En noviembre Barcelona acostumbra a presentar calles abarrotadas de hojas, abrigos de capa gruesa, y salas y festivales repletos de propuestas cálidas para suavizar la llegada del frío. Ocurre que este año apenas hace rasca de verdad, pero Barcelona sigue latiendo música gracias a la coincidencia en estas fechas de dos citas musicales de envergadura: el Primavera Club y el aniversario de la sala Razz, donde un año más (y ya van 11) tiran la casa por la ventana.

Pero no sólo se reduce a estos dos eventos musicales imprescindibles, ni a su concentración en la ciudad mediterránea, ya que el boom de los directos también se expande hacía otros puntos de la península. Si eres un melómano, un adicto al directo no deberías dejar de echarle una ojeada a este calendario musical de los días venideros.

Primavera Club

Fecha: 23 al 27 de noviembre

Lugar: Barcelona/Madrid

Artistas: Charles Bradley, Com Truise, EMA, Fleet Foxes, Girls, John Maus, Mazes, St. Vincent, Supechunk, Veronica Falls

Precio: 50€, 70€ (con concierto Fleet Foxes). Sólo quedan tickets para Madrid

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Aniversario Sala Razzmatazz

Fecha: 3 de noviembre al 20 de diciembre

Lugar: Barcelona

Artistas: Washed Out + Chad Valley (7/11), The Drums (16/11), Modeselektor (19/11), The Rapture (22/11), James Holden + Caribou Dj + John Talabot + Joy Orbison (24/11), The Horrors (1/12), Toro y Moi (5/12), The Smashing Pumpkins (6/12), James Blake + Jaime XX + Jaime Woon (8/12), Friendly Fires (10/12), Junior Boys (20/12) y mención especial para Leticia Sabater (18/11), tocar investigar si se trata de un gracioso que ha apropiado el nombre de la presentadora o realmente Leticia tiene dotes de pinchadiscos.

Precio: 12-25€

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MIRA!

Fecha: 5 de noviembre

Lugar: Barcelona (Fabra i Coats)

Artistas: Kettel, Plaid, bRUNA

Precio: 18€ (23€ en taquilla)

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Loop festival

Fecha: 12/11

Lugar: Industrial Copera (Granada)

Artistas: Josh Rouse, Tunng, I Break Horses

Precio: 35€

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Wanda Jackson

Fecha: 4/11

Lugar: Bikini (BCN)

Precio: 20€

The Antlers

Fecha: 4/10 (Madrid), 5/10 (Barcelona)

Lugar: Ramdall,  Be Cool

Precio: 15€

Explosions in the sky

Fechas: 4/11 (Madrid), 5/11 (Zaragoza), 6/11 (Barcelona)

Lugar: Pabellón Vistalegre, Sala Oasis, Casino l’Aliança

Okkervil River

Fecha: 10/11 /(BCN), 11/11 ( Puerto de St. María), 12/11 (Valencia)

Lugar: Apolo, Milwaukee, Mirror

Akron/Family

Fecha: 15/11 (BCN), 16/11 (MAD)

Lugar: KGB, Sol

Ryuichi Sakamoto trio

Fecha: 16/11 (Múrcia) 18/11 (Barcelona)

Lugar:   Palau de la música, Auditorio el Batel

CSS

Fecha: 1/12

Lugar: Apolo (BCN)

Una vez más noviembre mes de bolsillos rotos para los apasionados al calor del directo

El que aquí escribe debe reconocer que fue de los que pronosticaron para The Horrors un recorrido de corto alcance. Su estética oscura tan rematadamente cuidada, unido a un primer disco que nunca me ha terminado de convencer fueron los principales motivos. Sin embargo la realidad ha demostrado ser otra bien distinta. Tras el notable Primary Colours, ahora regresan con Skying, la confirmación de que no son una banda pasajera.

