No recuerdo cual fue el último viernes en que los espectadores podían elegir entre varios estrenos, pero puede que el de hoy se parezca a uno de ellos. Tras el estreno en medio de la semana de Toy Story 3, posiblemente la película del verano y el broche perfecto a la saga de animación perfecta, nos llegan un buen puñado de estrenos que pueden justificar pagar una entrada de cine.

Empezamos con la efecticista Las vidas posibles de Mr. Nobody. El filme del director belga Jaco van Dormael recupera el argumento de los dobles destinos, aquí incluso triples, tal y como previamente ya habían jugado  Woody Allen en Melinda y Melinda, o Peter Howitt en Dos vidas en un instante. En el reparto un convincente Jared Leto, y acompañado por Sarah Polley y Diane Kruger. Para más señas esta crítica publicada el pasado sábado.

Otro estreno, a priori de interés, es la comedia negra Sunshine Cleaning. Sus responsables la venden encasillándola en el marco de comedia indie americana a rebufo de Little Miss Sunshine. La película de Christine Jeffs centra su historia en dos hermanas que encuentran la particular forma de ganarse la vida a través de limpiar las escenas del crimen, una vez las policía ha sonsacado de ellas las pistas necesarias.

También hoy viernes nos llega Pesadilla en Elm Street: El Origen; una nueva reedición de la clásica saga de terror dónde por primera vez el personaje de Freddy Krueger no es interpretado por Robert Englund sino por Jackie Earle Harley.

Y por último la olvidadiza el Diario de Carlota de José Manuel Carrasco, y Franklyn de Gerald McMorrow, cuyo trailer ya hacía presagiar los peores temores.

Las vidas posibles de Mr. Nobody (Mr. Nobody) es una película de ciencia ficción que el belga Jaco Van Dormael empezó a rodar en 2007,  pasó por Cannes y Sitges en 2009 con disparidad de opiniones, y que llega a nuestras salas el próximo viernes. El filme enfoca su lente en Nemo Nobody (Jared Leto), un anciano de 120 años que en pleno 2092 se ha convertido en el único mortal vivo entre los humanos, que gracias a los avances científicos se han vuelto inmortales. Cuando Nemo se encuentra en su lecho de muerte, revive 3 posibles existencias y matrimonios que tal vez pudo experimentar.

Bajo esta premisa Van Dormael construye, por su planteamiento, ejecución, y definición formal y de fondo, su más ambicioso proyecto. Sus altas metas le impiden coronarse, pero en un estancamiento de ideas como el que vivimos en la actualidad, ya se agradece al menos propuestas que visualmente intentan parecer frescas, pero que en el fondo, si se excava un poco, no lo son demasiado.

Tal y como ocurre viendo el conformismo con el que se ha optado para elegir la banda sonora, que escoge canciones, que por su uso en anteriores películas y el contexto del que parten, se pueden convertir en lugares comunes, más si suenan prolongadamente en diferentes estadios /episodios de la película. Eso no quiere decir que la conjunción con las imágenes no resulte, y que la selección musical no esté compuesta por grandes temas, pero sí que su uso no parece demasiado trabajado ni inteligente.

El principal escollo del director belga es confundir complejidad con confusión. La compleja estructura del filme, y los constantes saltos en el tiempo, y las diferentes vidas del personaje central, hacen que el espectador se pierda con facilidad por su telaraña argumental, que como el filme que protagonizaba Bill Murray, parece dar vueltas sobre unas mismas imágenes y situaciones. Algo que hace decaer el interés.

Y eso a pesar de los notables esfuerzos por parte del director de envolver su historia con un bello precinto visual, que se sustenta por la gran libertad creativa que genera una historia como la de Nemo contada mediante la fabula.

Los paralelismos con Dos vidas en un instante y Corre Lola Corre, son evidentes incluso para su autor, pero su imaginario visual se enriquece de filmes más dispares, desde el reciente El curioso caso de Benjamín Button, hasta Leólo, los filmes de Jean Pierre Jeunet o C.R.A.Z.Y. La suma potencia la factura visual del filme belga más caro de la historia, haciendo que en sus inicios te atrape y te deslumbre con facilidad, pero a medida que la historia transcurre y la paciencia del espectador se agrava, el hilo argumental que teje Van Dormael muestra todas las carencias que el impacto visual no permitía ver desde el inicio.

