El festival de Sitges sigue con su discurrir sin descanso, su descomunal oferta de títulos, su trasiego, sus idas y venidas desde el centro del pueblo al hotel Melià y su, en general, muy aceptable nivel.

Es de justicia destacar, una vez más, cómo, al contrario de lo que muchos puedan pensar, el cine fantástico supone un termómetro muy preciso de la realidad de cada época, y agradecer que el comité de selección, atento a esta realidad, nos haya obsequiado con una serie de cintas que, de una manera u otra, conectan con la situación social y económica de nuestros días.

Así, vemos que un gran número de las cintas presentadas a concurso o en algunas de las secciones paralelas, tratan temas como el fin del mundo, historias post-apocalípticas, mundos distópicos que parecen una evolución de los tiempos que corren, o retratos cargados de nihilismo. Es difícil no relacionar estas temáticas con el momento actual en el que el mundo se tambalea, parece que tiende a desaparecer tal y como lo conocíamos hasta ahora (desde una perspectiva occidental), y nos presenta un futuro absolutamente desolador. En este sentido, no deja de ser remarcable que las películas que más han aterrado a quien esto escribe, sean aquellas que se ciñen más a situaciones reales y que flirtean con lo que está por venir o lo que podría suceder, como son Contagio de Soderbergh, Bellflower de Evan Glodell, Carré Blanc de Jean-Baptiste Léonetti, e incluso Melancholia de Lars von Trier.

Lunes 10 de octubre

El lunes abrió el festival uno de los platos fuertes a competición. The Yellow sea, del coreano Na Hong-jin, ofrece una adrenalítica historia de acción, plagada de tremendas persecuciones, golpes contundentes, y un trasfondo social sobre las desigualdades en la zona asiática. El último artefacto del director de The Chaser presenta puntos en común con el genial thriller que lo dio a conocer en 2008, potenciando aún más los puntos fuertes que marcan esta frenética caza hacía su protagonista. Sin duda, huele a premio.

A ésta le siguió el incasable Takashi Miike, quien presentaba otra incursión al género de los samuráis. Tras la espectacular 13 asesinos, Miike repite terreno en Hara Kiri: Death of a Samurai, pero esta vez con un temple calmado, en momentos poético, y con un ritmo excesivamente pausado. Hace uso de la tecnología del 3D, pese a que para el público casi pase desapercibido.

Sin respiro, como sucede cada día de festival, nos disponíamos a ver Bellflower, una película independiente americana de la que se tenían pocas referencias y que se reveló como una de las primeras sorpresas del festival.

En algún barrio marginal de una ciudad Californiana, viven dos amigos, perfil white trash, que pareciera que gastan sus días bebiendo y disparando a ratas en un vertedero, pero que en el caso que nos ocupa, lo pasan bebiendo y fabricándose un lanzallamas, para, en caso de hecatombe mundial, poder dominar el mundo.

Bajo el envoltorio de película romántica Indie de los bajos fondos, su director nos ofrece una contundente radiografía de una parte de la sociedad americana, desengañada, sumida en un profundo nihilismo, con la violencia como única respuesta a sus problemas. Una radiografía que nos alerta que tipos como estos campan por las calles de sus ciudades, que son capaces de gastar los días bebiendo y disparando a bidones de gasolina, que tienen como referentes morales a personajes de cine de serie b, y que, una vez finalizada la película, dejan a uno la sensación de que, en cualquier momento, cuando las cosas vayan a peor, entrarán con su arsenal en cualquier instituto americano y vaciaran su cargadores y sus disparatados lanzallamas a todo aquel que se cruce en su camino.

Tras Bellflower, otra película de fuerte carga social. Trabalhar cansa, de los brasileños Juliana Rojas y Marco Dutra, ofrece una lectura directa, sin rodeos, de la crisis actual, de la precariedad laboral, del desasosiego. Lo hace en un claro formato de cine social, pero aportando unas dosis de cine de terror que refuerza el mensaje y le aporta un aire diferente.

