En estos primeros despertares del año es ya casi una obligación para esta casa abordar las películas más prometedoras que aterrizarán a lo largo de los próximos 12 meses. Aquellas cuya llegada podemos intuir como hitos del año para los que amamos el séptimo arte.

En 2011 lancé un post similar con diez propuestas, y este año lanzo 12 (+ 1 nacional) sin repetir algunas que ya estaban incluidas en la lista del año anterior pero que aún no han llegado a las carteleras (caso de En la carretera, Shame y The Grandmasters), y sin que ello implique que dejen de ser estrenos altamente esperados por el que escribe.

Si el curso caduco fue el tiempo de Terrence Malick, Lars von Trier, Polanski, Cronenberg, Thomas Alfredson y Nicolas Winding Refn, este promete ser la promoción de Tony Kaye, Tarantino, Jeff Nichols, Haneke, Winterbottom, Leos Carax y estos tantos otros….

Io e Te – Bernardo Bertolucci

La última gran figura del cine italiano regresa tras diez años de ausencia debido a problemas de salud con una adaptación de una novela de Niccolò Ammaniti. El director de Novecento pondrá su talento encima de esta historia que gira alrededor de un adolescente con crisis existencial. La incógnita será ver cómo ha afectado a su pulso cinematográfico el retiro al que lo ha forzado su delicado estado de salud.

Untitled Terrence Malick Project – Terrence Malick

A todos sus seguidores debe desconcertar (y en el fondo ser motivo de alegría) ver al esquivo y perfeccionista Terrence Malick engrescado en tres proyectos a la vez. Sin embargo, y hasta que no demuestre lo contrario, no hay ninguna razón para no seguir depositando toda la confianza en este cineasta de carrera intachable. Por eso, su nueva película de pelaje romántico, que protagonizan Ben Affleck y Rachel McAdams, y con Javier Bardem, Rachel Weisz y Jessica Chastain como secundarios, será uno de los hitos cinematográficos del año. El secretismo vuelve a envolver a la trama, y de momento, por no tener, no tiene ni título. Algo que quedará en nimia anécdota cuando el tejano vuelva a hacernos experimentar sensaciones parecidas a las que logró con El árbol de la vida.

Take Shelter – Jeff Nichols

Fecha de estreno: 1er trimestre

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Este desconocido director americano ha logrado vítores y aplausos con su segunda película, Take Shelter. El drama de este padre de familia de la América rural que sufre pesadillas apocalípticas premonitorias ha desvelado a Michael Shannon como un actor todoterreno, y postulado, a esta mezcla de terror, drama y suspense, como una de las cintas indies que deben marcar el año entrante.

El caballero oscuro: la leyenda renace – Christopher Nolan

Fecha de estreno: 26 de julio

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La parte con la que Nolan pretende cerrar la mejor trilogía de Batman hasta la fecha tiene varios boletos para convertirse en la película más taquillera del año y en todo un fenómeno cinematográfico. Nolan repite reparto en esa megaproducción que promete dejar huella en el caluroso verano.

Prometheus – Ridley Scott

Fecha de estreno: 8 de junio

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El otro blockbuster autor del año llega también en verano con lo que se prevé un duelo titánico con The Dark Knight. Scott destierra los huevos Alien que le consagraron como director de clase AAA (que diría S&P) para relanzar la saga a través de un filme que parte de una historia completamente nueva diseñada por Damon Lindelof (cabeza pensante de Perdidos) y con un espectacular reparto: Michael Fassbender, Charlize Theron, Guy Pearce, Idris Elba y Noomi Rapace.

Cosmopolis – David Cronenberg

Después del cambio de tercio que ofreció en Un método peligroso, Cronenberg se embarca en un rompedor viaje en limusina a través de Manhattan. O lo que es lo mismo. La inusual historia narrada por Don DeLillo en la que un joven rico, en el camino para ir a cortarse el pelo, se ve envuelto en una maraña de situaciones inesperadas. Algo así como mezclar Jo que noche con Un día de furia. En la piel del joven millonario veremos a Robert Pattinson (Crepúsculo).

Cogan’s Trade – Andrew Dominik

Algo me dice en mi olfato cinéfilo que Cogan’s Trade podría ser uno de los más brillantes thriller policíacos que aguarde este año. Una intuición que se apoya en la base sólida que transmite saber que las riendas del proyecto las mueve Andrew Dominik (El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford) y que bajo sus ordenes hay un elenco solvente que encabeza Brad Pitt y al que siguen en roles secundarios Ray Liotta, James Gandolfini y Sam Shepard entre otros.

