Cuatro largos años han transcurrido desde que Justice revolvieran las pistas de baile con su tremendo debut. Entre medio… estrellato repentino, correrías de todo tipo recogidas en el documental A cross the universe, y mucha calma antes de ponerse con la reválida. Ésta se ha plantado finalmente en su jardín, y ha supuesto un duro revés para los fanáticos raveros que poblaban los alrededores con ansías de continuismo.

Con él parecen haber querido quitarse de un plumazo los estigmas que los han acompañado de ser considerados una mera copia de sus compatriotas Daft Punk. En este nuevo paso han decidido “rockcrudecer” su sonido. Apenas tres temas en todo el álbum remiten a esas pulsiones electro que tanta pasión despertaron: “Civilization” “Ohio” y “Helix” (probablemente tres de los mejores temas del disco) Por lo otro deciden estampar jugueteos rock en chapas electrónicas. Hay ecos de Jethro Trull en “Canon (primo)”, hay riff petarderos al estilo Joe Satriani o Matthew Bellamy en “Brainvision” y “Parade”, hay mucha purpurina ochentera esparcida en todos los temas, hay sudor de Eddie van Halen impregnado en los mástiles de la guitarra, hay synthes que parecen mamar de la new wave europea. En definitiva se han cascado un mash up heterodoxo en el que cabe de todo, pero con desigual resultado. Con todo ello, han perdido ese nervio hedonista del desenfreno eterno, pero al menos no podrán decir que el dúo francés se han apalancado en la comodidad.

Tema Clave: Ohio

David Lynch – Crazy Clown Time

A muchos cogió por sorpresa cuando el director de cine David Lynch anunció que su próximo trabajo seria un álbum de música electrónica. Sin embargo, no extraña tanto si recordamos que en ocasiones ha intervenido activamente en la modulación musical para sus películas, codo con codo con su irrenunciable compositor, Angelo Baladamenti.

Cono estos antecedentes aterriza esta misma semana el primer trabajo musical de Lynch. Crazy Clown Time es un tentáculo más del personal, retorcido, chispeante, recargado y oscuro universo de este irrepetible artista. Lynch traslada su habitual universo visual al campo musical mediante atmósferas brumosas, obsesivas y tenebrosas. Crazy, Clown Times sigue con la línea adoptada en la banda sonora de Inland Empire: blues aterciopelado, pop enrarecido, baladas de rock futuristas, texturas ambientales fascinantes e hipnóticas con alta presencia de vocoder y guitarras amenazantes. Para acrecentar esta presencia magnética que acompaña el disco, Lynch se hace acompañar, en el tema “Pink’s Dream”, por la fantástica voz de Karen O. Al igual que su cine, Crazy Clown Times sentará discordia entre adeptos y molestos ante su universo. Mientras degustamos esta obra, lanzamos una llamada para que este poliédrico autor compagine esta vertiente con su cine.

Tema Clave: Noah’s Ark

Florence + the machine – Ceremonials

Florence Welch cayó como un meteorito candente en 2007 gracias a la publicación de su álbum debut Lungs. La artista inglesa aunaba talento e imagen, condiciones indispensables para convertirse en estrella del pop. Cuatro años después llega su segundo LP, y sus capacidades para convertirse en figura importante del pop actual se confirman.

Entroncada en el territorio de solistas femeninas que abrazan el pop, marcadas por la emoción, y practicantes de las confesiones amorosas (Adele, Kate Nash, Lilly Allen y Kate Bush), la apuesta de Florence + the machine pretende diferenciarse de éstas mediante unos arreglos barrocos que envuelven de matices, y convierten sus sonetos de amor en piezas con un halo de calidez y magia. Ingredientes que vuelve a reproducir aquí con exactitud y oficio, y que vuelve a encontrar su mayor potencial en composiciones recordables y hechizantes como “Only if for a night”, “Sake it out”, “Breaking Down” o “No light, no ligt”. Pese a alguna salida con sabor soulful (“Lover to lover”) Ceremonials incide en la fórmula de éxito, dejando cierta sensación de deja vu al finalizar su trayecto, y que tan bien le está sirviendo a Florence Welch para ganarse un puesto de honor en el olimpo de las divas pop.

Tema Clave: Seven Devils

M83- Hurry up, We’re dreaming

Seguramente el doble CD Hurry up, We’re dreaming sirva para colocar a M83 en un puesto irrefutable de la plana mayor de la electrónica. Anthony Gonzalez lleva cosechando méritos desde que en 2001 emprendiera este proyecto junto Nicolas Fromageau (ahora todo el peso de M83 carga en las espaldas de Gonzalez), y parece que este disco es el colosal trabajo que agrupa todo su esfuerzo, su entelequia emocional, todo su pop ambiental de texturas etéreas y ensoñadoras que lo catapultará ahí donde merece estar.