Y el día terminó, después de un buen número de buenas películas, con una tontería a medio camino entre la Saga Crepúsculo y cualquier película ñoña con Lindsay Lohan de protagonista. The Moth Diaries es un despropósito llevado a cabo por Mary Harron, directora de American Psycho.

Martes 11

Y llegó el martes. Primer día grande en Sitges, y esperado por todos. Lars Von Trier nos saludaba a todos desde la pantalla, en un video doblado en catalán, y nos invitaba a disfrutar de su película. Y así lo hicimos. Melancholia nos devuelve al mejor Trier, después de la denostada aunque estimable Anticristo. La película dividida en dos partes, nos cuenta cómo afrontan dos hermanas el posible fin del mundo. Y lo hace con su estilo habitual en una película sincera, magníficamente interpretada por Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg, y que nos muestra a un Von Trier más comprensivo con el ser humano, aunque igual de contundente en su impacto emocional que sus mejores obras.

Tras Von Trier, otro grande se asomaba a Sitges: Francis Ford Coppola. Al hablar de Coppola, uno debería ponerse en pie y agradecer a este señor las monumentales películas que ha legado a la historia del cine. Tal es así, que uno le perdonaría 1000 malas películas. El problema es que Coppola ha concentrado las 1000 malas películas en una, y ha perpetrado uno de los bodrios más sonrojantes que el firmante recuerda. Una película, que aunque uno quisiera, no sería capaz de defender bajo ningún prisma. Solo uno: Coppola ha querido quedarse con el público. Pero lo ha hecho en una broma de pésimo mal gusto llamada Twixt.

Este próximo jueves 6 de octubre despega el festival de cine fantástico y de terror de Sitges. Un año más se instalarán en la localidad catalana las últimas propuestas de género y otras películas de interés dentro de la sección no oficial, y otras paralelas.

En cualquier festival de entidad es fácil perderse entre la maraña de títulos, retrospectivas y especiales que se ofrece, por eso el objetivo de esta entrada es destacar las que considero como las cinco películas que cualquier asistente al festival no debería perderse.

Drive – Nicolas Winding Refn

Hasta la fecha el último vehículo cinematográfico del danés Nicolas Winding Refn está siendo la sensación por festivales donde circula. Ocurrió en Cannes, Toronto, San Sebastián, y ahora es el turno de Sitges. Refn confirma con esta peli con estética retro y acción endemoniada que deja atrás la etiqueta de director promesa para convertirse en el hombre deseado del momento. Conduce este bólido tuneado como las pelis de acción de los 70′s un Ryan Golsing parco en palabras pero sobrado en dotes interpretativas. Su trailer es uno de los más adrenalíticos del año, y junto al de El árbol de la vida, uno de los mejores de la temporada. Habrá que subirse.

Attack the block – Joe Cornish

Sensación indie en UK desde su estreno, Sitges será la primera oportunidad de ver Attack the block en nuestro país. Joe Cornish hace una divertida reinterpretación de cine de invasiones alienígenas cogiendo como protagonistas a un grupo de hoodies de las zonas humildes de Londres.

Melancholia – Lars Von Trier

El incorregible y polémico director de Los idiotas regresa a la actualidad cinéfila con esta visión personal e incendiaria sobre el Apocalipsis. Un cruce entre el subgénero fantástico y la Celebración de Vinterberg pero pasado por su particular rodillo. Tras su buena acogida en Cannes, llega a la ciudad costera esta cinta protagonizada por Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg y Alexander Skarsgard.

The Raid – Gareth Huw Evans

La sensación asiática del certamen podría ser este The Raid. Un frenético recorrido de un cuerpo de elite en las entrañas de un bloque de edificios ocupado por la peor calaña de Jakarta. Como si de un Street of Rage se tratase, los protagonistas deberán penetrar en esta fortaleza y acabar con sus enemigos. Dirige el galés Gareth Huw Evans
The Artist – Michel Hazanivicius

Otra película que seduce ahí por dónde se proyecta es la muda The Artist. Entre las mejores películas de público y crítica en  festivales, revelación de la temporada y en las quinielas de algunos para los Oscar. Esta comedia francesa de Hazanvicius narra la vida de una estrella del cine mudo que se precipita al fracaso con la llegada del sonoro. La interpretación de Jean Dujardin y su trailer ya insinúa que podríamos estar ante el filme de este año, con el permiso de Shame y El árbol de la vida.

