Los Oscar no suelen dar muchas sorpresas pero estas nominaciones algo interesante han dejado. Por un lado, la aparición entre los finalistas (probablemente no se lleve nada) de El Árbol de la Vida y la buena acogida por parte de los académicos a Medianoche en París, con candidaturas importantes. Por otro, ver a los españoles Alberto Iglesias y Fernando Trueba representándonos en la ceremonia. También alguna decepción pues es difícil entender que Ryan Goslin no esté entre los mejores actores del año por su inolvidable personaje en Drive. Una película demasiado arriesgada para la conservadora industria, quizás.

La obra que parte con más candidaturas es La invención de Hugo (con once) de Scorsese que, probablemente, vaya a arrasar en los apartados técnicos. Más difícil será ver al legendario director recoger la estatuilla por su trabajo tras la cámara. Le sigue de cerca The Artist con diez nominaciones. Estas dos películas se las tendrán que ver en los apartados a mejor película y mejor director con pesos pesados del calibre de Terrence Malick (su segunda nominación) o Alexander Payne.

Se antojan difíciles algunos pronósticos. Los descendientes tiene un look demasiado ‘indi’, la reflexión del director de Malas Tierras, quizás sea un film demasiado de autor; la película de Scorsese, parece infantil y la de Hazanivicius es europea. El premio a la mejor película y al mejor director copan, pues, el mayor interés de una ceremonia que también tiene otros alicientes como la disputa entre Oldman (El Topo), Pitt (Moneyball) y Clooney (Los Descendientes) como mejores actores del año o una esperada ‘batalla’ entre dos viejas glorias: Glenn Close (Albert Nobbs) y Meryl Streep (La Dama de Hierro) por la estatuilla a mejor actriz.

Pero si hay una buena razón para trasnochar esa noche ésta es la susodicha doble nominación española. Por un lado, Alberto Iglesias se ha colado entre las mejores bandas sonoras del año por su contenido trabajo en El Topo. Por otro, y ésta sí es una sorpresa, Trueba volverá a pisar la alfombra roja gracias a su película de animación Chico y Rita.

Aquí está el listado de películas.

Mejor película

The artist

Moneyball

War Horse

Los descendientes

El árbol de la vida

Midnight in Paris

Hugo

Criadas y señoras

Tan fuerte, tan cerca

Mejor director

Michel Hazanavicius

Alexander Payne

Martin Scorsese

Woody Allen

Terrence Malick

Mejor guión original

The artist

La boda de mi mejor amiga

Margin call

Midnight in Paris

Nader y Simin

Mejor guión adaptado

Los descendientes

Hugo

Moneyball

El topo

Los idus de marzo

Mejor actor

Gary Oldman (El topo)

Brad Pitt (Moneyball)

George Clooney (Los descendientes)

Demián Bichir (A better Life)

Jean Dujardin (The Artist)

Mejor actriz

Glenn Close (Albert Nobbs)

Meryl Streep (La dama de hierro)

Viola Davis (Criadas y señoras)

Rooney Mara (Millenium: los hombres que no amaban a las mujeres)

Michelle Williams (My week with Marilyn)

Mejor actor de reparto

Kenneth Branagh (My week with Marilyn)

Jonah Hill (Moneyball)

Nick Nolte (Warrior)

Christopher Plummer (Beginners)

Max Von Sydow (Tan cerca, tan fuerte)

Mejor actriz de reparto

Octavia Spencer (Criadas y señoras)

Berenice Bejo (The Artist)

Melissa McCarthy (La boda de mi mejor amiga)

Janet McTeer (Albert Nobbs)

Jessica Chastain (Criadas y señoras)

Mejor película animación

Un gato en París

Chico y Rita

Kung Fu Panda 2

El gato con botas

Mejor película de habla no inglesa

Nader y Simin. Una Separación

In Darkness

Bullhead

Footnote

Monsieur Lazhar

Mejor documental

Hell and Back Again

If a Tree Falls: A Story of the Earth Liberation Front

Paradise Lost 3: Purgatory

Pina

Undefeated

Mejores efectos visuales

Harry Potter y las reliquias de la muerte – Parte 2

La invención de Hugo

Real Steel

El origen del planeta de los simios

Transformers 3: El lado oscuro de la Luna

Mejor fotografía

Guillaum Schiffman (The Artist)

Jeff Cronenweth (Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres)

Robert Richardson (La invención de Hugo)

Emmanuel Lubezki (The Tree of Life)

Janusz Kaminski (Caballo de batalla)

Mejor montaje

The Artist

Los descendientes

Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres

La invención de Hugo

Moneyball: Rompiendo las reglas

Mejor dirección artística

The Artist

Harry Potter y las reliquias de la muerte – Parte 2

La invención de Hugo

Midnight in Parisl

Caballo de batalla

Mejor vestuario

Anonymous

The Artist

La invención de Hugo

Jane Eyre

W.E.

Mejor maquillaje

Albert Nobbs

Harry Potter y las reliquias de la muerte – Parte 2

La dama de hierro

Mejor banda sonora

John Williams (Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio)

Ludovic Bource (The Artist)

Howard Shore (Hugo)

Alberto Iglesias (El Topo)

John Williams (War Horse)

Mejor canción original

The Muppets: Bret McKenzie(Man or Muppet)

Rio: Sergio Mendes, Carlinhos Brown, Siedah Garrett(Real in Rio)

Mejor mezcla de sonido

Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres

La invención de Hugo

Moneyball: Rompiendo las reglas

Transformers 3: El lado oscuro de la Luna

War Horse

Mejor montaje de sonido

Drive

Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres

La invención de Hugo

Transformers 3: El lado oscuro de la Luna

War Horse

En estos primeros despertares del año es ya casi una obligación para esta casa abordar las películas más prometedoras que aterrizarán a lo largo de los próximos 12 meses. Aquellas cuya llegada podemos intuir como hitos del año para los que amamos el séptimo arte.