Detachment – Tony Kaye

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Tras casi una década en el olvido, apartado por su irritable carácter e incómoda personalidad, el director que lanzó a la fama a Edward Norton y convirtió a American History X en una de las películas claves de finales de los 90′s regresa con un nuevo título bajo el brazo con números (remotos) para estrenarse en salas comerciales, en medida por el espectacular reparto con el que cuenta. Adrien Brody se mete en la piel de un profesor deprimido que debe lidiar con adolescentes problemáticos. Al ganador del Oscar le acompañan los televisivos Bryan Cranston y Christina Hendricks (repiten juntos después de Drive) y Marcia Gay Harden, Lucy Liu, James Caan y Tim Blake Nelson.

Django Unchained – Quentin Tarantino

Fecha de estreno: 28 de diciembre

Tarantino se aventura en el género western (del que ya dió una lección de aptitudes en la escena inaugural de Malditos bastardos) con Django Unchained. La nueva producción del popular director contará con un envidiable reparto encabezado por Leonardo DiCaprio, Christoph Waltz, Kurt Russell, Jaimie Foxx y Joseph Gordon-Levitt.

Something From Nothing: The Art of Rap – Michael Rapaport

El único documental de la lista viene firmado por el actor Michael Rapaport, quien se pone de nuevo tras las cámaras para repasar la historia del hip-hop esta vez des del punto de vista de una de sus figuras más controvertidas, Ice-T. Tras la notable sensación dejada en su debut con el documental Beats Rhymes & Life: The Travels of a Tribe Called Quest, el actor de Copland volverá a indagar en la escena rap con entrevistas a personalidades de la talla de Afrika Bambaataa, Nas, Mos Def, Chuck D, Eminem, Run-DMC, Dr. Dre, Ice Cube, Snopp Dog. Los amantes del hip-hop que deseen verla deberán tirar de exportación.

Devil’s Knot – Atom Egoyan

Tras la olvidable Chloe, el director canadiense de origen armenio sigue los pasos de la historia real de tres jóvenes que fueron a prisión acusados de matar a tres niñosde 8 años como parte de un ritual satánico. Conocidos por los tres de Memphis, Atom Egoyan pretende aterrorizar con esta historia con puntos de conexión con el documental de culto Paradise Lost.

A glimpse inside the mind of Charles Swan III – Roman Coppola

Tras trabajar de ayudante de dirección para Wes Anderson, y los destacados de la familia Coppola (padre e hija), Roman Coppola intentará ganarse un nombre propio con esta comedia centrada en Charlie Swan, un exitoso diseñador gráfico que tras dejarle su novia ve como su supuesta vida perfecta se desmorona. Para armar la trama cuenta con el apoyo de Charlie Sheen, Jason Schwartzman (todo queda en familia), Patricia Arquette y Bill Murray. De su trama, título e interpretes se intuye la sombra alargada de los universos metalingüísticos  que compusieron el binomio Kaufman-Jonze. De momento gran curiosidad para contemplar la segunda película del hijo mayor de la dinastía Coppola, después de un debut (CQ) que apenas fue visto por nadie.

Cuota Nacional

Invasor – Daniel Calparsoro

Daniel Calparsoro fue la mano ejecutora de alguno de los filmes españoles más sórdidos, oscuros e impactantes de la década de los 90′s. Tras un periodo alejado de la gran pantalla (ha permanecido ligado a la televisión) regresa por la puerta grande con la intención de volver a ubicar su nombre entre los más destacable del panorama nacional. Sus armas para conseguirlo es partir de un excelente material literario de Fernando Marías, que adapta para edificar este thriller con fogonazos de suspense y adrenalina, y protagonizado por Alberto Ammann, Antonio de la Torre y Karra Elejalde.

Lo adelantábamos hace exactamente siete días…, este fin de semana viene marcado por la sangría que somete Roman Polanski a la clase bienpensante en Un Dios salvaje. El director de El pianista regresa con un retrato ácido de las clases acomodas partiendo del material orquestado por Yasmina Reza en su obra de teatro homónima. En la piel de las dos parejas que se enfrentan en un solo espacio (el domicilio de una de las parejas) encontramos a los oscarizados Jodie Foster, Kate Winslet y Christoph Waltz y al nominado, John C. Reilly. Nuestra recomendación de la semana pese a las estrías que ya comentamos en su crítica.

Si hoy veis vuestra ciudad paralizada, puede que esta vez no se deba a una huelga o protesta de algún colectivo específico, puede que esta vez sean hordas de teenagers amontonándose en las inmediaciones de los cines para poder ver el último capítulo de la saga Crepúsculo. Como mi ignorancia ante este universo vampírico universal es mayúscula, más allá de Kristen Stewart y Robert Pattison, destaco el nombre de Bill Condon (Dioses y monstruos) en una dirección que quizás añada algún toque adulto a este Amanecer-parte 1.

