Para algunos la décima edición del Primavera Sound fue la ocasión perfecta para sacar sus kits de medicamentos mágicos mientras otros hacían negocio vendiéndolos, para un grupo minoritario fue una buena oportunidad para practicar nuevas posiciones del kamasutra en las zonas fangosas de los matorrales, otros lo vieron como el marco perfecto para sacar a relucir las vestimentas más llamativas adquiridas en el último año, casi la mitad (todos ellos de habla inglesa) fue una mera excusa para dejarse el sueldo de un año en alcohol, para otros muchos fue la oportunidad de ver a Pet Shop Boys, y para un reducido grupo de gente, el PS fue un buen pretexto para que pudiésemos gozar de la música, que con muy buen criterio, sus organizadores programan.

Podíamos hablar largo y tendido sobre todo lo que acontece durante los tres días que dura el festival, y de las imágenes que perduran en cada uno. Para aquellos que vieron a Tim Harrington de Les Savy Fav corriendo semi desnudo por los matorrales del escenario ATP (A.K.A. los baños públicos romanos vikingos) puede que sea la imagen que van a retener,  a no ser que se hayan topado con el inglés que blasfemaba al cielo: “it’s snowing”, o vivido el colofón diurno con Dj Coco y cincuenta espontáneos en el escenario con sombrero mejicano. Pero sí yo tuviera que hablaros detenidamente de algo, seguramente os hablaría de la lujosa zona de prensa Adidas Originals PrimaveraPro que montaron para profesionales y gente de la prensa con piscinita al mar, hamacas, carpas, y restaurante incluido, pero muchos me odiarías por eso. Así que lo mejor será sintetizar de manera escueta, esquemática y vacía estos tres días de música.

Decepciones

Panda Bear

Aún no sé si fue por la pateada que me metí hasta llegar al escenario situado cerca de Teruel, o porque encima el tío empezó tarde porque los visuales no funcionaron, o porque en lugar de dedicarse a deleitarnos con Person’s Pitch nos torturó con su inminente nuevo disco, pero el hecho es que Noah Lennox y su ruidismo me decepcionaron hasta el punto que a la media hora decidí volverme al Parc del Fórum de Barcelona.

Orbital

En ningún momento los hermanos Hartnoll pudieron coger la temperatura al escenario Ray-Ban. Tampoco ayudó que servidor esperara temas emblemas propios, y Orbital se decantarán por pinchar una sesión a media revolución.

Revelaciones

Sleigh Bells

Este dúo conjuntado en Brooklyn llevan noche tras noche liándola en los locales de New York. Aquí poco se había hablado de ellos, pero tras el impacto morboso que destila su cantante y sus apretados vestidos, se merecen al menos estas líneas. Y además su propuesta desfasada y contundente fue un buen remedio para los que Pavement no nos quitan el sueño.

Beach House

Llevan tres discos a sus espaldas, pero con Teen dream han conquistado el corazoncito de media fauna indie. Llegaron al PS para demostrarlo y ni actuar en campo abierto, ni hacerlo ante una muchedumbre que se amontonaba en el pequeño escenario ATP lo impidieron. El pop ensoñador apoyado en la preciosita voz de Victoria Legrand enmudeció a los presentes, y tras ello, otros pudieron ocupar el espacio de los que estábamos levitando.

Ni fu ni fa

The XX

Los tres chavalines no hicieron honor a la expectación levantada al en torno del abarrotado escenario Ray- Ban. Su pop minimal de corte oscuro de siglo XXI había convencido a público y crítica. Sin embargo ese sonido desesperanzador, tan propicio a nuestros tiempos, no cuaja en un festival, y muchos menos en recintos abiertos. Más si aún no te mueves con soltura encima del escenario

Yeasayer

Los de Brooklyn y su eclecticismo sonoro les costó mucho entrar en sintonía con el público. No ayudaron las declaraciones seudo antisistema lanzadas por su cantante en contra de la publicidad Ray-Ban que colgaba a ambos lados del escenario, cuando uno mismo se pasea de punta en blanco, y de bien seguro, que utiliza esa mismas marca de gafas (regaladas o no) cuando quiere esconder los signos de su última farra. No obstante, gracias a temas irresistibles como “Ambling Alp”, y algún hit de su primer disco, hicieron que el encuentro se quedará sólo en agridulce.