En 2011 lancé un post similar con diez propuestas, y este año lanzo 12 (+ 1 nacional) sin repetir algunas que ya estaban incluidas en la lista del año anterior pero que aún no han llegado a las carteleras (caso de En la carretera, Shame y The Grandmasters), y sin que ello implique que dejen de ser estrenos altamente esperados por el que escribe.

Si el curso caduco fue el tiempo de Terrence Malick, Lars von Trier, Polanski, Cronenberg, Thomas Alfredson y Nicolas Winding Refn, este promete ser la promoción de Tony Kaye, Tarantino, Jeff Nichols, Haneke, Winterbottom, Leos Carax y estos tantos otros….

Io e Te – Bernardo Bertolucci

La última gran figura del cine italiano regresa tras diez años de ausencia debido a problemas de salud con una adaptación de una novela de Niccolò Ammaniti. El director de Novecento pondrá su talento encima de esta historia que gira alrededor de un adolescente con crisis existencial. La incógnita será ver cómo ha afectado a su pulso cinematográfico el retiro al que lo ha forzado su delicado estado de salud.

Untitled Terrence Malick Project – Terrence Malick

A todos sus seguidores debe desconcertar (y en el fondo ser motivo de alegría) ver al esquivo y perfeccionista Terrence Malick engrescado en tres proyectos a la vez. Sin embargo, y hasta que no demuestre lo contrario, no hay ninguna razón para no seguir depositando toda la confianza en este cineasta de carrera intachable. Por eso, su nueva película de pelaje romántico, que protagonizan Ben Affleck y Rachel McAdams, y con Javier Bardem, Rachel Weisz y Jessica Chastain como secundarios, será uno de los hitos cinematográficos del año. El secretismo vuelve a envolver a la trama, y de momento, por no tener, no tiene ni título. Algo que quedará en nimia anécdota cuando el tejano vuelva a hacernos experimentar sensaciones parecidas a las que logró con El árbol de la vida.

Take Shelter – Jeff Nichols

Fecha de estreno: 1er trimestre

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Este desconocido director americano ha logrado vítores y aplausos con su segunda película, Take Shelter. El drama de este padre de familia de la América rural que sufre pesadillas apocalípticas premonitorias ha desvelado a Michael Shannon como un actor todoterreno, y postulado, a esta mezcla de terror, drama y suspense, como una de las cintas indies que deben marcar el año entrante.

El caballero oscuro: la leyenda renace – Christopher Nolan

Fecha de estreno: 26 de julio

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La parte con la que Nolan pretende cerrar la mejor trilogía de Batman hasta la fecha tiene varios boletos para convertirse en la película más taquillera del año y en todo un fenómeno cinematográfico. Nolan repite reparto en esa megaproducción que promete dejar huella en el caluroso verano.

Prometheus – Ridley Scott

Fecha de estreno: 8 de junio

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El otro blockbuster autor del año llega también en verano con lo que se prevé un duelo titánico con The Dark Knight. Scott destierra los huevos Alien que le consagraron como director de clase AAA (que diría S&P) para relanzar la saga a través de un filme que parte de una historia completamente nueva diseñada por Damon Lindelof (cabeza pensante de Perdidos) y con un espectacular reparto: Michael Fassbender, Charlize Theron, Guy Pearce, Idris Elba y Noomi Rapace.

Cosmopolis – David Cronenberg

Después del cambio de tercio que ofreció en Un método peligroso, Cronenberg se embarca en un rompedor viaje en limusina a través de Manhattan. O lo que es lo mismo. La inusual historia narrada por Don DeLillo en la que un joven rico, en el camino para ir a cortarse el pelo, se ve envuelto en una maraña de situaciones inesperadas. Algo así como mezclar Jo que noche con Un día de furia. En la piel del joven millonario veremos a Robert Pattinson (Crepúsculo).

Cogan’s Trade – Andrew Dominik

Algo me dice en mi olfato cinéfilo que Cogan’s Trade podría ser uno de los más brillantes thriller policíacos que aguarde este año. Una intuición que se apoya en la base sólida que transmite saber que las riendas del proyecto las mueve Andrew Dominik (El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford) y que bajo sus ordenes hay un elenco solvente que encabeza Brad Pitt y al que siguen en roles secundarios Ray Liotta, James Gandolfini y Sam Shepard entre otros.

Detachment – Tony Kaye

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Tras casi una década en el olvido, apartado por su irritable carácter e incómoda personalidad, el director que lanzó a la fama a Edward Norton y convirtió a American History X en una de las películas claves de finales de los 90′s regresa con un nuevo título bajo el brazo con números (remotos) para estrenarse en salas comerciales, en medida por el espectacular reparto con el que cuenta. Adrien Brody se mete en la piel de un profesor deprimido que debe lidiar con adolescentes problemáticos. Al ganador del Oscar le acompañan los televisivos Bryan Cranston y Christina Hendricks (repiten juntos después de Drive) y Marcia Gay Harden, Lucy Liu, James Caan y Tim Blake Nelson.

