Foto: Marc Muñoz

Bajo el imponente puente de Williamsburg se alza uno de los vecindarios más cotizados y pronunciados entre los habitantes de Nueva York. Conocido con el nombre de Williamsburg, la zona queda delimitada por el sur por el puente que le cede su nombre, y al norte por otro pujante barrio, el de Greenpoint. La aorta del barrio la compone la concurrida Bedford Avenue, un enclave que respira a la perfección el ambiente que caracteriza a esta zona.

Antiguamente zona marginal e industrial de Brooklyn, poco a poco ha sido engullida por una nueva generación de jóvenes inquietos, talentosos y activos que han cambiado por completo su fisonomía. Empezando por la imagen física del barrio, que ha adquirido otro color con la remodelación arquitectónica, la actividad incipiente, y la inescrutable oferta gastronómica, de bares y salas de conciertos.

Pero lo que verdaderamente caracteriza a esta área, y le está reportando fama internacional, es su cualidad como zona de cultivo para bandas de música indie. La zona está tomada literalmente por artistas, pintores, diseñadores, publicistas, músicos y todo aquel que se considere “artie” en cierto sentido. Holgadamente representados quedan a nivel de músicos. El peso de la floreciente escena musical de Brooklyn, y en concreto de Williamsburg, su epicentro artístico, resulta cada vez más importante en el panorama musical en el que nos movemos. Aquí están asentados grupos indie con proyección “mainstream”, Animal Collective (originarios de Baltimore pero viviendo en Brooklyn), Grizzly Bear o MGMT, son sólo algunos de los casos más sonados.

Foto: Marc Muñoz

La gran manzana siempre ha mantenido un lugar privilegiado en la vanguardia musical, y lejos de perder su posición, se reivindica con esta nueva escena independiente que poco a poco se va colando en los grandes circuitos.

Si MGMT y Animal Collective son las puntas de lanza de este revival de la psicodelia sesentera que recupera la acidez para sus atuendos, conciertos, portadas, o su música, no le andan lejos bandas como Yeasayer o Gang Gang Dance. Ambas de Brooklyn.

Foto: Marc Muñoz

Otros subestilos nutren la escena musical que aflora por estas calles y llena las principales salas de conciertos de la ciudad, que dada su privilegiada ubicación en la ciudad en la que todos miramos, se permiten erigirse en escaparates para el resto del mundo. Estilos como el indie rock de Clap your hands say yeah, el pop rock con destellos de Americana y country de The National, el folk lo-fi con tintes psicodélicos de Woods, el band girl ruidoso de Vivian Girls, el post-punk de TV on the radio, o el hip-hop noise de Sleigh Bells, un dúo que fichó M.I.A para su sello N.E.E.T. Por no hablar de la nutrida escena hiphopera.

Foto: Marc Muñoz

No es nada descabellado aventurarse a predecir que una banda recién salida tendrá  denominación de origen Brooklyniata (algunos se mudan a esa parte de la ciudad que nunca duerme para que se les considere parte de la escena). Parece como si para triunfar en la escena Indie americana tuvieras que ser de este barrio de Nueva York, o vivir en él.

La atmosfera de este barrio invita a ello. Sus verdes parques favorecen el descanso, sus espectaculares vistas a Manhattan despiertan a uno su vertiente más lírica. Los innumerables cafés favorecen el diálogo, y sus auténticos bares son un caldo para fortalecer esas relaciones, o buscar la inspiración por otras vías.     

Foto: Marc Muñoz

El paisaje de esta zona recuerda a ciertas partes de Manhattan, pero a la vez es totalmente ajeno a él. Es un bonito cruce de lo mejor de Manhattan y de Brooklyn. La diversidad cultural es notable (conviven con la cultura hiptser: judíos, dominicanos, alemanes, puertorriqueños), pero se respira la tranquilidad y el discurrir más lento y apacible que marca el ritmo de Brooklyn. Los rascacielos aquí no taponan la calidez que aporta el sol, y lo que aquí se cultiva culturalmente se lo apropia Manhattan en sus galerías, museos o salas de concierto.

Foto: Marc Muñoz

El que vive en este barrio se le puede identificar normalmente por su más de tres tatuajes en el cuerpo, por sus atuendos modernos: camisas de cuadro, barba de tres días, gafas Rayban Wayfarer, botas, y mil y unos accesorios que marcan la moda.

Foto: Marc Muñoz

Es pronto para fijar una comparación con otros hervidores culturales, Paris años 20, San Francisco a finales de los 60’s, o la propia Nueva York durante buena parte del pasado siglo, pero lo que no cabe duda es que en Williamsburg se lleva cociendo algo desde un tiempo atrás, y la prueba más evidente está en las estanterías, presten atención a sus oídos.

Foto: Marc Muñoz

Dejábamos 2010  con un regusto en nuestro paladar melómano sobresaliente. Ajena a la crisis, o alimentándose creativamente de ella, el hecho es que 2010 ha sido un año de un goteo musical envidiable, productivo y constante. No solamente por los grandes trabajos que nos han brindado artistas ya consagrados como Arcade Fire, The National o Kanye West, sino también por mayúsculos debuts o aplaudidos retornos.

En la siguiente lista no van a encontrar un exhaustivo recorrido por lo que ha dado el año de sí a nivel de géneros, sellos y tendencias (para ello les recomiendo este otro artículo) sino una simple lista en la que recojo los que para este servidor fueron los diez mejores trabajos, algunos de ellos dignos de llevarse a la tumba. Sin más dilaciones, pasemos a ver ( y a escuchar en Spotify, gracias escandinavos) qué discos dejaron su huella en el pasado año.

10. Four Tet – Theres is love in you

Tras cuatro años de silencio como Four Tet, Kieran Hebden’s regresó para maravillarnos con There is love in you. Un regalo de electrónica gustativa, de esa que perfora el oído para instalarse en la mente mediante sus entramados de capas hipnóticas.

El álbum parece construido con la precisión de Philip Glass, pero Hebden’s sabe añadirle un tono multicolor; de alegría y felicidad. Se nota el amor empeñado en su elaboración, porque a lo largo de sus nuevos temas reluce mucho brillo en las texturas, las capas y la detallista producción que se va entrecruzando con una cohesión asombrosa. Temas como “Angel Echos”, “This unfolds” o “Love Crying” lo corroboran.