Dejamos la testosterona para adentrarnos en los esteroides de la mano de Jason Statham, Clive Owen y Robert de Niro, reunidos en Asesino de élite por obra y gracia de Gary McKendry. Un estímulo visual para los adeptos al mamporro y los tiros, de la que poco más traslucirá.

Hoy es también turno para la argentina Medianeras. Un drama romántico dirigido por Gustavo Taretto sobre dos almas solitarias que viven en un mismo edificio pero no se conocen. Buenos Aires como la ciudad que los une, y a la vez, los separa. Ella es Pilar López de Ayala y él Javier Drolas.

También aterriza la cinta belga de animación Pánico en la granja. Premiada en Sitges y seleccionada para Cannes, el filme recrea las fantasías infantiles de sus directores a través de la técnica del stop-motion.

Otra película de animación, y destinada al público infantil, que llega hoy es Winx 3D: La aventura mágica.

Cerramos los estrenos de este viernes con Interferencias. Una producción española conexa con la coyuntura actual que nos ahoga. En ella Pablo Zereceansky reflexiona sobre la sociedad del consumo y la crisis moral de nuestros días. Todo ello se articula a través de una obra de teatro que queda determinada por las manifestaciones del 15M por todo el país. De rabiosa actualidad cabría apostillar.

Buen fin de semana a todos.

Han transcurrido 2 años desde que el director polaco Roman Polanski se viera forzado a permanecer encerrado en su casa de Gstaad a la espera de esa resolución sobre su extradición a los EEUU. Un episodio de su vida digno de los argumentos más retorcidos y los ambientes más claustrofóbicos que ha recogido en algunas de sus películas.

Desde entonces ha estrenado dos películas. La primera fue el estimable thriller político El Escritor, y a partir de mañana, vuelve con un Un Dios salvaje. Esta última supone la primera película concebida íntegramente fuera del encierro hogareño, y puede que en ella trasluzcan algunos reflejos de su ingrata experiencia.

Al menos algo de ello se puede entrever en la elección de adaptar la obra teatral de Yasmina Reza, Un Dios salvaje. La reputada dramaturga y novelista concibió para el teatro una historia que recoge una ácida confrontación entre dos parejas adultas con motivo de una batalla infantil que ha implicado a sus respectivos hijos. Un argumento levantado sobre un solo espacio (la casa de los padres del chico agredido) y sustentada en base a los diálogos y las discusiones de sus cuatro únicos personajes (las dos parejas).

El director de La semilla del diablo trabaja sobre el libreto de Yasmina Reza (quien le apoya en labores de coguionista) para adaptar la acción al medio cinematográfico, situarla en un apartamento del barrio neoyorquino de Brooklyn (en lugar de París) y sustituyendo a Isabelle Huppert (protagonista en la obra de teatro) por la doblemente oscarizada Jodie Foster. Una de las lujosas patas con las que se sostiene este filme coral. Las otras tres las forman John C. Reilly, como el marido de Foster, y la pareja formada por Kate Winslet y Christoph Waltz.

Lo que sigue son 79 minutos, en tiempo real, de una escaramuza dialéctica entre cuatro personas adultas. En su trasfondo sobresale un retrato agudo sobre la hipocresía escondida tras la fachada moral de la clase media y alta. Incurre a ello a través de una mirada ácida y crítica hacia esos personajes atrapados en el desván apartamento que termina por estallar cuando las máscaras necesarias para la convivencia estable en los espacios de socialización se desintegran.

Un brillante y potente tema, con ingenioso uso de los medios al alcance para proyectarlo, que sin embargo, se ve aquí adolecido por los baches en el trayecto, por los pequeños giros que hacen avanzar la trama e inmovilizan a sus personajes en ese comedor/salón de combate/desván psiquiátrico.

El autor de Lunas de Hiel opta aquí por un tono satírico, casi burlesco, para acercarse a esa decadencia de la conducta humana, de los valores de los personajes, del matrimonio que representan, de sus vicios y de sus fobias. Sin embargo, hay un desajuste de tono entre lo que pretende explicar y su representación en pantalla. Polanski parece perder de vista la verosimilitud en su relato. Partiendo de la idea de exagerar sus formas para potenciar el contenido, el director descuida la base real de la que parte. Abundan las situaciones y las reacciones de sus personajes poco convincentes. Desde la inexistencia de razones para permanecer en el piso, o de volver a él cuando parece que lo abandonan, hasta la incredulidad ante escenas como la del vomito o la borrachera (la cual hace verdaderos estragos en tiempo récord), hasta pasando por reacciones desmedidas o estallos de virulencia sin motivo justificado.