Juventud dorada

Broken Social Scene

Quizás el nombre escogido para este bloque no se atenga al bajista de la banda canadiense, algo así como un híbrido entre Margaret Tatcher (gracias Alex) , Martina Navratilova (gracias Cesc) y Andy Warhol. Pero una vez pudimos dejar de pensar en el género de ese híbrido impactante, y centrarnos en la música indie-rock de esta comuna de músicos, pudimos disfrutar del sonido compacto y coherente que ha caracterizado sus diez años de vida (cinco en silencio).

Spoon

Estos chicos de Austin llevan 16 años en esto de la música, pero ya suenan y se presentan como veteranos. No tuvieron ninguna dificultad en entregar a la audiencia una  mezcla entre la batería de hits, el escapismo de distorsión, y temas de su último álbum Transference, donde el sintetizador cobra protagonismo. Britt Daniels (AKA Van der Sar) y los suyos supieron desenvolverse con naturalidad y frescura por todos los mares en que se embarcaban.

Grizzly Bear

Los neoyorquinos hicieron temblar de preocupación a la audiencia con un inicio tibuteante (los dos relevantes temas con los que abrieron que sonaron desaliñados). Cuando todo hacía presagiar que su pop/folk barroco con incursiones psicodélicas tan solo puede concebirse en las paredes de un estudio, los de Brooklyn se diversificaron, reconvertidos en multiinstrumentistas, y lograron una apabullante intensidad sonora. Sus escarceos psicodélicos, sus melodías ensoñadoras, y su ruidismo controlado hicieron las delicias de la mayoría de los presentes.

Florence + the machine

Se confirmó como aspirante al trono pop con su concierto del Primavera Sound. Sin embargo, el público se movió entre la apatía de unos temas muy homogéneos, y la entrega que provocan sus hits cantados por esta mujer dotada con unas cuerdas vocales impresionantes.

Nacidos con estela de clásicos

Wilco

Sus componentes apenas alcanzan la cuarentena, pero para muchos ya son una banda clásica de rock. Su concierto fue de menos a más, por culpa de unos problemas de sonido iniciales. Y más allá de los hits, a servidor le hechizaron los temas de baja revolución, dónde parecían mirarse directamente en el espejo de The Band.

Pixies

Cuando uno conseguía desquitarse de la imagen que suponía ver las enormes tetas de Black Francis, y darse cuenta que tenía siete tíos subidos a la chepa, el concierto de los de Boston fue ejemplar. A eso ayudó un repertorio plagado de hits encadenados, y por temas a medio camino entre el punk y el noise que lanzaron de forma compacta desde el escenario San Miguel. Un obligado bis con “Where is my mind” puso la puntilla a ese gran espectáculo sonoro.

Sesión celestial

Diplo

Uno de los grandes momentos nocturnos nos los regaló el partenaire de M.I.A. El productor yanqui Diplo lanzó a la pista, a través de los platos, todo el background rítmico que le sacude la cabeza en su incansable búsqueda del ritmo perfecto. No faltó el dirty south hip-hop, el electro, el dancehall, el funk carioca, el rap, y nuevos clásicos (Hot Chip y M.I.A entre otros). Todo sampleado y bien agitado para no dejar ni un esqueleto estático, hasta las columnas del escenario Pitchfork parecían temblar al ritmo desenfrenado e irresistible que marcaba el Dj y productor.

En el refugio musical

Van Dyke Parks

Este músico de 67 años ofreció un entrañable viaje por su música perfeccionista. Se nota su faceta de arreglista para grandes figuras de la música, porque el viaje que propuso en el Auditori estaba guiado por una luz armoniosa, y la sensación final era de placer y de remanso espiritual. Ojala el festival no hubiera seguido su curso, y los presentes hubiéramos quedado perpetrados en la calidez de ese escenario, junto al pequeño narrador entrañable de pelo canoso.

En la carpa imposible

The Antlers

Aseguran que The Antlers ofrecieron un concierto muy emotivo, yo (físicamente) estuve en el que ofrecieron en la carpa Ray-Ban, pero lo más emotivo que presencié fue el sugerente vestido de la inglesa de mi lado porque de su música no me llegó ni una nota. Sinceramente encuentro muy acertado que dispongan de una carpa para conciertos de pequeño formato, rollo unplugged, pero si sólo lo pueden gozar las azafatas de esa marca de gafas, los músicos (si no sobrepasan los tres miembros), y cinco groupies de turno que sueltan “I love you”, quizás valdría la pena diseñar una carpa más grande para próximos años.

