícipes de ella con Live At the Apollo, para muchos el mejor álbum de un directo que pueda existir sobre la faz de la tierra.

Tras los primeros compases de “I’ll go crazy”, y especialmente con la entrada de Brown en escena, la euforia se desata entre el público presente la noche del 24 de octubre de 1962. Ya desde los primeros minutos El rey del Soul deja claro el porque de sus distintos apodos lanzando su potente chorro de voz  a través del teatro como un río torrencial por el que se transporta a los presentes, y al oyente con ellos, hacía un mar de emociones. Resulta hasta chocante percibir el poder de contagio del Sr. Dinamita. Todas sus interpretaciones, sus pasos sobre el escenario,  sus comentarios con la audiencia, son acogidos con fervor por los presentes, algo que ejemplifica, aunque sea en una pequeña porción, la magia de esa velada en el Apollo Theatre. El Padrino del Soul no sólo demuestra su poderío con la voz, sino también su habilidad como maestro de ceremonias poniéndose al público en el bolsillo con sus intervenciones y haciendo gala de su sex appeal salvaje con las mujeres.

Brown se deja acompañar para la ocasión por los excelentes The Flamous Flames & Band, que en todo momento se compenetran con el artista en su endiablado sentido del ritmo. Una buena muestra de ello es la introducción de “Lost Someone”, a la que Brown responde intercambiando fuego y delicadeza, momento en que uno se pregunta si Janis Joplin bebía de Aretha Franklyn o del propio James Brown a la hora de articular su voz.

Una de las muchas virtudes de Brown como cantante, era esa innata capacidad para convertir el grito en algo controlado y harmonioso, algo que practica con devoción en dos de los mejores temas del álbum: “Please, Please, Please” y “Night Train”.

Visceral, rítmico, intenso, torrencial, genial, muchos cosas se podrían decir sobre el Rey del Soul, y sobre su explosivo directo de Live at the Apollo, pero lo mejor es intentar reproducir la experiencia en los salones de sus casas y el disco que nos ocupa girando en el gramófono.

Sólo fueron 40 minutos de pasión musical desbocada, pero dada su intensidad y la entrega de Brown, se ha convertido en algunos de los minutos grabados encima de un escenario más recordados y deleitados por generaciones. Pura dinamita, puro arrojo de sentimiento por parte del Godfather.