Cuando un servidor a los 15 años vio por primera vez en el cine Salvar al Soldado Ryan, supo de primera mano a qué reaccionan las glándulas suprarrenales. La exacta recreación que  Steven Spielberg despliega a lo largo de unos extensos cuarenta minutos iniciales de su película pasaron al instante a formar partes de los anales de la historia del cine. El director de La lista de Schindler consiguió que el espectador se sumergiera en el tremendo horror que se fraguó en las playas de Normandía del 43. Uno era partícipe de un espectáculo mayúsculo, pero a la vez, consciente de la cruenta batalla que se libró en ese escenario de la contienda mundial.

Cuando uno ya creía que ya no podría acercarse más a esa dantesca experiencia, surgió Electronic Arts con un FPS titulado Medal of Honor, que mira tú por donde (Spielberg puso su granito de arena y produjó el título) en su segunda pantalla el jugador se dirigía con esas lanchas remolcadoras hacía la más espartana de las batallas de la II GM.

Me acuerdo que la primera vez que me puse a jugarla se me erizaron hasta los pelos de la nariz. La pantalla recorría todo el itinerario que Tom Hanks y los suyos hacían en la película. Empezabas al borde de ese vehículo anfibio viendo a tus compañeros vomitar por la borda mientras el sargento impartía instrucciones y ánimos de cara a un destino de signo dudoso.

Luego llegabas a la playa donde te recibía una oleada de silbidos de balas pasando por tu lado. Una vez allí uno debía resguardarse dónde pudiera ante la lluvia de morteros, ráfagas de metralleta, compañeros enloquecidos, otros en llamas, y partes mutiladas (creo que confundo la película con el videojuego).  Luego el jugador debía abrirse paso como pudiera por ese infierno hasta llegar a un montoncito de arena justo debajo de los grandes búnkeres alemanes. Y como en la peli, el artillero debía abrir paso entre los alambres, para que los pocos supervivientes  pudieran adentrar entre la línea enemiga y aniquilar la letal maquinaria alemana.

Más allá de la misión, lo que EA logró en esta pantalla, motivo para bajarse los pantalones y lo que sea, es recrear con exactitud el horror de la guerra, y no el de una batalla cualquiera, sino el de la más cruenta de ellas. Eso lo construyó mediante brillantes y eficaces encriptados, pero también tenía un gran peso, a la hora de transmitir sensaciones al jugador, el increíble detalle gráfico de por entonces, los espectaculares efectos de sonido, y todo ese caos reflejado con el sonido  y la imagen, que iba calando al jugador mientras esperaba el momento oportuno para salir de su refugio y avanzar unos pasos más. De hecho tenía cierta libertad de moverse a sus anchas, a pesar de que el camino estuviera en sí bastante marcado.

Esta pantalla no sólo supuso una inolvidable experiencia (por eso hablamos ahora de ello), sino que fue la señal más convincente de que estábamos ante un gran juego bélico, ante uno de los FPS más admirados y recordados (a pesar de que las secuelas no estuvieran a las alturas), y que consolidó la moda del shooter bélico, además con un digno y adictivo juego on-line.

El capítulo de esta noche de la ABC es más o menos lo que él que aquí escribe pedía desde que se inicio la final season, una capítulo que a la vez que mantenía el ritmo interno de la propia trama, avanzará en las grandes incógnitas plantadas en los lugares más remotos de esta fascinante isla (que nadie vaya a pensar que son pasos de gigante).

Al principio presagie lo peor cuando leí que “Dr. Linus” estaba dirigido por Marion Van Peebles, el culpable de Renegados o New Jack City, por suerte en Lost el estilo de cada director está muy acotado, y siempre se respecta cierta coherencia formal, con lo que no se aprecian grandes diferencias de un realizador a otro. Pero crucemos la valoración inicial y adentrémonos al spoilerazo puro y duro.