La aportación vocal de Zola Jesus en el primer tema, “Intro”, ya supone un aviso de la envergadura épica, de la grandiosidad emocional que pretende alcanzar M83. Inmediatamente después despega “Midnight City”, el mejor tema del disco, y firme candidato a llevarse el título de canción de año. Cuando este potente cohete alce al oyente más allá de la atmósfera (cerca de la velocidad de la luz, en apenas 4 minutos) pronto comprobará como cuerpo y mente gravitan con temas que encandilan con su reposado matiz ambiental, sus acariciantes sintetizadores, sus cósmicos organillos, su voz aura y sus texturas espectarles. Elementos que resplandecen con frecuencia a lo largo del disco para llevarnos a estados hechizantes, fascinantes, con un candor extraterrenal y una luz propia de carácter épico pero interior íntimo. En esta galaxia emocional, brillan con luz propia la desoladora “Wait” el lamento de “My tears are becoming a sea”, y por supuesto, “Midnight City”.

Tema Clave: Midnight City

Cass McCombs – Humor Risk

Este año el trovador errante con el corazón roto Cass McCombs parece haber hallado la vena más productiva. Tras lanzar a principios de año el desangelado aliento que supuso Wit’s End, regresa ahora con Humor Risk, una nueva publicación que llega a las tiendas apenas seis meses después del penúltimo trabajo.

Si en Wit’s End nos sumergía en los rincones más oscuros y agrietados de las miserias humanas, Humor Risk podría considerarse el primer atisbo de luz en el túnel de la amargura por el que transita este cantautor. Esto no significa que McCombs se haya alejado de su reposado y lánguido estilo musical, y de esa voz susurrante extraída de heridas sin cicatrizar, o de esas letras sobre dramas humanos. Sino que lo ha dotado de un envoltorio más oxigenado para suavizar la densidad emocional a la que te transporta su música (lo consigue con solvencia en la cabalgada country-folk de “Robin Egg Blue” o en la exploración rockera en “Mistery Mail”) Esto no quita, que los temas más arrebatadores y cegadores sigan procediendo de las entrañas más profundas y castigadas. Como son “To every man his chimera” o “The same thing”, ese carrusel de tiovivo ensartado por flashes de psych-folk, y excepcionalmente estructurado en sus distintas estrofas. O el cálido abrazo con tintes de Nick Drake y el folk psicodélico de finales de los 60’s con el que despide el álbum (“Mariah”) Este incorregible solitario vuelve a ponernos el corazón en un puño con su mezcla sensata de sensibilidad, arrojo y pena. En Humor Risk nos vuelve a hipnotizar mediante páramos melancólicos, de una tristeza arrebatadora, pero al menos se aleja del nihilismo fúnebre del LP de principios de año.

Tema Clave: The Same Thing

Atlas Sound – Parallax

El críptico Bradford Cox lleva desde hace pocos años desdoblándose en sus distintas facetas musicales, y manteniendo a través de ellas una actividad prolífica tanto como líder de la banda indie-rock Deerhunter como con su proyecto en solitario Atlas Sound, el cuál recupera este mes para publicar un nuevo larga duración, Parallax.

El músico de Atlanta sigue explorando en su tercer álbum de estudio en solitario sus paisajes brumosos moldeados por aires de folk enrarecido y matices psicodélicos. Cox destapa el tarro de las esencias mediante las modulaciones crooner y soul que adopta su voz enigmática e hipnótica. El resultado final son estos 12 temas trazados con suave contorno, luz tenue, y sabor perecedero que en ocasiones están más cerca del psych-folk de Panda Bear (“Te amo”), o del pop lo-fi de bandas indies de la costa oeste (“My angel is broken”) , y en otras, se ajusta más al molde de pop pulido por harmoniosos arreglos de efecto adhesivo como en el primer álbum de MGMT ( de hecho en la canción “Mona Lisa”, Andrew Vanwyngarden de los MGMT pone su granito de arena mediante piano y coro). Parallax es una música que parece surgir tímidamente de un oscuro aislamiento para erigirse con el paso del tiempo en un estado de ánimo más penetrantes de lo que cabría pensar desde el inicio. Estamos ante un gran álbum que encaja a la perfección para las escuchas invernales resguardas en la calidez del hogar.