Django Unchained – Quentin Tarantino

Fecha de estreno: 28 de diciembre

Tarantino se aventura en el género western (del que ya dió una lección de aptitudes en la escena inaugural de Malditos bastardos) con Django Unchained. La nueva producción del popular director contará con un envidiable reparto encabezado por Leonardo DiCaprio, Christoph Waltz, Kurt Russell, Jaimie Foxx y Joseph Gordon-Levitt.

Something From Nothing: The Art of Rap – Michael Rapaport

El único documental de la lista viene firmado por el actor Michael Rapaport, quien se pone de nuevo tras las cámaras para repasar la historia del hip-hop esta vez des del punto de vista de una de sus figuras más controvertidas, Ice-T. Tras la notable sensación dejada en su debut con el documental Beats Rhymes & Life: The Travels of a Tribe Called Quest, el actor de Copland volverá a indagar en la escena rap con entrevistas a personalidades de la talla de Afrika Bambaataa, Nas, Mos Def, Chuck D, Eminem, Run-DMC, Dr. Dre, Ice Cube, Snopp Dog. Los amantes del hip-hop que deseen verla deberán tirar de exportación.

Devil’s Knot – Atom Egoyan

Tras la olvidable Chloe, el director canadiense de origen armenio sigue los pasos de la historia real de tres jóvenes que fueron a prisión acusados de matar a tres niñosde 8 años como parte de un ritual satánico. Conocidos por los tres de Memphis, Atom Egoyan pretende aterrorizar con esta historia con puntos de conexión con el documental de culto Paradise Lost.

A glimpse inside the mind of Charles Swan III – Roman Coppola

Tras trabajar de ayudante de dirección para Wes Anderson, y los destacados de la familia Coppola (padre e hija), Roman Coppola intentará ganarse un nombre propio con esta comedia centrada en Charlie Swan, un exitoso diseñador gráfico que tras dejarle su novia ve como su supuesta vida perfecta se desmorona. Para armar la trama cuenta con el apoyo de Charlie Sheen, Jason Schwartzman (todo queda en familia), Patricia Arquette y Bill Murray. De su trama, título e interpretes se intuye la sombra alargada de los universos metalingüísticos  que compusieron el binomio Kaufman-Jonze. De momento gran curiosidad para contemplar la segunda película del hijo mayor de la dinastía Coppola, después de un debut (CQ) que apenas fue visto por nadie.

Cuota Nacional

Invasor – Daniel Calparsoro

Daniel Calparsoro fue la mano ejecutora de alguno de los filmes españoles más sórdidos, oscuros e impactantes de la década de los 90′s. Tras un periodo alejado de la gran pantalla (ha permanecido ligado a la televisión) regresa por la puerta grande con la intención de volver a ubicar su nombre entre los más destacable del panorama nacional. Sus armas para conseguirlo es partir de un excelente material literario de Fernando Marías, que adapta para edificar este thriller con fogonazos de suspense y adrenalina, y protagonizado por Alberto Ammann, Antonio de la Torre y Karra Elejalde.

Con un pleno (dos premios de otras tantas nominaciones) la última cinta del director francés Michel Hazanavicius ha resultado ser la favorita del año para el Círculo de Críticos de Nueva York que ha preferido este homenaje al cine mudo al estallido impresionista de Terrence Malick en el El Árbol de la Vida. El film del autor de Malas Tierras se ha tenido que conformar con el reconocimiento al gran trabajo de sus dos actores (Brad Pitt y Jessica Chanstain) y al de su director de fotografía, el mejicano Emmanuel Lubezki.

Y es que parece que en la carrera a los Oscar la película francesa empieza a obtener una cierta ventaja pues a este triunfo también hay que añadirle las cinco nominaciones que obtuvo ayer a los premios Spirit: Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guión (Michel Hazanavicius), Mejor Actor (Jean Dujardin) y Mejor Fotografía.

Muy reseñable también es el premio concedido al guionista Aaron Sorkin quien parece imparable después del éxito de La Red Social de David Fincher. Su último trabajo, Moneyball: Rompiendo las reglas también conquistó el galardón al mejor actor para Brad Pitt, reconocido por dos interpretaciones muy distintas.

El Mejor Documental fue a parar a la cinta La Cueva de los Sueños Olvidados, el arriesgado trabajo de Wergner Herzog, y Margin Call, de J.C. Chandor, fue nombrada Mejor Ópera Prima.

Por otro lado, y ciertamente significativo, resultó el premio a la Mejor Película Extranjera para Nader y Simin, una separación, que desde que ganara el Oso de Oro en Berín, no ha parado de cosechar éxitos. Veremos si tiene suerte en la carrera a un premio tan conservador como el Oscar.

Otra vieja conocida, Meryl Streep tampoco se fue con las manos vacías. La actriz se llevó el premio a Mejor Actriz Principal por su composición en la película La dama de hierro, de Phyllida Lloyd, en la que interpreta a la ex primera ministra del Reino Unido entre 1979 y 1990.

¿Es El árbol de la vida la obra de un genio o la de un iluminado zen? ¿Son sus imágenes bellos fragmentos poéticos o una desmesura visual? ¿Estamos ante una obra maestra o una ida de olla soporífera? ¿De qué trata El árbol de la vida? Éstas son algunas de las preguntas que sobrevuelan las plateas de los cines y el ambiente de tertulias cinéfilas desde el pasado viernes.

La esperada última ganadora de la Palma de oro llega con la certeza de dejar sin conciliar a adeptos y detractores. No existen medias tintas con la última cinta de Terrence Malick, como tampoco ha existido en su corta, pero excepcional carrera.