Y lo constatan con este disco que supone un giro a su sonido hasta la fecha. A Faris Bawdan parece haberle pasado factura (para bien) su proyecto con la soprano Rachel Zeffira, Cat’s Eyes. El líder de The Horrors se aleja de los rincones oscuros, de las sombras estridentes para facturar un álbum de ráfagas mucho más limpias, más elaboradas. Parece que el grupo ha madurado, y con ellos, se disipa la niebla espesa que envolvía todos sus cortes, destapando con ello texturas más suaves, melodías más respirables, riffs que arañan en lugar de morder, y con la singularidad que le sigue aportando la característica voz de su cantante. En Skying se perciben referencias dispares desde el sonido madchester de los primerizos Happy Mondays, a Depeche Mode, pasando por Suede. El rudísimo gótico parece ser cosa pretérita con este nuevo trabajo, y en lugar de suponer una decepción, resulta un acierto más que notable, al menos, para sus no acérrimos.

Thurston Moore – Demolished Thoughts

A Thurston Moore se le conoce más en el mundo de la música por ser uno de los puntales de la legendaria banda punk/art Sonic Youth. Sin embargo, el de Florida tiene proyectos paralelos, y también una trayectoria en solitario contrastada. Demolished Thoughts es su último ejemplar, y lo hace acompañado por, nada más y nada menos, que por Beck en labores de productor hechizado.

Demolished Thoughts escupe un conjunto de píldoras balsámicas. Por un lado, afloran remansos de calma con predominio de melodías ajustadas a instrumentos de cuerda y acordes de guitarra suave que brillan por su cuenta. Por otra parte hay una vertiente más obsesiva, más recargada que se apoya en los pasajes de carácter psicodélico. La disparidad entre el estado de ánimo afligido que parece señalar la voz de Moore queda contrapuesta por el esmero y la pulcritud del sonido instrumental (la arpas y otros instrumentos barrocos ayudan a recrear esta sensación de paz) En definitiva su último esfuerzo en solitario constituye una ejemplar muestra de folk de cámara con flujos psicodélicos. La constatación definitiva es “Circulation”, un artefacto que recoge a la perfección las dos dualidades del álbum y que lo eleva a cotas inalcanzables para el resto de mortales.

Tyler, The Creator – Goblin

La cabeza mal pensante del colectivo hiphopero Odd Future (OFWGKTA) arde por la ciberesfera con acusaciones (homofobia y machismo por en medio), polémicas, directos descerebrados, y por supuesto, con críticos inclinándose a su debut en solitario, Goblin (XL recordings, 2011). Mucho envoltorio (la mayoría irreal) que puede desvirtuar el ardor de estomago con el que te agujera este joven de 19 años.

Goblin son 18 lanzas de rap siniestro, de lírica críptica, de atmósferas virulentas y cargadas que envuelven de aspereza y dureza la escucha, y que en su conjunto, terminan por incendiar las orejas de los atrevidos que se exponen. No es un disco fácil de escuchar, el angelino no da tregua en su visión descarnada del mundo, en la que alterna pullas ficcionales con crónicas personales. A pesar de su crudeza, de su desaliento (que acoge la máxima nota en “Yonkers”) Tyler, the creator construye una pieza adictiva y perseverante. Un debut con el que se arma de explosivos para dar una trastocada a la escena del rap, ya sea en solitario o liderando el colectivo más animal encima de un escenario. Savia nueva en el circuito, y por lo que parece, van a instalarse para largo.

The Black Lips – Arabia Mountain

Los chicos más insanos de Atlanta y alrededores regresan con un nuevo artefacto de garage psicodélico bajo el brazo. El combo más punky de la escena norteamericana (los que hayan asistido a sus lives, sabrán porque pueden alardear de tal distinción) lanzan Arabia Mountain.

Este último LP supone de entrada un distanciamiento con el sonido que los había ido acompañado hasta ahora pero sin perder ninguna de sus señas identificables. Ahora la rudeza del noise garagero queda suplida por canciones más melódicas, pasadas por el filtro del productor Mark Ronson que ha sabido darle un aire más accesible. Incluso en sus temas parecen haber disminuido la aplicación de pizcas de psicodelia. Sin embargo el cuarteto sigue por su bando impartiendo chulería y sonando salvajes con el lamento de esas voces desgravadas, y mirando por el retrovisor unas áreas de servicio más pretéritas que contemporáneas. El resultado se traduce en una dispensación del polvo denso que acostumbraban a expulsar sus instrumentos, y esto ha posibilitado una mirada más limpia y nítida que permite descubrir pequeñas joyas, como la formidable “Mad Dog”, “Don’t Mess up baby” y la que abre el disco, “Family Tree”. De acuerdo, sus temas pueden haberse vuelto más mainstream (incluso algunas canciones responden a los requisitos para canciones de verano), pero todos ellos pueden conducirte a una noche salvaje de borbotones etílicos y espíritu rockero, como las que nos tenían acostumbrados.