Tema Clave: Te Amo

Summer Camp – Welcome to Condale

Lo del dúo londinense Summer Camp empezó como un flechazo inmediato con su música (¿o su estilo?) a raíz de la publicación, el pasado año, de este hermosos tema/videoclip de “Round the Moon”. Tras alcanzar cierta notoriedad en la blogesfera con sus videoclips, y el EP “Young”, por fin llega a las tiendas su puesta de largo en LP. Welcome to Condale es su título, y con él Elisabet Sankley y Jeremy Warmsley expanden su imaginario synthpop de raíces ochenteras y nostalgia teen mediante la creación de un pueblo ficticio en California desde donde ubican todas las historias que componen el trabajo discográfico.

Si bien sus coordenadas estilísticas siguen estando cerca del synthpop, la chillwave, lo-fi o el disco-pop de influjos ochenteros, también es visible que en Welcome to Condale presentan otros matices más directos, con más capas electrónicas, con presencia más acentuada de guitarras, nuevos horizontes que han logrado expandir gracias a la producción de Steve Mackey (bajista de Pulp); excursiones dance en “I want you”, la sombra de Moby en“Nobody Knows you”, el dark dreampop de “Done Forever”, pulsiones electro a lo Kills o Crystal Castles en “I want you” . Pero sí hay que rendirse ante este glorioso rookie album es por el placer alargado que conlleva enfrentarse a 12 temas que en ningún momento bajan de cilindrada y que mantienen el mismo patrón encandilador de melodías vaporosas sobre amores y desamores en la adolescencia. Summer Camp no sólo acalla de golpe las voces que los veían como una propuesta extremadamente naiff y esteta para un par de temas, sino que nos dejan soñando con su dreampop acogedor a la espera de nuevos romances en ese Condale u otro pueblo de su delicado y entrañable imaginario.

Tema Clave: I want you

Si los ángeles vistieran de negro y cantaran, serían algo parecido a Cat’s Eyes. A los que nos sigan con cierta regularidad no hace falta que les presente a la nueva sensación inglesa. Para los que no, Cat’s Eyes es el dúo formado por el neogótico frontman de los The Horrors, Faris Badwan, y la cantante de opera y multiinstrumentista Rachel Zeffira. Entre los dos se han sacado esta pieza de orfebrería pop en la que parecen buscar un anclaje con las girl group de los 60′s, pero manteniendo una singularidad contemporánea, con repuntes novedosos.

Las diez cortas y concisas canciones de pop que componen el debut homónimo de esta banda son un deleite para el oyente más sibarita. Talladas con precisión, aplomo y elegancia, los temas de este debut aletean alrededor de tu cuerpo erizando el bello con sus suaves caricias. El secreto lo guarda esta soprano con voz angelical, y el genial contrapunto oscuro y macabro que aporta el cantante de The Horrors. A esto, sólo hace falta añadirle unas gotas de arreglos orquestales, una producción que bebe tanto de Phil Spector como de la banda sonora de Ennio Morricone o del John Williams más intimista (El imperio del sol), y ya podemos disponer de uno de los debuts del año. Que encuentra su cara más perdurable y convincente en el preciosismo platónico de “The best person I know”, el reposo de paz inquebrantable de “The Llull” (otro de los temas más hermosos del disco), el loop esotérico “Cat’s Eyes”, el reverso gótico de las Ronettes de “Face in the crowd”,  y cada una de las canciones que configuran este redondo debut.

Wiz Khalifa – Rolling Papers

El rapero de Pittsburg Whiz Khalifa parece estar adquiriendo en los últimos días una fama internacional que sobrepasa la escena del rap. Todo este interés desmedido surgió a raíz de un tema que acogió la Super Bowl como himno de la temporada, y del anticipado último trabajo Rolling Papers. Una vez éste ha pasado ya por mis oídos, puedo entender que este disco de rap haya llegado hasta el gran público. Más si el sujeto en cuestión luce un look muy goloso para acaparar portadas en revistas tendenciosas.

Sin embargo este “Rolling Papers” debería suponer una decepción para los amantes del rap ortodoxo alejado de las líneas radiofónicas. La lírica de este rapero no conoce más horizontes que las drogas, el filtreo con chicas, y sobre todo, los fumotes de maria, porque es en ese estado de confusión que te deja esta droga,  la base de operaciones en la que parece haberse levantado este disco. Por momentos tenemos a un Khalifa rudo, cortante y contundente, por otra, nos muestra una faceta entregada al hit caramelizado que va desde un tema como “Roll Up”, que encajaría perfectamente en un disco de Rihanna, incluso a ciertos cortes que no desentonarían en una colaboración del rapero con Justin Bieber. Una confusión de estilo y tono, que se acaba decantando más por el pop rap edulcorado para el gran público y que acaba lastrando su resultado final. Whiz Khalifa se ha convertido en un Kid Cudi entregado a las masas.