Los que la hayan seguido sabrán la predilección de su autor por no prodigarse demasiado en su campo (cinco películas con 68 años), por dejar pasar grandes intervalos entre proyecto y proyecto (20 años pasaron desde que dirigiera Días de cielo a La delgada línea roja) por mantenerse alejado de público y prensa, por rehuir la recogida de premios, por temer las entrevistas. Actitudes por las que se ha ganado el apodo merecido del J.D Salinger del cine.

Ahora está de vuelta con su última película, la más ambiciosa, la más compleja y la más controvertida. Para enfrentarse a ella es necesario entender que no se trata de un filme con una estructura narrativa, sino que está más cerca de una experiencia sensorial, una sinfonía divina sobre las grandes cuestiones del universo, pero a la vez sobre las relaciones humanas que agrietan el núcleo de una familia.

La quinta película del director de Ottawa se puede entender como un poema visual vitalista que surca lo metafísico para entender o aceptar lo íntimo. Los trazos de su historia recorren desde la creación y origen de la vida hasta el día a día de una familia de clase media americana de los años 50’s vista desde los ojos de un niño en trances de crecer, así como su madurez posterior y su plena desconexión con el mundo moderno que lo rodea mientras intenta aclarar su pasado y su papel dentro del universo.

Malick lanza digresiones varias sobre estas cuestiones, y lo hace sin esquema previo, prescindiendo del guión, apoyándose en la elipsis y los saltos de escenario. En ese sentido su película se asemeja más  a los actos de una sinfonía que a las formas canónicas aristotélicas de introducción, nudo y desenlace a las que tan acostumbrado está el espectador de cine.

Para abordar su ambiciosa propuesta se basa en la conjunción de todos los elementos a su alcance. La voz en off se muestra como uno de los principales reclamos, así como la música celestial (tanto la compuesta para la ocasión por Alexander Desplat como la no original), la imagen entendida como un símbolo poético, el montaje sincopado, la magistral realización o las sinceras interpretaciones.

Una obsesión perfeccionista en el continente que ha venido arrastrando el director de Malas Tierras a lo largo de toda su carrera, y que aquí es visible una vez más. La labor de Emmanuel Lubezki  en la foto (repite tras El nuevo mundo), el uso  de la música clásica como valor expresivo y con significado al mismo tiempo, el trabajo de Brad Pitt (¿aún hay alguien que dude de su valía como intérprete?), Jessica Chastain, Sean Penn y esos maravillosos niños son dignos de contemplar. El resultado es observar un espectáculo audiovisual fascinante, del que te sientes cautivado y absorbido, por el qué flotas por encimas de diferentes estados de ánimo, y del que sales con una sensación de haber vivido algo muy poco habitual en una sala de cine (fíjense en el silencio sepulcral o el cuchicheo molesto que seguro acompañará los títulos de crédito dependiendo de la sala de cine que escojan)

Por encima de todos estos elementos destaca el sobrecogedor trabajo del director de fotografía Emmanuel Lubezki en el tratamiento de esa luz preciosista del atardecer, tan presente también en Días de cielo (la hora mágica a la que se subscribía Néstor Almendros), con la búsqueda incesante de esos tonos blanquecinos que remiten constantemente a la presencia divina en todas las cosas que envuelven nuestra cotidianeidad, o esas manchas solares a contraluz que nos recuerdan también la presencia y efecto de la naturaleza en la vida, y por supuesto, ese asombroso baile de la cámara resiguiendo el inquieto desvelo de la inocencia de este hermano mayor protagonista. Una cámara que se mueve con maestría, que queda suspendida a través del espacio.

Pero no todo en la película son destellos geniales, también tiene sus pesares; hay cierta inconexión al principio, cierto salto abrupto que interrumpe y despista la mirada del espectador. También se le podría haber pedido a Malick cierta contención con el uso reiterado que hace de la música clásica, de la voz en off, de los halos de luz blanca, y de toda esa belleza casi presente en todo el metraje. Hay un contra efecto en ese uso excesivo, que se podría haber solucionado simplemente con dosificación.

Pero a su vez, también hay que constatar que se desmarca de lo normal con recursos de maestro, con florecimientos líricos que no resultan nunca accesorios (y que para entender del todo tendríamos que penetrar más en la filosofía de Heidegger y otros filósofos que marcaron a su director durante sus años de estudio)…como son esas elipsis que abren puertas a la interpretación libre, o ese uso inteligente de los efectos de sonido como parte íntegra o externa de la música y que utiliza para recrear y sugerir estados de ánimo o avanzar posibles líneas narrativas que no nos muestran las propias imágenes. Este tratamiento modélico se muestra con amplitud cuando reseguimos la historia de los tres hermanos, y como poco a poco nos damos cuenta de la tensión latente que aflige a los niños. Una tensión que le sirve a Malick para rendir cuentas a su propio pasado, para articular una certera disertación sobre la educación de esa época y los derivados a día de hoy de una moral eminentemente capitalista. Esto se refleja en pantalla como un cuchillo de doble filo que despelleja la inocencia del hermano mayor y que no sólo provoca un cambio en su actitud y el cuestionarse por primera vez varios asuntos, sino que a la larga desencadena una alma perdida en la vorágine del mundo empresarial (¿Es Jack la quinta esencia del sin rumbo que aflige al hombre capitalista?)

