En estos primeros despertares del año es ya casi una obligación para esta casa abordar las películas más prometedoras que aterrizarán a lo largo de los próximos 12 meses. Aquellas cuya llegada podemos intuir como hitos del año para los que amamos el séptimo arte.

En 2011 lancé un post similar con diez propuestas, y este año lanzo 12 (+ 1 nacional) sin repetir algunas que ya estaban incluidas en la lista del año anterior pero que aún no han llegado a las carteleras (caso de En la carretera, Shame y The Grandmasters), y sin que ello implique que dejen de ser estrenos altamente esperados por el que escribe.

Si el curso caduco fue el tiempo de Terrence Malick, Lars von Trier, Polanski, Cronenberg, Thomas Alfredson y Nicolas Winding Refn, este promete ser la promoción de Tony Kaye, Tarantino, Jeff Nichols, Haneke, Winterbottom, Leos Carax y estos tantos otros….

Io e Te – Bernardo Bertolucci

La última gran figura del cine italiano regresa tras diez años de ausencia debido a problemas de salud con una adaptación de una novela de Niccolò Ammaniti. El director de Novecento pondrá su talento encima de esta historia que gira alrededor de un adolescente con crisis existencial. La incógnita será ver cómo ha afectado a su pulso cinematográfico el retiro al que lo ha forzado su delicado estado de salud.

Untitled Terrence Malick Project – Terrence Malick

A todos sus seguidores debe desconcertar (y en el fondo ser motivo de alegría) ver al esquivo y perfeccionista Terrence Malick engrescado en tres proyectos a la vez. Sin embargo, y hasta que no demuestre lo contrario, no hay ninguna razón para no seguir depositando toda la confianza en este cineasta de carrera intachable. Por eso, su nueva película de pelaje romántico, que protagonizan Ben Affleck y Rachel McAdams, y con Javier Bardem, Rachel Weisz y Jessica Chastain como secundarios, será uno de los hitos cinematográficos del año. El secretismo vuelve a envolver a la trama, y de momento, por no tener, no tiene ni título. Algo que quedará en nimia anécdota cuando el tejano vuelva a hacernos experimentar sensaciones parecidas a las que logró con El árbol de la vida.

Take Shelter – Jeff Nichols

Fecha de estreno: 1er trimestre

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Este desconocido director americano ha logrado vítores y aplausos con su segunda película, Take Shelter. El drama de este padre de familia de la América rural que sufre pesadillas apocalípticas premonitorias ha desvelado a Michael Shannon como un actor todoterreno, y postulado, a esta mezcla de terror, drama y suspense, como una de las cintas indies que deben marcar el año entrante.

El caballero oscuro: la leyenda renace – Christopher Nolan

Fecha de estreno: 26 de julio

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La parte con la que Nolan pretende cerrar la mejor trilogía de Batman hasta la fecha tiene varios boletos para convertirse en la película más taquillera del año y en todo un fenómeno cinematográfico. Nolan repite reparto en esa megaproducción que promete dejar huella en el caluroso verano.

Prometheus – Ridley Scott

Fecha de estreno: 8 de junio

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El otro blockbuster autor del año llega también en verano con lo que se prevé un duelo titánico con The Dark Knight. Scott destierra los huevos Alien que le consagraron como director de clase AAA (que diría S&P) para relanzar la saga a través de un filme que parte de una historia completamente nueva diseñada por Damon Lindelof (cabeza pensante de Perdidos) y con un espectacular reparto: Michael Fassbender, Charlize Theron, Guy Pearce, Idris Elba y Noomi Rapace.

Cosmopolis – David Cronenberg

Después del cambio de tercio que ofreció en Un método peligroso, Cronenberg se embarca en un rompedor viaje en limusina a través de Manhattan. O lo que es lo mismo. La inusual historia narrada por Don DeLillo en la que un joven rico, en el camino para ir a cortarse el pelo, se ve envuelto en una maraña de situaciones inesperadas. Algo así como mezclar Jo que noche con Un día de furia. En la piel del joven millonario veremos a Robert Pattinson (Crepúsculo).