Peter Bjorn and John – Gimme Some

El trío de Estocolmo Peter Bjorn and John llevan desde 2006 intentado desquitarse del estribillo sopero que crearon con “Young folks”. Si los dos siguientes álbumes que precedieron el éxito fueron una ruptura experimental, ahora regresan con un giro de 90º en su sexto álbum de estudio, Gimme Some.

Su nuevo álbum deja pocos resquicios al pop silboso que les llevó a la fama. Ahora concentran sus esfuerzo en un sonido instalado en tres ejes: guitarras, bajo y batería. Uno ejes que se mueven a gran velocidad, definición precisa, y perfecta efectividad. Es como si abrazaran a The Wavves más que a Peter, Paul and Mary.  Repletos de melodías pegajosas, arreglos irresistibles, y un savoir-faire brillante y al grano, Gimme Some consigue divertir, enganchar, contagiar,  y incluso sorprender. “Second Change” es uno de los temas que definen su nuevo sonido: ritmo muy marcado y repetido pero pegajoso, coros, percusión que roba protagonismo en ciertos instantes a las guitarras, y riffs puntiagudos, concisos y directos. Algo que se repite en su mejor nivel en “Tomorrow has to wait”, el surf pop de “Eyes” o “IKYDLM”. Lo que queda claro es que este trío está haciendo todo lo posible para que no los consideren los One Hit Wonder de la primera década del siglo XXI.

Metronomy – The English Riviera

Metronomy regresan a la plana musical con este The English Riviera. El trío de Londres liderado por Joseph Mount publica el que supone su tercer álbum de estudio en una orientación musical que se desmarca ligeramente de sus anteriores trabajos.

Aquí parecen abrazar más las melodías pop sustentadas en guitarras, bajo y batería que las guiadas por líneas electrónicas. Siguen andando por los parajes transitados de synth pop pero con este disco su sonido parece adquirir un tono más espiritual, mayor calado humano, más presencia orgánica, y un mayor acierto en las estampas de sus melodías. En temas como “The look” o “She Wants” fluyen unos rayos de positivismo y energía que parecen inspirados por estancias soleada en la Riviera pero manteniendo esa esfera fría, desolada y seca del clima inglés. Mientras que en la también estupenda “Corinne” sueltan su lado más digital. El resultado final es un trabajo compacto, que conecta mejor que ninguno de los anteriores con el gran público.

Crystal Stilts – In love with Oblivion

Otros Crystal que pasan a engrosar la larga lista de bandas con un cristal por delante. Bueno en realidad esta banda de Brooklyn surgieron antes que los Crystal Fighters, y por el mismo período que los Crystal Castles (por citar a los más recientes). Sin embargo su sonido garage con recovecos sesenteros se aleja mucho de las dos bandas citadas. Tras su debut Alight of night (2008), publicaron en abril su segundo trabajo, In Love with Oblivion.

Crystal Stilts siguen adorando el garage de antaño y el post-punk más ofuscado y así lo narran en su último trabajo. Un LP de claroscuros, con un deje de guitarras sucias y malolientes que se cruzan con una voz a los Ian Curtis que retumba en la oscuridad de la sala, y con aún espacio para embarcarse en alguna excursión psicodélica. En el transcurso piezas impecables como la potente, cruda y lisérgica de “Blood Barons”, la cumbre de riffs, voces sepulcrales y órganos sucios que se alcanza en “Shake the shackles”, o esa postal hecha trizas y cubierta con polvo del desierto que es “Sycamore Tree”.  Motivos más que suficientes para guardarle un hueco en nuestra memoria a otros Crystal.

Foo Fighters – Wasting Light

Abril también fue el mes escogido por Dave Grohl y sus efusivos Foo Fighters para pisar de nuevo la carretera con el lanzamiento de Wasting Light. Su último trabajo sigue teniendo un sonido muy reconocible, con lo bueno que esto supone para sus fans y lo malo para sus detractores.

En su séptimo álbum de estudio el ex de Nirvana parece dispuesto a volver a lo básico, a sonidos furiosos sin mayores complicaciones. Con una estruendosa presencia de riffs de guitarra (no sé hasta que punto duplica pistas o se duplican los guitarristas en el estudio), y dejado llevar en exceso por su alaridos más cercanos al heavy-metal que al punk-rock donde se le presupone. De su conjunto traslucen ciertos temas destacables, sobre todo, en los escasos respiros acústicos bajados de decibelios, sin embargo la sensación dejada es demasiado efímera, concebida para llenar estadios más grandes. Para los que las estampidas de Grohl les dejen bastante indiferentes, este no es su disco. Para sus acólitos, este será un disco para celebrar.