La película ante todo deja un mensaje luminoso sobre la vida, aboga explícitamente por el amor al prójimo, y expone la fragilidad humana, la injusticia de Dios con las tragedias, otorgándoles el valor de una simple gota en un vasto océano, que por muy voluminosas e importantes que nos parezcan no van a alterar el rumbo de ese mar. Hay claramente exponentes panteístas en la obra de Malick, y aquí parecen trufados de consignas religiosas, divinas, o incluso new age, que puede sacar un poco de sus casillas a los ateos recalcitrantes.

También es verdad, que el relato baja un pistón cuando se aleja de la historia principal de esa familia tocada por la rigidez de su padre. Son esos momentos, los pasajes de la infancia, las máximas cotas de la obra, y puede que de su director. Ni los pasajes al estilo documental Discovery Channel de la creación del cosmos, ni las partes ambientadas en la jungla urbana moderna con Sean Penn replanteándose muchas cuestiones micro y macro sobre su vida y existencia alcanzan el mismo nivel.

El árbol de la vida supone la culminación de un poeta, un filósofo, un humanista, un artista, un artesano de la imagen. Es la expresión artística / filosófica  a los temas existenciales que preocupan a un cineasta impecable. Y supone una experiencia que escapa a los límites físicos de una sala. Su torrente visual te arrastra hacía estados y pensamientos que van madurando en tu interior, y más allá de su placentero visionario, El árbol de la vida deja un regusto espiritual, casi místico que te lleva a la reflexión. Quizás por eso genera tantas posiciones diferenciadas. Como ocurriera en su día con 2001: una odisea en el espacio (una de las referencias del filme), Él árbol de la vida se puede convertir en la obra de un genio incomprendida en su tiempo. De momento Malick ya ha conseguido burlar las limitaciones de la industria, la rigidez de los productores e incluso convencer al jurado de Cannes. Ahora le toca al público juzgar si estamos ante la obra de un genio o la de un impostor. Aquí lo tenemos claro.

En los últimos días se han sucedido noticias relacionadas con el mundo del cine que invitan al optimismo. Como el goteo ha sido incesante nos ha sido imposible recogerlas en su momento, así que hemos decidido lanzar esta recopilación de noticias y trailers con la que llenar de aire fresco a vuestros pulmones adormecidos por la reducida actividad neuronal a la que invitan las carteleras en verano.

Y empezamos con uno de los directores en activo más admirados del momento. A Terrence Malick el reloj parece apretarlo de golpe en el desarrollo de sus proyectos. No contento de llevarse premios a su paso con la esperada El árbol de la vida (16 de septiembre en España), el director tejano ya prepara tres proyectos más. El más inmediato, era la ya conocida cinta romántica con Ben Affleck, Rachel McAdams y Javier Bardem entre otros, y cuyo título aún no definitivo se conoce  por el momento como The Burial. También en fase de desarrollo prepara el documental Voyage of time, con Brad Pitt y Emma Thompson en la voz en off. Por último esta semana hemos conocido que ya está en marcha su siguiente proyecto. Aún sin título, ha trascendido que será una pequeña historia de dos personajes que pretende empezar a rodar a finales de verano o a principios de otoño. Por el momento se ha confirmado a Christian Bale para el rol principal, al que podrían acompañar alguna joven actriz como Rooney Mara, Haley Bennet, Clemence Poesy o Mia Wasikowska. Poco más se sabe sobre el proyecto, tan solo alegrarse de la inspiración que parece bordear de nuevo al director de Días de cielo.

Otro director con solera tiene finalizado un nuevo proyecto. Antes de torturarnos con su primera experiencia en 3D, y dar cancha a los que ven en él otra víctima inadaptada de los golden boys, Martin Scorsese nos presentará un nuevo documental musical tras sus mayúsculos antecedentes. El centro de estudio es ahora el beatle George Harrison. Con entrevistas a Eric Clapton, Eric Idle, Terry Gilliam, Paul McCartney, Yoko Ono, Ringo Star, Tom Petty, Phil Spector, etc, el director de Toro Salvaje recorre la vida del más reservado de la banda de Liverpool. Su estreno mundial se espera para el New York Film Festival. ¿Y en España? Aquí su premiere será en el próximo festival de San Sebastián, y a los cines la traerá Avalon ¿La veremos antes por el In-edit?

Brian de Palma, otro de los que formaron aquella generación de jóvenes cineastas que insuflaron nuevo aire en la industria hollywoodiense, regresa tras sus últimos fracasos estrepitosos, con un thriller titulado The key man, un proyecto que ya se ha definido como un thriller conspiracional a medio camino entre los 3 días del cóndor y Marathon man.

 No sabemos si uno de los directores más grandes y más escrupulosos de todos los tiempos verían con buenos ojos que otros husmearan por sus cajones. Pero ya es un hecho que un borrador escrito por Jim Thompson para que Kubrick convirtiera en imágenes se va a materializar en película. El proyecto se conoce por Lunatic at large, y de momento la responsabilidad ha caído en el director de spots Chris Palmer, quién contará con Sam Rockwell y Scarlett Johansson para los roles principales.

Fue una de las principales favoritas en todas las quinielas de la última Palma de oro. Finalmente, Aki Kaurismaki tuvo que presenciar como Malick se le imponía. No obstante, los que han tenido la oportunidad de ver Le Havre ya la consideran como uno de los mejores títulos de este personal director fines. Ahora podemos disfrutar de su trailer, y las impresiones que apuntan alto parecen estar en lo cierto.  Para cerciorarse del todo los españoles tendremos aún que esperar un poco.