9. Laura Marling – I speak because I can

El segundo trabajo de Laura Marling es impropio de una chica de veinte años. La cantante inglesa asombra con la madurez con la que afronta la interpretación de unas letras cargadas de versos sobre el amor, el desamor y la muerte, y por envolverlo con una cálida capa sonora. Esta cantante folk pródiga (debutó a los 16 años) parece querer quebrar corazones con las escuchas pasmosas de su disco “sophomore”, y bien que lo consigue.

Su estilo musical ha dejado atrás el pop folk del primer disco y ahora su música suena más arraigada en el folk; un folk que mira a los EEUU, pero que se mantiene apegado a la melancolía, la tristeza y la desazón que sólo los más grandes compositores como Leonard Cohen o Nick Drake han sabido recoger para atizar canciones imborrables. Marling tiene claro en qué período asentar sus referencias, cómo hacer que su profunda voz (hay algo en ella de Joni Mitchell) se instale como un reconfortante abrigo en tu piel, y en cómo lograr que los arreglos cuajen con suavidad y dulzura en sus canciones. Esta chica tiene claras demasiadas cosas para la edad que tiene. Y si no me creen, aguanten el impulso arrebatador de temas como “Alpha Shallows”, “Devil’s Spoke” o “I speak because I can”.

8. The Roots – How I got over

El último producto de la factoría The Roots es una pieza de orfebrería tallada con maestría según los patrones del soul, el hip-hop y el crossover indie-rock más limpio. ¿Y cómo se puede salir airoso de todo ello?, con precisión, elegancia, criterio, lucidez, unificación y un saber hacer general al alcance de muy pocos.

Lo último de los de Philadelphia es todo un despliegue emocional. How I got over desprende un aire desalentador, en ocasiones melancólico y apagado. Ayudan en ese sentido las excelentes colaboraciones vocales que aportan: Joanna Newsom, Jim James de The Morning Jacket,  Dirty Projectors o John Legend, entre otros. En la perpetuidad deberían quedar cortes como “The day”, “Walk alone” o “Right on”.  How I got over no es un disco de rap de The Roots, es un enorme disco de rap-soul heterodoxo  con un aroma descorazonador.

7. The Morning Benders – Big Echo

Big Echo suponía el segundo álbum de estudio de este cuarteto de Berkeley, California. El trabajo fue una demostración de pop preciosista, melodías estimulantes, arreglos sobrecogedores, y aposento nostálgico en el pop dorado de la costa oeste que con tanta intensidad iluminó al resto del mundo a finales de los 60’s. Porque sí, en Big Echo vuela el espíritu de Brian Wilson y The Birds, pero también de grupos más contemporáneos como The Shins, o Grizzly Bear, cuyo integrante, Chris Taylor, colaboró en dotar de forma la concepción final de la obra.

Son diez cortes de una exquisitez aleccionadora. Remansos de calma para ser devorados a las orillas de una playa desértica. Temas como el no terrenal “Wet Cement”, el despertar cálido de “Excuses” (con una voz que recuerda al Alex Turner de The Last Shadow Puppets), la hibridación entre Beach House y Grizzly Bear que da forma a “Promises”,  la fragilidad anestésica made in Grizzly Bear en “Pleasure sighs”, la nostalgia embellecida de “Stitches”. Todos ellos cortes agrupados en un conjunto harmónico ejemplar, baterías preciosas, líneas de bajo cosquillosas, guitarras que te acarician, voz susurrante, y una producción que rodea de un halo mágico todo lo que arrima. Son sólo algunos de los motivos por los que este disco de The Morning Benders puede provocar un flechazo de consecuencias impredecibles.

6. Villagers – Becoming a Jackal

El trabajo realizado por Villagers con Becoming a Jackal tiene similitudes con el que Antlers lograron con Two en 2009. Ambas bandas parieron grandes joyas pop de corto alcance mediático (ya saben en pocas listas los verán). Pero lo de Villagers cuenta además con la admirable proeza de ser su disco debut, que en 2010 fue capaz de llenar los oídos de indie pop luminoso, arreglos impecables y letras que pueden restablecer el peor de los días.

Villagers es el vehiculo del cantautor irlandés Conor J. O’Brien para desmenuzar sus pasiones internas, sus retazos de vida, sus desencuentros con el amor, con una voz profunda que puede adquirir un colorido cegador (Jens Lekman) como transformarse en una oscuridad angustiosa (Tom Yorke). A eso, le añade, con un sentido y rigor propios de estandartes del género folk y pop de cámara como Robert Wyatt y Paul Simon, unos acompañamientos sonoros de ensueño. Paisajes con melodías frescas, y aparentemente sencillas (pero llenas de detalles), que rasgan la epidermis con sus vaivenes, noqueando al oyente en un estado de extraña y permanente bienestar, la de saber que detrás de esa obra hay un trabajo por el que merece vivir. Temas como “Becoming a Jackal” o “That day” transmiten esa sensación desde la inmediatez, pero todos los tracks merecen repetidas escuchas.

5. Big Boi – Sir Lucios Left Foot…The Son Of Chico Dusty

Lo que ha creado el MC de Outkast en solitario se parece a una apisonadora soltando beats diabólicos, ráfagas cortantes, y ritmo desenfrenado que parece no tener límite. Big Boi se gradúa con honores con este imborrable debut: Sir Lucious left foot… the son of chico dusty.

Su disco es una metralleta que suelta ráfagas de dirty south, rimas ingeniosas, producciones que sorprenden por su frescura, y que lo siguen haciendo a la segunda escucha. Su tono, teniendo un pie en los ochenta, se deja llevar por un potente cóctel molotov donde los teclados gimen de placer, las rimas se regocijan en su lucidez, y el ritmo y el desenfreno se apoderan del ambiente a pesar de la pérdida de cilindrada en su tramo final. Dosis impagables de buen rollo y ritmo “mueve culos” para la que sea la propuesta hiphopera más creativa, bizarra, original y resplandeciente en tiempo.

 4. Beach House – Teen Dreams

Sumamente complicado resulta encontrar un adjetivo que describa el estado anímico al que te transporta el último disco de Beach House. Una banda de dream pop ensoñador afincada en Baltimore que consiguió con Teen Dreams coronarse en las alturas de su corta carrera.