Tv on the radio – Nine types of Light

Gerard Smith apenas tuvo tiempo de ver su último trabajo en las estanterías de las tiendas musicales antes de que un cáncer de pulmón se lo llevara a los 36 años de edad. Nine Types of Light supone el último legado del bajista de la banda y el último LP de la banda neoyorquina. En él el grupo toma algo de distancia respecto a sus dos últimos trabajos, enmascarando su sonido con cortes de estructura más compleja.

Nine Types of Light supone en la primera escucha un alejamiento de la inmediatez rítmica de Dear Science y Return to Cookie Mountain (elegido por este servidor como uno de los mejores trabajos de la pasada década). Aquí se encuentran retazos consistentes de esa furia galopante con la que parecían moverse en los dos últimos trabajos, pero la sensación general no está a la altura de esos. El estribillo pegadizo, el contagio de potencia rítmica ha traslucido a capas de sonido más recargadas, con aciertos notables, pero sin llegar nunca al éxtasis. Entre sus mayores aciertos está su primer single “Will Do”, la dilatada sobreexposición de capas (mandolina incluida) que consiguen en “Killer Crane”, la paulatinamente adhesiva “Repetition” (con una cadencia furiosa muy en la línea de lo que no tenían acostumbrados), la sensual balada con derecho de admisión en club sofisticados “Forgotten” y otro buen conjunto de canciones, que sin golpearte a la primera, siguen siendo pruebas sonoras del inconmensurable talento de los de Brooklyn.

Explosions in the sky – Take Care, Take Care, Take Care

El cuarteto de Austin Explosions in the sky siguen siendo un exponente avanzado de la escena post-rock progresiva. Su última demostración viene de la mano de Take Care, Take Care, Take Care, el último trabajo donde optan por seguir deleitándonos con sus explosiones de sonido.

Explosions in the sky siguen con su propensión de dibujar atmósferas inspiradoras, sin necesidad del componente vocal, y con el preciado aporte de una masa instrumental dinámica, que va adquiriendo un estatus corpóreo a medida que los sonidos se entrecruzan entre ellos, creando un entramado sinfónico cada vez más ajustado a medida que transcurren los minutos de sus extensos cortes. A pesar de que la estructura para lanzar sus temas nos resulta ya familiar, no resulta ningún impedimento para plegarnos y maravillarnos con los clímax de comunión de atmósferas y líneas de instrumentos. Tal y como ocurre con su último trabajo, donde al menos en una ocasión para cada uno de los seis temas del álbum se nos eleva a la altura donde se originan las tormentas.

Otras recomendaciones

Y más, porque abril ha sido un mes cargado de lanzamientos musicales destacables. Tantos que ha sido imposible reseñarlos todos en este post. Pero aquí van otros títulos recomendables.

Cass McCombs – Wit’s End

Holy Ghost – Holy Ghost

Fleet Foxes – Helplessness Blues

Mi relación con Cass McCombs es uno de esos escasos casos de amor a primera vista. El desencadenante fue este tema que hiela la traquea con su gélida y aplastante belleza,  y cuyo videoclip me dejó cegado durante todo un año. Tiempo por el que esperé (más o menos) para tener el inmenso placer de ver a este inclasificable cantautor en el mejor concierto del Primavera Club. Con estos antecedentes, era normal que en el Music Store Day, en un cruce de miradas fugaces con los bajos de una estantería de la tienda de Rough Trade en Brick Lane, me hiciera sin pestañear con una copia de su último, y ya quinto álbum de estudio, Wit’s End.

No podría tildarse de fácil la relación que me une con este cantautor californiano. La música de este misterioso nómada se revuelca en la desolación, la tristeza y la melancolía dejando tras de sí posos de corazones despedazados. Con su último trabajo, las coordenadas emocionales parecen no haber variado, quizás si cabe, parece deambular aún más encorvado y perdido por las cunetas de las interminables carreteras norteamericanas.

Y eso queda claro ya desde el primer instante con esa hermosa “Country line”, con ciertas reminiscencias a esa cumbre que es ”You saved my life”. Líneas melódicas ensoñadoras, y raspeadas por unos instrumentos que marcan el tempo de los temas de McCombs, y los mantiene flotando en esos estados etéreos, hipnóticos, funestos e intemporales.