Foster the people – Torches

Cuando ya todo el mundo daba por hecho que el Pala de Friendly Fires iba a recordarse como el disco de este verano, va e irrumpen Foster the people para hacerles la competencia con Torches. Una banda nacida en California que parece instalada en estados anímicos soleados a juzgar por sus líricas optimistas, ritmos contagiosos y melodías radiantes.

Su música se podría definir como un cruce entre Passion Pit, MGMT, el house-disco que pongan en un chiringuito de playa y algo de flúor. Para reducirlo a una etiqueta sería algo así como un grupo de indie-electrónica para todos los públicos. Sea como sea su disco está plagado de temas molones, que alteraran nuestras neuronas y sirven de excusa al más tímido para desatarse al baile. No se engañen porque el placer de su escucha es efímero, demasiado amable y accesible como para perdurar, o no…., esperen… les dejo que en mi cabeza retoma el estribillo endémico de “Pumped Up Kicks”.

Connan Mockasin – Forever Dolphin Love

Debajo de la piel amorfa (frodita) de Connan Mockasin se esconde en realidad un neozelandés conocido por el nombre de Connan Hosford. Telonero de grupos como Crowded House, Warpaint o Mystery Jets, el de Oceanía edita ahora su debut, el LP doble Forever Dolphin love, compuesto por réplicas en directo de la mayoría de los temas que configuran el primer volumen.

En este trabajo el oyente se deja arrastrar, o sacudir hacía fuera (ahí la subjetividad de cada uno), por un océano de coral repleto de algas psicodélicas, remolinos lo-fi, drones que chipotean y demás seres inclasificables que revolotean por el universo que ha plasmado este artista. Cortes como “Megumi The Milkway Above”, con mimetismo total (y sospechoso) con el Let England Shake de Pj Harvey, “Quadropuss island”, o “Please turn me into the snap” facilitan la sumersión sin bombona de oxigeno. Una vez en las profundidades las corrientes te absorben y la mente de uno se ciega por el embriagador clima creado por Connan Mockasin. Ni su extraña voz, ni su patchwork de referencias múltiples (Beatles, Pj Harvey, David Bowie, Syd Barret ), ni su inquieta mezcla de aguas amargas y dulces, ni nada, ni nadie, pueden sustraerte ya de las profundidades.

Digitalism – I love you dude

El dúo alemán Digitalism irrumpieron con fuerza en la escena en 2007 con el bailado “Pogo”, que se incluía en su LP de debut Idealism. Cuatro años después recuperamos sus comprimidos de electro con I love you dude.

En 2007 dejamos a Jens Moelle e Ismail Tuefekçi en un estado de euforia desbordante con la que nos acabaron contagiando irremediablemente, ahora, a su regreso percibimos las mismas constantes vitales que los empujaban: electro enfocado a levantar culos de los sofás más cómodos, house de escuela daftpunkera (“Miami Showdown”, es un corte inspirado (in)directamente en la banda sonora que los franceses parieron para TRON ), electro-house de los seguidores de los franceses (Justice como abanderado), mediotiempos disco con sello Sebastien Tellier ( Just Gazin’) e incluso copias a sí mismos ( “Circles” es el “Pogo” de este disco) Sin embargo, su último trabajo pasa también por un descenso de revoluciones en el músculo de sonido, se respira además cierto acercamiento a terrenos pop que los acaban dirigiendo hacía esquemas más convencionales, con la pérdida de potencia y actitud frenética que conlleva. Pese a todo siguen reluciendo con hits incontestables para estas épocas del año, como el que logran con el buque insignia del disco, “2 Hearts”, o la más indie “Forrest Gump”, donde además cuentan con la colaboración del cantante neoyorquino Julian Casablancas.