Esas fracturas en la representación se deben en culpa a un guión sumamente trabajado en la tesis y la descripción general de los cuatro protagonistas, pero que pasa por alto, o infravalora, los detalles que ligan y hacen avanzar su historia. También se debe en parte al dibujo en brocha gruesa que tanto su director, como sus intérpretes, llevan en práctica para construir a sus personajes. Y el último componente que hace que te lleves esa sensación de estar presenciado algo irreal, es el lenguaje empleado. Muchas veces optan por reflexiones, estamentos y conclusiones pretenciosas y profundas, impropias de la situación que se está planteando. Hay en general una falta de equilibrio entre la situación exagerada, rondando lo delirante, y la base real que ayuda a hacerla creíble ante el público.

En ese sentido, y alejada totalmente de época, estilo y tema, Buñuel hizo una demostración de cómo debía plantearle al espectador una situación similar, y absolutamente surrealista, en la incomparable El ángel exterminador.

No es que la última película de Polanski sea un trabajo desestimable. Es simplemente que te deja un sentimiento de cierta decepción entre la potencia del relato con el que parte, y los suaves y tímidos escarceos con los que te sacude durante su trayecto. Hay ideas interesantes, diálogos jugosos, interpretaciones valiosas (la de Jodie Foster de las que más) y mérito ante su concepción espacial sin elipsis, pero le falta ese distintivo, esa huella potente que acostumbra a dejar impresa su director en sus obras.

Llegamos al último día de septiembre con las carteleras apretadas y con una avalancha de títulos que desembarcan hoy con el objetivo de ganarse su público. Empezamos por el que creo que es el estreno más destacado de la semana, Somewhere de Sofia Coppola. La directora norteamericana ve estrenada con mucho retraso su última mirada a la soledad, y galardonada con el León de Oro en Venecia 2010. Stephen Dorff se pone en la piel de este actor fustigado por la fama y las comodidades, y Elle Fanning encarna a su encantadora hija que lo despierta de su letargo. Filme muy recomendable, y esencial para los que sigue de cerca la carrera de la directora de Lost in Translation. Aquí su crítica escrita por este servidor

Otro estreno destacado que aterriza con retraso es la divertida cinta británica Four Lions. Dirigida por Chris Morris, debut de este humorista británico curtido en la radio y la televisión, en la que se sigue los pasos de un penoso grupo de terroristas islámicos que pretenden atentar en la ciudad de Londres. Lejos de suponer una seria amenaza para los londinenses, su idiotez es una amenaza para su propia vida. A partir de esta atrevida premisa, Morris dibuja una negra sátira sobre la absurdidad del fanatismo islámico, con mucha mala uva, cierta radicalidad en un tema tan delicado, desfachatez e incorrección sobrante, pero sin extraerle, a la historia y sus personajes, todo el poderío cómico e ingenioso que se le podía presuponer de entrada a un tema con tanto punch.

Hoy también puede ser el día, en que los más intrépidos se aventuren a ver la segunda película como director de Tom Hanks. Su título, Larry Crowne, nunca es tarde, donde él mismo interpreta a un hombre de mediana edad, que tras ser despedido, decide dar un rumbo a su vida matriculándose en la universidad, allí se enamorará de su profesora (Julia Roberts)Trillado argumento, para una película que se prevé melosa hasta límites insospechables (si me equivoco que alguien lo apunte por favor)

Seguimos con el alud de estrenos, hoy también recibimos el último trabajo de Win Wenders sobre la bailadora alemana Pina Bausch. Pina es el documental del directo de París, Texas, rodado en 3D y en el que se acerca a la maestra de la danza. Distribuye Avalon.

Con el sello de blockbuster hollywoodiense llega una nueva versión de Los tres mosqueteros, quién se pone aquí detrás de las cámaras es Paul W. S. Anderson, director de Resident Evil y Horizonte Final. A la historia de Dumas conocida por todos, le ponen esta vez su presencia Logan Lerman, Ray Stevenson, Milla Jovovich, Orlando Bloom, y Christoph Waltz.

El arte de pasar de todo es una película romántica de USA con factura indie, dirigida por Gavin Wiesen e interpretada por Freddie Highmore y Emma Roberts.

Ramón Térmens regresa a la dirección, tras el éxito relativo de Jóvenes, con Catalunya Über Alles, un retrato a través de tres personajes de la Catalunya interior, donde se pone de manifiesto el reto de la integración de los recién llegados y la tolerancia en época de crisis. Joel Joan, el fallecido recientemente Jordi Dauder y Vicky Peña dan empuje a su reparto.

Completan los estrenos, las olvidadizas producciones Fin de curso (Prom) y Johnny English Returns. La primera es una comedia juvenil de la Disney cuyo argumento ya os podéis imaginar con su título. La segunda es el retorno de Rowan Atkinson en la piel de este espía en las antidotas de Bond. El carismático Mr. Bean confirma lo mal que le sienta alejarse de la pequeña pantalla con esta película que dirige Oliver Parker.