Cogan’s Trade – Andrew Dominik

Algo me dice en mi olfato cinéfilo que Cogan’s Trade podría ser uno de los más brillantes thriller policíacos que aguarde este año. Una intuición que se apoya en la base sólida que transmite saber que las riendas del proyecto las mueve Andrew Dominik (El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford) y que bajo sus ordenes hay un elenco solvente que encabeza Brad Pitt y al que siguen en roles secundarios Ray Liotta, James Gandolfini y Sam Shepard entre otros.

Detachment – Tony Kaye

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Tras casi una década en el olvido, apartado por su irritable carácter e incómoda personalidad, el director que lanzó a la fama a Edward Norton y convirtió a American History X en una de las películas claves de finales de los 90′s regresa con un nuevo título bajo el brazo con números (remotos) para estrenarse en salas comerciales, en medida por el espectacular reparto con el que cuenta. Adrien Brody se mete en la piel de un profesor deprimido que debe lidiar con adolescentes problemáticos. Al ganador del Oscar le acompañan los televisivos Bryan Cranston y Christina Hendricks (repiten juntos después de Drive) y Marcia Gay Harden, Lucy Liu, James Caan y Tim Blake Nelson.

Django Unchained – Quentin Tarantino

Fecha de estreno: 28 de diciembre

Tarantino se aventura en el género western (del que ya dió una lección de aptitudes en la escena inaugural de Malditos bastardos) con Django Unchained. La nueva producción del popular director contará con un envidiable reparto encabezado por Leonardo DiCaprio, Christoph Waltz, Kurt Russell, Jaimie Foxx y Joseph Gordon-Levitt.

Something From Nothing: The Art of Rap – Michael Rapaport

El único documental de la lista viene firmado por el actor Michael Rapaport, quien se pone de nuevo tras las cámaras para repasar la historia del hip-hop esta vez des del punto de vista de una de sus figuras más controvertidas, Ice-T. Tras la notable sensación dejada en su debut con el documental Beats Rhymes & Life: The Travels of a Tribe Called Quest, el actor de Copland volverá a indagar en la escena rap con entrevistas a personalidades de la talla de Afrika Bambaataa, Nas, Mos Def, Chuck D, Eminem, Run-DMC, Dr. Dre, Ice Cube, Snopp Dog. Los amantes del hip-hop que deseen verla deberán tirar de exportación.

Devil’s Knot – Atom Egoyan

Tras la olvidable Chloe, el director canadiense de origen armenio sigue los pasos de la historia real de tres jóvenes que fueron a prisión acusados de matar a tres niñosde 8 años como parte de un ritual satánico. Conocidos por los tres de Memphis, Atom Egoyan pretende aterrorizar con esta historia con puntos de conexión con el documental de culto Paradise Lost.

A glimpse inside the mind of Charles Swan III – Roman Coppola

Tras trabajar de ayudante de dirección para Wes Anderson, y los destacados de la familia Coppola (padre e hija), Roman Coppola intentará ganarse un nombre propio con esta comedia centrada en Charlie Swan, un exitoso diseñador gráfico que tras dejarle su novia ve como su supuesta vida perfecta se desmorona. Para armar la trama cuenta con el apoyo de Charlie Sheen, Jason Schwartzman (todo queda en familia), Patricia Arquette y Bill Murray. De su trama, título e interpretes se intuye la sombra alargada de los universos metalingüísticos  que compusieron el binomio Kaufman-Jonze. De momento gran curiosidad para contemplar la segunda película del hijo mayor de la dinastía Coppola, después de un debut (CQ) que apenas fue visto por nadie.

Cuota Nacional

Invasor – Daniel Calparsoro

Daniel Calparsoro fue la mano ejecutora de alguno de los filmes españoles más sórdidos, oscuros e impactantes de la década de los 90′s. Tras un periodo alejado de la gran pantalla (ha permanecido ligado a la televisión) regresa por la puerta grande con la intención de volver a ubicar su nombre entre los más destacable del panorama nacional. Sus armas para conseguirlo es partir de un excelente material literario de Fernando Marías, que adapta para edificar este thriller con fogonazos de suspense y adrenalina, y protagonizado por Alberto Ammann, Antonio de la Torre y Karra Elejalde.

Termina la semana frenética de trailers AAA con el más esperado de ellos, el más hypeado,… el regreso de Ridley Scott al universo Alien. Tras los avances que anunciaban la llega de este trailer, por fin, hemos podido echar un vistazo en condiciones a Prometheus, y cogerle la temperatura a la nueva criatura de Scott.