Como ya sabréis todos este capítulo se centra en el siempre fiable Ben Linus, y creo, que lo hace en profundidad. Por un parte, Miles pone al descubierto que Ben ha sido el asesino de Jacob, esa revelación lo sitúa entre las cuerdas, ya que Llana, afirma que Jacob ha sido lo más parecido a un padre que ha tenido nunca y quiere aplicar el ojo por ojo. Además de cara a los otros miembros del grupo vuelve a ser ese ser despiadado y repudiable que tantos grandes momentos nos ha ofrecido desde su irrupción.

Por otro lado, tenemos los sosos flash-sideways (y este tampoco es que se salga), donde Ben es un entrañable profesor de instituto, compañero de Locke (como ya vimos en el capítulo de Locke), y enemistado con el director. El primer momentazo lo tenemos cuando vemos que Alex, ya no es su hija (?¿), sino su más querida y atenta alumna. El incidente que arranca la trama de esta realidad se presenta cuando Alex le dice a Ben que el director ha tenido un affaire en la escuela, con lo que Ben debe decidir entre ser el hombre maquiavélico que nos sacudió en la segunda temporada (que grandes aquellos días), o por una vez por todas, ser una persona con corazón, e interponer los intereses de Alex para ir a la universidad a los suyos propios de erigirse en el nuevo director.

Mientras en la isla un Ben destrozado va cavando su propia tumba ante la amenazante escopeta que sostiene Llana. En una de esas aparece el humo/antijacob y libera a Ben de sus grilletes para que se una a su grupo, pero tras un intento de escapada (¿que cojones hace ahí en la selva esa escopeta?), el tipo se desmorona, se confiesa, abre su corazón, y para más iniri, vuelve de nuevo a la playa para adaptarse al grupo de Lapidus, Sun, Miles y Llana.

Antes de todo esto hay un formidable pasaje donde descubrimos interesantes detalles de Richard, para empezar que su elixir a lo Tom Cruise le viene porque Jacob lo toco para darle ese don. Que al principio lo entendió como un regalo, pero que ahora que Jacob ya no está entre los vivos, y todo el tiempo invertido para la causa de Jacob se ha ido al traste,  no puede más que considerar su especial status como una maldición. También se confirma que llegó como un esclavo de La Roca Negra. Todas esas reflexiones las hace con la compañía de Jack y Hugo, y con el primero comparte ese intenso momento de la dinamita avanzando. Realmente parece ser que Jacob sigue presente de alguna forma u otra.

Richard suelta otro interesante detalle, cuando le dice a Hugo que no escuche las voces, que supuestamente, proceden de Jacob (vendrán del Anti entonces).

Hasta aquí suficiente chicha como para contentar a todos los fanáticos. Pero es que además el capítulo concluye con uno de esos emotivos finales a cámara lenta, en que el grupo de Miles, Sun, etc. se reencuentra con Hugo, Jack y Richard en el antiguo campamento de playa (la melancolía me embriaga). Lo realmente potente es ver a un descompuesto Ben apartado del grupo, pero como haciendo un intento de ser querido por los demás, con lo que recibe una media mirada de aceptación de Jack. Por si no fuera suficiente, la música emotiva hace un fade out y aparece una mirilla de submarino, en su interior el archienemigo de Ben, si señores…, Widmore se une a la fiesta con un submarino militar sonsacado al mismísimo Nikita Kruschev.

Creo que estamos ante un capítulo que funciona a todos los niveles, y gran culpa es su protagonista. Michael Emerson nos ha enseñado que su personaje Benjamin Linus puede tener quinientas caras distintas, todas atractivas, y fascinantes, incluso entrañables como clavado y típico profesor de historia. ¿Con cuál de ellas os quedáis?. Henry Gale always in my heart.

A 9 capítulos del fin.

PD: creo que el capítulo centrado en Jacob tiene que estar al caer, y ese será fundamental.