Y en pocos flashes este fue el PS 2010 que vivió el que arriba firma. Si buscan algo más completo y serio lean esta crónica.

2005

Sufjan Stevens – “Illinoise”

La mejor obra del habitual vodevil sonoro del de Detroit. Hay pocos artistas con una visión tan amplia de las posibilidades a su alcance. Es imaginativo. Simple. Barroco. Come On Feel The Illinoise destaca por una ambientación única, con coros, violines, banjos, teclados, vientos y títulos como “The Black Hawk War, or, How to Demolish an Entire Civilization and Still Feel Good About Yourself in the Morning, or, We Apologize for the Inconvenience but You’re Going to Have to Leave Now, or, ‘I Have Fought the Big Knives and Will Continue to Fight Them Until They Are Off Our Lands!’”. La música de Sufjan Stevens es tan extravagante como su idea de componer un disco para cada uno de los estados norteamericanos. Compuso Michigan en 2003. Ya sólo le faltan 48. 

The Wedding Present – “Take Fountian”

Cuando David Gedge decidió dejar de lado Cinerama para resucitar su vieja y prolífera formación era consciente que sus nuevas canciones estaban bastante cerca del legado dejado a finales de los 80. Vale, Take Fountain no es esa obra de culto músico-futbolístico llamada George Best (1987), pero contiene en gran medida sus rasgos definitorios. Ese power-pop melódico ejecutado en clave punk que hizo de los de Leeds una banda singular en el panorama británico.

The New Pornographers – “Twin Cinema”

Existe un panorama independiente en Canadá más allá de Arcade Fire. The New Pornographers, supergrupo de Vancouver formado por A.C. Newman, Dan Bejar de Destroyer, la cantautora Neko Case, John Collins de Evaporators y Kathryn Calder, encontró en el cauce más clásico del power-pop su razón de ser. Unas composiciones frescas, que han dejado una amplia discografía de la que destacan también Mass Romantics (2000) y Challengers (2007), pero de la que sobresale Twin Cinema del que todos los temas corren a cargo de Newman. Algo fundamental para el buen hacer de la banda.

Broken Social Scene – “Broken Social Scene”

Más inide canadiense. El cuarto álbum de los de Toronto, último hasta la fecha, es su disco más complejo pero más aplaudido. Comparten el gusto por la instrumentación de sus compatriotas Arcade Fire pero con una propuesta de tintes menos épicos y más eléctricos. Lo suyo es indie-rock en esencia, algo de shoegaze, guitarras que hacen la guerra por su cuenta y estructuras que brillan por su ausencia. 

Low – “The Great Destroyer”

Emparentados dentro de la escena slowcore americana, el séptimo disco de los de Duluth (localidad natal de Bob Dylan) abre el radio de acción de la banda hacia nuevos públicos. Supone un giro hacia concepciones menos experimentales, más accesibles. Un trabajo mucho más melódico pero a base de las armonías vocales y el rock magnetizado de ejecución atropellada característico de la banda. Low interpretarán The Great Destroyer de forma íntegra en la próxima edición del festival Primavera Sound.

 2006

Amy Winehouse – “Back To Black”

Elegida por la revista Q como la artista más importante en lo que va de siglo, la londinense cautivó con su segundo disco, tras un debut, Frank (2003), firmado con apenas 19 años y que ya le valió comparaciones con Billie Holliday y Erikah Badu. Back To Black es un disco que desprende una actitud musical y vital nada impostada. La nueva femme fatale del pop vive como actúa, al límite, envuelta en excesos (“Rehab”), pero a la vez no tiene miedo en exhibirse como una persona vulnerable (“Back To Black”), seducida y abandonada (“Love Is A Losing Game”).

Arctic Monkeys – “Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not”

La primera gran banda surgida del fenómeno musical en internet ha sido la encargada de definir el sonido británico de la década. La fórmula es sencilla y recurrente: adoptar lo mejor de los clásicos de la escena local en las últimas tres décadas hasta trenzar un pop contundente, urgente pero de corte elegante. Un discurso básico pero plenamente efectivo, que ya ha dejado tres trabajos capaces de adentrase en la conciencia colectiva de toda una generación y al que les sobran canciones magníficas pero a los les faltan estribillos memorables. Éste es, precisamente, el único gran pero de los de Sheffield.