Por último terminamos con dos proyectos menos conocidos. El primero de ellos parece la secuela no oficial de Animal Kingdom. Un cine negro tosco y crudo que llega proveniente de Australia e inspirado en una historia real de un joven asesino que aterrorizó una pequeña región allá en los 90′s. Snowtown es la opera prima de Justin Kurtzel.

Terminamos con este gustoso trailer de la película Headhunters. Sensación de los países escandinavos que adapta al escritor Jo Nesbo, escritor de bestsellers. Como se aprecia estamos ante un thriller frenético que desborda acción, traición, venganza y violencia.

En condiciones normales no hubiera posteado un trailer grabado por un espectador en la sala de un cine, pero cuando el trailer en cuestión es el más esperado de los últimos años, y varios escalofríos recorren tu piel durante su visionado, sabes que debes saltarte cualquier norma al respecto.

Los norteamericanos que durante el fin de semana se acercaron al cine a ver de Black Swan (Cisne negro) se toparon con este hermoso regalo ofrecido por Terrence Malick: el trailer de The Tree of life. El veterano director de La delgada línea roja regresa con este ambicioso proyecto cuya sinopsis se presenta de entrada compleja. El árbol de la vida es la historia de una familia norteamericana de la década de los 50′s a través de la crónica del hijo menor en su viaje hacía la edad adulta. De la inocencia a la desilusión. Un alma perdida en el mundo moderno, en busca de respuestas y significado, a la vez, que cuestiona la fe.

Recurrentes ingredientes de la inmaculada carrera del Salinger del séptimo arte. Como también nos acostumbra en sus películas, y pese a la calidad del trailer, su pulcritud formal se respira en cada plano, en cada imagen, en cada cuadro audiovisual que compone, esta vez con la ayuda del director de fotografía Emmanuel Lubezki.

En el papel adulto de este hijo con el que recorremos las etapas por el árbol de la vida encontramos el siempre impecable Sean Penn, capaz de transmitir sentimientos humanos que desconocíamos. No le queda lejos Brad Pitt, interpretando a un padre con fricciones con su hijo.

Otro apartado del que Malick suele impartir lecciones sobrecogedoras vuelve aquí a sobresalir a tenor de lo escuchado en el trailer. Es sabida la sabiduría del director de Malas tierras para escoger la música de sus filmes, dotando siempre de significado cada uso del mismo. En esta ocasión, parece que nuestros oídos volverán a gozar de ello, y además cuenta con el trabajo de Alexander Desplat para las partituras originales.

The tree of life tiene previsto su fecha de estreno el 27 de mayo.

PD: cuando se suba un trailer de mayo calidad, actualizaremos la entrada (hecho)

A muchos les extrañara que en pleno mes de abril alguien se dedique a buscar las cinco películas más prometedoras del 2010. Pero viendo el resultado de los pasados Oscar, y sin haber visto aún esa película de reconocimiento unánime, creo que es necesario aportar cinco cápsulas de esperanza para los cinéfilos que piensan que el cine lleva un tiempo dándoles la espalda.

The Tree of Life – Terrence Malick

Sin duda, ésta puede ser una de esas películas que salvan el año, y que nos recomponen de una extensa sequía de calidad. El director de culto Terrence Malick, conocido como el Salinger del cine, parece ahora encaminarse, en su vejez, a una trayectoria diametralmente opuesta a lo que le había caracterizado. Si en el 2006 nos regaló El nuevo mundo, sólo 4 años después regresa con The Tree of Life, un ambicioso proyecto que cuenta con dos pesos pesados de la interpretación: Sean Penn, y Brad Pitt. Malick ni corto ni perezoso ya prepara su siguiente obra, ¿qué estará pasando por la cabeza de este genio?

Argumento: Ambientada en los años 50’s narra la pérdida de la inocencia de tres hermanos. Poco más ha trascendido sobre su argumento.

A favor: La vuelta de uno de los más grandes cineastas en activo

En contra: Que su ritmo de trabajo inusual adoptado en los últimos años pase factura en la perfección artística a la que no ha acostumbrado este genio.

Biutiful – Alejandro Gonzalez Iñarritu

El director de Amores Perros sigue con sus historias entrecruzadas a lo ancho y largo del planeta. En esta ocasión centra su foco de atención en Barcelona. Biutiful supondrá la primera colaboración del mejicano con el solicitado actor Javier Bardem.

Argumento: Un hombre se ve envuelto en un acuerdo ilegal, por ello, será perseguido por un amigo de la infancia, que trabaja ahora como policía.

A favor: Desde que Iñarritu irrumpiera en el panorama cinematográfico, sus películas se cuentan como logros.

En contra: La película no está levantando demasiada atención por parte de la prensa.

The killer inside me – Michael Winterbottom

Winterbottom, para el que escribe, es el director más ecléctico del panorama actual, tanto se embarca en un drama de ciencia-ficción, como pasa al cine social de tono documental, o nos deslumbra con una adaptación tan complicada como la hilarante Tristam Shandy. Ahora el director inglés vuelve a centrar su mira de atención en un libro, en este caso El asesino dentro de mí, del seminal escritor de novela negra, Jim Thompson.

Argumento: En un pequeño pueblo de Tejas la vida es muy tranquila, hasta que el adjunto del sheriff empieza a recobrar la enfermedad que de joven le condujo a llevar a cabo un asesinato. En su interior crece un asesino en serie, y las consecuencias serán devastadoras para la población.