Cass McCombs – County Line by DominoRecordCo

Algo que también se aprecia en la calma reposada que mece esa encantadora y cálida nana que es  “The Lonely Doll”. Aquí el xilófono y algunas notas de piano refuerzan los paisajes emocionales mágicos por los que atraviesa su autor.

En “Buried Alive” el título ya lo dice todo. Aquí el californiano se entierra vivo con un ritmo sosegado, penetrante y obsesivo. Sin embargo desde la oscuridad suelta algunos lamentos de socorro, que pronto son silenciados de nuevo por ese estribillo casi macabro, cercano a la oscuridad más irrespirable. Y pese a todo, encuentra la formula de deleitarnos de nuevo desde la amargura.

“Saturday Song” es algo así como una mezcla escalofriante entre los pasajes más oscuros de Angelo Baladamenti en Twin Peaks y un Robert Wyatt intentando salir de la depresión post accidente.  

El resto de canciones no se alejan de los cauces secos y agrietados que estrechan este río de desamor, melancolía, soledad y depresión por el que parece surcar la vida del genial Cass McCombs.

Wit’s End supone un paso más, quizás el más radical, dado por este cantautor errático para mantenerse lo más distante posible de calor de los focos y del público. Aquí incide de nuevo en su rol de artista desolado, cayendo incluso en cierta monotonía hacía el tramo final de la obra. En esta ocasión parece como si McCombs sólo se hubiera valido de una paleta de color para despedazarnos el corazón, y esta falta de registro lo acusa el ritmo del disco.

El último disco del cantautor seguirá enamorando a los sufridores aficionados que seguimos  embobados siguiendo su rastro de serena tristeza, el resto tiene un alto riesgo de quedarse asfixiados o simplemente de no conectar con su arriesgada posición musical. Para los que aún estén pasando el trance de alguna ruptura sentimental o la muerte de un ser querido, sencillamente este disco está prohibido.

Siguiendo el camino abierto por Marc con su lista de las mejores películas del 2009, es momento para echar la vista atrás y ver lo que ha dado de sí, musicalmente hablando, el año que acabamos de dejar.

Para ello, lo más fácil, acotable e identificable son las listas, con lo cual me tiro al pragmatismo puro y duro, con esta lista de los mejores discos del 2009.

10.  Dan Deacon – Blomst

Dan Deacon construye con Blomst una obra tan exquisita como compleja. Sus temas son ríos enrevesados de instrumentación extravagante que no fluyen por los cauces convencionales, sino más bien van ganando espacio por el terrero agreste. De ahí se explica sus sonidos rompedores, los giros inesperados, o el brillo que le saca al xilofón ¿cuándo este instrumento había sonado a épico?

9. Passion Pit – Manners

El grupo de Michael Angelakos irrumpió con su pop electrónico efervescente, y en pocas semanas, ya bailábamos a su ritmo en reducidas pistas de baile con buen criterio en sus cabinas. Manners es un goloso disco para disfrutar sin ataduras de mayor calibre. Los de Nueva York contagian de ritmo a su oyente, a base de melodías juguetonas, con preponderancia de órganos, samplers y sonidos propios de un tío locamente enamorado (el caso de Angelakos), todo ello mezclado, sin llegar a agitarse, con el falsete de su cantante. 

8. Cass McCombs – Catacombs

La música que destila este cantautor errante se filtra por los oídos como susurros para perpetuarse, durante una larga temporada, en la mente de los oyentes. McCombs logra con Catacombs alcanzar un nivel de refinamiento al que muy pocos pueden llegar, y lo hace con una sensibilidad expuesta a través de un dominio de la guitarra, una voz dulce y penetrante, y mostrando especial habilidad para hilar melodías de las que uno no se puede desprender. Como la canción “You saved my life”, no sólo uno de los temas del año, sino una canción para embriagarse de sentimientos encontrados por mucho que el tiempo pase

7. The Flaming Lips – Embryonic

Wayne Coyne y los suyos se han vuelto a sacar de la chistera uno de esos discos con los que decorar en papel cuché las habitaciones del hogar. Embryonic es una cápsula de felicidad a los terrenos inhóspitos que transitan esta inclasificable banda de Oklahoma. Coyne vuelve a encandilar con su pop alucinógeno en el que se golpea la apacible melodía con la instrumentación psicofreak.