Okkervil River – I am very far

A Okkervil River se les podría meter en el mismo saco que grupos indie-folk americanos como My Morning Jacket, Band of horses, Fleet Foxes, o incluso, si me apuran, Arcade Fire. Pero eso sería una injusticia de proporciones. Es como si agrupas en un mismo saco al gazpacho, el ajo blanco, la vichyssoise o el salmorejo. Injustificable, ¿verdad?, pues la entidad de Okkervil River tampoco es justo reducirla a un grupo o etiqueta.

Porque la banda que lidera Will Sheff, a medida de ir construyendo una discografía mayúscula (y algo desapercibida), se han ganador un merecido puesto de honor dentro de la escena indie-rural americana. I am very far es el último testigo de ese viraje del country alternativo a un indie rock de carácter épico que empezó a asomar en su anterior The Stand is. En su último Lp la banda de Austin ha optado por un sonido más voluminoso ( con espacio reservado para las estrofas intimistas), con líneas instrumentales más elaboradas y con una producción más ambiciosa. Que no hayan terminado de conectar con una audiencia más amplia es un tema para ponérselo sobre la mesa a Iker Jiménez. Puede que sea por la lírica de sus canciones, que en lugar de lumínica, es algo críptica. Pero ni aún así, se entendería que alguien con un mínimo de educación musical se perdiese este I am very far.

Las frescas novedades para empezar el verano

The National – High Violets

Los neoyorquinos quieren reivindicar con High Violets su papel preponderante en el Indie norteamericano, y por qué no en la escena internacional. Porque su nueva obra son más que 11 temas de pop rock tallados a la perfección, son muestras de la capacidad del grupo para encarrilar majestuosas canciones en terrenos que tanto cruzan parajes luminosos como tristes e embriagadores.

High Violets desprende una belleza intrínseca que cuando más se escucha más se aprecia, pero de entrada todo oyente quedará atrapado con los sencillos “Bloodbuzz Ohio” o “Terrible Love”. Un pequeño aperitivo para que los de Brooklyn nos transporten a su antojo por diferentes estados de ánimo, todos irrepetibles. Puede que no sea su mejor trabajo, ya impartieron lecciones con sus dos anteriores álbumes, pero es una  clara muestra de que estamos ante una de las bandas norteamericanas más esenciales del panorama actual.

Sharon Jones & The dap Kings – I learned the hard way

Sharon Jones, con sus inseparables The Dap Kings, lleva años ganándose a pulso el apodo de reina del soul, con el permiso de la leyenda viva Aretha Franklin. Lo que esta brooklyniata impregna a su música suena tan fresco y vivo como lo podría haber hecho en los años 60’s, porque sus temas al ser escuchados nos transportan precisamente a esa época dorada del soul.

Con I learned the hard way vuelve a repetir a la perfección su formula de soul añejo que sale dispensado por un desgarro interior de un corazón castigado, y cuyo principal síntoma en el oyente se traduce en una fuerza adictiva que lo hace levantarse de golpe para sumirse entusiasmado al credo que profana Sharon.  

Subiza- Delorean

El grupo vasco afincado en Barcelona hace tiempo que decidieron ir a su bola, mientras en su país de origen los ninguneaban, en EEUU se volcaron con ellos. De hecho los yanquis desde el primer día encumbraron su nuevo trabajo Subiza, un irresistible disco de pop cristalino que te lleva directamente a la cresta de la ola.

Y lo hace al minuto de despegar, con temas tan evocadores e inspiradores como “Stay Close” y “Real Love”, que le recuerdan a uno amaneceres gloriosos en los últimos días de los veranos de juventud. El pop melancólico y regenerador de Delorean tiene cierta conexión con el pop psicodélico de Animal Collective, pero también alguna textura etérea parece obra de algún productor de IDM.

Caribou – Odessa

La evocadora música de Caribou ha ido marcando puntualmente el último lustro de la primera década de este siglo. Ahora regresa con este estimulante LP donde el pop cristalino de Andorra cobra un matiz más bailable.