Teen Dreams suponen diez instantes de remanso cálido con los que soñar despierto. Un pop acariciante y suave que te voltea con su halo de hipnotismo y de calma eterna. Alex Scally y Victoria  Legrand crearon unas composiciones que se elevan de terrenos oscuros, que se adentran en atmósferas soñolientas y que desprenden un extraño vínculo magnético a su paso. Todo con la mínima expresión instrumental. Como ya se dejaba intuir en la introducción, un disco apegado a la sin razón, al puro sentimiento, muy difícil de desquitarse, y más de describirlo.  

3. Kanye West – My beautiful Dark Twisted Fantasy

Desde el primer corte de este My Beautiful Dark Twisted Fantasy, Kanye West deja claro que ansia coronarse en lo más alto de la cima y trascender con ello. Y la verdad es que con su último trabajo se acerca peligrosamente a su objetivo. El de College Dropout ha recuperado su inspiración más remarcable para dar un bandazo a sus dos últimos trabajos y recuperar la genialidad de los dos primeros. Para ello se rodea de una “crew” de lujo que ejecuta a la perfección las órdenes lanzadas. Parece como si West hubiera alcanzado con este disco el techo que ha andado buscando desde que empezó su carrera de forma fulgurante hace 6 años. Su cruce entre rap y pop mainstream alcanza aquí cotas difíciles de igualar.

Y los ingredientes para crear esta masa sabrosa son bien conocidos por sus aficionados: melodías contundentes que el encéfalo retiene, una producción excelsa, colaboraciones de lujo (amigos e influencias no le faltan: Elton John, Rihanna, Jay-Z, Nicki Minaj, Bon Iver o Gil Scott-Heron, para citar sólo algunos ejemplos bien dispares), unas rimas lúcidas escupidas con soltura, y muy buen oído para seleccionar los samplers (¿quién hubiera sido capaz de insertar sin chirriar a King Crimson en un tema como “Power”?); Kanye West coge las tradiciones del género hip-hop y las voltea sin ponerse limitaciones. Sería injusto quedarse con un solo tema, porque todos ellos se merecen escuchas en bucle, pero quizás para tomarle temperatura al asunto habría que dejarse golpear por la furia de “Monster”, “Power”, “So Appalled” o “Devil in a new dress”. En My Beautiful Dark Twisted Fantasy, el famoso rapero parece haber expulsado toda su furia creativa contendida, y el resultado lo ha canalizado en un producto que no solamente moderniza el hip-hop, sino también la música en general.     

2. The National – High Violets

Los neoyorquinos quisieron reivindicar con High Violets su papel preponderante en el Indie norteamericano, y ya de paso, en la escena internacional. Porque su última obra son más que 11 temas de pop rock tallados a la perfección. Son muestras de la capacidad del grupo para encarrilar majestuosas canciones en terrenos que tanto transitan por parajes luminosos como por tristes y embriagadores.

High Violets desprende una belleza intrínseca que cuando más se escucha más se aprecia, pero de entrada todo oyente puede resultar atrapado con los sencillos “Bloodbuzz Ohio” o “Terrible Love”. Un pequeño aperitivo para que, los de Brooklyn, nos transporten a su antojo por diferentes estados anímicos, todos irrepetibles. Puede que no sea su mejor trabajo, ya impartieron lecciones con sus dos anteriores álbumes, pero es una  clara muestra de que estamos ante una de las bandas norteamericanas más esenciales del panorama actual.

1. Arcade Fire – The Suburbs

The Suburbs es el tercer trabajo de los canadienses tras los aplaudidos Funeral y Neon Bible. En él Win Butler y compañía dieron un visible vuelco transformando su épica de compleja estructura en brisas cargadas de atmósferas que alertan de un paisaje nostálgico en un presente descompuesto. Su sonido ha perdido luminosidad pomposa acorde a unas líricas sombrías que ganan en profundidad y madurez.

Los entusiastas de la banda canadiense encontrarán a faltar himnos que corear (puede que “Ready to start” o “I used to wait” se adapten a este modelo), pero las escuchas de este doble álbum (más de 1 hora de duración) irán calando con la misma intensidad que los anteriores discos. Su narrativa retrofuturista de carácter apocalíptico articula el hilo conceptual del disco, y ese marco no es el más apropiado para vender discos al gran público, pero ellos, paradójicamente, lo hacen. Una banda que pese a transitar en la periferia, triunfa en el centro, y eso les da una gran ventaja sobre el resto. Sin duda un largo camino les espera por delante, y siempre desde lo más alto.

A escasos días de dar portazo al año, y para algunos la década, en El Destilador Cultural nos disponemos a ofreceros una de estas listas que tanto nos/os gustan. En esta ocasión hemos decidido recoger una selección de aquellas canciones que han marcado los doce meses de este año. Ni 100, ni 10, ni 20. 30 han sido las elegidas para guardar en las memorias físicas y digitales de este 2010.

Por supuesto que en la siguiente lista no están todas las que son, pero sí que están más de las que inicialmente había previsto, y es que el año, musicalmente hablando, ha sido la mar de gratificante. Grandes nombres, no tan grandes, y algunos de nuevo, nos han mantenido con la oreja enganchada al auricular y el corazón palpitando con cada escucha. Un gran año tal y como se escucha en la siguiente lista.

(Recomiendo darle a la playlist de Spotify mientras se procede a la lectura del post).

Sin más servidor se despide hasta el próximo año. Que disfruten.

Las 30 canciones del 2010

Surfer Blood – “Swim”

La contundencia con la que golpea este grupo de Florida es directamente proporcional al bocado que puede dejar la planta carnívora que ocupa la carátula de su álbum debut Astro Coast. “Swim” es su pieza más estruendosa, pero a la vez también la más placentera.

Neon Indian – “Laughing Gas”

La risa de esa camada con la que se inicia este “Laughing Gas” se esparce como un gas de electro pop contagioso que nos va a mantener riendo a solas en la calma de nuestro hogar sin que hayamos caído en la cuenta.

