Toca thriller después de una temporada llena de comedias y por unos instantes dejamos Estados Unidos y no sumimos en esta miniserie británica, Without You (ITV) que adpata la novela When Someone Dies escrita por Nicci Gerrad y Sean French, dirigida por Tim Fywell (Walking the dead) y producido por Nigel Marchant (Downton Abbey).

Ellie Manning (una sobrecogedora Anna Friel) es una profesora en una escuela infantil que de un día para otro ve como su vida cambia cuando le comunican que su marido ha muerto en un accidente de coche. Pero lo peor es descubrir que una mujer viajaba con él, una completa desconocida que le llevará a investigar quién es, qué relación tenía con su marido, por qué iba en el coche con él y a partir de ahí llegar incluso a sospechar que no fue un accidente.

La emoción y la tensión se palpan a cada segundo durante los tres capítulos de cuarenta y cinco minutos de metraje. Poco a poco se irá descubriendo la vida tanto de Ellie, como de su marido Greg (Marc Warren), que Ellie empieza a ver (en alucinaciones) y de alguna manera será él quien le guíe en su investigación para descubrir la verdad.

Gwen Abbot (Olivia Poulet), la mejor amiga de Ellie pasará de no apoyarla al principio cuando piensa que la mujer misteriosa, Milena Livingstone (Heidi Monsen) era la amante de su marido, a cuando Ellie desestima la idea, buscar pruebas que demuestren que Greg y Milena realmente eran amantes.

Una numerosa cantidad de personajes ayudarán o entorpecerán a Ellie en su investigación. No merece la pena ser enumerados, pero todos ellos ayudan a que el ritmo narrativo vaya en un slow motion a veces desesperador pero que juntamente con la genial interpretación de Anna Friel, convierte a la miniserie en un pequeña joyita para acabar el año.

Particularmente me recuerda a Exile (BBC) que comentábamos hace unos meses, aunque no creo que ambas se encuentren a la altura sobre todo en cuanto a la narrativa audiovisual, considero que los que siguieron mi recomendación entonces, pueden volverlo a hacer sin problemas.

Cuando escribí este post con un adelanto de los videojuegos que marcarían el año era un tipo inmaduro. Un inocentón, pero que no me excusaba de ser un gilipollas integral. Esto y más porque pensé que incluyendo The Witness cumplía con la cuota de juegos sin soporte físico. Tremendo error al infravalorar e ignorar la capacidad de RedLynx de superarse a si mismos con Trials Evolution.

Y como ya alertan ellos mismos al empezar, no esperéis aquí una simple secuela de uno de los juegos para plataformas digitales más populares y adictivos. Ya que como podréis ver en el siguiente trailer, Trials Evolution propone llevar el concepto del juego a cotas que nos obligarán a seguir el modo de vida de Howard Hughes en su última etapa de encierro.

Porque la propuesta de estos maestros va más allá de los triales de motos para abrirnos un nuevo y fascinante abanico de opciones en las que tienen cabida desde un pintball, los FPS, o las partidas de futbolín, o cualquier otra ida de olla que permita un editor de niveles apoteósico.

Esto no es una simple evolución, esto es una revolución.

El filipino Brillante Mendoza lleva tan solo unos pocos años labrándose un gran reconocimiento como cineasta a través del circuito de festivales. Su cine llega a cuentagotas en las carteleras, y cuando lo hace, es para esfumarse al instante. Por suerte, existe el mercado del DVD y el Blu-Ray, en la que Cameo ha tenido el detalle de contribuir editando una de sus recientes películas, Lola.

En ésta el cineasta de San Fernando vuelve a angular su cámara para recoger instantáneas nítidas de la realidad filipina. Estrenada el mismo año que Kinatay, Mendoza elabora aquí un acercamiento opuesto a una temática con puntos en común. Si en Kinatay reflejaba la miseria (humana y social), la pobreza, y la violencia sumergida de las calles de Manila, en Lola esa violencia no es más que el incidente incitador de una historia humana, de superación, esfuerzo y buenas intenciones. Si Kinatay, y su expresión formal, representaban el negro, Lola es el blanco.