Es como si el dream pop que consigue despegar mezclando el pop con la electrónica, y que con Andorra quedaba mezclado de manera memorable con el folk y el psych british sesentero, le hubiera impregnado una píldoras efervescentes subministradas por Hot Chip. Temas tan fascinantes y cautivadores como el que abre el disco, hacen que el exquisito sabor de boca general no se pueda desquitar.

Roky Erickson – True Love Cast Out All Evil

Roky Erickson, legendario líder del referente psicodélico 13th floor Elevator, llevaba 14 años alejado de la actualidad musical. Ahora regresa a ella con la ayuda de Will Sheff y su banda Okkervil River, los cuáles le acompañan como banda, y Sheff a la vez de productor, en estos 12 temas surgidos de una alma sincera, profunda y curtida.

Erickson parece abordar con True Love Cast Out All Evil su particular expurgación musical para desprenderse de los fantasmas del pasado: drogas, arrestos, un ingreso en una institución psiquiátrica que cambiaria su vida. Todo ello ha sido puesto en el fresco contexto sonoro que propone Okkervil River (que nadie se espere la psicodelia que caracterizó a los 13th Floor Elevator), done las letras y la voz demoledora del veterano artista ocupan un lugar central.

A modo anecdótico, decir que la canción que abre el álbum y la que cierra, pertenecen a grabaciones amateurs que grabó el propio artista cuando se le diagnosticó una esquizofrenia y fue ingresado en un hospital psiquiátrico, de ahí que el sonido sea tan casero en esos dos temas.

The Dead Weather –  Sea of cowards

Su técnica con la guitarra se podría comparar con la de “Slowhand”, pero las comparaciones van más allá, porque el también blanquito con alma blues Jack White multiplica sus proyectos paralelos, tal y como hiciera Clapton en los 60’s. Su último grupo paralelo se conoce con el nombre de The Dead Weather, y Sea of cowards es su segundo trabajo.

En esta ocasión Jack se deja acompañar por Alison Mosshart (cantante de The Kills) en la voz, y por Dean Fertita y Jack Lawrence. El resultado es un disco de garage revivial,  más compacto y coherente que su opera prima, y que sigue teniendo esa cadencia White Stripes que Jack impregna con su guitarra y los estribillos que salen de ella. La voz bluesera de Mosshart le da un plus de sabor genuino.  Pero el que escribe sigue prefiriendo el tándem que formaba con su hermana.

Woods – At echo lake

Otra perla surgida de la escena Brooklyn, que sin embargo no goza de la repercusión de unos vecinos Grizzly Bear o MGMT, pese a tener algún punto musical común con ellos. At echo lake es su último disco, y en él imparten una delicia de rock-folk lo-fi que se cuela en el oído para instalarse durante una temporada.

Con su último álbum Woods parecen remontarse al esplendor de melodías pop que conquistó la costa oeste a finales de los 60’s. Las influencias de The Byrds, Donovan y cantautores folk clásicos en las melodías es muy visible a lo largo de sus 11 composiciones, y no por ello, deja de ser un gozo escucharlo. Incluso se atreven a ir más allá en reproducir este sabor añejo con unos admirables riffs e incursiones psicodélicas que no desequilibran el manso estado emocional al que te evoca el disco.  

LCD Soundsystem – This is happening

Otro paso más de James Murphy al frente de LCD Soundsystem. This is happening es un paso continuista en la línea que ha llevado al grupo a ser una de las cabezas más visibles y cotizadas del indie electronico. El disco está sellado por las altas habilidades de producción que profesa Murphy, y esto el oído lo aprecia con los syntes que suenan orgánicos, pulidos y secos beats, y esos cambios repentinos que aportan color especial.

El álbum deja varios regalos en formato sencillo. El autorreferencial “You wanted a hit” (que se podría haber completado con un “ and I know how to serve you”), o los dos jugosos temas que abren: el extenso “Dance Irself Clean” y el punk electro de “Drunk Girls”, y el que lo cierra “Home”.  