Caribou – “Odessa”

En un lejano mes de febrero el que arriba firma caía rendido con la última pirueta de Dan Snaith, precisamente gracias al halo mágico e hipnótico que desprendía este magistral “Odessa”. Caribou ya se había reservado, tiempo atrás, una plaza en nuestro corazón con su psicodélica bañada en sintes, pero también lo haría para el futuro con su nu-disco pop que proponía en Swim.

The National – “Bloodbuz Ohio”

Podríamos haber escogido “Terrible Love” o “I’m afraid of everyone”, podríamos haber escogido cualquier de los temas que componen el último álbum de los de Brooklyn porque han logrado uno de los trabajos del año. Sin embargo, “Bloodbuzz Ohio” fue la primera bala con la que recibimos su esperado nuevo trabajo, y su pólvora mágica aún retumba por nuestras cabezas con esa voz imperiosa, y su producción tallada por manos artesanas. Uno de los himnos del año.

The Roots (Joanna Newsom) – “Right On”

La banda de hip-hop The Roots ejecutaron en How I got over un álbum redondo apoyándose en colaboraciones de lujo. Aquí se ajuntan con Joanna Newsom y STS para crear una pieza fascinante, con un tempo lento y un detalle en el acabado formidable. Una ensoñación que navega entre charcos de scratch, nubes de soul y una atmósfera oscura que te hace fantasear.  

Big Boi – “Follow us”

La mitad de Outkast se cascaba uno de los mejores trabajos del año en la vertiente rap con temazos como este “Follow Us”: metralleta de ráfagas rítmicas que levantarían de la cama hasta el propio Ariel Sharon.

Plan B – “Stay too long”

Este soulman reconvertido en músico todo terreno brinda aquí una endiablada canción que deja al oyente extenuado con su cruce de riffs acelerados, baterías marcadas y estribillos que tanto recuerdan a Lenny Kravitz como a Rage Against the Machine.

Beach House – “10 Mile Stereo”

Remansos de calma eterna es dónde te transporta el dúo Beach House con su disco Teen Dream. La latitud más lejana y reconfortante es este “10 Mile Stereo”, un bello tema que te acaricia con cada embestida que produce esa emotiva voz reflejo del Jon Anderson más afligido

Janelle Monae feat. Big Boi – “Tightrope”

Una de las mejores sensaciones de la temporada provenía de esta joven norteamericana y su avanzado The ArchAndroid. La voz de Monae se cruza aquí con beats, instrumentos de viento para formar un torbellino de ritmo con el que despegar  al más sosainas.

Wild Nothing – “Live in Dreams”

Hay algo en el interior de “Live in Dreams” que nos reconforta cuando en realidad el tono de su melodía es tristona y se desenvuelve entre nieblas etéreas que nos aíslan de esa luz que intuimos pero no vemos.

Crystal Fighters – “Follow”

Muy recomendable el debut de estos vascos asentados en Londres. “Follow” es la insignia de esta mezcla entre el electro, el indie y los instrumentos tradicionales del folk vasco. Todo bien mezclado, y agitado.

Gold Panda – “You”

Las excursiones transoceánicas del panda de oro han sido uno de los mayores goces de electrónica que hemos tenido la oportunidad de disfrutar en este 2010. Este enigmático artista ingles nos despliega en “You” sus mayores virtudes con un sonido tan jodidamente exótico (¿qué son esos beats tan gustoso?, ¿propios del hip-hop o de la IDM?). Su prueba es que lo convertimos en nuestro leit-motiv para ir a comprar el pan de aquí 4 años.

Toro y Moi – “Talamak”

Que nadie se deje llevar a la confusión con Toro y Moi, porque son una sola persona. Chaz Bundick es el responsable de temas tan embriagadores como “Talamk”. Su indie electrónico está tan cruzado de referencias que serías capaz de discernir sólo dos o  hacer con ellas una lista más larga que esta. Sea lo que sea una canción a disfrutar.

Sleigh Bells – “Infinity Guitars”

La mala leche “agressive”, las guitarras distorsionadas, los bombos rompen cajas torácicas de este dueto de Brooklyn pegaron con mucha fuerza a principios de año con la salida de su primer álbum apadrinado por M.I.A. A día de hoy “Infinity Guitars” perdura como uno de los cortes que siguen lastimando de agradables masoquismo nuestra cabeza.

Darkstar – “Aidys Girl is a computer”

El dubstep de Darkstar penetra en recónditos y profundos estados de nuestra mente. Primero su música agrieta nuestro encefalograma por dentro, pero con ello lo fortalecen por fuera. Puro contagio de fuego y hielo.

Kanye West – “Runaway”

Su desfachatez, su egocentrismo, su popularidad, su genialidad, a Kanye West le debemos perdonar todo por parir temas como “Runaway”. Estructurada como una balada en torno a las notas que marca un piano, West impregna en ella más que una melodía bella, y unos compases que se acoplan a nuestros esqueletos, es también una forma de decirle al mundo que ha regresado, que después de pasar una etapa hundido en la mierda vuelve por la puerta grande, y este emocionante tema sirve para brindar con todos los “scum bags” que lo han criticado. I love Kanye.  

Crystal Castles feat. Robert Smith  – “Not in love”

Dicen que presenciar la muerte de un ser querido, o incluso la ruptura de ciertos amores quedan grabados con fuego en nuestros hipotálamos. Tras escuchar este “Not in love” la segunda afirmación cobra más sentido. La banda de electro Crystal Castles construye aquí uno de los temas de la temporada con esta versión del tema “Not in Love” de Platinum Blonde, y agigantada con la inconfundible voz del líder de The Cure, Robert Smith. Como dijo Franc Sayol una canción que hiela almas y enciende corazones, “beacuse It’s cold outside when you’re coming home”.

The Vaccines – “Wreckin’ Bar (Ra, Ra, Ra)”

Quizás sería más apropiado hablar de esta joven banda del norte de Londres el próximo año cuando saquen su disco debut, pero resultaría injusto no hacernos eco de este single que se han marcado en 2010. Un irresistible tema que sulfura testosterona juvenil. En los medios ingleses se han apresurado a etiquetarlos como los Strokes británicos, no seré yo quien lo ponga en duda.