Su historia recoge las luchas opuestas y personales de dos lolas (abuela en filipino) tras un fatídico robo callejero que termina con la vida del nieto de una de ellas. Lola Sepa deberá lidiar con las penurias provocadas por su frágil situación financiera para darle un entierro digno a su nieto, y justiciar a quién lo asesino. Por su parte Lola Puring se lanza a la recaptación de dinero para evitar que su nieto, el presunto asesino, se vaya a la cárcel.

Con estas dos líneas argumentales en paralelo, que se cruzan en momentos de la película, Mendoza resigue con su cámara las epopeyas cotidianas a las que deben hacer frente estas dos ancianas. El sufrimiento, el dolor, la angustia, el perdón, la compasión, y la humanidad son las pasajeras invitadas en el trayecto.

Y lo explica moldeando un continente natural, que rebosa realismo por todas sus aristas y con dos actuaciones de las abuelas ejemplares (el resto del reparto y los figurantes son actores no profesionales). Una mirada despojada de cualquier signo de juicio, metáfora, propaganda y eufemismos. El suyo es un acercamiento frontal, sin filtros ni devaneos, la realidad recogida según los mecanismos de un director que mira la realidad como un documentalista.

Lola compone un gran gesto hacía lo cotidiano, hacía las grandes luchas diarias que tienen que combatir dos protagonistas entrañables, cuya sombra quedará visible durante días. Una película que emociona y te hace reflexionar sobre las castas sociales más desfavorecidas sin necesidad de maniqueísmos, artificios o sensiblerías orquestadas.

Lola está editada en DVD por Cameo

El binomio artístico que conforman la cantante M.I.A. y el realizador Romain Gavras ha dejado obras tan remarcables como ésta. Ahora vuelven a unir sus fuerzas para trasladar en imágenes el nuevo single de la cantante londinense.

En esta ocasión Gavras emplaza la acción en Marruecos, con una singular escenografia con ecos de Need for speed, universo arabian gangsta, coreografía Bollywood, y personajes que no sabes muy bien si son muyahidines o jeques jordanos que se divierten. Es algo así como presenciar una espectacular hora del recreo de unos petrodólares amantes de los rituales poligoneros y la estética Fast & the Furios trasladada al desierto.

Romain Gavras desinfla un poco su nervio visual, aparta su vena violenta, y se deja seducir por la opulencia, la espectacularidad y el exotismo bizarro y con un toque kitsch.

Como siempre un buen regado de comentarios y discusiones, dejará a su paso.

Los Oscar asoman y las distribuidoras se apresuran a estrenar sus producciones iluminadas por el resplandor de la dorada estatuilla. Esta pauta es la que lleva marcando, y marcará, los estrenos cinematográficos durante los próximos días.

Es el caso por ejemplo del estreno principal de la semana: Moneyball: rompiendo las reglas. Cinta sobre el mundo del béisbol, que todo el mundo que le ha puesto los ojos encima coincide en afirmar que es una película únicamente disfrutable para los amantes del deporte, y más en concreto… del béisbol. A día de hoy parte como una de esas aventajadas en los Oscar (6 nominaciones, incluyendo película), pero que probablemente se acabe yendo a casa de vacío. Sus mayores alicientes es un guión firmado por la lengua acelerada de Aaron Sorkin, conjuntamente con Steve Zaillian, dirige Bennet Miller (Truman Capote), y cuenta con Brad Pitt, Phillip Seymour Hoffman y Robin Wright Penn entre sus rostros más reconocibles.