Un plano cenital de la tierra vista desde el aire, desde un avión, la casa en donde más tiempo pasa el protagonista de esta película, nos describe perfectamente el escenario por donde se moverá este film, de ritmo casi perfecto e inteligentemente divertido, de sonrisa que no de carcajada, que rezuma por todos los poros de su celuloide la suficiente dosis de mala leche como para que sea considerada una comedia modélica: el territorio neutro de los aeropuertos, las cadenas hoteleras y los exclusivos restaurantes.

Ryan Bingham (George Clooney) es un especialista en recortes financieros, macabro eufemismo, que se dedica a hacer más llevaderos los reajustes de empleo de empresas en crisis, algo que, según su propia expresión, no tienen huevos de hacer los empresarios afectados: despedir a la gente, situación que él enfrenta con grandes dosis de psicología, humor y humanidad, según quien tenga delante al dar tan traumática noticia que puede provocar hundimiento psicológico, ira ciega o desesperación de los afectados, porque nadie afronta con el mismo talante una mala noticia de esa envergadura. Pero es un empleo que a Ryan le gusta, y con el que disfruta pese al dolor que causa, porque le permite tener un despreocupado estilo de vida, transitar por aeropuertos, hoteles y coches de alquiler mientras va de un lado a otro del país, tener asiento bisness y disfrutar de trato preferencial en las mejores compañías aéreas, y acumular puntos en su tarjeta exclusiva de cliente a la que le falta poco para alcanzar el objetivo de su vida: 10 millones de millas. Todo lo que necesita le cabe en esa maleta con ruedas que es una extensión de su brazo y maneja como si fuera su propia mano. En uno de esos fugaces viajes de punta a punta de Estados Unidos se encuentra con la horma de su zapato, Alex  (Vera Farmiga), una simpática, elegante y seductora alta ejecutiva, con tanto glamour y tarjetas exclusivas como él ─ hilarante la secuencia en la que ambos vacían sobre la mesa las tarjetas de sus billeteros para ver quién tiene más ─ de la que, tras unos cuantos escarceos frívolos en las camas de los hoteles, se enamora a su pesar. La vida laboral de este ejecutivo peligra  cuando su jefe (Jason Bateman) le anuncia que lo van a sustituir por un empleado virtual que hará sus funciones desde la pantalla de un ordenador, un invento de Natalie Kenner (Anna Kendrick), una joven y agresiva ejecutiva recién ingresada en la plantilla de la empresa que quiere economizar gastos y amenaza con convertirlo en un empleado estable recluido en una oficina, algo que él no está dispuesto a aceptar. Las tensas relaciones de Ryan Bingham, que ve peligrar su estatus exclusivo y su forma de vida, con esa  joven y advenediza experta en eficiencia, cuyos métodos trata él de dejar desacreditar y dejar en evidencia, centran la parte media y final de la película.

El canadiense Jason Reitman ( Juno, Gracias por fumar) maneja a la perfección el lenguaje fílmico ─ modélica la secuencia en la que Ryan Bingham da una lección magistral de cómo tiene medidos los tiempos para circular por los aeropuertos, su verdadera casa de la que conoce todos sus trucos, y que filma con el ritmo de un ballet sincopado ─ y los resortes de esta comedia romántica, de cuyo guión es coautor, que cuenta con dos actores perfectos, el siempre efectivo George Clooney, sin duda el heredero indiscutible de ese otro gran cómico que era Cary Grant, y la muy atractiva y luminosa Vera Farmiga, que opta a un óscar por su interpretación de la versión femenina, y más dura, de Clooney: amarga la decepción la que experimenta el soltero ejecutivo, cansado de serlo que es Ryan  Bingham, cuando llama a la puerta del hogar de su glamurosa amante de hoteles y restaurantes y descubre que está felizmente casada.  

Quizá el único punto débil de la película se situé cuando Ryan Bingham, solterón modélico, deba convencer a su futuro cuñado de las bondades de un matrimonio que no conoce pero empieza a plantearse para dar sentido a una vida vacía. Ahí se produce un pequeño chirrido del ritmo trepidante de Up in the air que no ensombrece sus muchos hallazgos.