Gnals Barkley  – “St. Elsewhere”

Existe un pop negro de vanguardia más allá del que mira al soul, al jazz o los sonidos jamaicanos. El proyecto común de Danger Mouse -responsable entre otros del sonido de Damon Days (2005) de Gorillaz o Pieces Of People We Love (2006) de The Rapture- y el cantante Cee-Lo deslumbró con un disco de debut a base de sampleados dispares y con un atractivo gancho melódico. Entre los 18 temas dos destacan especialmente, “Gone Daddy Gone” y la irrefutable “Crazy”.

Cat Power – “The Greatest”

El mejor disco desde que Chan Marshall empezara su carrera como Cat Power allá por 1995 con Dear Sir. Tras más de una década inmersa en la búsqueda de nuevos lenguajes dentro del marco del folk, la cantautora de Georgia encontró refugio en el blues y el soul para firmar junto a la Memphis Rhythm Band un trabajo que se ajusta a la perfección a su melancólica y humeante voz.

Band Of Horses – “Everything All The Time”

Hablamos de The Shins como una de las formaciones de referencia en el pop norteamericano. Band Of Horses tiene mucho en común con la banda de James Mercer, más allá de la emocional voz que comparte con Ben Bridwell, pero también con My Morning Jacket o Mercury Rev. Su concepción es algo más madura, y aunque base sus estructuras en el pop lo hace desde una vertiente más firme pero igual de sutil, amónica y melódica, que además de Everything All The Time dejó un año más tarde otro disco imprescindible: Cease To Begin.

2007

Okkervil River – “The Stage Names”

La banda de liderada por Will Sheff ha sido una de las formaciones que se han dedicado con más esmero a dotar de nuevas sonoridades la música tradicional norteamericana. Desde una base folk contemporánea a caballo entre Wilco o Centro Matic, los de Austin (Texas) han logrado perfilar un pop intenso y juguetón a base de una rica instrumentación que les ha valido un status preferencial en la escena independiente local. The Strange Names, además de ser un disco melódicamente impecable, destaca por sus constantes guiños a la cultura popular en un sentido tan amplio que va desde los Beach Boys y su “Sloop John B” en John Allyn Smith Sails, hasta la actriz porno Savannah en “Savannah Smiles”.

The National – “Boxer”

La banda más melancólica de la escena norteamericana ya había despertado el interés del público dos años antes con Alligator (2005), un trabajo emparado en una sensibilidad y sofisticación casi únicas. En Boxer, The Nacional se muestran igual de románticos, pero su música es todavía más angustiosa, elegante y con una tensión emocional difícil de encontrar. Recomendable acompañar el disco del documental A Skin, A Night dirigido por Vincent Moon, en el que se muestra la formación al desnudo en inmersa en pleno proceso de la tortuosa grabación del disco.

Elvis Perkins – “Ash Wednesday”

Hijo del actor Anthony Perkins y la fotógrafa Berry Anderson, fallecida en los atentados del 11 de septiembre, el cantautor neoyorquino entró en la escena internacional con un disco en el que algunas de las canciones estuvieron casi siete años en el armario. La trágica experiencia vital de Perkins es el reflejo de sus canciones aunque en ningún momento aprovecha explícitamente de ello. Acompañado de su banda y una esmerada instrumentación (violines, trompetas, chelos…) Ash Wednesday despertó constantes comparaciones con Van Morrison o Nick Drake.  

Spoon – “Ga Ga Ga Ga Ga”

Siempre a mitad de camino entre el rock más tradicional y los recursos contemporáneos, la banda, al igual que Okkervil River, de  Austin, encontró la mejor versión de sí misma en un álbum plagado de detalles, arreglos y que destaca por una composición limpia. Tras el también remarcable Gimme Fiction (2005), Britt Daniel y Jim Eno contraponen en sonido más refinado de los 70 (“Don’t Make Me A Target”) con una comedida dosis de melodías pop (“You Got Yr. Cherry Bomb”)  y todo ello sobre una líneas rítmicas muy marcadas (“Rhthm & Soul”).

Bright Eyes – “Cassadaga”

Con casi diez años de carrera a sus espaldas y discos que incluso jugueteaban con la electrónica para deshacerse de la etiqueta de cantautor clásico enmarcado en la música y el discurso de Dylan, Conor Oberst se reencontró con su lado más tradicional de forma brillante, en otro disco centrado en el rock, el country y el folk. Cassadaga es un trabajo que no se entiende sin su antecesor I’m Wide Awake, It’s Morning (2005).