Entre los estrenos patrios destaca el regreso de Iciar Bollaín con Katmandú, un espejo en el cielo. Ligada profesionalmente y personalmente con el guionista Paul Laverty, la responsable de Te doy mis ojos se traslada al Nepal para explicarnos la historia real de Victoria Subirana. Una maestra catalana que se fue al Nepal para impartir clases y descubrió una vocación humanista para velar sobre las castas más pobres de esa sociedad. Lo mejor del filme es la interpretación de Verónica Echegui en el rol principal, pero su metraje sufre las buenas y nobles voluntades que quiere impartir Bollaín a la historia, que quedan expuestas en un grado demasiado evidente, rozando el panfleto, del que tan amigo es Laverty.

También hoy llegan Los muppets. Una producción Disney que mezcla actores reales con los famosos teleñecos y que presenta una historia también apta para los más adultos. Dirige James Bobin.

Finalmente, para terminar una semana tacaña de estrenos, la española Promoción fantasma. Un cuadro de comedia fantástica para adolescentes de poco pelo en el pecho y capaces de digerir una historia que sitúa a unos fantasmas entre los pasillos de la universidad. Bajo su dirección, y viendo el diseño del póster se podía ya deducir, Javier Ruiz Caldera, el mismo responsable de Spanish Movie.

El viejo trovador de las almas rotas, el galán derrotado, la voz de Montreal, regresa a casa para arroparnos durante los tristes días de invierno. Al viejo Cohen nada le queda para demostrar en esta vida, pero lejos de despedirse ( eso parecía indicar esa gira que lo llevó a la carretera durante dos años), ha decidido embarcarse en su duodécimo álbum de estudio planchando este Old Ideas. A diferencia de otros músicos que se avanzaron a su tiempo, y otros que se vieron forzados a cambiar para adaptarse a los nuevos tiempos, el canadiense siempre se ha mantenido invariable, fiel a sí mismo, destapando como nadie, y mediante esa voz irrepetible con la que le ha dotado la naturaleza, las pasiones humanas más profundas. Por todo eso, difícilmente su último trabajo podría decepcionar, como difícilmente vaya a sorprender a estas alturas.

En Old ideas Leonard Cohen sigue seduciendo con sus dotes líricas y vocales al alcance de pocos…muy pocos. Su mente y su corazón siguen explorando los entresijos del amor, el paso del tiempo, la vejez, y el estado de las cosas. Su último disco respira un aire eminentemente blues, con algún toque gospel (de forma clara en el canto espiritual que supone “Come Healing”), por los que circulan sus versos cargados de sentimiento, profundidad, y lucidez. Cohen sigue aprovechando su prodigiosa voz como si de un instrumento propio se tratará, y mediante su poderío penetra en las capas más profundas de las epidermis que se exponen ante ella. A través de los habituales coros femeninos consigue un bello contrapunto, que en ocasiones, se usa en desmedida. Old ideas representa otra fascinante muestra del talento que atesora el canadiense para conmover con sus susurros musicales. Es un trabajo que no defraudará a sus fieles, pero tampoco es la obra de su carrera. Mientras el humilde bastardo siga puliendo cortes como “Going home”, el maldito diablo tendrá que esperar para llevárselo. Y cuando lo haga, lo que nunca podrá llevarse es su imborrable y extensa marca. Leonard paséate por las casas siempre que quieras.

Tema Clave: “Going home”

The Maccabes – Given to the wild

Tampoco parece que el tercer álbum de los ingleses The Maccabes vaya a cambiar su cuota de notoriedad entre el gran público. Difícil de entender para una banda adscrita a la escena indie inglesa y que aglutina ingredientes para calar en mayor grado del que ahora gozan.

En este sentido, su último trabajo, Given to the wild, lleva sus capacidades como músicos un peldaño más arriba. Su sonido conecta con el porte de tantas bandas del indie británico, ( unos Wild Beasts como referencia más plausible), y con arranques de post rock en el bando instrumental, y con aprecio melódico, muy propios de los islandeses Sigur Ros. El resultado es un trabajo que mantiene una buena línea en todo su recorrido, sin apenas altibajos, pero tampoco sin picos coronados cuya sombra cubra todo el valle.