Cinco más a considerar

Twixt – Francis Ford Coppola

El apellido pesa…probablemente demasiado otra vez

Road to nowhere – Monte Hellman

El regreso de un director, que ahora sí, es más de culto que Terrence Malick.

Eva – Kike Maíllo

La producción de origen ESCAC que abre el festival, y que cosecha estupendas críticas.

Bellflower – Evan Glodell

Mad Max + 500 días juntos = ¿peli de culto del año?

The Divide – Xavier Gens

El enfant terrible del cine galo (conmocionó Sitges con su Fontier(s)) quiere volver a liarla con esta historia apocalíptica situada en un bunker de NY.

La recomendación de esta semana es para el ciclo de cine al aire libre que programa el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) desde principios de agosto, y que pretende proyectar filmes de directores consagrados hasta finales de mes.

La edición de este año se titula Playing Cinema y se articula alrededor de la relación entre el mundo del cine y el de la música. De ahí, que sea habitual, poder presenciar videoclips antes de las películas, todas ellas relacionados de una forma u otra con la música.

Como la que se proyecta hoy mismo a partir de las 22h, donde los músicos Tom Waits, John Lurie y el cómico Roberto Beningni, emprenden un viaje de huida y búsqueda por Nueva Orlenas, la prisión y los pantanos de Florida, mientras de fondo les acompaña la inmensa banda sonora de Waits y Lurie. Este es el argumento de Bajo el peso de la ley, dirigida por Jim Jarmusch y con una fotografía en blanco y negro fascinante. 

Mañana hay otra cita cinematográfica imprescindible en el mismo escenario y a la misma hora. En el patio del CCCB se proyectará The Devil and Daniel Johnston, un documental sobre Daniel Johnston una figura del folk con estatus de culto y con trastornos maníaco depresivos muy graves. Un excelente documento para conocer a este inclasificable talento, admirado por músicos como Kurt Cobain, Flaming Lips o Yo la tengo.  Antes podremos gozar del estilizado videoclip que Jonathan Glazer grabó para UNKLE de su tema “Rabbit in your Headlights”.

El jueves, los responsables tiene programada una cinta inédita en España, conocida bajo el nombre de Project Grizzly. En ella se explica la bizarra historia de Troy Hurtubise, un hombre que tras ser atacado por un oso grizzli decidió fabricar unas extravagantes armaduras (inspiradas en Robocop) para evitar ese tipo de percances que depara la naturaleza. A partir de esta surrealista historia, Peter Lynch construyó un material que fascinó por igual a Tarantino, Werner Herzog y su Grizzly Man, y los guionistas de los Simpsons.

La semana próxima, se suman nuevos títulos a este interesante ciclo cinematográfico. Entre lo más destacable, Begone Dull Care de Noman Mclaren (26 de agosto), un documental de Thelenious Monk producido por Clint Eastwood (26 de agosto), y el filme La Conversación de Francis Ford Coppola (27 de agosto).

Me cuesta imaginar algún motivo para resistirse al Gandules para todos aquellos habitantes o visitantes de Barcelona que quieran gozar de propuestas poco asequibles, sin desembolsar ni un céntimo, y con el plus de poder presenciar audiovisuales desde la comodidad de una tumbona, y con el olor a noche de verano en la ciudad en el aire (con el permiso de Deville).