Cuando en el panorama cinematográfico actual poco directores veteranos han conseguido, o se les ha permitido, mantener su estatus de venerado, se agradece y se acoge con entusiasmo, la llegada de producciones que pertenezcan a este grupo reducido de cineastas que no han sucumbido a su propio talento. Es el caso por ejemplo, de Roman Polanski. El director polaco regresa tras la más que notable El escritor con Un Dios salvaje (Carnage),  cuyo trailer ya podemos ver más arriba.

En Un Dios salvaje el director de Lunas de hiel adapta la obra de teatro homónima de Yasmina Reza. En ella dos parejas se reúnen para hablar sobre una pelea de sus respectivos hijos. Lo que empieza siendo una discusión civilizada se convierte en una acalorada jornada, en la que Polanski aprovecha para destapar todas las debilidades que afectan a esos dos matrimonios de clase media.

Como se aprecia en el trailer, el tono de la cinta vira a la comedia, y deja al drama como destellos de trasfondo. Carnage cuenta con la aportación de cuatro actores de lujo: John C. Reilly, Kate Winslet, Jodie Foster y Christoph Waltz que copan con sus dotes dramáticas el solo espacio en el que se desarrolla su trama.

El filme se presentará en el próximo festival de Venecia, y tiene previsto su fecha de estreno norteamericano para el 16 de diciembre con vistas a arañar alguna nominación para los Oscar (supongo que más de un interprete lo logrará).

Siendo este la primera vez que no tengo que madrugar para ver los Oscar en directo, y dado que en Nueva York es una hora prudente, he optado por ir redactando este entrada a medida que se van entregando los premios de esta 82º de la gala de los Oscar.

De ahí el orden y lo caótico que pueda ser el siguiente texto

Mejor actor secundario – Christoph Waltz (Malditos bastardos)

Penélope Cruz entrega el Oscar más cantado de la noche a Christoph Waltz por su papel de aniquila judíos en Inglorious bastards.

Mejor película de animación – Up

Tampoco hay ninguna sorpresa para el Oscar a la mejor película de animación. Pixar se lo lleva otra vez con justicia. ¿Quién le puede hacer frente en el campo de la animación?.

Esto de nominar a diez películas para la categoría de mejor película creo que no funciona ni para la gala, de momento pasamos más tiempo viendo cómo presentan las películas nominadas en esa categoría que cómo entregan premios. A pesar de esto la gala, por el momento, está siendo ágil y dinámica, se nota que los ganadores deben contenerse al agradecer sus premios a sus queridos, se oye mucho piano corta discursos.

Mejor canción original – Corazón rebelde 

La canción  country que Colin Farrell interpreta en esta olvidable película.

Mejor guión original – En tierra hostil

De forma un tanto incomprensible la película bélica de Katryn Bigelow se lleva la estatuilla delante de propuestas más originales como Inglorious Bastards o Un tipo serio.

Mejor corto de animación – Logorama

Nuestro compatriota no se lo ha llevado. Se lo lleva el francés de los logos corporativos

Mejor maquillaje – Start Trek

Un ridículo Ben Stiller disfrazado a lo Nav’vi hace entrega del premio a los responsables de maquillaje de Start Trek, ¿alguien se acordaba de esta peli?

La pareja formada por Alec Baldwin y Steve Martin a medio camino entre dos tontos muy tontos y diagnósticados de alzheimer precoz no me desagradan del todo, pero veo a la platea divida. Lo que sin duda no gusta son los cortes por una música horrible cada vez que alguien se sobrepasa con el tiempo. Además esto está provocando que cuando suben tres a recoger el Oscar, sólo pueda hablar uno.

Antes me olvidé de mencionar el homenaje que le han dedicado al fallecido John Huges con la presencia del propio Maculay Culkin, sí lo que oyen. Un director especializado en la comedia en el grosor de su filmografía y descubridor de muchos jóvenes talentosos de los 80’s, de los cuáles la mayoría están en el olvido o en problemas con las drogas

Mejor actriz secundaria – Mon’nique

Robin Williams (¿Robin Williams ganó el Oscar al mejor actor secundario el pasado año?) entrega el premio a Mon’nique tal y como se esperaba por su portentosa interpretación de una madre anti modélica en Precious.

Mejor dirección artística – Avatar

Primer Oscar para Avatar.

Mejor diseño de vestuario – The Young Victoria

Mejores efectos de sonido – En tierra hostil

Una pareja de jóvenes pseudo actores (me parece identificar a Zac Ephron) presentan el premio y se lo entregan a The Hurt Locker, para mi brillante su edición de sonido, mucho más interesante que el uso que saca de ella su rival Avatar.