Tema clave: “Feel to follow”

Other Lives – Tamer Animals

Recupero para este mes uno de los trabajos discográficos más arrebatadores del 2011 y que sin embargo pasó desapercibido en su momento para el que esto escribe, y tras leer un buen número de listas de lo mejor del año, también para la gran mayoría. De hecho si tuviera la posibilidad de retroceder en el tiempo, la lista que elaboré con los diez mejores discos del año, presentaría un aspecto distinto.

Este quinteto de Oklahoma navega en Tamer Animals por aguas íntimas, crudas, oscuras y épicas. Saltando de una a otra con una naturalidad inexplicable, y con un encaje de piezas asombroso. El sonido del disco parte de una base indie-folk para abrirse paso con fuerza hacía terrenos modelados por capas de distorsión, atmósferas agrestes y voces emotivas con regusto anestésico para quien sujete la combinación. Su estampado de tejidos claroscuros se agita sin que termine de estallar, se exhibe sin recrearse, y con eso hace que el efecto sea aún más perecedero. Other Lives consigue construir un disco que queda suspendido por encima de marcas temporales, algo de lo que muy pocos son capaces en el circuito americano. Para imaginarse el poderío que desprenden deben unir piezas de distinta forma y tamaño: la emoción épica de The National, las resonancias místicas de Fleet Foxes, y las ambientaciones magnéticas de Radiohead. Otro Bocatta di cardinale de tierras yanquis que alcanza su punta de sabor con “Tamer Animals” (mimetizando con Matt Berninger y los suyos), los arreglos celestiales, pastorales y brumosos de “for 12″ (con huellas de Fleet Foxes y el último trabajo de Pj Harvey esparcidas por el camino), o la sensibilidad embriagadora a lo Beach House de “Dark Horse”.

Tema clave: “For 12”

The Big Pink – Future this

El dúo londinense The Big Pink salieron al terreno de juego con un primer disco, A brief history of love, que recogía once cortes paridos bajón el denominador de la euforia y con unos estribillos que se pegaban con ímpetu por debajo del cuero cabelludo, especialmente “Domino”, un tema que sigue enganchado ahí con superglue. Eso era en 2009, ahora han pasado tres años para que veamos su segundo disco editado, y parece que esa garra desbordante se ha suavizado, y pese que el cómputo global no es tan contagioso ni motivador, el resultado sigue siendo más que apreciable.

Las sensaciones a las que te transporta este Future this son contrapuestas. Parece que la potencia rítmica de guitarras abre hueco ahora a embalajes más soft pop de aires ochenteros. En ocasiones la apuesta les sale redonda, pero en otras el resultado es demasiado blandengue. En el primer caso entrarían temas como “Stay Gold”, “1313″, “Lose your mind”, mientras que en la parte baja de la clasificación hallaríamos temas de muy poca pegada o regusto blando, es el caso por ejemplo de “Give it up”. No son unos The Big Pink inferiores, pero el paso del tiempo no parece que haya favorecido a unos músicos que pierden aquí parte de su inmediatez, entusiasmo, y de ese sonido sucio e imperfecto pero tan alentador. Esperemos que solo estén adormecidos.

Tema clave: “1313″

White Denim – Last day of summer

El trío de Austin White Denim mantuvo durante 2011 una actividad envidiable. No contentos con planchar en verano un rotundo trabajo de saludables raíces de rock americano (D), regresaron con nuevo material a finales del curso pasado para regalar The last day of summer. Un LP digital gratuito que sin alcanzar los méritos del que lo precede, consigue aunar buena parte de los ingredientes que hacen tan interesante a esta banda norteamericana.