Una vez conocidos los ganadores de la 82º ceremonia de los Oscar, la cual, ha servido para encumbrar En tierra hostil como la gran ganadora, es momento de saber quién ha sido el ganador de la quiniela que propusimos.

Antes de conocer el ganador, recordemos que el premio consiste en una edición especial de La hija de Ryan, el excelente filme de David Lean.

Y el ganador es….

Marcos Pérez Barreiro.

Felicidades Marcos!!!. 

Tras acertar seis de las ocho categorías (se le resistió película y director) recibiras la película esmentada. En breve nos pondremos en contacto contigo.

Recordemos las ganadoras de los Oscar.

En tierra hostil: 6/9

Avatar: 3/9

Up: 2/5

Corazón rebelde: 2/3

Precious: 2/6

Malditos Bastardos: 1/8

The blind side: 1/2

Siendo este la primera vez que no tengo que madrugar para ver los Oscar en directo, y dado que en Nueva York es una hora prudente, he optado por ir redactando este entrada a medida que se van entregando los premios de esta 82º de la gala de los Oscar.

De ahí el orden y lo caótico que pueda ser el siguiente texto

Mejor actor secundario – Christoph Waltz (Malditos bastardos)

Penélope Cruz entrega el Oscar más cantado de la noche a Christoph Waltz por su papel de aniquila judíos en Inglorious bastards.

Mejor película de animación – Up

Tampoco hay ninguna sorpresa para el Oscar a la mejor película de animación. Pixar se lo lleva otra vez con justicia. ¿Quién le puede hacer frente en el campo de la animación?.

Esto de nominar a diez películas para la categoría de mejor película creo que no funciona ni para la gala, de momento pasamos más tiempo viendo cómo presentan las películas nominadas en esa categoría que cómo entregan premios. A pesar de esto la gala, por el momento, está siendo ágil y dinámica, se nota que los ganadores deben contenerse al agradecer sus premios a sus queridos, se oye mucho piano corta discursos.

Mejor canción original – Corazón rebelde 

La canción  country que Colin Farrell interpreta en esta olvidable película.

Mejor guión original – En tierra hostil

De forma un tanto incomprensible la película bélica de Katryn Bigelow se lleva la estatuilla delante de propuestas más originales como Inglorious Bastards o Un tipo serio.

Mejor corto de animación – Logorama

Nuestro compatriota no se lo ha llevado. Se lo lleva el francés de los logos corporativos

Mejor maquillaje – Start Trek

Un ridículo Ben Stiller disfrazado a lo Nav’vi hace entrega del premio a los responsables de maquillaje de Start Trek, ¿alguien se acordaba de esta peli?

La pareja formada por Alec Baldwin y Steve Martin a medio camino entre dos tontos muy tontos y diagnósticados de alzheimer precoz no me desagradan del todo, pero veo a la platea divida. Lo que sin duda no gusta son los cortes por una música horrible cada vez que alguien se sobrepasa con el tiempo. Además esto está provocando que cuando suben tres a recoger el Oscar, sólo pueda hablar uno.

Antes me olvidé de mencionar el homenaje que le han dedicado al fallecido John Huges con la presencia del propio Maculay Culkin, sí lo que oyen. Un director especializado en la comedia en el grosor de su filmografía y descubridor de muchos jóvenes talentosos de los 80’s, de los cuáles la mayoría están en el olvido o en problemas con las drogas

Mejor actriz secundaria – Mon’nique

Robin Williams (¿Robin Williams ganó el Oscar al mejor actor secundario el pasado año?) entrega el premio a Mon’nique tal y como se esperaba por su portentosa interpretación de una madre anti modélica en Precious.

Mejor dirección artística – Avatar

Primer Oscar para Avatar.

Mejor diseño de vestuario – The Young Victoria

Mejores efectos de sonido – En tierra hostil

Una pareja de jóvenes pseudo actores (me parece identificar a Zac Ephron) presentan el premio y se lo entregan a The Hurt Locker, para mi brillante su edición de sonido, mucho más interesante que el uso que saca de ella su rival Avatar.