Me resulta sumamente arduo emitir un juicio sobre Tetro, la última película de Francis Ford Coppola. Primero por ser un confeso admirador ( véan cualquier de los Padrino, La ley de la calle o Apocalypse Now y lo entenderán), segundo porque llevábamos tiempo sin ver nada suyo, y tercero porque el filme es muy extraño, y la sensación con que te deja tres cuartos de lo mismo. Como nunca me gusta dejar las cosas a medias, voy a seguir con esta crítica con la esperanza de aclarecer mis ideas con ello.

Como sabrán Tetro es el último filme del director de Corazonada, el que sigue a Youth Without Youth (su primer filme tras el largo paréntesis que precedió a Legitima Defensa). El motivo de que Tetro se haya estrenado hoy en las carteleras españolas, y no haya seguido el camino de la inédita Youth without youth, quizás responda a la presencia española en su reparto, y ante todo, por la inyección de capital procedente de nuestras tierras.

Tetro se centra en las rivalidades y secretos de la familia Tetroccini. Bennie Tertoccini llega a Buenos Aires después de escaparse de una academia militar, y con el objetivo de conocer el porque de la fuga de su hermano mayor Tetro años atrás. El mayor es un melancólico y triste escritor que esconde un profundo dolor interno, del cuál, el patriarca de la familia “Carlo”, un renombrado director de orquestra, tiene mucho que ver. La película nos va mostrando los temores, las obsesiones, sueños y pesadillas de Tetro en un plano psicoanalítico, mientras que a nivel narrativo vamos descubriendo los secretos y las disputas de esta particular familia de artistas.  

El propio Coppola ha declarado que su último trabajo es el más personal de su carrera, con muchos elementos autobiográficos en su guión y en la escritura de personajes. Y es quizás en esa búsqueda de la creación total de una obra (recordemos que los guiones de las obras del director italo-americano proceden de adaptaciones literarias), cuando pierde de vista al espectador. Su filme se inicia de manera arrolladora, recordando en algunos instantes al Coppola de la Ley de la calle. Esa fuerza se va diluyendo al transcurso del filme, hasta el punto de quedar en algo meramente anecdótico. El director de Drácula, ha querido explicar una historia intimista, de bajo presupuesto, y en blanco y negro, pero se pierde en la vertiente formal de la misma: operística, opulenta, teatral y, en ocasiones, cercana al desvario visual.

En la película encontramos un Coppola más cercano al melodrama de Almodóvar, que al propio realismo de La ley de la Calle. En ella hay aires grandilocuentes, pero que se quedan en mera opereta de barrio. De su metraje sobran minutos, y faltan momentos realmente cautivadores y de belleza visual (hay sólo un par de ellos). Hay un exceso de personajes excéntricos y alguna situación bochornosa (la secuencia del café-teatro porteño o el viaje a la Patagonia). A pesar de todo ello, el filme deja algunos momentos inspiradores que ponen aún más de manifiesto la situación por la que pasa su creador, y evidencian lo que podía haber sido una notable obra.

De su reparto internacional desataca el magnetismo de Vincent Gallo, con una particular fisonomía facial que capta la atención de la cámara sin mayor esfuerzo (me recuerda a Willem Dafoe, por mal que lo hiciera con su cara bastaría). También resulta convincente la primera aportación al cine de  Alden Ehrenreich, en el rol de Benni Teroccini. No se puede decir lo mismo de las españolas Maribel Verdú y Carmen Maura. La primera pone mucho empeño, pero su pobre acento inglés te distrae de su personaje. Y el personaje de Carmen Maura sigue siendo todo un misterio su sola existencia, es de aquellos que no aportan nada a la historia.

En pocas líneas se podría llegar a la conclusión que Tetro es el clásico filme con regusto agridulce. De entrada por el potencial desaprovechado de uno de los mejores directores de cine de la historia. Seguido por las posibilidades de una historia y unos personajes con puntos narrativos de sobra como para llegar a buen puerto, pero que al final, no avanzan ni parecen conducir a ninguna parte. Y ante todo por la extraña sensación incierta que le queda a uno de haber presenciado una tomadura de pelo con retazos del Coppola genuino, o quizás, ¿haya sido al revés?.

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