Los tejanos, que incorporan en el nuevo disco a un nuevo guitarrista en sus filas (Austin Jenkins), se han destacado a lo largo de su trayectoria por combinar con facilidad y elegancia un patchwork de referencias ecléctico, que logran filtrar sin trasvases sobre las raíces de rock americano que han venido fijando su recorrido. En Last day of summer observamos de nuevo esa seña, pese a que aquí parecen más volcados hacía el jazz, tanto en la incorporación de instrumentos propios de big band como en la estructura de jam session en la que parecen merodear algunos de sus temas. El efecto es que en ocasiones se deja ver la huella raspada de los Soft Machine más jazzy, en otras, cuando bajan de pistonada rítmica, se acercan más al country-rock, en algunos cortes tontean incluso con el psych-folk de Devendra Banhart y en otros parecen estar tocados por aires tropicalistas. Un marasmo de referencias que en ocasiones inhabilitan cualquier brújula sonora ante esa cantidad de ritmos y oleajes con los que desconciertan. LP que demuestra el buen momento por el que pasa esta banda que nos visitará el próximo mayo con motivo del Primavera Sound 2012.

Tema clave: “Incaviglia”

Lana del Rey – Born to die

Se han derramado tanto litros de tinta con el fenómeno Lana del Rey que resulta casi imposible desvincularse de todo el runruneo de ese oleaje a la hora de encarar su debut. Las esperanzas depositadas en esta cantante neoyorquina han ido creciendo como un enrome alud, que ahora por fin, llegado abajo, la cosa se ha derretido en un santiamén. Parte de la vilipendiada que está sufriendo Born to die proviene del mismo sector que se abalanzaron sobre ella, viendo un diamante de una intensidad cegadora (aquí de los primeros en ser golpeados por flechazo) Partiendo de este escenario, el resultado desplegado por Lana del Rey puede ser una decepción mayúscula. Pero si por milagros de la vida has esquivado los ríos de tinta vertidos a su nombre, este disco tiene algunos placeres que depararte.

El debut de Lana del Rey parece albergar en su interior el drama de una estrella moldeada a juicio y antojo de su entorno. Escuchando su disco, no queda del todo claro si su intención era erigirse en la nueva musa misteriosa del indie o en la diva pop mainstream a la que parece encaminarse a día de hoy. Esa dualidad la proyecta el propio álbum con una separación abismal entre una parte del disco y la otra. La mitad apreciable está compuesta, prácticamente, por todos los temas filtrados antes de la salida del disco. Esos en lo que Lana se metía en la piel de una afligida y críptica Laura Palmer para susurrarnos al oído pensamientos impuros y embrujarnos con la visión de su imagen turbadora en llamas. Pero, aquí también reluce otra Lana, su cara opuesta, la versión en cadena, la que aparca la sugerencia para mostrarse previsible, la que cambia la actitud triste y desolada por la impostada, la que modifica las líricas sutiles por cantarillas para ser escuchadas por teenagers castigadas en su cuarto, la que transforma el erotismo en una sesión porno de un canal local. Es una Lana totalmente distinta, desprovista de cualquier atisbo de calidez, profundidad y garra. Es un modelo prefabricado que no habían mostrado en la publicidad previa al lanzamiento. Pese a la dualidad inconexa y fragmentaria que divide el disco, Born to die guarda al menos unos preciados oasis en los que el oyente encontrará la paz, una calma apetecible como a la que te impulsa temas como “Blue jeans, “Video games”, “Bon to die” o “Diet Mountain Dew”. Todos en su medida hemos sido responsables de desfigurar la nueva muñeca del pop, lo que pase a partir de ahora, no nos debería ya sorprender, o puede que sí, quién sabrá… ni la propia Lizzy lo sabe.