6. Phoenix – Wolfgang Amadeus Mozart

Phoenix han vuelto a dar en la diana con su reciente Wolfgang Amadeus Mozart. Diez cápsulas irresistibles de pop bailable que los codea con los grandes de la escena indie. Thomas Marrs y los suyos vuelven a demostrar su perspicacia para componer temas pegadizos, y estribillos que harían estremecer de gusto al propio Rod Argent. Y sino escuchen “Lisztmania” o “1901” (dos de los temas del año) e intenten no saltar a la pista de baile.

5. Grizzly Bear –Veckatimest

Veckatimest es el último trabajo de Grizzly Bear. El cuarteto de Brooklyn regresa con su pop de cámara barroco, con una parte anclada en algún punto del pasado (¿ finales de los 60’s?), y con la otra mirando hacía el futuro del neofolk. Voces celestiales, producciones que abrigan al oyente con suavidad, y un tempo calmado y delicado son las aparentemente sencillas armas con las que libran uno de los discos del año. Una canción para llevarse hasta el lecho de muerte: “Foreground”

4. The Antlers – Hospice

Una de las grandes alegrías del año llegó con The Antlers y su compacto Hospice. Este grupo afincado en Brooklyn ha completado un brillante  largo durada con su particular pop de cámara para cubrir una historia de una paciente con cáncer,  la desazón de su situación, el desaliento de los que la rodean. Y lo narran con momentos de tristeza embriagadora, momentos que recuerdan a Sigur Ros pero con el regusto amargo de escucharlo entubado en una fría habitación de hospital. A pesar de su interior triste, el LP se llena de destellos de felicidad etérea gracias al resplandor musical que desprenden temas como “Bear”, “Thirteen” (Clan Marshall tras dejar los excesos), o “Two” (con reminiscencias a los Arcade Fire) o su precioso “Epilogo”. Un álbum para ir cambiando de estado, pero para no bajar de las alturas.

3. The XX- XX

El pop desalmado y oscuro de este trío de jovenzuelos ingleses (antes cuarteto) se ha adentrado como un relámpago en nuestros hogares, convirtiéndose, rápidamente en el debut del año. A pesar de su corpus gélido, deprimente, y desolador, la música de The XX guarda un poderoso halo de luz en su interior que una vez descubierto no se desprende uno con facilidad.

2. Animal Collective – Merriweather Post Pavilion

Que Animal Collective juegan en otra liga no supone a estas alturas ningún descubrimiento. El colectivo animal no solo practica un sonido único, sino que a día de hoy, su creatividad parece inalcanzable para cualquier banda. Y así lo atestiguó a principios de año Merriweather Post Pavilion, su larga durada, más amoldada hacía parámetros mainstream, pero manteniendo a la vez toda la explosión psicodélica y experimental, y por lo tanto, todos los rasgos  que han caracterizado su sonido desde sus inicios.  Merriweather es una obra imprescindible en la que se dan de la mano de una forma nunca vista el pop de Beachs Boys con la psicodelia de un Syd Barret ciego de drogas psicotrópicas.

1. Max Richter – Vals con Bashir (BSO)

La carrera de Max Richter da un paso más hacía la constelación de genios con esta banda sonora compuesta para la película de animación Vals con Bashir, del israelí Ari Folman. Richter te absorbe de manera abrumadora con sus melodías que transitan de lo austero a la grandilocuencia. Las composiciones del inglés consiguen que no nos desprendamos de la imagenes del filme. Si el filme es contradictoriamente bello( a pesar de lo que relata), es en parte, por la música atmosférica, emotiva y llena de sentimiento que descarga este músico ingles. Una coronación más en la vida de este fascinante compositor neoclásico. ¿Un momento fílmico del año?: los soldados israelíes moviéndose por el agua delante de un Beirut en llamas, mientras suena la portentosa “The Haunted Ocean”, que a la vez, configura el momento sonoro del año.   

Mención especial

Dead Man’s Bones – Dead Man’s Bones

Sería una injusticia olvidarnos de otro de los mejores debuts del año, firmado esta vez por Dead Man’s Bones y su álbum homónimo. Detrás de Dead Man’s Bones encontramos al actor Ryan Golsing y a Zach Shields capaces de hacernos olvidar al prójimo durante sus doce cortes rellenos de rock, gospel, pop, a través de melodías mórbidas, coros infantiles que retuercen desde la lejanía, y otros adornos en forma de palmas, panderetas e instrumentos poco convencionales en una banda del rock. De ahí, algunas comparaciones con los Arcade Fire; algo así como la versión macabra y sórdida de los canadienses.

Barcelona y Madrid vivieron con intensidad las cinco jornadas que el Primavera Club deparó de música con claro tono independiente, y situadas en el extraradio de lo netamente comercial. Artistas, que en definitiva, resultan muy díficiles de ver y escuhar en nuestras catedrales de música moderna.