Villagers – “Becoming a Jackal”

La sensibilidad cortante con la que penetra en nuestros oídos este “Becoming a Jackal” emparienta a Villagers directamente con la voz angelical de Peter Von Pohel y la sabiduría para articular melodías de Bright Eyes o el gran Robert Wyatt. En resumidas cuentas, pura delicia para disfrutar con lágrimas en la boca.

Arcade Fire – “Sprawl II (Mountains Beyond Mountains)”

Sería inimaginable que la que se ha erigido por derecho propio como la banda del año no dejará caer alguno de los temas de su último disco en esta lista. Curiosamente entran con el corte que menos define el espíritu desolador de The Suburbs, y a la vez el de la propia banda. “Sprawl II” es un canto disco con alma ochentera, y todo barnizado con ese regalo de Dios que es la voz de Regine Cassagne, y unos sintetizadores que otorgan voluptuosidad al conjunto.

Four Tet – “ Angel echoes”

Kieran Veden se marca en There is love in you una de las mejores noticias de este 2010 para los amantes de la electrónica. “Angel echoes” es una de sus muestras: capas con pelaje de seda que se van entrecruzando, y al chocarse entre ellas avivan una extraña emulsión química que transporta directamente al oyente a estados de éxtasis.

Best Coast – “Boyfriend”

Bethany Cosentino jugaba con un beneplácito previo (como hype viral) que no pudo corresponder con su álbum debut. Sin embargo de éste habría que salvar el tema que aquí nos ocupa. “Boyfriend” tiende unas letras que podían haber firmado cualquier girl group en los 60’s, pero en lugar de endulzarlas a lo muro del sonido Spector las dota de distorsión sin que el interior se resienta.

Tunng – “Hustle”

Tunng es una banda difícil de encasillar, sus coordenadas musicales se mueven entre el acid folk y la indie electronica. Tocan todos los palos y todos de forma impoluta, y “Hustle” es la demostración de ello, con una intro electrónica que podría haber firmado Four Tet o Burial para luego desembocar en una entrañable melodía folk que nos empuja a apuntarnos a unos campamentos veraniegos en Montana.

Yeasayer – “O.N.E.”

La banda de pop psicodélico de Brooklyn demostraba en “O.N.E” que sus propuestas bizarras no tienen porque ser incompatibles con las pistas de baile ni ajenas al Olimpo de canciones a retener. Melodías marcianas, tambores contundentes, y voces que estallan en explosiones de sabor. Todo un temazo.

Hot Chip – “I feel better”

Otros que saben a la perfección como hacer mover encima de una pista de baile a almas huecas se sacaban de nuevo de la manga un revienta pistas con este “I feel better”.Atención al fragmento de violines acelerándose con esa voz sensual adentrándose en tu entrepierna. Yo así también me siento mejor

Teengirl Fantasy – “Cheaters”

Teengirl Fantasy han cagado el tema house del año. En “Cheaters” cazan la voz sensual a modo de sampler de Love Comitte para revestir con una atractiva capa su deep house, que se compone a la vez de sintetizadores que barren la pista de despistados y un órgano de órdago.

Broken Bells – “The High Road”

La extraña pareja del año dejó a su paso un suculento manjar con el nombre de Broken Bells. Por un lado James Mercer, líder de The Shins, por otro Brian Burton, más conocido como Danger Mouse. De esta cópula nació Broken Bells y con ellos esta compenetrada mezcla entre bases electrónicas/hip-hop con trazos delicados de pop como se escucha en “The High Road”.

Crocodiles – “Mirrors”

El crescendo con el que se construye “Mirrors” pone a Crocodiles en la órbita de bandas de rock a seguir de cerca. Bajo esa comunión de instrumentos resonantes se esconde una equilibrada capa de distorsión que los guía, y se alcanza la plenitud con la entrada de la voz que bebe de los grupos noise.

Summer Camp – “Round the Moon”

Durante varias semanas de verano este servidor se quedó prendado por este irresistible “Round the moon”. Si uno podía extraerse de la belleza de las imágenes con las que golpearon con su videoclip, se encontraba con una gema de disco-pop embriagador.

Gorillaz – On Melancholy Hill

La intro synthpop a lo Sebastian Tellier en “On Melancholy Hill” ya presagia un hermoso viaje que se termina de confirmar a los pocos segundos cuando irrumpe la voz de Damon Albarn, creando un cautivante contraste entre su pose cálida y esas contagiosas notas del estrebillo. Cuando uno llega al final del trayecto su cuerpo levita en una especie de estado de eterna satisfacción, la de haber vivido un sueño pop durante casi 4 minutos.

Las frescas novedades para empezar el verano

The National – High Violets

Los neoyorquinos quieren reivindicar con High Violets su papel preponderante en el Indie norteamericano, y por qué no en la escena internacional. Porque su nueva obra son más que 11 temas de pop rock tallados a la perfección, son muestras de la capacidad del grupo para encarrilar majestuosas canciones en terrenos que tanto cruzan parajes luminosos como tristes e embriagadores.

High Violets desprende una belleza intrínseca que cuando más se escucha más se aprecia, pero de entrada todo oyente quedará atrapado con los sencillos “Bloodbuzz Ohio” o “Terrible Love”. Un pequeño aperitivo para que los de Brooklyn nos transporten a su antojo por diferentes estados de ánimo, todos irrepetibles. Puede que no sea su mejor trabajo, ya impartieron lecciones con sus dos anteriores álbumes, pero es una  clara muestra de que estamos ante una de las bandas norteamericanas más esenciales del panorama actual.

Sharon Jones & The dap Kings – I learned the hard way

Sharon Jones, con sus inseparables The Dap Kings, lleva años ganándose a pulso el apodo de reina del soul, con el permiso de la leyenda viva Aretha Franklin. Lo que esta brooklyniata impregna a su música suena tan fresco y vivo como lo podría haber hecho en los años 60’s, porque sus temas al ser escuchados nos transportan precisamente a esa época dorada del soul.

Con I learned the hard way vuelve a repetir a la perfección su formula de soul añejo que sale dispensado por un desgarro interior de un corazón castigado, y cuyo principal síntoma en el oyente se traduce en una fuerza adictiva que lo hace levantarse de golpe para sumirse entusiasmado al credo que profana Sharon.  