Mejor sonido – En tierra hostil

Se vuelve a imponer la película de Bigelow en un campo en el que sobresale. De momento En tierra hostil se impone a Avatar, incluso en los premios técnicos.

Al sonido de James Taylor se repasa el habitual in memoriam. Este año se nos han ido Patrick Swaysze, Jeanne Simons, Budd Schulberg, Michael Jackson, Natascha Richardson, Jennifer Jones, Karld Malden, entre muchos otros. O tengo el volumen muy bajo, o no he oído las habituales ovaciones

Bonito número musical repasando las diferentes películas nominadas a la mejor banda sonora, grandes compositores optan al galardón

Mejor banda sonora – Michael Giachinno (Up)

Primer Oscar para este joven y prometedor compositor

Mejor fotografia – Avatar

Sin The Road nominada, todo parece absurdo en esta categoría

Mejor efectos especiales – Avatar

Otro que se queda con cara de tonto al intentar dedicar el premio.

Mejor documental – The Cove

Como de costumbre primera noticia sobre este documental, pero gracias a ello, quizás ahora lo podamos ver en nuestras salas.

Mejor montaje – En tierra hostil

La lucha entre En Tierra hostil y Avatar sigue igualada, pero de momento Bigelow le gana la batalla a su exmarido.

Mejor película de habla no inglesa – El secreto de sus ojos (Argentina)

La extraña pareja Quentin Tarantino y Pedro Almodovar entregan al premio a Juan Jose Campanella, que es comido por el tiempo y el countdown. Sin haber visto La cinta blanca, me sorprende el premio, sin duda, Haneke estaba en los favoritos.

Mejor guión adaptado – Precious

Segundo y último premio para la película de Lee Daniels

Mejor actor – Jeff Bridges (Corazón rebelde)

Merecido premio para este talentoso actor. No tanto por su papel en la tediosa película en que lo logra, sino por su intachable trayectoria.

Mejor actriz – Sandra Bullock

Por suerte aparece el incorruptible Sean Penn, que antes de entregar el premio, declara que él no es miembro de la Academia, pero que ha llegado a un acuerdo para entregar la estatuilla a Sandra Bullock. Cómo nos tenemos que ver, luego investigo los Razzie que posee. La platea de pie es ya para apagar el televisor.

Mejor directora – Katryn Bigelow

Barbara Streisand confirma que En tierra hostil es la ganadora de la noche. Y Bigelow pasa a ser la primera mujer en llevarse este galardón por la dirección. No sólo se lo quita a su ex, sino que además pasa de él, que lo tenía sentado justo detrás de ella.

Mejor película – En Tierra hostil

Tom Hanks presenta el máximo galardón por enésima vez y confirma a En Tierra Hostil como la mejor del año, consiguiendo 6 de los 9 Oscars a los que optaba.

En Hollywood aún queda algo de dignidad.

Escueta, rápida ceremonia, no por ello aburrida y borrable, que deja a Up in the air (tal y como se esperaba) como una de las grandes perdedores, pero que también castiga a Avatar, premiándole sólo con algunos premios técnicos.

Los premiados de este año, confirman la mala cosecha cinematográfica recibida.

Un año más, pero más tarde de lo normal, y con más nominadas a lo que nos tenían acostumbrados en las últimas entregas, tenemos la lista de nominados a la dorada estatuilla.

La cosecha cinematográfica del año ha sido decepcionante, y así lo confirman los candidatos a los premios más reconocidos. No hay sorpresas entre las principales candidaturas; Avatar (9) acapara buena parte de ellas, y quizás sólo pueda sacarle protagonismo en la próxima gala del 7 de marzo, En tierra hostil (9) y Up in the air (6). La única mayor  sorpresa es que los Coen hayan sacado un pellizquito con su personal Un tipo serio.

Y las mayores decepciones estriban en la falta total de protagonismo de una cinta como The Road, o el haber ignorado el doble papel de Sam Rockwell en la más que notable Moon.

Y sincermaente, viendo algunas de las diez películas que han terminado nominadas a la mejor película, la academia debería replantearse, otra vez, el nuevo formato de diez nominadas en esta categoría. Sin más dilación os dejó con el listado completo de nominadas.