Tema clave: “Video games”

John Talabot – ƒin

La imparable ascensión fraguada por John Talabot durante los últimos tres años llega a su primer gran puerto de montaña, el debut en larga duración. ƒin es el nombre elegido para el disco que el músico barcelonés acaba de editar para el sello de munich Permanent Vacation. Vistas las primeras reacciones y la respuesta levantada entre la prensa, este trabajo debería confirmar a Talabot como el talento patrio con mayor rango internacional, y abanderado (gracias también a Hivern Discs, el sello que dirige) de una escena electrónica local que goza de una tremenda reputación, especialmente, fuera de nuestras fronteras.

Uri (su nombre real) ha decidido para planchar su primer trabajo desprenderse de las vestimentas más bailables con las que nos había habituado en sus maxis, para sumergirse de lleno en ambientes más oscuros y densos, donde afloran (sin perder nunca de vista la pulsión rítmica) texturas gaseosas, atmósferas tribales y paisajes evocadores. El oyente puede olvidarse de encontrar en ƒin recetas infalibles para la pista de baile (solo cumplirían con esta función la gema nostálgica “When the past was present” y “Last land”) Éste es un álbum hilvanado con temas moldeados bajo un mismo patrón, siguiendo la estructura más cercana a la canción pop, pero rellenada y matizada por cantidades de influencias de los 80’s y los 90’s, así como temperamento y graduación del house emocional y el balearic. Ahora el sampler, los bajos secos y contundentes se alejan del esqueleto central para dar paso a fragmentos más atmosféricos y ambientales, pero si cabe, aún más estimulantes. Pese a la coherencia formal del conjunto, Talabot no duda en desmarcarse con cortes como el que abre, “Depak ine”. Una especie de viaje tenebroso por la selva amazónica guiado por Klaus Kinski y donde suena Popol Vuh en lugar de los arias de Verdi, o ese tránsito tenebroso y decadente al que te arrastra con el loop de “El oeste”. En este hechizador recorrido que propone el barcelonés se hace acompañar por dos ilustres compañeros de viaje. El cantante de Delorean Ekhi presta su voz al tema “Journeys”, y la nueva joya salida de las despensas de Hivern…el madrileño Pional que aporta su marca a dos de los mejores cortes del álbum: “Destiny” y el hipnótico “So will be now”. Pese a la oscuridad del tono que desprende, el enmascarado John Talabot se ha marcado un luminoso debut, un cuvée de música electrónica para los paladares más exquisitos. Un fino diamante, que antes de exportarlo, debería ser admirado aquí con orgullo y aprecio.

Tema clave: “So will be now…feat. Pional”

Chairlift – Something

El dúo (anteriormente trío) de Brooklyn Chairlift se recuerda entre la modernidad más rabiosa de la gran manzana por haber planchado “Bruises”, un hit indestructible. Incluido éste en el álbum debut Does inspire you, ecaso bagaje para un proyecto iniciado en 2006. Ahora la banda de pop electrónico quiere remediarlo fichando por un major (Columbia), y sacando este Something, que de entrada se abre a públicos más amplios sin perder la identidad.

Pese a que su orientación, debido al fichaje comentado, puede haber cambiado, sus armas siguen siendo más o menos las mismas. Una sensibilidad emocional recogida con precisión y ritmo en esquemas de pop bailable, sintes sensuales, atmósferas sedosas y la encantadora presencia vocal de Caroline Polacheck. A veces su ahínco por abrumar al oyente se pasa de acelerado (“Cool as fire”), pero en líneas generales disponen un estupendo banquete regado con notas de melancolía ochentera, que pueden funcionar para noches hedonistas como para tardes tranquilas en el calor del hogar, como demuestran los temas “Amanaemonesia”, “Met before” o “Take it out on me”.

Tema clave: “Met before”

Aunque ya ha llovido desde que Ridley Scott entregara sus mejores películas, el cineasta americano sigue contando con el visto bueno de Hollywood que no para de brindarle interesantes oportunidades. ¿La última? La posibilidad de llevar a la pantalla un guión del célebre escritor Cormac McCarthy.