De su enrevesado guión sin garra, subyace demasiado la misma idea de las segundas oportunidades, de la arbitrariedad de las grandes decisiones, y de la elección y sus consecuencias. Es quizás en su visión irónica del futuro donde más brillo le saca al asunto.

Las vidas posibles de Mr. Nobody es el clásico filme que sorprenderá a muchos, encandilará a otros, y sacará de sus casillas a otros. El que firma se queda en un plano intermedio, sabiendo que tras ese look videoclipero impresionante no hay mucho a lo que agarrarse. Pero al menos sus logros formales te mantienen atrapado durante 40 minutos de sus 140 minutos, y se agradece la valentía de Jaco Van Dormael por abordar un proyecto de grandes ambiciones, a pesar que el resultado no sea el más deseado.

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Uno de los filmes que mejor regusto dejó a los asistentes del pasado Festival de Sitges, (aparte de Moon, la gran ganadora) fue Mr. Nobody. Un filme de matiz fantástico dirigido por el director belga Jaco van Dormael, y protagonizado por Jared Leto, Sarah Polley y Diane Kruger entre otros.

La película, como se aprecia en el trailer, es pura filigrana visual. Una obra que habla de la muerte, el amor, el tiempo y el espacio. El argumento se construye alrededor del personaje más viejo del planeta (Jared Leto) que recuerda su vida pensando en qué hubiera sido de ella si hubiera escogido la opción B en lugar de la A en determinado instante. Un filme que por su tono y argumento recuerda a Amelie y a El curiosos caso de Benjamin Button.

Tendremos que implorar a los distribuidores para poder algún día medir por nosotros mismos este filme que sorprendió y encandiló en Sitges.

A veces lo mejor al adentrase en las oscuridades de los cines es llegar a ellos con las expectativas de lo que te dispones a ver  por el suelo. Ese fue precisamente el estado con el que un servidor entró a ver Malditos bastardos,  y creo, sinceramente,  que las dos horas y media de diversión que me regaló el señor Tarantino no me hubieran causado la misma impresión en la condición contraria.

Malditos Bastardos supone la primera incursión del director de Pulp Fiction en el cine bélico, no por ello su película se subscribe en los parámetros de género, sino que vuelve hacer otra vez gala de su habilidad para el pastiche pop, cruzando entre sí diversas influencias, pero de una forma mucho más controlada y medida que en Kill Bill.  Con Malditos Bastardos, Tarantino ha querido dar rienda suelta a su antojo, recreando una historia hilarante, disparatada e hiperbólica sobre unos personajes que confluyen en la Francia ocupada por los nazis. Tampoco ha dudado en utilizar personajes reales históricos, empezando por el propio Hitler o su ministro de propaganda Goebbels, para hacer su propia descabellada relectura histórica, donde hay cabida para sus placeres visuales y temáticos. Durante todo el visionado se respira esa sensación  de que el propio director es el primero en tomárselo todo como un mero divertimento.  

Pero este divertimento se ha construido de una forma audaz, inteligente y con una mano muy firme por parte de su creador. Todos los elementos que configuran el filme se articulan de forma precisa, consiguiendo en ocasiones, momentos de pura inspiración; como la magistral secuencia con la que se inicia el filme, donde vemos por primera vez al soberbio personaje de Hans Landa, interpretado por el próximo ganador al Oscar, Christoph Waltz. Esta secuencia es el paradigma de  una de las características más habilidosas y definitorias del director norteamericano. En ella el ritmo se deja llevar por la extensión dilatada del tiempo debido a la ponderación de detalles, a priori insignificantes, pero que en el fondo, llenan de esplendor la personalidad de los personajes, y a la vez llenan de tensión la propia atmósfera. Esa espera dilatada, propia de Tarantino, se usa para cocinar a fuego lento los elementos necesarios que ayudarán a crear el efecto buscado una vez surja el inesperado golpe de efecto en forma de drama, humor, humor negro o violencia. Quizás más que en anteriores filmes, Tarantino se recrea en el silencio para emplazar y resaltar esas tensiones, sin que eso implique que abandone la palabra y sus ingeniosos diálogos como los mejores aliados para construir la historia y sus conflictos.

Malditos bastardos supone uno de los trabajos más brillantes en dirección de actores que se pueda recordar de su director. Si bien el citado Waltz se lleva la palma entre el elenco actoral, consiguiendo con sus apariciones subir enteros todo el filme, también merece un gran mención Brad Pitt como teniente de la cuadrilla de bastardos que pueblan esta cinta. La caracterización de su personaje, junto al esmero en su pronunciación tejana, y la gracia en cómo se  desenvuelve su interpretación, hacen que el personaje de Aldo Raine sea uno de los más conseguidos en su destacable carrera de actor. A esto hay que añadir los convincentes papeles de todos los componentes de la cuadrilla de bastardos, el de las dos damas del filme, o el de los personajes nazis.