Mejor película

• Up
• Up in the air
• Avatar
• Distrito 9
• The Blind side
• Precious
• An education
• Un tipo serio
• En tierra hostil
• Malditos bastardos

Mejor director

• James Cameron – Avatar
• Quentin Tarantino – Malditos bastardos
• Kathryn Bigelow – EN tierra hostil
• Jason Reitman – Up in the air
• Lee Daniels – Precious

Mejor actor

• George Clooney – Up in the air 
• Jeff Bridges – Crazy Heart
• Colin Firth – A single man
• Jeremy Renner – En Tierra Hostil
• Morgan Freeman – Invictus

Mejor actriz

• Sandra Bullock – The Blind side
• Meryl Streep – Julie & Julia
• Carey Mulligan – An education
• Gabourey Sidibe – Precious
• Helen Mirren – The Last station

Mejor actor secundario

• Matt Damon – Invictus
• Christopher Plummer – The last station
• Stanley Tucci – The Lovely Bones
• Christoph Waltz – Malditos Bastardos
• Woody Harrelson- The messenger 

Mejor actriz secundaria

• Penélope Cruz – Nine
• Vera Farminga – Up in the air
• Maggie Gyllenhaal – Crazy Heart
• Anna Kendrick – Up in the air 
• Mo’Nique – Precious

Mejor película extrangera

• Ajami (Israel)
• La cinta blanca (Alemania)
• El profeta (Francia)
• El secreto de sus ojos (Argentina)
• La teta asustada (Perú)

Mejor guión original

• Mark Boal – En tierra hostil
• Quentin Tarantino – Malditos bastardos
• Oren Moveman, Alessandro Camon – The messenger
• Joel Coen, Ethan Coen – Un tipo serio
• Bob Peterson, Pete Docter – Up

Mejor guión adaptado

• Neill Blomkamp, Terry Tatchell – Distrito 9
• Nick Hornby – An education
• Jesse Amstrong, Simon Blackwell, Armando Iannucci, Tony Roche – In the loop
• Geoffrey Fletcher – Precious
• Sheldon Turner, Jason Reitman – Up in the air

Mejor filme de animación

• Coraline
• Fantastic Mr. Fox
• Up
• The Secret of Kells
• Tiana y el sapo

El resto de nominados

Como ya anunciaba en riguroso directo Omar Little, la antesala de los Oscars ha repartido sus galardones. La verdad es que los premiados en los Globos de oro del 2010 entraban en casi todas las quinielas. Quizás haya podido sorprender, relativamente, el reconocimiento a un francotirador como Michael Haneke por La cinta blanca.

Por lo demás, y sin querer alargar demasiado, decir que como siempre estos premios han estado muy repartidos, por el hecho de distinguir entre comedia y drama. El único filme que podría considerase como el ganador de la noche seria Avatar.

Quizás la mejor lectura que se puede extraer, es que la cosecha del pasado año, la cual parte de ella aún está por estrenar, se confirma como una de las peores de los últimos años. Nunca pensé que vería a Sandra Bullock ganar un premio por un papel dramático, y puede que se lo merezca incluso, pero tengo la sensación, sumando este premio a las otros galardones  de interpretación y los máximos galardones para Avatar y Resacón en Las Vegas, que la edición de este año es para olvidar.

Mejor actriz secundaria

Mo’nique – Precious

Mejor filme de animación

Up

Mejor canción Original

Crazy Heart

Mejor banda sonora

Michael Giachinno – Up

Mejor actriz musical o comedia

Meryl Streep – Julie & Julia

Mejor guión

Jasón Reitman y Sheldon Turner – Up in the air

Mejor filme extranjero

La cinta blanca – Michael Haneke

Mejor actor secundario

Christopher Waltz – Malditos bastardos

Mejor actor comedia o musical

Robert Downey Jr. – Sherlock Holmes

Mejor actriz Drama

Sandra Bullock – The Blind Side

Mejor actor

Jeff Bridges – Crazy heart

Mejor director

James Cameron – Avatar

Mejor película comedia o musical

Resacón en Las Vegas

Mejor película drama

Avatar

A veces lo mejor al adentrase en las oscuridades de los cines es llegar a ellos con las expectativas de lo que te dispones a ver  por el suelo. Ese fue precisamente el estado con el que un servidor entró a ver Malditos bastardos,  y creo, sinceramente,  que las dos horas y media de diversión que me regaló el señor Tarantino no me hubieran causado la misma impresión en la condición contraria.

Malditos Bastardos supone la primera incursión del director de Pulp Fiction en el cine bélico, no por ello su película se subscribe en los parámetros de género, sino que vuelve hacer otra vez gala de su habilidad para el pastiche pop, cruzando entre sí diversas influencias, pero de una forma mucho más controlada y medida que en Kill Bill.  Con Malditos Bastardos, Tarantino ha querido dar rienda suelta a su antojo, recreando una historia hilarante, disparatada e hiperbólica sobre unos personajes que confluyen en la Francia ocupada por los nazis. Tampoco ha dudado en utilizar personajes reales históricos, empezando por el propio Hitler o su ministro de propaganda Goebbels, para hacer su propia descabellada relectura histórica, donde hay cabida para sus placeres visuales y temáticos. Durante todo el visionado se respira esa sensación  de que el propio director es el primero en tomárselo todo como un mero divertimento.  