Éste es el primer texto cinematográfico escrito por el brillante literato y tiene por título The Counselor. Según algunas fuentes, su trama giraría alrededor de un abogado que vive atrapado entre dos mujeres mientras se ve envuelto en un asunto de drogas.

La figura del creador de Meridiano de sangre (novela que tendrá una próxima adaptación a cargo de James Franco), lleva tiempo ligada al cine pues su prosa ha sido varias veces trasladada a la gran pantalla. En ocasiones con resultados excelentes (No es país para viejos), otras con desenlaces más discutibles (La Carretera, Todos los hermosos caballos).

Aunque no sabemos de dónde va a sacar tiempo el director de Thelma y Louise para poner en marcha esta nueva aventura (se le espera este año con Prometheus (el origen de Alien) y también está a la cabeza de una más que posible precuela de Blade Runner), la noticia de que ponga su talento al servicio de McCarthy es, como poco, motivo de interés.

Compramos y vendemos humo más a menudo de lo que nos creemos. Y esto es lo que es House of Lies, la nueva comedia de Showtime. Mucho sexo, muy sensual pero en el fondo todo no es más que humo. Poca historia, la de un grupo de consultores empresariales que se dedican a vender palabras bonitas y a ganar un montón de pasta con ello.

¿Qué tiene que tener indispensablemente una serie de Showtime? Sexo. Y en House of Lies parece que lo regalan, hacía mucho tiempo que no veía una cantidad de escenas de sexo gratuito y sin venir a cuento como en esta serie. Es evidente que al emitirse en el mismo día que Californication no es casual, pero, y aunque ésta última ha bajado su calidad en las últimas temporadas, House of Lies no es una digna copia.

Marty Kaan (Don Cheadle) es el jefe de este equipo de asesores empresariales. Está separado pero trabaja con su mujer, Monica Talbot (Dawn Olivieri) y de vez en cuando rememora viejos tiempos con ella. Ambos tienen un hijo, Roscoe Kaan (Denis Leonard Jr) con una personalidad muy definida a medio camino entre lo masculino y lo femenino. Sus compañeros asesores son: Jeannie (increíble Kristen Bell), Clyde (Ben Schwartz) y Doug (Josh Lawson).

Toda la acción se desarrolla en Los Ángeles, y sí recuerda a Californication donde dos minutos de trabajo dan lugar a una vida de desenfreno. Marty Kaan, al igual que Hank Moody, se cree todo un sex symbol al que ninguna mujer se le puede resistir.

Showtime nos tiene preparados doce capítulos durante esta primera temporada. Después de ver los dos primeros, se me han quitado las ganas de seguir. El humo no me llena y para sexo sin contenido hay otras opciones. House of Lies se convierte al menos para mí, en el primer fail del 2012. Espero que en la siguiente elección tenga mejor ojo…

A estas alturas voy a obviar escribir una carta de presentación sobre John Talabot. Sabiendo que se lo rifan los festivales de medio planeta, que ahora mismo debe andar girando por Australia en compañía de M83, y que acaba de lanzar su primer trabajo en formato LP ƒin (disponible en tiendas este próximo 6 de febrero) , sobre el que dejaremos ir nuestras impresiones a partir del jueves, y con el que puede sacudir definitivamente la escena electrónica local e internacional (sino lo logró ya con “Sunshine”, “Matilda’s dream” o el EP Families), es más suficiente para que cada uno obtenga su propia idea sobre el estado de forma del que goza actualmente este músico.

Desde sus inicios este productor barcelonés guarda sus señas faciales en una caja fuerte para intentar dirigir toda la atención exclusivamente hacía su música. Desde aquí respetamos su posición, sin que ello haya interferido en este Destilado Ilustre al que lo hemos sometido para conocer más de cerca sus gustos, aficiones, y saber aquello que le sacude por dentro en el terreno musical, pero también en el cinematográfico, el literario, el televisivo, etc.