Tarantino ha vuelto con Malditos Bastardos a la temática recurrente de sus más recientes producciones. La venganza gira como motor de explosión de estos personajes extremos, que como es habitual, tienden a la exageración. El personaje que gira más alrededor de las ansías de venganza es el de Shosanna, la verdadera protagonista de esta cinta dividida en diferentes capítulos.

Una de las partes más logradas del filme en el último capítulo que enmarca todo el acto final del filme. Dentro de él se presencia una de las secuencias más desternillantes de los últimos años, donde por primera vez Tarantino bebe de los hermanos Marx para articular una secuencia imborrable en la que se escenifica el deseado encuentro entre el Coronel Landa (el cazador de judíos) y los tres miembros infiltrados de los malditos bastardos.  Una secuencia cargada de  momentos de desconcierto y despropósito imbuidos por la distancia que los idiomas y la pronunciación separa a los personajes que intervienen (imprescindible verla en versión original) y cuyo resultado más elocuente se produce al ver una sala entregada a la carcajada.

Pero no todo en la película son halagos, también se le puede recriminar ciertas licencias poco creíbles en su trama, pero que quedan algo diluidas en su conjunto por la eficaz labor del director de Jackie Brown para hilar en su guión las diferentes historias divididas en capítulos. Dentro del tono del filme, los frames congelados con infografía de por medio, o las subtramas de explicación de algunos personajes no acaban de cuajar dentro del conjunto. También se podría haber olvidado de esa historia de amor no correspondida entre el héroe de guerra alemán,  Zoller (Daniel Brühl), y la propia Shannon, que además presenta una conclusión muy chirriante y desubicada.

La música siempre ha tenido una presencia cautivante y primordial en los filmes de este director, pero es quizás este largometraje el que menos peso sonoro presenta a lo largo de su recorrido. Tarantino se vale de partituras de su indispensable Ennio Morricone para ambientar esos primeros compases con puntos de referencia en el spaghetti western, y la mayor parte de situaciones tensas. En este sentido, su apuesta más heterodoxa es la acertada inclusión del tema de David Bowie “Putting out the Fire”, perteneciente por otro lado a la banda sonora de la película Cat People, en el inicio del último capítulo.

Malditos bastardos es una comedia salvaje, repleta de humor negro, con ciertos elementos tarantinianos, y ciertos elementos característicos del cine bélico y de otros géneros que han marcado a su autor (Doce en el patíbulo y Aquel maldito tren blindado son los máximos referentes) . Una divertida comedia que muestra a un Tarantino más maduro en su ejecución, pero igual de gamberro en sus intenciones, y que dejará muy buen gusto a los que se dejen llevar por su tono desenfrenado y desprovisto de profundidad.

Aquí van dos destilados cargados de cinefilia para pasar este fin de semana lluvioso de septiembre. El primero de ellos, permitidle que lo anuncie con reservas, se trata del último filme del venerado Quentin Tarantino. Malditos Bastardos es su primera incursión en el cine bélico, y se adentra a partir de una disparatada historia ambientada en la segunda guerra mundial con Brad Pitt y Diane Kruger en los principales roles.

El batacazo que supuso su anterior filme, Death Proof, ha supuesto que crezca en mí cierta desconfianza sobre el estado de forma del director norteamericano, que ofreció las mejores muestras de su talento en filmes como Reservoir Dogs, Pulp Fiction o Kill Bill. Además su trailer no hacer más que señalar ese presentimiento de que su nueva película vuelva a ser una decepción. Mañana intentaré argumentar mi veredicto al respeto.

Otro destilado, más apropiado para los paladares más curtidos, es el documental musical Let’s Get Lost. La película relata los últimos días del irrepetible trompetista de jazz Chet Baker, a través de la mirada del fotógrafo/ director Bruce Weber. Un documental nominado al Oscar, y galardonado con e Premio de la Crítica en el festival de Venecia. Un buena propuesta para aquellos que no les importe pagar por ver en el cine un filme que tiene ya 21 años, sí, otra inexplicable maniobra surrealista de las distribuidoras de este país. Yo aprovecharé el sinsentido.