A favor: Winterbottom atreviéndose a adaptar una de las novelas más logradas de Jim Thompson

En contra: las posibilidades de hacer una adaptación fallida, cuando se parte de una obra tan angular, son altas.

The way back – Peter Weir

Para muchos el nombre de Peter Weir les es totalmente indiferente, pero este australiano es el responsable de grandes joyas cinematográficas como Gallipoli, Picnic at Hanging Rock o El show de Truman, y ahora regresa con este thriller, protagonizado por uno de esos pocos valores seguros, como es el genial intérprete Ed Harris en una historia que promete.

Argumento: El filme, ambientado en el año 1942, se centra en la vida de unos prisioneros de Guerra (Ed Harris, Colin Farrell) que pretender huir de un gulag y llegar a la India.

A favor: Peter Weir + Ed Harris

En contra: A veces el director de Gallipoli no les ha sacado todo el jugo potencial a ciertos proyectos que prometían.

Road to nowhere – Monte Hellman

Uno de los directores norteamericanos más ilustres, pero más desconocidas para el gran público, regresa 30 años después de su último filme con una nueva obra. Se trata de Road to nowhere, y su director es Monte Hellman, director de obras de culto como Carretera asfaltada en dos direcciones.

Argumento: Un joven cineasta se ve envuelto en un crimen mientras rueda su proyecto.

A favor: Uno de los directores de culto de los EEUU sale de una larga y eterna hibernación.

En contra: ¿Tan larga hibernación habrá atrofiado su talento?

Después de la crisis institucional que tuvimos durante el pasado verano con la avalancha de publicidad basura, parece ser que la publicidad televisiva y su unidad, el spot, se van recuperando. Al menos por lo que se refiere al producto exterior las muestras bordan sus mensajes.

Al menos ésta es la impresión que me queda tras presenciar en la última semana diversos comerciales altamente recomendables, hasta el punto de que aquí me encuentro lanzando una batería de recomendaciones porque se me estaban acumulando.

Y empecemos por el de más arriba, un spot  que está dirigido por el omnipresente e incansable Spike Jonze para el  banco Softbank. Este spot, y otro de más debajo de la misma campaña, están llevados a cabo con la elegancia y el buen hacer que caracterizan al director de Adaptation. En esta pieza vuelve a desdibujar  (recordad el corto con Kanye West) la imagen que tenemos de una estrella de cine, como Brad Pitt, que en está ocasión se pone en la piel de un criado, tutor, canguro, de un típico luchador de sumo. Todo esto está acompañado por una genial partitura de Department of Eagles, y con el certero, potente y luminoso estilo de su director. Como digo, recomiendo verlo en buena calidad, y versión integra. 

Otro spot que ha sacudido mi cabeza a través de su propuesta desternillante, es el de “Intel Star”. Un anuncio que forma parte de la campaña de Intel: Sponsors of tomorrow, en que de forma muy cómica nos remarcan que su compañia es única en el mercado, hasta el extremo que para lo que para nosotros es una estrella de rock, para ellos es….

Y finalmente este anuncio de Canal + Francia, que reparte su calidad a partes iguales entre la realización, el concepto, la trama (con giro final incluido), y un copy lúcido y tremendamente elocuente. En él se hace hincapié en la habilidad del guionista para contar historias, mezclarlas y hacerlas verosímiles de cara al espectador, un pequeño homenaje a la figura del guionista que logra arrancarnos una sonrisa final.

La misma que producen los otros spots comentados. Todos comparten originalidad, creatividad, buen hacer, y sobre todo, humor, mucho humor, y de diferente estilos.

 Vía Creativos sin ideas y Youtube

Spot en alta calidad de Softbank

A veces lo mejor al adentrase en las oscuridades de los cines es llegar a ellos con las expectativas de lo que te dispones a ver  por el suelo. Ese fue precisamente el estado con el que un servidor entró a ver Malditos bastardos,  y creo, sinceramente,  que las dos horas y media de diversión que me regaló el señor Tarantino no me hubieran causado la misma impresión en la condición contraria.

Malditos Bastardos supone la primera incursión del director de Pulp Fiction en el cine bélico, no por ello su película se subscribe en los parámetros de género, sino que vuelve hacer otra vez gala de su habilidad para el pastiche pop, cruzando entre sí diversas influencias, pero de una forma mucho más controlada y medida que en Kill Bill.  Con Malditos Bastardos, Tarantino ha querido dar rienda suelta a su antojo, recreando una historia hilarante, disparatada e hiperbólica sobre unos personajes que confluyen en la Francia ocupada por los nazis. Tampoco ha dudado en utilizar personajes reales históricos, empezando por el propio Hitler o su ministro de propaganda Goebbels, para hacer su propia descabellada relectura histórica, donde hay cabida para sus placeres visuales y temáticos. Durante todo el visionado se respira esa sensación  de que el propio director es el primero en tomárselo todo como un mero divertimento.  