Por lo visto en este primer avance parece que el director de Blade Runner ha abierto la saga que inició a las nuevas generaciones, con una presencia más épica, más de acción que de terror, no tan claustrofóbica y oscura. Pese a este posible cambio de espíritu, las sensaciones dejadas tras el visionado son muy esperanzadoras. El montaje con subrayados musicales a lo Hans Zimmer en Origen pone los pelos de punta, deja el cuerpo tenso, y colapsa la mente pensando con su aterrizaje en carteleras el próximo 8 de junio del 2012.

Recordar que Prometheus es una historia nueva concebida en el universo Alien, que supone el regreso de Ridley Scott a la saga, Damon Lindelof (cabeza pensante de Lost) es su guionista, y que cuenta con actores de primer orden como Noomi Rapace, Michael Fassbender, Charlize Theron, Guy Pearce y Idris Elba.

¿Cómo os ha dejado el cuerpo a vosotros?

Podría haber republicado mi entrada sobre los Emmy del año pasado y poca gente se hubiera percatado del desplante. Y es que los triunfadores de la 63º edición de los Emmy han sido casi calcados a la edición del 2010: Modern Family y Mad Men han vuelto a recoger las máximas estatuillas como mejor comedia y mejor drama respectivamente.

Si bien ese ha sido el único galardón para la serie de Matthew Weiner, la comedia de la ABC ha engrosado su curriculum con los premios de mejor actriz de reparto (Julie Bowen) y actor de reparto (Ty Burrell). Una de las sorpresas de la noche la dio el actor Klye Chandler (Super 8) al llevarse el premio al mejor actor en drama por su interpretación en Friday Night Lights, imponiéndose así al favorito Steve Buscemi por Boardwalk Empire, y favoreciéndose de que Bryan Cranston y su Breaking Bad no llegaran a tiempo a la cita.

Si el año pasado me puse casi en evidencia al alabar la justicia que habían repartido los premios, este año no puedo repetir el atrevimiento. Habiendo superado la insensatez de no nominar ni a un solo Emmy a The Walking Dead, me centro ahora en lo inexplicable de dejar a una de las producciones del año casi sin premios: Games of Thrones sólo se llevó el Emmy al mejor actor secundario para Peter Dinklage por su estupendo papel de Tyrion Lannister. Más doloroso fue ver cómo se olvidan por enésima ver de Steve Carrell como mejor actor de comedia, ni aunque ésa fuera su última participación en The Office. No puedo estar más de acuerdo con el tweet de su compañero de reparto Rainn Wilson:”El mundo de la TV debería estar avergonzado consigo mismo por no haber premiado nunca a Steve Carrell por su papel de Michael Scott”. En su lugar se prefirió premiar otra vez a Jim Parsons por The Big Bang Theory. Tampoco se entiende que Mildred Pierce, la ficción más nominada de la noche, haya visto como la británica Downton Abbey le arrebataba la estatuilla a la mejor mini serie del año. Seguramente me aventuro en exceso en ver aquí una injusticia (habrá que ver la serie inglesa), lo que sí que podría haber sido trágico hubiera sido no apreciar las incontestables interpretaciones de Kate Winslet y Guy Pearce en la producción de Todd Haynes.

A todas luces, la gran perjudicada de la noche resultó ser una de las producciones más ambiciosas del año: Boardwalk Empire, a pesar de arrasar en los premios técnicos, sólo cosechó el premio al mejor director (drama) para el firmante de su piloto, Martin Scorsese.

Esto son los principales galardonados de la gala de la pasada noche

• Mejor Actriz de Reparto, Comedia – Julie Bowen (‘Modern Family’)

• Mejor Actor de Reparto, Comedia – Ty Burrell (‘Modern Family’)

• Mejor Actor, Comedia – Jim Parsons (‘The Big Bang Theory’)

• Mejor Actriz, Comedia – Melissa McCarthy (‘Mike & Molly’)

• Mejor Programa ‘reality’ – ‘Amazing Race’

• Mejor Programa ‘variedad’ – ‘The Daily Show’

• Mejor Actriz de Reparto, Drama – Margo Martindale (‘Justified’)

• Mejor Actor de Reparto, Drama – Peter Dinklage (‘Game of Thrones’)

• Mejor Actriz, Drama – Julianna Margulies (‘The Good Wife’)