2005

Sufjan Stevens – “Illinoise”

La mejor obra del habitual vodevil sonoro del de Detroit. Hay pocos artistas con una visión tan amplia de las posibilidades a su alcance. Es imaginativo. Simple. Barroco. Come On Feel The Illinoise destaca por una ambientación única, con coros, violines, banjos, teclados, vientos y títulos como “The Black Hawk War, or, How to Demolish an Entire Civilization and Still Feel Good About Yourself in the Morning, or, We Apologize for the Inconvenience but You’re Going to Have to Leave Now, or, ‘I Have Fought the Big Knives and Will Continue to Fight Them Until They Are Off Our Lands!’”. La música de Sufjan Stevens es tan extravagante como su idea de componer un disco para cada uno de los estados norteamericanos. Compuso Michigan en 2003. Ya sólo le faltan 48. 

The Wedding Present – “Take Fountian”

Cuando David Gedge decidió dejar de lado Cinerama para resucitar su vieja y prolífera formación era consciente que sus nuevas canciones estaban bastante cerca del legado dejado a finales de los 80. Vale, Take Fountain no es esa obra de culto músico-futbolístico llamada George Best (1987), pero contiene en gran medida sus rasgos definitorios. Ese power-pop melódico ejecutado en clave punk que hizo de los de Leeds una banda singular en el panorama británico.

The New Pornographers – “Twin Cinema”

Existe un panorama independiente en Canadá más allá de Arcade Fire. The New Pornographers, supergrupo de Vancouver formado por A.C. Newman, Dan Bejar de Destroyer, la cantautora Neko Case, John Collins de Evaporators y Kathryn Calder, encontró en el cauce más clásico del power-pop su razón de ser. Unas composiciones frescas, que han dejado una amplia discografía de la que destacan también Mass Romantics (2000) y Challengers (2007), pero de la que sobresale Twin Cinema del que todos los temas corren a cargo de Newman. Algo fundamental para el buen hacer de la banda.

Broken Social Scene – “Broken Social Scene”

Más inide canadiense. El cuarto álbum de los de Toronto, último hasta la fecha, es su disco más complejo pero más aplaudido. Comparten el gusto por la instrumentación de sus compatriotas Arcade Fire pero con una propuesta de tintes menos épicos y más eléctricos. Lo suyo es indie-rock en esencia, algo de shoegaze, guitarras que hacen la guerra por su cuenta y estructuras que brillan por su ausencia. 

Low – “The Great Destroyer”

Emparentados dentro de la escena slowcore americana, el séptimo disco de los de Duluth (localidad natal de Bob Dylan) abre el radio de acción de la banda hacia nuevos públicos. Supone un giro hacia concepciones menos experimentales, más accesibles. Un trabajo mucho más melódico pero a base de las armonías vocales y el rock magnetizado de ejecución atropellada característico de la banda. Low interpretarán The Great Destroyer de forma íntegra en la próxima edición del festival Primavera Sound.

 2006

Amy Winehouse – “Back To Black”

Elegida por la revista Q como la artista más importante en lo que va de siglo, la londinense cautivó con su segundo disco, tras un debut, Frank (2003), firmado con apenas 19 años y que ya le valió comparaciones con Billie Holliday y Erikah Badu. Back To Black es un disco que desprende una actitud musical y vital nada impostada. La nueva femme fatale del pop vive como actúa, al límite, envuelta en excesos (“Rehab”), pero a la vez no tiene miedo en exhibirse como una persona vulnerable (“Back To Black”), seducida y abandonada (“Love Is A Losing Game”).

Arctic Monkeys – “Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not”

La primera gran banda surgida del fenómeno musical en internet ha sido la encargada de definir el sonido británico de la década. La fórmula es sencilla y recurrente: adoptar lo mejor de los clásicos de la escena local en las últimas tres décadas hasta trenzar un pop contundente, urgente pero de corte elegante. Un discurso básico pero plenamente efectivo, que ya ha dejado tres trabajos capaces de adentrase en la conciencia colectiva de toda una generación y al que les sobran canciones magníficas pero a los les faltan estribillos memorables. Éste es, precisamente, el único gran pero de los de Sheffield.

Gnals Barkley  – “St. Elsewhere”

Existe un pop negro de vanguardia más allá del que mira al soul, al jazz o los sonidos jamaicanos. El proyecto común de Danger Mouse -responsable entre otros del sonido de Damon Days (2005) de Gorillaz o Pieces Of People We Love (2006) de The Rapture- y el cantante Cee-Lo deslumbró con un disco de debut a base de sampleados dispares y con un atractivo gancho melódico. Entre los 18 temas dos destacan especialmente, “Gone Daddy Gone” y la irrefutable “Crazy”.

