La última semana de octubre repite el patrón (y ya van unas cuantas) de fin de semana con carteleras desbordadas por estrenos de alto interés para todo tipo de públicos. Sin duda este viernes vendrá marcado por el estreno de Las aventuras de Tintín: El Secreto del Unicornio, que como ya adelanté ayer es una golosina que encandilará a todo los rangos y perfiles de espectadores, me atrevería a decir incluso que tanto a Tintófilos como escépticos. Y que sirve para demostrar una vez más quién sigue ostentado la distinción de rey Midas de Hollywood, capaz de salir muy bien parado de todas las batallas.

Otro gran éxito masivo en taquilla, al menos en los EEUU, coincide con la llegada del famosos personaje de comic. Se trata de la norteamericana Criadas y señoras de Tate Taylor. Este drama sobre la amistad y el racismo ambientado en el Mississippi de los años 60′s ha supuesto un éxito mayúsculo en su país de origen, hasta el punto que empieza a sonar incluso para los Oscar. En su reparto encontramos rostros conocidos, exclusivamente femeninos, como los de Emma Stone, Sissy Spacek, Jessica Chastain (el rostro femenino del año), Viola Davis y Bryce Dallas Howard.

En otra línea, la del circuito de festivales AAA, llega el último premio del Jurado de Cannes (Ex-aqueo). Los mimados hermanos Dardenne estrenan mañana El niño de la bicicleta, su último drama, que esta vez, versa sobre un niño de once años con problemas de adaptación tras ser repudiado por su padre y entregado a un centro de acogida. Imprescindible para los seguidores del cine de estos dos belgas.

Hoy también llega EVA, película de ciencia-ficción que en esta casa pudimos ver en Sitges, y que como ya comentamos, nos pareció una cinta de ciencia-ficción tibia, con más elementos melodramáticos que cualquier otro, y con una factura técnica impecable diluida por un guión poco atenazado y un reparto que apoya esta idea. Dirige el último talento de la primera generación ESCAC, Kike Maillo, y bajo sus ordenes Marta Etura, Daniel Brühl, Lluís Homar y Alberto Ammann.

También hoy es el día elegido por la distribuidora EMON para estrenar el filme francés Tímidos anónimos. Una amable, y a ratos divertida, comedia romántica sobre la incapacidad de relacionarse de dos personas extremadamente tímidas. Dirige Jean-Pierre Améris, y en el rol de la pareja Isabelle Carré y Benoit Poelvoroode.

Completan los estrenos de esta semana, la comedia norteamericana Dime con cuántos, el drama cubano sobre abusos sexuales de una joven adolescente Boleto al paraíso, y por último, el drama húngaro Semilla de maldad, presente en la sección oficial de Cannes 2010.

¡Buen fin de semana cinematográfico!

Ayer se produjó el arranque de la 44º edición del festival de Sitges que nos mantendrá hasta el día 16 con los pies en la localidad catalana, y la mente ocupada con el mejor cine de género.

Como algunos sabréis, otros no, hemos sido acreditados para cubrir la actualidad del festival, así que intentaremos ir publicando entradas con lo más destacable que se pueda ver estos días de certamen, y sugeriros apuestas consistentes.

La jornada inaugural vino marcada por la presentación en sociedad de EVA. El filme nacido con el impulso del ESCAC, y dirigido por Kike Maíllo e interpretada por Daniel Brühl, Marta Etura, Alberto Ammann y Llúis Homar, venía precedido por buenas críticas en el Festival Venecia. Su temática (que nadie se deje desviar por las intenciones de su trailer) se centra en la inteligencia artificial, pero en lugar de tirar hacía lo fantástico se queda en un tibio melodrama con influencias de Minority Report y IA. Sin duda las virtudes de la cinta se concentran en la impecable forma, de la que destacan los extraordinarios efectos especiales del maestro Reyes Abades. A pesar de un envoltorio con el que no debe envidiar nada a producciones foráneas, y de la ambición en su propuesta, EVA no termina de convencer debido al trazo desigual y previsible que presenta el guión escrito por Sergi Bellbel, y por unas actuaciones que no están a  la altura del producto.