Subiza- Delorean

El grupo vasco afincado en Barcelona hace tiempo que decidieron ir a su bola, mientras en su país de origen los ninguneaban, en EEUU se volcaron con ellos. De hecho los yanquis desde el primer día encumbraron su nuevo trabajo Subiza, un irresistible disco de pop cristalino que te lleva directamente a la cresta de la ola.

Y lo hace al minuto de despegar, con temas tan evocadores e inspiradores como “Stay Close” y “Real Love”, que le recuerdan a uno amaneceres gloriosos en los últimos días de los veranos de juventud. El pop melancólico y regenerador de Delorean tiene cierta conexión con el pop psicodélico de Animal Collective, pero también alguna textura etérea parece obra de algún productor de IDM.

Caribou – Odessa

La evocadora música de Caribou ha ido marcando puntualmente el último lustro de la primera década de este siglo. Ahora regresa con este estimulante LP donde el pop cristalino de Andorra cobra un matiz más bailable.

Es como si el dream pop que consigue despegar mezclando el pop con la electrónica, y que con Andorra quedaba mezclado de manera memorable con el folk y el psych british sesentero, le hubiera impregnado una píldoras efervescentes subministradas por Hot Chip. Temas tan fascinantes y cautivadores como el que abre el disco, hacen que el exquisito sabor de boca general no se pueda desquitar.

Roky Erickson – True Love Cast Out All Evil

Roky Erickson, legendario líder del referente psicodélico 13th floor Elevator, llevaba 14 años alejado de la actualidad musical. Ahora regresa a ella con la ayuda de Will Sheff y su banda Okkervil River, los cuáles le acompañan como banda, y Sheff a la vez de productor, en estos 12 temas surgidos de una alma sincera, profunda y curtida.

Erickson parece abordar con True Love Cast Out All Evil su particular expurgación musical para desprenderse de los fantasmas del pasado: drogas, arrestos, un ingreso en una institución psiquiátrica que cambiaria su vida. Todo ello ha sido puesto en el fresco contexto sonoro que propone Okkervil River (que nadie se espere la psicodelia que caracterizó a los 13th Floor Elevator), done las letras y la voz demoledora del veterano artista ocupan un lugar central.

A modo anecdótico, decir que la canción que abre el álbum y la que cierra, pertenecen a grabaciones amateurs que grabó el propio artista cuando se le diagnosticó una esquizofrenia y fue ingresado en un hospital psiquiátrico, de ahí que el sonido sea tan casero en esos dos temas.

The Dead Weather –  Sea of cowards

Su técnica con la guitarra se podría comparar con la de “Slowhand”, pero las comparaciones van más allá, porque el también blanquito con alma blues Jack White multiplica sus proyectos paralelos, tal y como hiciera Clapton en los 60’s. Su último grupo paralelo se conoce con el nombre de The Dead Weather, y Sea of cowards es su segundo trabajo.

En esta ocasión Jack se deja acompañar por Alison Mosshart (cantante de The Kills) en la voz, y por Dean Fertita y Jack Lawrence. El resultado es un disco de garage revivial,  más compacto y coherente que su opera prima, y que sigue teniendo esa cadencia White Stripes que Jack impregna con su guitarra y los estribillos que salen de ella. La voz bluesera de Mosshart le da un plus de sabor genuino.  Pero el que escribe sigue prefiriendo el tándem que formaba con su hermana.

Woods – At echo lake

Otra perla surgida de la escena Brooklyn, que sin embargo no goza de la repercusión de unos vecinos Grizzly Bear o MGMT, pese a tener algún punto musical común con ellos. At echo lake es su último disco, y en él imparten una delicia de rock-folk lo-fi que se cuela en el oído para instalarse durante una temporada.

Con su último álbum Woods parecen remontarse al esplendor de melodías pop que conquistó la costa oeste a finales de los 60’s. Las influencias de The Byrds, Donovan y cantautores folk clásicos en las melodías es muy visible a lo largo de sus 11 composiciones, y no por ello, deja de ser un gozo escucharlo. Incluso se atreven a ir más allá en reproducir este sabor añejo con unos admirables riffs e incursiones psicodélicas que no desequilibran el manso estado emocional al que te evoca el disco.  

LCD Soundsystem – This is happening

Otro paso más de James Murphy al frente de LCD Soundsystem. This is happening es un paso continuista en la línea que ha llevado al grupo a ser una de las cabezas más visibles y cotizadas del indie electronico. El disco está sellado por las altas habilidades de producción que profesa Murphy, y esto el oído lo aprecia con los syntes que suenan orgánicos, pulidos y secos beats, y esos cambios repentinos que aportan color especial.

El álbum deja varios regalos en formato sencillo. El autorreferencial “You wanted a hit” (que se podría haber completado con un “ and I know how to serve you”), o los dos jugosos temas que abren: el extenso “Dance Irself Clean” y el punk electro de “Drunk Girls”, y el que lo cierra “Home”.  

The National se ganaron el respeto internacional en buena parte por sus dos últimos trabajos publicados: Aligator (2005), y Boxer (2007), dos festines musicales de envergadura que para muchos (aquí también) fueron parte de los mejores álbumes de la década.

Este grupo de Brooklyn regresa el 11 de mayo lanzando el esperado High Violet. Habiendo tenido el gusto de escuchar el disco, puedo adelantar que estos cinco chicos la han vuelto a clavar. High Violet es el quinto trabajo de la banda, y se entrevé como la obra definitiva que les situará allí donde se merecen. Con ello, no quiero decir, que The National se vayan a convertir en unos Coldplay llena estadios, sinceramente, espero que no, porque su música es para emocionarnos desde la sencillez de sus formas, y eso no pasa por ese tipo de recintos.

Ya lo dejan claro los norteamericanos con el tema que abre el álbum, “Terrible Love”, una elegante pieza que va amueblándose lentamente hasta su mini explosión que deja un preciosista regazo de sonido tras de sí, y que el oyente intenta seguir con los sentidos ya alterados.

“Sorrow” es otro artilugio marca de la casa, donde la voz de Matt Berninger se impone con sobriedad, para solo acallarse con la repentina, pero efectiva, irrupción de un coro femenino rodeado de una bella producción.

“Anyone’s Ghost” puede que no sea una de las piezas más acertadas del álbum, pero en sí misma reside el paradigma del sonido de la banda: un ritmo regular y marcado, roto de manera poco perceptible por pequeñas variaciones que filtran luz a esa habitación que parece levantarse del suelo que la delimita.