Pero este divertimento se ha construido de una forma audaz, inteligente y con una mano muy firme por parte de su creador. Todos los elementos que configuran el filme se articulan de forma precisa, consiguiendo en ocasiones, momentos de pura inspiración; como la magistral secuencia con la que se inicia el filme, donde vemos por primera vez al soberbio personaje de Hans Landa, interpretado por el próximo ganador al Oscar, Christoph Waltz. Esta secuencia es el paradigma de  una de las características más habilidosas y definitorias del director norteamericano. En ella el ritmo se deja llevar por la extensión dilatada del tiempo debido a la ponderación de detalles, a priori insignificantes, pero que en el fondo, llenan de esplendor la personalidad de los personajes, y a la vez llenan de tensión la propia atmósfera. Esa espera dilatada, propia de Tarantino, se usa para cocinar a fuego lento los elementos necesarios que ayudarán a crear el efecto buscado una vez surja el inesperado golpe de efecto en forma de drama, humor, humor negro o violencia. Quizás más que en anteriores filmes, Tarantino se recrea en el silencio para emplazar y resaltar esas tensiones, sin que eso implique que abandone la palabra y sus ingeniosos diálogos como los mejores aliados para construir la historia y sus conflictos.

Malditos bastardos supone uno de los trabajos más brillantes en dirección de actores que se pueda recordar de su director. Si bien el citado Waltz se lleva la palma entre el elenco actoral, consiguiendo con sus apariciones subir enteros todo el filme, también merece un gran mención Brad Pitt como teniente de la cuadrilla de bastardos que pueblan esta cinta. La caracterización de su personaje, junto al esmero en su pronunciación tejana, y la gracia en cómo se  desenvuelve su interpretación, hacen que el personaje de Aldo Raine sea uno de los más conseguidos en su destacable carrera de actor. A esto hay que añadir los convincentes papeles de todos los componentes de la cuadrilla de bastardos, el de las dos damas del filme, o el de los personajes nazis.

Tarantino ha vuelto con Malditos Bastardos a la temática recurrente de sus más recientes producciones. La venganza gira como motor de explosión de estos personajes extremos, que como es habitual, tienden a la exageración. El personaje que gira más alrededor de las ansías de venganza es el de Shosanna, la verdadera protagonista de esta cinta dividida en diferentes capítulos.

Una de las partes más logradas del filme en el último capítulo que enmarca todo el acto final del filme. Dentro de él se presencia una de las secuencias más desternillantes de los últimos años, donde por primera vez Tarantino bebe de los hermanos Marx para articular una secuencia imborrable en la que se escenifica el deseado encuentro entre el Coronel Landa (el cazador de judíos) y los tres miembros infiltrados de los malditos bastardos.  Una secuencia cargada de  momentos de desconcierto y despropósito imbuidos por la distancia que los idiomas y la pronunciación separa a los personajes que intervienen (imprescindible verla en versión original) y cuyo resultado más elocuente se produce al ver una sala entregada a la carcajada.

Pero no todo en la película son halagos, también se le puede recriminar ciertas licencias poco creíbles en su trama, pero que quedan algo diluidas en su conjunto por la eficaz labor del director de Jackie Brown para hilar en su guión las diferentes historias divididas en capítulos. Dentro del tono del filme, los frames congelados con infografía de por medio, o las subtramas de explicación de algunos personajes no acaban de cuajar dentro del conjunto. También se podría haber olvidado de esa historia de amor no correspondida entre el héroe de guerra alemán,  Zoller (Daniel Brühl), y la propia Shannon, que además presenta una conclusión muy chirriante y desubicada.

La música siempre ha tenido una presencia cautivante y primordial en los filmes de este director, pero es quizás este largometraje el que menos peso sonoro presenta a lo largo de su recorrido. Tarantino se vale de partituras de su indispensable Ennio Morricone para ambientar esos primeros compases con puntos de referencia en el spaghetti western, y la mayor parte de situaciones tensas. En este sentido, su apuesta más heterodoxa es la acertada inclusión del tema de David Bowie “Putting out the Fire”, perteneciente por otro lado a la banda sonora de la película Cat People, en el inicio del último capítulo.

Malditos bastardos es una comedia salvaje, repleta de humor negro, con ciertos elementos tarantinianos, y ciertos elementos característicos del cine bélico y de otros géneros que han marcado a su autor (Doce en el patíbulo y Aquel maldito tren blindado son los máximos referentes) . Una divertida comedia que muestra a un Tarantino más maduro en su ejecución, pero igual de gamberro en sus intenciones, y que dejará muy buen gusto a los que se dejen llevar por su tono desenfrenado y desprovisto de profundidad.