No os perdáis el siguiente vídeo, en el que Talabot receta más de una dosis contra la depresión, el tedio y los martes en la oficina. Solo avanzo… tener que cortar ese temazo de Nolan Porter, que nos redescubre a continuación, ha sido lo más sangrante de los últimos meses.

El frío y la lluvia (aunque menos de la esperada) hicieron acto de presencia en Barcelona en este particular invierno primaveral por el que deambulamos desconcertados, la misma tarde que los Arctic Monkeys, acompañados de Miles Kane, aterrizaban en la capital catalana. Ya desde el anuncio de la visita de los de Sheffield al Palau Sant Jordi todo parecía un poco demasiado grande para la banda de Alex Turner, que en las previas visitas había apostado por recintos de menor capacidad, como el anexo a la instalación olímpica (2010) o la Sala Razzmatazz en 2007. Pese a que el público congregado en el Palau apenas ocupaba la mitad del aforo, unas 7.000 personas, los británicos desvanecieron todos los miedos a una tarde fría y desangelada.

Parte del mérito recayó en Miles Kane. El que fuera líder de los semidesconocidos The Little Flames, de los desaprovechados The Rascals y cincuenta por ciento de The Last Shadow Puppets, cumplió en su misión de entonar a los asistentes más puntuales con una notable puesta en escena de su destacado debut en solitario, Colour Of The Trap. Conocedor de su papel de secundario pese al crecimiento de su reconocimiento, el de Wirral repasó prácticamente la totalidad de su disco con una solvencia y efectividad notables, aunque en directo desaparezcan los matices del encanto retro, alimentado de la tradición del rock británico de los 60 y los 70, fabricado en el estudio.

En un entorno sobrio que resalta la apuesta por la contundencia y las formas, y no por el envoltorio, los grandes protagonistas de la noche se encargaron de calentar el ambiente desde el inicio. “Don’t Sit Down ‘Case I’ve Moved Your Chair”, “Teddy Picker”, “Crying Lightning” y “The Hellicat Spangled Shalalala” fueron la carta de presentación de un Alex Turner que lucía su recién estrenada imagen de iconografía rockabilly. El cóctel de punk y pop de pulsión callejera, guitarras sucias y estribillos fulminantes con claras referencias a The Clash o Buzzcocks, con el que alcanzaron la fama en sus primeros trabajos siendo prácticamente adolescentes, ha derivado hacia sonoridades más melódicas y elaboradas. Rock de granito con aires añejos despojado de cualquier componente nostálgico.

Pese al calado dispar de “Suck It And See” entre los fans, la formación apostó por su último trabajo en una muestra de confianza absoluta en sí mismos. Sonaron “Black Treacle”, “Library Pictures”, “Evil Twin” (cara B del single que da nombre al álbum) y “She’s Thunderstorms” , además de “Suck It And See” en el primer de los tres bises.

Con un setlist calcado al que viene interpretando en la presente gira, no faltaron tampoco la mayor parte de los grandes éxitos que consagraron a los Arctic Monkeys como la banda de rock británico más influyente de la segunda mitad de la primera década del siglo XXI. “I Bet You Look Good on the Dancefloor”, “Brianstorm”, “When the Sun Goes Down”, “Fluorescent Adolescent” o “505” (con Kane en el escenario), para poner punto y final a la noche, todo ello plagado de guiños al público y con una entrega considerable por una banda de su estatus, que no deja lugar para la autocomplacencia y el piloto automático.

Los de Turner y Matt Helders (el batería merece una mención especial por su papel fundamental en el grupo, que le hace pensar a uno que el haber sido incluido entre los diez mejores de todos los tiempos por la revista Q en 2010 no es una frivolidad) saben que todo tiene su momento y que no se puede aplicar por inercia porqué pierde la efectividad. Han alcanzado plena madurez con apenas 26 años.