Para el que escribe uno de los temas que más hondo se ha instalado en su corazón, es este “Afraid of everyone”. Este tema cantando con desgarro por el cantante, y con el tono enturbiador que le aportan la guitarra distorsionada. Un tema bellamente triste, que se va enriqueciendo con un crescendo que combina la entrada de bellos arreglos orquestarles, de solos de los instrumentos clásicos, y de la voz alzada de Berninger.

A esta le sigue, el single “Bloodbuzz, Ohio”, donde suelta un primer calambrazo con el cambio de registro vocal de su cantante, aquí más Interpol, más melancólico, más profundo. Y cuando uno se recupera, se encuentra ya inmerso en un torrencial de ritmo, guitarras furiosas, y clamor épico. Himno.

Sin pausa, llega “Lemonworld”, un apunte que se vislumbra más optimista que los otros cortes, pero que pronto, caemos en la cuenta, que estamos ante otra clase de la banda americana para arroparnos el oído con su candidez y suavidad.

“Runaway” es una reposada balada que parece mirarse en Johnny Cash, en el folk, y con ciertos brillos apuntalados por los albañiles de Buch Bucharach. En sí, deja un rastro de melancolía de un viaje hermoso.

 La penúltima cápsula de High Violet es “England”, un tema construido con temple y precisión, que estalla con un breve e intenso clímax, pero siempre bien sujetado por todos los miembros de la banda.

“Vanderlyle Crybaby Geeks” es su broche final, y tiene algo del folk refinado y orquestal de Grizzly Bear o Fleet Foxes, pero también tiene ese aire a canción de despedida de taberna, con su punto lumínico esperanzador, pero con su halo melancólico.

Algo que se puede aplicar a buena parte de este High Violet, el sofisticado último trabajo de esta banda esencial del rock americano, que una vez, más demuestran con sentido y refinamiento, su innata capacidad para fabricar cápsulas curativas. Su primera escucha te llamará a la puerta, a la segunda tu interés se acrecentará, y a la tercera estarás arrebatado por una de las bandas del momento.

Jodido lunes pensaréis muchos, y no seré yo quien lo debata, pero para intentar hacerlo más llevadero os he traído estas dos delicatessen musicales. Empezamos por ese grupo que pretende con su nuevo álbum High Violet, sacudir nuestras mentes hasta dejarlas secas. The National va filtrando algunas de las canciones que compondrán su nuevo trabajo, como la canción de la entrada “Afraid of everyone”. Otra vez se marcan llegar a latitudes muy altas, donde más de uno (uno mismo) puede perder las orejas. Esta pieza, oscura y demoledora, contiene el ADN de la banda norteamericana, con ese tono evocador y ese ritmo de ir cociéndose a fuego lento que tanto les ha funcionado.

A los que The National no os deja petrificados, quizás os interese más la siguiente cápsula llena de frescura y olores veraniegos. Secret Cities es el típico diamante sin depurar: la fama no ha llamado a su puerta, ninguna gran discográfica se ha fijado en ellos, ni tienen que hacer giras interminables para pagarse las hipotecas (aún). Y eso se nota en el sonido fresco, juvenil, y vibrante que practican estos tres jovenzuelos de Fargo. Viviendo en esa ciudad es poco meritorio haberse empapado de toda la discográfica de Brian Wilson, y de la de otros artistas, que influyen en sus collages pop, donde tienen cabida guitarras, violines, percusiones, piano, panderetas, loops, coros de ensueño, xilófonos (a lo palomita de maíz). Todo esto queda enmarcado en el alegra lunes “Pink Graffiti Part 1″.

Y mientras esperamos su Part 2, este “boyfriend“, otro sonrisa por gentileza de los chicos de Secret Cities , algo así como Brian Wilson + Grizzly Bear + Passion Pitt + Black Kids.

2005

Sufjan Stevens – “Illinoise”

La mejor obra del habitual vodevil sonoro del de Detroit. Hay pocos artistas con una visión tan amplia de las posibilidades a su alcance. Es imaginativo. Simple. Barroco. Come On Feel The Illinoise destaca por una ambientación única, con coros, violines, banjos, teclados, vientos y títulos como “The Black Hawk War, or, How to Demolish an Entire Civilization and Still Feel Good About Yourself in the Morning, or, We Apologize for the Inconvenience but You’re Going to Have to Leave Now, or, ‘I Have Fought the Big Knives and Will Continue to Fight Them Until They Are Off Our Lands!’”. La música de Sufjan Stevens es tan extravagante como su idea de componer un disco para cada uno de los estados norteamericanos. Compuso Michigan en 2003. Ya sólo le faltan 48. 

The Wedding Present – “Take Fountian”

Cuando David Gedge decidió dejar de lado Cinerama para resucitar su vieja y prolífera formación era consciente que sus nuevas canciones estaban bastante cerca del legado dejado a finales de los 80. Vale, Take Fountain no es esa obra de culto músico-futbolístico llamada George Best (1987), pero contiene en gran medida sus rasgos definitorios. Ese power-pop melódico ejecutado en clave punk que hizo de los de Leeds una banda singular en el panorama británico.

The New Pornographers – “Twin Cinema”

Existe un panorama independiente en Canadá más allá de Arcade Fire. The New Pornographers, supergrupo de Vancouver formado por A.C. Newman, Dan Bejar de Destroyer, la cantautora Neko Case, John Collins de Evaporators y Kathryn Calder, encontró en el cauce más clásico del power-pop su razón de ser. Unas composiciones frescas, que han dejado una amplia discografía de la que destacan también Mass Romantics (2000) y Challengers (2007), pero de la que sobresale Twin Cinema del que todos los temas corren a cargo de Newman. Algo fundamental para el buen hacer de la banda.

Broken Social Scene – “Broken Social Scene”

Más inide canadiense. El cuarto álbum de los de Toronto, último hasta la fecha, es su disco más complejo pero más aplaudido. Comparten el gusto por la instrumentación de sus compatriotas Arcade Fire pero con una propuesta de tintes menos épicos y más eléctricos. Lo suyo es indie-rock en esencia, algo de shoegaze, guitarras que hacen la guerra por su cuenta y estructuras que brillan por su ausencia. 