• Mejor Actor, Drama – Kyle Chandler (‘Friday Night Lights’)

• Mejor Actriz de Reparto, Miniserie – Maggie Smith (‘Downton Abbey’)

• Mejor Actor, Miniserie – Barry Pepper (‘The Kennedys’)

• Mejor Actor de Reparto, Miniserie – Guy Pearce (‘Mildred Pierce’)

• Mejor Actriz, Miniserie – Kate Winslet (‘Mildred Pierce’)

• Mejor Miniserie – ‘Downton Abbey’

• Mejor Serie, Drama – ‘Mad Men’

• Mejor Serie, Comedia – ‘Modern Family’

Lista completa de los triunfadores

Vía Vaya Tele

Si el cine británico tiene en la época victoriana su particular mina de oro, el cine norteamericano no le debe menos a la primera mitad del siglo XX. Este recurrido marco temporal ha vivido una especie de revival en los últimos años, con películas destacables como Las Horas, Revolutionary Road, o series como Mad Men (aunque está ya se aleja hacía los 60’s), hasta el último producto televisivo que aquí nos convoca a su veda, Mildred Pierce.

Esta mini serie de la HBO es la enésima demostración de la capacidad de este canal de pago para sacar a la parrilla producciones de una calidad intrínseca fuera de toda duda. Mildred Pierce adapta la novela homónima del gran James M. Cain (el Cartero siempre llama dos veces), cuyo manuscrito ya tuvo su trasladación a la gran pantalla en 1945 de la mano de Michael Curtiz y Joan Crawford en el papel de Mildred, por el cual además la actriz obtendría la dorada estatuilla.

Una estatuilla, o al menos la hermana (los globos de oro), que podría recaer este año en Kate Winslet por el impresionante papel que levanta en esta serie, y en cuyo peso recae toda la historia. Todo empieza en 1931, la Gran Depresión empieza a hacer mella en Los Ángeles, y la vida de Mildred se pone cuesta arriba tras divorciarse de Bert, el marido que le engaña con otra. Con dos hijas a su recaudo, Mildred se alza de valor para salir adelante a partir del esfuerzo y el trabajo, hasta alcanzar el éxito. Su vida será un tiovivo de éxitos, fracasos (clásica estructura de caída/ascenso/caída), alegrías, penas y frustraciones, marcados para siempre por la relación que mantiene con su hija Veda; el manto sobreprotector ejercido sobre ella deriva en un odio profundo e inusitado hacía su madre de consecuencias incontrolables.

Esta historia cargada de dolor, traición, envidia, celos, amor, odio, y sufrimiento, viene como de costumbre empaquetada y con el lazo de la HBO, lo que implica un mimo sin parangón en todos los elementos que confluyen en su forma. Hablamos por ejemplo de una dirección artística suprema, un vestuario fidedigno, un diseño de producción ajustadísimo al intervalo de tiempo que retratan los cinco capítulos, una banda sonora a cargo de Carter Burwell (habitual de los Coen), y así hasta hasta completar todos los elementos que puedan intervenir en su elaboración.

Por no hablar de las excelentes labores de interpretaciones de su reparto. A la ya mencionada digna de premios Kate Winslet, hay que destacar a Melissa Leo en el papel de la mejor amiga de Mildred, Guy Pearce como el mujeriego conquistador venido a menos, o Evan Rachel Wood en un papel difícil de borrarse fácilmente como de hija arpía.

Todo esto viene cocinado por un gran chef del melodrama. Todd Haynes ya se desenvolvió a gusto en Lejos del cielo, y con Mildred Pierce se posiciona como la sombra más alargada y próxima al gran Douglas Sirk (pese a que le pese a Almodóvar)

El complejo y asombroso guión, los magníficos diálogos, la exquisita ambientación, y las geniales interpretaciones son los cuatro ingredientes principales de esta nueva delicatessen surgida de los envidiables hornos de la HBO. A degustar a fuego lento, y solo apta para los más sibaritas del comedor.

De Australia, país no muy conocido cinematográficamente hablando (Peter Weir, Roger Donaldson, George Miller, Alex proyas) nos llega esta ópera prima de David Michôd, un filme negro sumamente elaborado en el que el realizador invirtió nueve años de su vida, una película sin concesiones al gran público, seca y directa, cine de personajes con acertados trazos psicológicos.