Mejor sonido – En tierra hostil

Se vuelve a imponer la película de Bigelow en un campo en el que sobresale. De momento En tierra hostil se impone a Avatar, incluso en los premios técnicos.

Al sonido de James Taylor se repasa el habitual in memoriam. Este año se nos han ido Patrick Swaysze, Jeanne Simons, Budd Schulberg, Michael Jackson, Natascha Richardson, Jennifer Jones, Karld Malden, entre muchos otros. O tengo el volumen muy bajo, o no he oído las habituales ovaciones

Bonito número musical repasando las diferentes películas nominadas a la mejor banda sonora, grandes compositores optan al galardón

Mejor banda sonora – Michael Giachinno (Up)

Primer Oscar para este joven y prometedor compositor

Mejor fotografia – Avatar

Sin The Road nominada, todo parece absurdo en esta categoría

Mejor efectos especiales – Avatar

Otro que se queda con cara de tonto al intentar dedicar el premio.

Mejor documental – The Cove

Como de costumbre primera noticia sobre este documental, pero gracias a ello, quizás ahora lo podamos ver en nuestras salas.

Mejor montaje – En tierra hostil

La lucha entre En Tierra hostil y Avatar sigue igualada, pero de momento Bigelow le gana la batalla a su exmarido.

Mejor película de habla no inglesa – El secreto de sus ojos (Argentina)

La extraña pareja Quentin Tarantino y Pedro Almodovar entregan al premio a Juan Jose Campanella, que es comido por el tiempo y el countdown. Sin haber visto La cinta blanca, me sorprende el premio, sin duda, Haneke estaba en los favoritos.

Mejor guión adaptado – Precious

Segundo y último premio para la película de Lee Daniels

Mejor actor – Jeff Bridges (Corazón rebelde)

Merecido premio para este talentoso actor. No tanto por su papel en la tediosa película en que lo logra, sino por su intachable trayectoria.

Mejor actriz – Sandra Bullock

Por suerte aparece el incorruptible Sean Penn, que antes de entregar el premio, declara que él no es miembro de la Academia, pero que ha llegado a un acuerdo para entregar la estatuilla a Sandra Bullock. Cómo nos tenemos que ver, luego investigo los Razzie que posee. La platea de pie es ya para apagar el televisor.

Mejor directora – Katryn Bigelow

Barbara Streisand confirma que En tierra hostil es la ganadora de la noche. Y Bigelow pasa a ser la primera mujer en llevarse este galardón por la dirección. No sólo se lo quita a su ex, sino que además pasa de él, que lo tenía sentado justo detrás de ella.

Mejor película – En Tierra hostil

Tom Hanks presenta el máximo galardón por enésima vez y confirma a En Tierra Hostil como la mejor del año, consiguiendo 6 de los 9 Oscars a los que optaba.

En Hollywood aún queda algo de dignidad.

Escueta, rápida ceremonia, no por ello aburrida y borrable, que deja a Up in the air (tal y como se esperaba) como una de las grandes perdedores, pero que también castiga a Avatar, premiándole sólo con algunos premios técnicos.

Los premiados de este año, confirman la mala cosecha cinematográfica recibida.

Exit through the gift shop es el título con el que se conoce el documental que sigue los derroteros de Banksy, un enigmático graffitero cuya popularidad se expande a la misma velocidad que su arte callejero por las grandes ciudades.

El documental incide en el particular estilo guerrillero que practica este inglés a lo largo del mundo estampando su característico sello, siempre desde el máximo anonimato, de hecho en el filme aparece siempre con capuchas y la voz distorsionada. El documento no sólo aborda el arte del garffiti en nuestros tiempos, y la implícita controversia entre detractores y partidarios, sino que va más allá al plantear una reflexión sobre el mercantilismo del arte. La obra de este personaje se ha revalorizado, y ya no sólo ocupa las esquinas de las ciudades, sino que también cuelga en algunas paredes de los más prestigiosos museos: MOMA o Tate Modern.