Low – “The Great Destroyer”

Emparentados dentro de la escena slowcore americana, el séptimo disco de los de Duluth (localidad natal de Bob Dylan) abre el radio de acción de la banda hacia nuevos públicos. Supone un giro hacia concepciones menos experimentales, más accesibles. Un trabajo mucho más melódico pero a base de las armonías vocales y el rock magnetizado de ejecución atropellada característico de la banda. Low interpretarán The Great Destroyer de forma íntegra en la próxima edición del festival Primavera Sound.

 2006

Amy Winehouse – “Back To Black”

Elegida por la revista Q como la artista más importante en lo que va de siglo, la londinense cautivó con su segundo disco, tras un debut, Frank (2003), firmado con apenas 19 años y que ya le valió comparaciones con Billie Holliday y Erikah Badu. Back To Black es un disco que desprende una actitud musical y vital nada impostada. La nueva femme fatale del pop vive como actúa, al límite, envuelta en excesos (“Rehab”), pero a la vez no tiene miedo en exhibirse como una persona vulnerable (“Back To Black”), seducida y abandonada (“Love Is A Losing Game”).

Arctic Monkeys – “Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not”

La primera gran banda surgida del fenómeno musical en internet ha sido la encargada de definir el sonido británico de la década. La fórmula es sencilla y recurrente: adoptar lo mejor de los clásicos de la escena local en las últimas tres décadas hasta trenzar un pop contundente, urgente pero de corte elegante. Un discurso básico pero plenamente efectivo, que ya ha dejado tres trabajos capaces de adentrase en la conciencia colectiva de toda una generación y al que les sobran canciones magníficas pero a los les faltan estribillos memorables. Éste es, precisamente, el único gran pero de los de Sheffield.

Gnals Barkley  – “St. Elsewhere”

Existe un pop negro de vanguardia más allá del que mira al soul, al jazz o los sonidos jamaicanos. El proyecto común de Danger Mouse -responsable entre otros del sonido de Damon Days (2005) de Gorillaz o Pieces Of People We Love (2006) de The Rapture- y el cantante Cee-Lo deslumbró con un disco de debut a base de sampleados dispares y con un atractivo gancho melódico. Entre los 18 temas dos destacan especialmente, “Gone Daddy Gone” y la irrefutable “Crazy”.

Cat Power – “The Greatest”

El mejor disco desde que Chan Marshall empezara su carrera como Cat Power allá por 1995 con Dear Sir. Tras más de una década inmersa en la búsqueda de nuevos lenguajes dentro del marco del folk, la cantautora de Georgia encontró refugio en el blues y el soul para firmar junto a la Memphis Rhythm Band un trabajo que se ajusta a la perfección a su melancólica y humeante voz.

Band Of Horses – “Everything All The Time”

Hablamos de The Shins como una de las formaciones de referencia en el pop norteamericano. Band Of Horses tiene mucho en común con la banda de James Mercer, más allá de la emocional voz que comparte con Ben Bridwell, pero también con My Morning Jacket o Mercury Rev. Su concepción es algo más madura, y aunque base sus estructuras en el pop lo hace desde una vertiente más firme pero igual de sutil, amónica y melódica, que además de Everything All The Time dejó un año más tarde otro disco imprescindible: Cease To Begin.

2007

Okkervil River – “The Stage Names”

La banda de liderada por Will Sheff ha sido una de las formaciones que se han dedicado con más esmero a dotar de nuevas sonoridades la música tradicional norteamericana. Desde una base folk contemporánea a caballo entre Wilco o Centro Matic, los de Austin (Texas) han logrado perfilar un pop intenso y juguetón a base de una rica instrumentación que les ha valido un status preferencial en la escena independiente local. The Strange Names, además de ser un disco melódicamente impecable, destaca por sus constantes guiños a la cultura popular en un sentido tan amplio que va desde los Beach Boys y su “Sloop John B” en John Allyn Smith Sails, hasta la actriz porno Savannah en “Savannah Smiles”.

The National – “Boxer”

La banda más melancólica de la escena norteamericana ya había despertado el interés del público dos años antes con Alligator (2005), un trabajo emparado en una sensibilidad y sofisticación casi únicas. En Boxer, The Nacional se muestran igual de románticos, pero su música es todavía más angustiosa, elegante y con una tensión emocional difícil de encontrar. Recomendable acompañar el disco del documental A Skin, A Night dirigido por Vincent Moon, en el que se muestra la formación al desnudo en inmersa en pleno proceso de la tortuosa grabación del disco.

Elvis Perkins – “Ash Wednesday”

Hijo del actor Anthony Perkins y la fotógrafa Berry Anderson, fallecida en los atentados del 11 de septiembre, el cantautor neoyorquino entró en la escena internacional con un disco en el que algunas de las canciones estuvieron casi siete años en el armario. La trágica experiencia vital de Perkins es el reflejo de sus canciones aunque en ningún momento aprovecha explícitamente de ello. Acompañado de su banda y una esmerada instrumentación (violines, trompetas, chelos…) Ash Wednesday despertó constantes comparaciones con Van Morrison o Nick Drake.  

Spoon – “Ga Ga Ga Ga Ga”

Siempre a mitad de camino entre el rock más tradicional y los recursos contemporáneos, la banda, al igual que Okkervil River, de  Austin, encontró la mejor versión de sí misma en un álbum plagado de detalles, arreglos y que destaca por una composición limpia. Tras el también remarcable Gimme Fiction (2005), Britt Daniel y Jim Eno contraponen en sonido más refinado de los 70 (“Don’t Make Me A Target”) con una comedida dosis de melodías pop (“You Got Yr. Cherry Bomb”)  y todo ello sobre una líneas rítmicas muy marcadas (“Rhthm & Soul”).

Bright Eyes – “Cassadaga”

Con casi diez años de carrera a sus espaldas y discos que incluso jugueteaban con la electrónica para deshacerse de la etiqueta de cantautor clásico enmarcado en la música y el discurso de Dylan, Conor Oberst se reencontró con su lado más tradicional de forma brillante, en otro disco centrado en el rock, el country y el folk. Cassadaga es un trabajo que no se entiende sin su antecesor I’m Wide Awake, It’s Morning (2005).