Joshua Cody (James Frecheville), al que todos conocen como J, un adolescente introvertido y de pocas palabras, pierde a su madre a causa de una sobredosis. Solo en el mundo y sin saber qué hacer, pide ayuda a su abuela, la aparentemente encantadora Smurf (Jacki Weaver) que lo acoge en su casa. Con ella viven sus tres tíos con los que apenas ha tratado en su vida. Pronto se dará cuenta de las peligrosas actividades de sus simpáticos parientes: uno, Pope (Ben Meldensohn), aparentemente afable pero sumamente violento en el fondo, ejerce de jefe del clan familiar y es un asaltador de bancos frustrado porque su oficio está en desuso y hay otras formas de enriquecimiento rápido al margen de la ley; Craig (Sullivan Stapleton) es un desequilibrado que trafica con drogas y las consume; Darren (Luke Ford), al que le molesta que le llame tío porque sólo se llevan un par de años, está aprendiendo a delinquir. Y todos actúan bajo el manto protector de su abuela. Incrustado en ese ambiente delictivo y familiar, el joven J. mirará hacia otro lado, simulará no saber lo que pasa en su nuevo hogar hasta que Leckie (Guy Pearce), un policía que se la tiene jugada a Pope, le advierte de los peligros que corre entre los suyos.

Aunque el argumento de Animal Kingdom se parezca bastante al de Mamá sangrienta, película de la factoría Roger Corman, cuya banda familiar capitaneaba Shelley Winters, la australiana es un film original, con formato de cine independiente que huye de los tópicos del género y retrata con acierto esa familia desquiciada a la que el huérfano J. se ve abocado y en la que intentará sobrevivir sin tomar partido hasta que un hecho trágico le obligue a hacerlo.

La principal baza de este trhiller es la disección de sus delincuentes protagonistas, tipos aparentemente simpáticos y agradables, que comen en familia, bromean entre ellos, se emborrachan discretamente pero son capaces, cuando las circunstancias lo demandan, de mostrar su cara menos amable.

De entre la fauna que compone ese clan familiar destaca, por méritos propios, el personaje de Pope, el tranquilo tío que siempre viste informales camisas floreadas, y Smurf, la siniestra abuela, capaz de cualquier cosa por proteger a su camada; las sonrisas, la voz aflautada y los continuos besuqueos a sus hijos y a su nieto no hacen otra cosa que acentuar el carácter siniestro de esta mujer que produce escalofríos y la actriz Jacki Weaver borda. Ese amor de madre puede llegar a ser letal.

No le hace falta a David Michôd un alarde de violencia ni siquiera acción – la emboscada/venganza contra la patrulla policial – para construir un film terrible sobre la cotidianidad de la delincuencia cuando ésta se acepta como una forma de vida más.

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Hay trailers que consiguen despertar a uno todo el interés que no conseguirían mil horas de promociones, entrevistas o información de la película. Algo así sucede con el trailer de Animal Kingdom, un drama psicológico ambientado en la parte más oscura de Melbourne, para contarnos la historia de J, un joven de diecisiete años que navega abocado a seguir los pasos de su criminal família, mientras un detective (interpretado por Guy Pearce) intentará evitarlo a toda costa.

Este filme australiano, que con suerte veremos por nuestras carteleras durante un par de semanas, se ha exhibido ya con éxito en su país de origen y en Sundance, donde se alzó con un premio. La película es la opera prima de su director, el australiano David Michod.

No es precisamente Cormac McCarthy un autor fácil de adaptar al cine. Su pesimismo ante el hombre, y su entorno, ya impactó por su crudeza y violencia en No es país para viejos, novela adaptada por los hemanos Coen y con la cual se alzaron con el Oscar. Ahora se adapta su novela ganadora del Pulitzer (2007), donde McCarthy nos sumerge en el dolor de una naturaleza desposeída de cualquier atisbo de humanidad , luz o color, y de la violencia que surge de este ambiente. En La carretera omite explicarnos que el mundo se está yendo a pique, el pesimismo de McCarthy va un paso más allá, al presentarnos un mundo post-apocalíptico, consumido por la ceniza que surge del fuego y la muerte.