El documental acaba de tener una excelente acogida en la pasada Berlinae y este fin de semana se ha estrenado en salas inglesas. A nuestro país llegará el próximo otoño de la mano de Avalon. Para más señas de Banksy y la película el siguiente trailer.

Inaguramos con esta entrada una nueva sección en El Destilador Cultural, en la que una vez al mes (durante sus primeros días), os traeremos las novedades discográficas más calientes e interesantes del mes entrante. Empezamos con las siguientes recomendaciones para el mes de marzo.

Exsonvaldes -  Near the edge of something beautiful

Near the edge of something beautiful es el reciente trabajo de la banda francesa Exsonvaldes. El cuarteto se ha dejado acompañar por Alex Firla (productor de Phoenix) para amoldar las capas electrónicas con el pop de corte emocional.

En la plasmación de ese sonido, destaca la voz de su cantante, con claras reminiscencias a Tom Yorke, y las melodías sugerentes de sus guitarras. Pude que el tema “Lali” quede como la píldora más efervescente, pero el oyente no debe dejarse cegar por ese primer impacto, ya que en su conjunto también hay canciones muy reconfortantes.  

Spoon – Transference

Spoon es uno de esos grupos que uno podría dictaminar que no gozan del respaldo de público y critica que deberían tras publicar trabajos como Gimmie fiction o Ga Ga Ga Ga Ga. Ahora este trío de Austin regresa a la plana de la actualidad con Transference, su nuevo disco de estudio.

La energía con el que completaron sus anteriores trabajos da paso a un sonido más calmado y reposado, se podría decir que más maduro. Aquí los seguidores del rock independiente no encontraran singles, pero si una esmerada producción, y un disco, que pese no estar a la altura de sus mejores trabajos, es una pieza destacable. 

Sade – Soldiers of Love

La voz suave y aterciopelada de Helen Folasade Adu ha vuelto tras un largo silencio de 8 años. La añorada Sade regresa con Soldier of love, un acertado álbum donde vuelve a demostrar sus dotes como cantante.

La cantante de origen africano se ha rodeado de un grupo de músicos muy profesionales, y por una producción detallista y muy elaborada. Pero en ningún caso permite que éstos sobresalgan por encima de la envidiable voz de esta cantante que cuando canta parece que esté arropando al oyente con su delicadeza y elegancia.

Ghostface Killah- Supreme Clientele

Ahora que revistas y webs especializadas han encumbrando a los mejores discos de la primera década del siglo XXI, es un buen momento para recordar una de las joyas del hip-hop que marcaron ese período.

Ghostface Killah, ex miembro de los reverenciados Wu-Tang Clan, se sacó de la manga este superlativo álbum de beats endiablados, rimas segadoras, samplers tremendos (con mucho aroma cinéfilo) y con una envidiable producción que saca un brillo cegador en sus incursiones al soul. Puro nervio y ritmo contundente de la mano de un monstruo del género. Un álbum de referencia para los amantes del hip-hop.

Massive Attack– Heligoland

Los de Bristol saltaron a la primer línea musical propagando desde su ciudad el trip-hop. Un género musical que dieron a conocer entre ellos, y Portishead. Mientras que Beth Gibbons y los suyos se reinventaron hace un par de años con su encumbrado Third, Massive Attack, tras una larga ausencia (2003 fue el último año en que editaron su último álbum) siguen en la línea que los ha caracterizado.

Heligoland tiene ese sello característico de la banda; atmósferas hipnóticas, beats industriales que marcan un ritmo sincopado, y una voz angelical que despeja la densidad. Es un sonido apreciable, pero no aporta nada nuevo a su trayectoria, es más bien un disco para los incondicionales de la banda y su sonido. 

Gil Scott-Heron – I’m new here

El que fuera uno de los progenitores del rap vuelve a recorrer el asfalto de las calles para provocar profundas heridas en sus oyentes mediante su desgarrada poesía. Gil Scott-Heron regresa a sus 61 años con este nuevo trabajo: I’m new here.