Mejores sensaciones dejo el Contagio de Steven Soderbergh. Con un look super estilizado (en momentos rayando la perfección visualista de algunos spots) nos presenta un thriller sobre un virus mortal desconocido que se propaga de forma imparable por todo el mundo. Soderbergh edifica al principio su filme coral sobre la electrizante propagación del virus en distintas zonas e implicando a diferentes personajes. Luego se centra en la evolución del viurs, para finalmente perder fuelle con su final. Por el camino un filme muy bien ejecutado, con un ritmo constante (le sobran algunos minutos finales), e interpretado con solvencia por Matt Damon, Kate Winslet, Gwyneth Paltrow (en el que probablemente sea su mejor papel hasta la fecha), Marione Cotillard, Laurence Fishburne, Jude Law, Bryan Cranston, John Hawkes. Tan sólo se le puede reprochar a Soderbergh el no haberse encariñado con ninguno de sus personajes, la frialdad de su estilizado estilo acaba empapando su narración, y distanciando un poco la empatia del espectador.

Hasta aquí este primer resumen de lo más relevante del festival de Sitges. Seguiremos con los dos ojos enfocando allí, e informando de lo que se cuece.

Este viernes de octubre se nos presenta cargado de estrenos, y con la balanza ligeramente inclinada hacía películas estimables. Es el caso por ejemplo de la estupenda Nader y Simin, una separación. El filme de Asghar Farhadi (A propósito de Elly)  muestra pedazos de la sociedad iraní a través de la historia de un matrimonio roto, y las consecuencias escalonadas que adquiere un asunto de poca relevancia. El filme respira autenticidad por todos los poros, y buena parte del logro radica en la magistral interpretación de los actores y la invisible cámara de su director que terminan por contagiar al espectador con la tensión y el drama de los protagonistas. Altamente recomendada para los que disfrutan de los dramas sociales de lejanas geografías.

En un polo opuesto, en un estado relajado, sin pretensiones y de poca actividad neuronal, nos llega la divertida Crazy, stupid, love. Aquí la separación entre los personajes que interpretan Steve Carrell y Julianne Moore no alcanza cotas tan profundas. Él se convierte en un mujeriego tras las enseñanzas a las que lo somete el playboy que reluce con Ryan Golsing, y ella se cita con un ex-lío del trabajo interpretado por Kevin Bacon. Por el camino enredos, romances imposibles, y amores y desamores varios. Glenn Ficarra y John Requa (tándem responsable de (I love you Philip Morris) dotan de una chispa agradable esta comedia de corte arquetípica, que sin embargo, hacía el final se deja sucumbir por un exceso de glucosa. Inclinan la balanza a favor los excelentes actores que la pueblan (añadir a la lista Marisa Tomei y Emma Stone).

Difícilmente destacable resulta Intruders, la última obra del hasta ahora, apreciable realizador Juan Carlos Fresnadillo (28 semanas después). El canario se deja arrastrar por los moldes del cine de terror para crear esta cinta sin sustancia, que ni produce terror, ni intriga, ni prácticamente nada a lo que valga la pena agarrarse. Débil mezcla de drama familiar y de terror, que no convence ni en su indiferente final. Clive Owen suma aquí otro fracaso a una carrera que prometía, y le acompaña en el despropósito Pilar López de Ayala yDaniel Brühl.

Hoy también llega una de las pocas super producciones que se lanzan en este país. Tras más de diez años con el proyecto saltando por despachos, productoras y directores (¿cómo hubiera sido si finalmente se hubiera aprobado la de Juanma Bajo Ulloa) llega El capitán trueno y el santo grial. La famosa viñeta española llega al cine de la mano de Antonio Hernández, y con Sergio Peris Mancheta y Natasha Yarovenko como protagonistas de esta cinta familiar, que la verdad, tiene una pinta mala.

Mucho más recomendable resulta El ilusionista. Entrañable y detallista cinta de animación de Sylvain Chomet,  que parte de un guión del mismo Jacques Tati. La película ha cosechado infinidad de distinciones y premios en los diversos festivales donde ha circulado, y con razón.

También hoy nos llega la última cinta del director mejicano Arturo Ripstein tras su polémico paso por el festival de San Sebastián. Las razones del corazón es un híbrido punzante entre drama y melodrama.

Terminamos con el estreno del filme iraquí Son of Babylon. Largo seleccionado por el país árabe para representarlo en los Oscar del año pasado, y que relata el viaje de un niño kurdo de doce años y su abuela por el devastado Irak de la caída de Sadam en busca del padre del chico.