McCarthy en su novela se recreaba en describirnos, con una prosa asfixiante pero tremendamente absorbente, el deambular de un padre y un hijo que se dirigen al sur, al sur del infierno terrenal, y precisamente, ese recorrido descriptivo, emocional y atmosférico es el que propone Hillcoat en su película. Como ya ocurría en la novela, en todo el metraje no se aprecia  ningún atisbo de esperanza para sus dos protagonistas, ni para la humanidad sumida en la extinción, el canibalismo, y el instinto de supervivencia más básico. Puede que sea este mensaje tan apocalíptico y aterrador la razón de la incomprensible ausencia del filme en la próxima gala de los Oscar.

El desconocido por estos lares John Hillcoat ha respetado rigurosamente la intención y ambiente de  la novela, hasta el punto, que en ciertos momentos, pondera el ritmo narrativo de McCarthy al ritmo intrínseco que se presupone a un filme de 108 minutos. No obstante la labor del director por acercarse a ese ambiente demoledor y oscuro que McCarthy nos hace respirar, oler y tocar en su novela, es admirable. Para ello no sólo se sirve de un mayúsculo trabajo de producción, dirección artística y brillante fotografía de Javier Aguirresarobe, rica en matices, pese a la tonalidad grisácea que envuelve todo el metraje, exceptuando esos sublimes parajes del personaje de Viggo al lado de su mujer y madre del chico. Es precisamente a raíz de uno de estos sueños donde el filme da una de sus patadas al estomago utilizando una sobria voz en off; es cuando el personaje de Viggo Mortensen suelta, recordando cómo ayuda a calmar y arropar las inquietudes de su hijo ante un panorama tan salvaje, algo como: “los que luchan por sobrevivir sueñan con cosas malas, los que ya no tiene nada con lo que vivir sueñan con cosas buenas”.

El director de The Proposition también acierta al plasmar en imágenes la iconografía propuesta por McCarthy, no es casualidad que los personajes deambulen como dos homeless por el extenso, y en su día, rico territorio norteamericano, no es casualidad que frecuenten supermercados, gasolineras y otros símbolos de la opulencia occidental, ni que sus cuerpos se muevan por los escombros iconográficos que marcan el paisaje norteamericano mientras arrastran un carrito de la compra con sus escasos víveres. Ahí radica la garra del mensaje catastrofista del autor, poco importa el origen o la causa del cataclismo que ha llevado a esa situación desesperada, aquí lo importante es observar las consecuencias y ver cómo ese entorno hacer aflorar lo peor y lo mejor del ser humano. Por un lado el paternalismo extremo del padre con un hijo que nunca verá un mar de color azul, o la inocencia de un niño que aún tiene esperanza y confianza, pero por otro lado, la hostilidad del entorno ha hecho aflorar grupos de caníbales peligrosos, que acertadamente, se presentan como un macabro experimento entre los guerreros de Mad Max y los rednack de la América profunda. Puede que los encuentros entre padre e hijo con los caníbales sean los momentos de más tensión y más álgidos del filme, una lástima que hacia el tramo final desaparezcan estos sublimes y terroríficos encuentros.

Pero la trama donde realmente incide es en la emotiva historia de un padre con su hijo, llegando incluso en algunos parajes a recrearse en exceso. Un padre cuyo única llama interior que le queda en la vida es luchar y defender a su hijo del entorno hostil. Un padre cuya congoja de ver perder al único ser querido que le queda sobre la faz de la tierra lo atormenta por el día, por la noche si logra conciliar el sueño, sueña con un pasado bonito y luminosos (mal presagio). Pero a la vez nos explica cómo el padre intenta transmitir al hijo ciertos valores, y sobre todo, motivos y fuerza para seguir viviendo el día en que él ya no esté. Es esa ternura recíproca la única rama que brota en The Road. De hecho es complicado ver a sus demacrados y chupados personajes reír o emocionarse.

Sobre la interpretación de Viggo Mortensen habría que dedicar un solo párrafo intentando esgrimir las razones porque la Academia de cine tendría que haberle nominado otra vez para el Oscar al mejor actor. Pero diciendo que su actuación mantiene un nivel parejo al que demostró en Promesas del este, espero dejar clara la idea. También se merecen una mención honor, las escuetas pero potentes intervenciones de Robert Duvall, Guy Pearce o Michael Kenneth Williams. Y una sublime Charlize Theron en esa madre atormentada por el trágico hecho de dar a luz a un hijo que deberá sufrir en un mundo destruido.