La demoledora voz de este ecléctico músico de R&B sigue siendo el principal marcapasos con el que mantiene las constantes musicales de su estilo. A su desgarrados mensaje de poeta de la calle, les suma, en esta ocasión, una oscura y atmosférica producción que crea el marco perfecto para que su lamento de los más profundo sea todo un shock para quien se atreva a sumergirse en este tour por las partes más oscuras del ghetto neoyorquino.  

The Soft Pack – The Soft Pack

Son originarios de San Diego, y algunos medios ya se han apresurarlos para definirlos como los nuevo “Next big thing”. Algo que parecen no haber tenido en mente cuando compusieron las irresistibles canciones de su álbum homónimo. Unos temas que respiran autenticidad, al menos, la autenticidad del rock añejo.

Su álbum homónimo se compone por diez cápsulas de rock, energía punk y melodías pop. Surgidas al mezclar a alta decibelia riffs alargados, baterías contundentes, e ingredientes con deje a The Stooges y otros grupos de la escena.

Tras el desplante cometido por servidor con el capítulo “El faro”, del cual por cierto poco había a destacar, pero no por ello sirva de excusa ausentarme en mi cita semanal, regreso dispuesto a especular, cagarme y expresar mis sensaciones con el hasta ahora último capítulo de Lost: “Sundown”.

Antes de entrar en la mina de spoilers, tengo que decir que he estado a punto de lanzar el capítulo a la papelera de material desechable, sino fuera por sus últimos y trepidantes siete minutos finales.

Empecemos hablando por lo negativo. Cada vez más tengo la sensación que los guionistas no dosifican nada bien la porción de chicha por capítulo. Parece como si no fuera con ellos que quedan trece putos capítulos para llegar a la conclusión televisiva más esperada desde la muerte de Laura Palmer. No terminan de saciar mi sed de respuestas en los capítulos; o bien se lo están reservando, o bien guardan entre manos el final más bien parido de la historia, que permita cerrar todos los flecos de un carpetazo.

Otro hecho que empieza a convertirse en empírico es que las historias de los flash-sideways no tiene el más mínimo interés para el respetable. Y en este caso, la historia de Sayd metido en un triangulo amoroso con su hermano y querida no fue una excepción.

Algo que tampoco me termina de gustar de esta temporada es que justifiquen de manera tan evidente temas que de por sí no acaban de tener coherencia, como si ellos mismos vieran la debilidad narrativa de éstos y lo justificaran tirando de patillas. Como por ejemplo cuando Sayid le dice al Anti Jacob, después de que éste le pida un recado, que por qué no ha enviado a Claire para el mismo, y el Anti le contesta un poco convincente: “viniendo de ti tiene mucho más significado”, o algo parecido. Algo similar sucedió en algún capítulo anterior. O en aquella extraña situación, puesta con calzador, en que Jack y Kate se encuentran en medio de la selva, cuando ella se supone que está buscando a Claire.

Pero sin embargo lo que más me preocupa es el tema de la chicha resolutiva, me cabrea la floja dosis suministrada hasta ahora. Sin embargo, cogiendo el capítulo en sí, éste termina con un excelente y trepidante clímax, que incluye la muerte de Sandokan (y de paso del Lennon hippie), la entrada del humo al templo, y la cada vez más clara separación de los personajes en, una vez más, dos grupos. Sayid, Jin (de rebote) Claire (ésta ya quedó claro en “Lighthouse”), y una Kate escéptica, que se encuentra ahí por el devenir de las circunstancias, se han unido al grupo de Locke/anti Jacob. Por el otro lado, Miles (el omnipresente en la vida y la muerte) se encuentra con Lapidus, Lara Croft, Ben y Sun. A los que presumiblemente se les unirán Jack y Hugo, y seremos testigos de una épica  batalla entre facciones (¿dónde queda Sawyer en todo esto?, ¿se ha quedado tan flipado, y proporcionalmente jodido, que se ha quedado en la cueva fumando crack?).