Las dos últimas jornadas del Primavera Club evidenciaron, una vez más, la estima de los organizadores hacía las propuestas sonoras más arriesgadas, y la concepción de ese sonido en el mejor marco posible: la sala de conciertos, o si se prefiere, ese animal en peligro de extinción. A pesar de que todo esto pueda sonar a alabanzas hacía el festival, también hay que puntualizar que para el osado buscador de nuevos grupos tener que organizar una gimcana para cada jornada, y con algunos disgustos en el camino en forma de aforos completos, no resulta una tarea demasiado agradable.

Pero vayamos realmente al meollo de la cuestión, a eso que provoca que deambulemos la ciudad de arriba abajo sin deparar en el dolor físico de nuestros mermados huesos. Si de las dos primeras jornadas destacamos los conciertos de HEALTh, y especialmente, el de The Soundtrack of our lives con ese demoledor rock añejo que a veces sonó a Love, a CCR, The Doors o incluso a Oasis, del sábado resultaría complicado quedarse con alguno, y no precisamente, por lo alto que apuntaron las diferentes propuestas que este servidor decidió discernir como las más interesantes de un cartel semi desconocido de antemano. Seguramente la mejor noticia me la diera ese portero de discoteca que me impidió entrar en el Jamboree para presenciar de Woods, con lo que me veía obligado a dirigirme al Sidecar para disfrutar, sin saberlo,  del folk luminoso de Port O’brien. Los californianos se sienten cómodos en Barcelona y lo demostraron con desparpajo encima del pequeño escenario de esta mítica sala barcelonesa.

Luego la noche me fue llevando hacía el Apolo, donde Thed Leo and the pharmacists navegaron sin rumbo definido entre diferentes estilos, todos ellos más propios de un público con acné, que de los gourmets que suelen asistir a estos eventos.

Luego fue el turno de los esperados, para muchos, A place to bury strangers. Este trío de Brooklyn despliega una maraña de sonido aclaparador, que va enredándose de forma asfixiante, hasta que encuentra cierto destello armonioso por algún rincón oscuro de la sala. A pesar de que el show lucía un hipnótico ambiente, era difícil que los tímpanos se acomodaran a él.

A continuación Wave machine ponían las notas de color con su pop de guitarras eléctricas con sintes y tintes electrónicos para buscar la movilidad de su audiencia. Nada nuevo, pero resultones.

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Seguimos recomendando sabrosos cocktails musicales para estos días donde la oscuridad no deja de rodearnos. Y que mejor que afrontar esta sensación alicaída que bajo los brillos de los instrumentos que sirven de luz guiadora en la oscuridad de la sala. Ésta es precisamente la propuesta que no podremos encontrar en el festival Primavera Club, hermano menor del Primavera Sound.

Desde mañana miércoles 9 de diciembre hasta el próximo domingo 13 de diciembre Barcelona y Madrid acogerán multitud de conciertos de artistas poco conocidos para el gran público, pero con mucho talento musical corriendo por sus venas. Entre los más destacables podremos escuchar en directo a Cass McCombs, Devendra Banhart and the grogs, Health, A place tu bury strangers, Port O’brien o a los españoles Standstill y Sr. Chinarro, entre muchos otros.

Un interesante aperitivo musical para calmar la tensa espera (de seis meses) que nos aguarda hasta un Primavera Sound de infarto.  

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El otro día navegando por la red me topé con este tema titulado “You saved my life”, desde entonces se ha instalado en mi mente para depurarla, de una manera más eficaz que un fin de semana de relax en cualquier balneario. Desconocía por completo al autor de la misma, un tal Cass McCombs, que por lo que he descubierto es un músico norteamericano de 32 años, amigo del grupo Modest Mouse y de Will Oldham. A raíz de esta canción tan embriagadora y anestésica no voy a perder de vista a McCombs ni su último trabajo, Catacombs.

También merece un parágrafo el efectivo vídeo rodado por Eric Fensler, en el que la cámara lenta subraya ese tono tan apacible de su tema. En él vídeo seguimos a un chico que va esquivando la multitud de lo que parece un concierto o fiesta, el binomio música / cámara sirven para remarcar el sentimiento de soledad de su protagonista, hasta que una mujer solitaria sale a su encuentro, de ahí el título de la canción. Finalmente el vídeo concluye con ese vals hipnótico en la penumbra de los paneles de luz. Toda una gozada.

Escúchenla, gócenla, e intenten sacarla de la cabeza, ya será demasiado tarde para ello.