A nivel artístico también hay que destacar la pincelada cromática que consigue la música de Nick Cave y Warren Ellis, pese a hacerse en ocasiones reiterativa y demasiado obvia. A nivel global el trabajo de este dúo, se sitúa  un paso inferior que su anterior colaboración para El asesinato de Jesse James.  

La carretera no es un filme de digestión suave, ni lo pretende ser. La película de Hillcoat evoca un  mundo de horror y destrucción, y lo hace con un estilo visceral, apresador y desgarrador.  Su trama remite a una pesadilla universal, al miedo colectivo de quedarse uno sólo en el mundo, por eso el espectador se llevará una desilusión si cree que se encontrará una versión teñida a gris de la muy decente Yo soy leyenda. No, en La carretera no hay espacio para la acción, los villanos de esta catástrofe son tan reales que su presencia aterra, y el héroe es un padre médico que sólo piensa en su hijo. Su ritmo no lo lleva el peso de la acción, algo que podría haber controlado algo mejor su director, sino el peso dramático de esta pareja en una aventura épica que se mueve en los cauces de la road movie.

Podríamos estar hablando de una obra completa si no fuera por esa licencia final respecto al libro, que nos muestra un rayo de luz al horizonte en un hábitat donde no se filtra la luz. Sin duda la angustia dañina del final de libro de McCarthy era cargar demasiado el estado anímico de los espectadores.   

La estadounidense Kathryn Bigelow recalca mediante una frase al inicio de En tierra hostil que la guerra es una droga. Y precisamente algo de adictivo y destructivo se desprende en su último filme, centrado en los avatares de la profesión más jodida (si me perdonan) de este mundo.

En tierra hostil (The hurt locker) enfoca su mirada en el día a día de una brigada estadounidense de desactivación de explosivos, un cuerpo de élite que debe librar su particular batalla contra la incertidumbre y el peligro que rodea un territorio hostil como el de Irak. El grupo acoge con escepticismo la llegada del temerario sargento James (Jeremy Renner), un alocado artillero capaz de lo mejor y lo peor.

La película es un tour incendiario al infierno de Irak. Una ruta por la tragedia, el miedo, la locura, la desconfianza extrema y otros males que definen la estampa de este país de Oriente Medio. Un tour guiado por tres peculiares soldados de esta brigada, cada uno con sus excentricidades, y eclipsados por el enfermizo y disparatado sargento James, al cual Renner saber aportarle toda su presencia, con un físico rudo, y al que además le sugiere ciertos matices gracias a su notable interpretación que brilla por encima de un sorprendente reparto, donde actores como Ralph Fiennes y Guy Pearce ejercen roles testimoniales.

Uno de los logros que hay que reconocerle a la directora de Días extraños es su habilidad para transmitir al espectador la adrenalina que corroe bajo los vasos sanguíneos de James. Lo hace utilizando las armas que mejor domina; una realización de puro nervio, inquieta, en constante movimiento, y siempre buscando el plano inestable para remarcar lo inseguro de una situación igual de temible por el impacto de las bombas que por los encuentros con insurgentes camuflados entre la población civil.

Es indudable que Bigelow consigue, y con creces, su objetivo de transmitir al espectador toda la angustia, la tensión, el terror, y la desazón que rodea a los militares enviados a la guerra de Irak. Pero la ex mujer de James Cameron cae en cierto deja vu narrativo con una trama plana, que no tiene puntos de avance, sino que se representa más como el adentrase en distintas misiones con la brigada (como si se tratase de misiones de un videojuego), que en explicarnos una verdadera historia. No es que esto incida negativamente en la cinta, pero sí que uno espera algo más a lo largo de ella, más cuando en cierto momento se insinúa una buddy movie con tintes de thriller.

También se le debe agradecer a la directora su apuesta por obviar los discursos morales, y los juicios sobre el tema. Bigelow pretende sumergir al espectador en el horror de la guerra, en la tensión de los artilleros, y en el miedo y la angustia que los rodea, y en su empeño, no recalca su subjetividad sobre el conflicto.

Una película dura y áspera, con escenas realmente impactantes y crudas, pero que logra mantenerte enganchado a la butaca mediante el acertado juego de una tensión dilatada y adictiva. Es pura droga, y puro cine.

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