Una vez más me preocupa y alarma cómo se suceden los capítulos, por eso, estaré más atento que nunca al próximo, porque un día de estos la tienen que armar, y quiero estar allí para notarlo en mis propias escamas.

Con casi tres años de retraso nos llega el personal y experimental biopic que Todd Haynes dedicó a la figura de Bob Dylan, uno de los artistas más relevantes, respetados, e influyentes de nuestros días. Pero a la vez  siempre ha sido un personaje cambiante, con múltiples registros. Y es precisamente esto lo que le sirve a Haynes para determinar  la estructura de I’m not there.

La película se presenta a través de diferentes capítulos que recogen las distintas etapas del músico, que a su vez están interpretadas por diferentes actores, y actriz.  Así pues podemos ver a Christian Bale en el papel del joven cantante cuando era el abanderado del folk, o a Cate Blanchett haciendo gala de una enorme capacidad interpretativa para copiar los gestos, dicción y actitud de un Dylan insolente y vividor en su etapa rockera. O incluso hay momentos para el actor de color Marcus Carl Franklin haciendo del cantante de Minnesota en su niñez, o un Richard Gere en una especie de homenaje a su intervención en Pat Garrett & Billy the kid, que le sirve a la vez, para ilustrar el retorno del músico a sus raíces musicales.

Ante esta enrevesada telaraña de actores y etapas musicales, Haynes construye a su gusto, pero con admirable criterio, una película que intenta acercarse al mito desde una perspectiva lejana, podríamos decir que hasta fantástica (no estamos ante un  nuevo No direction home, pero sí que el documental de Scorsese parece servir de referencia para impregnar de veracidad el relato, sin ser ese el objetivo). No se busca ni el realismo, ni el rigor al explicar su vida, simplemente se repasan sus edades más significativas a través del imaginario visual planteado por su director. Y resulta paradoxal, que con ello, el espectador se acerca de manera muy acurada a las motivaciones, raíces y consecuencias que parecen haber marcado las diferentes vidas de este cantautor imprescindible.

Además para enmarañar más la propuesta, y complicar su estructura interna, pero con un resultado muy inspirador, su director opta por una línea variable, no hay una trama secuencial ni cronológica de los hechos, sino constantes saltos en el tiempo.

Sólo por su estupenda banda sonora, cargada de temas del hombre sobre el que gira la historia y de fantásticos covers de Calexico, Jim James, Anthony y Sonic Youth, entre otros, la espera ha valido la pena. Pero además supone una de las últimas oportunidades, por no decir la última, de ver a Heath Ledger en el cine, interpretando a Bob Dylan en otra de sus etapas.

I’m not there es un filme altamente recomendable para los devotos del cantante de “Blowin’ in the wind”, y que lo más probable, es que muchos de los no melómanos, sepan también encontrarle su interés y potencial en la arriesgada y experimental mirada propuesta por su atrevido director.

Jonathan Blow se ha convertido en una especie de maestro venerado tras sacarse de la solapa uno de los mejores juegos del 2008. El título se llamaba Braid, y no le hizo falta pasar por las grandes plataformas, ya que fue diseñado para la plataforma digital Xbox Live, y luego paso por la digital de PS3 y por el PC y el Mac.

Ahora el lumbreras regresa con un nuevo proyecto, y el solo hecho en sí, es toda una noticia. Lo último que descubrimos es que su nuevo trabajo, conocido por The Witness, ha sido descrito por Blow como un juego de puzzle de exploración situado en una isla inhabitada. El tio ha lanzado un blog para que los fieles puedan seguir su desarrollo y los concept arts como el que encabeza la entrada.

The Witness saldrá para múltiples plataformas, lo que aún no se sabe es si seguirá con el formato digital que triunfó con Braid, o si bien, se pasará al formato clásico seducido por el dinero, la cobertura y la fama correspondiente. Blow se marca finales del 2010 como fecha de salida del mismo.

Lo que sí que esperamos es que el tipo nos vuelva a alegrar un año con otra joya.

Vía Shacknews