Pero este divertimento se ha construido de una forma audaz, inteligente y con una mano muy firme por parte de su creador. Todos los elementos que configuran el filme se articulan de forma precisa, consiguiendo en ocasiones, momentos de pura inspiración; como la magistral secuencia con la que se inicia el filme, donde vemos por primera vez al soberbio personaje de Hans Landa, interpretado por el próximo ganador al Oscar, Christoph Waltz. Esta secuencia es el paradigma de  una de las características más habilidosas y definitorias del director norteamericano. En ella el ritmo se deja llevar por la extensión dilatada del tiempo debido a la ponderación de detalles, a priori insignificantes, pero que en el fondo, llenan de esplendor la personalidad de los personajes, y a la vez llenan de tensión la propia atmósfera. Esa espera dilatada, propia de Tarantino, se usa para cocinar a fuego lento los elementos necesarios que ayudarán a crear el efecto buscado una vez surja el inesperado golpe de efecto en forma de drama, humor, humor negro o violencia. Quizás más que en anteriores filmes, Tarantino se recrea en el silencio para emplazar y resaltar esas tensiones, sin que eso implique que abandone la palabra y sus ingeniosos diálogos como los mejores aliados para construir la historia y sus conflictos.

Malditos bastardos supone uno de los trabajos más brillantes en dirección de actores que se pueda recordar de su director. Si bien el citado Waltz se lleva la palma entre el elenco actoral, consiguiendo con sus apariciones subir enteros todo el filme, también merece un gran mención Brad Pitt como teniente de la cuadrilla de bastardos que pueblan esta cinta. La caracterización de su personaje, junto al esmero en su pronunciación tejana, y la gracia en cómo se  desenvuelve su interpretación, hacen que el personaje de Aldo Raine sea uno de los más conseguidos en su destacable carrera de actor. A esto hay que añadir los convincentes papeles de todos los componentes de la cuadrilla de bastardos, el de las dos damas del filme, o el de los personajes nazis.

Tarantino ha vuelto con Malditos Bastardos a la temática recurrente de sus más recientes producciones. La venganza gira como motor de explosión de estos personajes extremos, que como es habitual, tienden a la exageración. El personaje que gira más alrededor de las ansías de venganza es el de Shosanna, la verdadera protagonista de esta cinta dividida en diferentes capítulos.

Una de las partes más logradas del filme en el último capítulo que enmarca todo el acto final del filme. Dentro de él se presencia una de las secuencias más desternillantes de los últimos años, donde por primera vez Tarantino bebe de los hermanos Marx para articular una secuencia imborrable en la que se escenifica el deseado encuentro entre el Coronel Landa (el cazador de judíos) y los tres miembros infiltrados de los malditos bastardos.  Una secuencia cargada de  momentos de desconcierto y despropósito imbuidos por la distancia que los idiomas y la pronunciación separa a los personajes que intervienen (imprescindible verla en versión original) y cuyo resultado más elocuente se produce al ver una sala entregada a la carcajada.

Pero no todo en la película son halagos, también se le puede recriminar ciertas licencias poco creíbles en su trama, pero que quedan algo diluidas en su conjunto por la eficaz labor del director de Jackie Brown para hilar en su guión las diferentes historias divididas en capítulos. Dentro del tono del filme, los frames congelados con infografía de por medio, o las subtramas de explicación de algunos personajes no acaban de cuajar dentro del conjunto. También se podría haber olvidado de esa historia de amor no correspondida entre el héroe de guerra alemán,  Zoller (Daniel Brühl), y la propia Shannon, que además presenta una conclusión muy chirriante y desubicada.

La música siempre ha tenido una presencia cautivante y primordial en los filmes de este director, pero es quizás este largometraje el que menos peso sonoro presenta a lo largo de su recorrido. Tarantino se vale de partituras de su indispensable Ennio Morricone para ambientar esos primeros compases con puntos de referencia en el spaghetti western, y la mayor parte de situaciones tensas. En este sentido, su apuesta más heterodoxa es la acertada inclusión del tema de David Bowie “Putting out the Fire”, perteneciente por otro lado a la banda sonora de la película Cat People, en el inicio del último capítulo.

Malditos bastardos es una comedia salvaje, repleta de humor negro, con ciertos elementos tarantinianos, y ciertos elementos característicos del cine bélico y de otros géneros que han marcado a su autor (Doce en el patíbulo y Aquel maldito tren blindado son los máximos referentes) . Una divertida comedia que muestra a un Tarantino más maduro en su ejecución, pero igual de gamberro en sus intenciones, y que dejará muy buen gusto a los que se dejen llevar por su tono desenfrenado y desprovisto de profundidad.

Aquí van dos destilados cargados de cinefilia para pasar este fin de semana lluvioso de septiembre. El primero de ellos, permitidle que lo anuncie con reservas, se trata del último filme del venerado Quentin Tarantino. Malditos Bastardos es su primera incursión en el cine bélico, y se adentra a partir de una disparatada historia ambientada en la segunda guerra mundial con Brad Pitt y Diane Kruger en los principales roles.

El batacazo que supuso su anterior filme, Death Proof, ha supuesto que crezca en mí cierta desconfianza sobre el estado de forma del director norteamericano, que ofreció las mejores muestras de su talento en filmes como Reservoir Dogs, Pulp Fiction o Kill Bill. Además su trailer no hacer más que señalar ese presentimiento de que su nueva película vuelva a ser una decepción. Mañana intentaré argumentar mi veredicto al respeto.

Otro destilado, más apropiado para los paladares más curtidos, es el documental musical Let’s Get Lost. La película relata los últimos días del irrepetible trompetista de jazz Chet Baker, a través de la mirada del fotógrafo/ director Bruce Weber. Un documental nominado al Oscar, y galardonado con e Premio de la Crítica en el festival de Venecia. Un buena propuesta para aquellos que no les importe pagar por ver en el cine un filme que tiene ya 21 años, sí, otra inexplicable maniobra surrealista de las distribuidoras de este país. Yo aprovecharé el sinsentido.