A veces lo mejor al adentrase en las oscuridades de los cines es llegar a ellos con las expectativas de lo que te dispones a ver  por el suelo. Ese fue precisamente el estado con el que un servidor entró a ver Malditos bastardos,  y creo, sinceramente,  que las dos horas y media de diversión que me regaló el señor Tarantino no me hubieran causado la misma impresión en la condición contraria.

Malditos Bastardos supone la primera incursión del director de Pulp Fiction en el cine bélico, no por ello su película se subscribe en los parámetros de género, sino que vuelve hacer otra vez gala de su habilidad para el pastiche pop, cruzando entre sí diversas influencias, pero de una forma mucho más controlada y medida que en Kill Bill.  Con Malditos Bastardos, Tarantino ha querido dar rienda suelta a su antojo, recreando una historia hilarante, disparatada e hiperbólica sobre unos personajes que confluyen en la Francia ocupada por los nazis. Tampoco ha dudado en utilizar personajes reales históricos, empezando por el propio Hitler o su ministro de propaganda Goebbels, para hacer su propia descabellada relectura histórica, donde hay cabida para sus placeres visuales y temáticos. Durante todo el visionado se respira esa sensación  de que el propio director es el primero en tomárselo todo como un mero divertimento.  

Pero este divertimento se ha construido de una forma audaz, inteligente y con una mano muy firme por parte de su creador. Todos los elementos que configuran el filme se articulan de forma precisa, consiguiendo en ocasiones, momentos de pura inspiración; como la magistral secuencia con la que se inicia el filme, donde vemos por primera vez al soberbio personaje de Hans Landa, interpretado por el próximo ganador al Oscar, Christoph Waltz. Esta secuencia es el paradigma de  una de las características más habilidosas y definitorias del director norteamericano. En ella el ritmo se deja llevar por la extensión dilatada del tiempo debido a la ponderación de detalles, a priori insignificantes, pero que en el fondo, llenan de esplendor la personalidad de los personajes, y a la vez llenan de tensión la propia atmósfera. Esa espera dilatada, propia de Tarantino, se usa para cocinar a fuego lento los elementos necesarios que ayudarán a crear el efecto buscado una vez surja el inesperado golpe de efecto en forma de drama, humor, humor negro o violencia. Quizás más que en anteriores filmes, Tarantino se recrea en el silencio para emplazar y resaltar esas tensiones, sin que eso implique que abandone la palabra y sus ingeniosos diálogos como los mejores aliados para construir la historia y sus conflictos.

Malditos bastardos supone uno de los trabajos más brillantes en dirección de actores que se pueda recordar de su director. Si bien el citado Waltz se lleva la palma entre el elenco actoral, consiguiendo con sus apariciones subir enteros todo el filme, también merece un gran mención Brad Pitt como teniente de la cuadrilla de bastardos que pueblan esta cinta. La caracterización de su personaje, junto al esmero en su pronunciación tejana, y la gracia en cómo se  desenvuelve su interpretación, hacen que el personaje de Aldo Raine sea uno de los más conseguidos en su destacable carrera de actor. A esto hay que añadir los convincentes papeles de todos los componentes de la cuadrilla de bastardos, el de las dos damas del filme, o el de los personajes nazis.

Tarantino ha vuelto con Malditos Bastardos a la temática recurrente de sus más recientes producciones. La venganza gira como motor de explosión de estos personajes extremos, que como es habitual, tienden a la exageración. El personaje que gira más alrededor de las ansías de venganza es el de Shosanna, la verdadera protagonista de esta cinta dividida en diferentes capítulos.

Una de las partes más logradas del filme en el último capítulo que enmarca todo el acto final del filme. Dentro de él se presencia una de las secuencias más desternillantes de los últimos años, donde por primera vez Tarantino bebe de los hermanos Marx para articular una secuencia imborrable en la que se escenifica el deseado encuentro entre el Coronel Landa (el cazador de judíos) y los tres miembros infiltrados de los malditos bastardos.  Una secuencia cargada de  momentos de desconcierto y despropósito imbuidos por la distancia que los idiomas y la pronunciación separa a los personajes que intervienen (imprescindible verla en versión original) y cuyo resultado más elocuente se produce al ver una sala entregada a la carcajada.