Cat Power – “The Greatest”

El mejor disco desde que Chan Marshall empezara su carrera como Cat Power allá por 1995 con Dear Sir. Tras más de una década inmersa en la búsqueda de nuevos lenguajes dentro del marco del folk, la cantautora de Georgia encontró refugio en el blues y el soul para firmar junto a la Memphis Rhythm Band un trabajo que se ajusta a la perfección a su melancólica y humeante voz.

Band Of Horses – “Everything All The Time”

Hablamos de The Shins como una de las formaciones de referencia en el pop norteamericano. Band Of Horses tiene mucho en común con la banda de James Mercer, más allá de la emocional voz que comparte con Ben Bridwell, pero también con My Morning Jacket o Mercury Rev. Su concepción es algo más madura, y aunque base sus estructuras en el pop lo hace desde una vertiente más firme pero igual de sutil, amónica y melódica, que además de Everything All The Time dejó un año más tarde otro disco imprescindible: Cease To Begin.

2007

Okkervil River – “The Stage Names”

La banda de liderada por Will Sheff ha sido una de las formaciones que se han dedicado con más esmero a dotar de nuevas sonoridades la música tradicional norteamericana. Desde una base folk contemporánea a caballo entre Wilco o Centro Matic, los de Austin (Texas) han logrado perfilar un pop intenso y juguetón a base de una rica instrumentación que les ha valido un status preferencial en la escena independiente local. The Strange Names, además de ser un disco melódicamente impecable, destaca por sus constantes guiños a la cultura popular en un sentido tan amplio que va desde los Beach Boys y su “Sloop John B” en John Allyn Smith Sails, hasta la actriz porno Savannah en “Savannah Smiles”.

The National – “Boxer”

La banda más melancólica de la escena norteamericana ya había despertado el interés del público dos años antes con Alligator (2005), un trabajo emparado en una sensibilidad y sofisticación casi únicas. En Boxer, The Nacional se muestran igual de románticos, pero su música es todavía más angustiosa, elegante y con una tensión emocional difícil de encontrar. Recomendable acompañar el disco del documental A Skin, A Night dirigido por Vincent Moon, en el que se muestra la formación al desnudo en inmersa en pleno proceso de la tortuosa grabación del disco.

Elvis Perkins – “Ash Wednesday”

Hijo del actor Anthony Perkins y la fotógrafa Berry Anderson, fallecida en los atentados del 11 de septiembre, el cantautor neoyorquino entró en la escena internacional con un disco en el que algunas de las canciones estuvieron casi siete años en el armario. La trágica experiencia vital de Perkins es el reflejo de sus canciones aunque en ningún momento aprovecha explícitamente de ello. Acompañado de su banda y una esmerada instrumentación (violines, trompetas, chelos…) Ash Wednesday despertó constantes comparaciones con Van Morrison o Nick Drake.  

Spoon – “Ga Ga Ga Ga Ga”

Siempre a mitad de camino entre el rock más tradicional y los recursos contemporáneos, la banda, al igual que Okkervil River, de  Austin, encontró la mejor versión de sí misma en un álbum plagado de detalles, arreglos y que destaca por una composición limpia. Tras el también remarcable Gimme Fiction (2005), Britt Daniel y Jim Eno contraponen en sonido más refinado de los 70 (“Don’t Make Me A Target”) con una comedida dosis de melodías pop (“You Got Yr. Cherry Bomb”)  y todo ello sobre una líneas rítmicas muy marcadas (“Rhthm & Soul”).

Bright Eyes – “Cassadaga”

Con casi diez años de carrera a sus espaldas y discos que incluso jugueteaban con la electrónica para deshacerse de la etiqueta de cantautor clásico enmarcado en la música y el discurso de Dylan, Conor Oberst se reencontró con su lado más tradicional de forma brillante, en otro disco centrado en el rock, el country y el folk. Cassadaga es un trabajo que no se entiende sin su antecesor I’m Wide Awake, It’s Morning (2005).