Pero no todo en la película son halagos, también se le puede recriminar ciertas licencias poco creíbles en su trama, pero que quedan algo diluidas en su conjunto por la eficaz labor del director de Jackie Brown para hilar en su guión las diferentes historias divididas en capítulos. Dentro del tono del filme, los frames congelados con infografía de por medio, o las subtramas de explicación de algunos personajes no acaban de cuajar dentro del conjunto. También se podría haber olvidado de esa historia de amor no correspondida entre el héroe de guerra alemán,  Zoller (Daniel Brühl), y la propia Shannon, que además presenta una conclusión muy chirriante y desubicada.

La música siempre ha tenido una presencia cautivante y primordial en los filmes de este director, pero es quizás este largometraje el que menos peso sonoro presenta a lo largo de su recorrido. Tarantino se vale de partituras de su indispensable Ennio Morricone para ambientar esos primeros compases con puntos de referencia en el spaghetti western, y la mayor parte de situaciones tensas. En este sentido, su apuesta más heterodoxa es la acertada inclusión del tema de David Bowie “Putting out the Fire”, perteneciente por otro lado a la banda sonora de la película Cat People, en el inicio del último capítulo.

Malditos bastardos es una comedia salvaje, repleta de humor negro, con ciertos elementos tarantinianos, y ciertos elementos característicos del cine bélico y de otros géneros que han marcado a su autor (Doce en el patíbulo y Aquel maldito tren blindado son los máximos referentes) . Una divertida comedia que muestra a un Tarantino más maduro en su ejecución, pero igual de gamberro en sus intenciones, y que dejará muy buen gusto a los que se dejen llevar por su tono desenfrenado y desprovisto de profundidad.

Los edukadores es un filme alemán dirigido por Hans Weingartner centrado en la vida de tres jóvenes rebeldes que bajo el seudónimo de “The Edukators” realizan una serie de acciones no violentas para expresar su disconformidad con el funcionamiento del sistema. Estas acciones consisten en entrar en las mansiones de los ricos, y reconfigurar toda la decoración fastuosa, con la única intención de crear un malestar entre sus acomodados propietarios. De su reparto tan sólo encontramos la cara conocida de Daniel Brühl, los otros dos jóvenes protagonistas son Stipe Erceg y Julia Jentsch.

El filme de Weingartner es un interesante filme construido bajo un discurso político y un mensaje que se va repitiendo a lo largo de los distintos parajes de la cinta. La primer mitad del filme se centra más en las acciones radicales de estos jóvenes, pero en un punto, la película da un vuelco y la cámara se centra en explicarnos el triangulo amoroso entre los protagonistas dentro de un marco completamente distinto, pero, sin desligarse de la reflexión política que impera en todo su conjunto.

Muchos podrán ver Los Edukators como un panfleto de alguien que ha leído “No Logo” de Naomi Klein y “Rebelarse vende” de Joseph Heath y Andrew Potter creyendo tener una amplia visión del tema. Y razón no les va a faltar, ya que no son pocos los momentos del filme (sobretodo en su primera mitad) que los protagonistas vomitan un discurso anti sistema que suena a impostado por la inverosimilitud de sus interpretaciones, por lo forzado de las situaciones, o por el despliegue de clichés y estereotipos.  Pero el filme cobra otro matiz a partir del giro comentado. La pasión discursiva se camufla bajo una trama más potente que pone a sus protagonistas en una situación conflictiva que les lleva a preguntarse constantemente sobre sus ideales y su convicciones. Además, y de forma inteligente, Weingartner potencia la/s historia/s de amor del triangulo amoroso que conforman los tres protagonistas.

Si de todo ello, el espectador logra sustraerse de ese panfletsimo evidente, y de algunas situaciones que huelen a impostura y falsedad, podrá encontrar un notable filme con algunas reflexiones interesantes sobre el capitalismo, el idealismo  y su pérdida (perfectamente plasmada en imágenes de una belleza poética), la confrontación entre generaciones, el acomodamiento burgés, el arraigo material,  u otros temas de carácter político-social.  Además la película nos brinda, hacía su final,  con uno de los usos más acertados del “Halleujah” de Jeff Buckley, impregnando toda la secuencia de un bello halo.

Si Soñadores era una mirada a jóvenes idealistas durante Mayo del 68, Los Edukadores es la mirada a los jóvenes idealistas de hoy en día.

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