Polémica, discordia, iras, amenazas, descrédito y ante todo inconformidad y descontento. Esto son las listas, y nos flipan.

Aparte de este tremendo y eficaz invento de raíz consumista que responde al nombre de Navidad, y el cual este año tiene visos de aferrarse únicamente a su faceta tradicional,  son estas también fechas para lanzar listas de toda índole con las que radiografiar lo mejor del año, y si hay alguna que a servidor le motive elaborar es la de las mejores canciones del año. Una recopilación injusta, imprecisa, ajustada a un número caprichoso, desquilibrada y variable al gusto personal del que la firma (cambiante y subjetivo), pero útil para permitirse reflotar los mejores momentos musicales vividos durante el 2011, y que gracias al enlace Spotify que encontrareis a continuación también puede convertirse en un grato recurso para aligerar el empache de comilonas, turrón y familia, así como una guía para poner a prueba los equipos de sonido en las próximas noches de jolgorio y diversión que nos aguardan, sin ir más lejos, la de hoy.

Así que sin más rodeos, sin orden ni preferencia (de momento)… las primeras 20 mejores canciones del 2011.

Escuchar en Spotify Las 40 canciones del 2011 (Parte I)

The Naked And Famous – “Young Blood”

The Pains of Being Pure at Heart – “Heart in your Heartbreak”

Peter Bjorn and John – “Tomorrow Has to wait”

Israel Nash Gripka – “Goodbye Ghost”

Cults – “Go Outside”

A$AP Rocky – “Peso”

Thurston Moore – “Circulation”

Arctic Monkeys – “Brick by Brick”

Jay-Z/Kanye West/Mr Hudson – “Why I Love You”

Tune-Yards – “Bizness”

Azelia Banks – “212″

The Roots (feat. Bilal Oliver & Greg Porn) – “The OtherSide”

Cut Copy – “Need You Now”

Jonathan Keevil – “Babyfin” (Bellflower soundtrack)

Creep – “Days”

Washed Out – “Amor Fati”

Foster the People – “Pumped Up Kicks”

Cat’s Eyes – “The Best Person I Know”

Bon Iver - “Holocene”

Drake – “Marvins Room”

A este cuarteto londinense llevamos siguiéndolos desde que encendieron cierto revuelo con sus directos en la capital británica, y su hype empezara a alimentarse con ello. De hecho, nosotros contribuimos a ello (a pequeña escala por supuesto) incluyendo su single de adelanto “Wreckin’ bar (Ra Ra Ra)” entre los mejores temas del 2010 (como no plegarse a la adrenalina del tema). Ahora nos volvemos a fijar en ellos con motivo de la salida de su LP debut, What did you expect from The Vaccines?

Etiquetados como los Strokes ingleses, ahora que los neoyorquinos no se parecen a ellos mismos, habría que ampliar las miras definiendo su sonido como un post-rock de guitarras resonantes. En estas breves e inmediatas doce capsulas de rock enérgico, se desprende un singular espíritu infeccioso de baile, de comerse la pista, de sentirse joven y radiante. No obstante, el global del disco no responde del todo a las expectativas puestas como The next big thing que  los británicos buscan desde el britpop. Hay muchas canciones que sí que encajan a la perfección con la fórmula de hit músculoso ideal para perpetuarse en el desenfreno juvenil, pero otros temas se quedan en efímeras canciones de acné juvenil para discoteca de tarde, y en algún corte, aún les da por acercarse a posos más soberbios y profundos de unos  The National, pero la madurez que separa a ambos conjuntos, sigue siendo en todas sus facetas, abismal.  What did I expect from The Vaccines? Maybe something bigger, something new.

Esben and the witch – Violet Cries

Este trío formado en 2008 en Brighton, Inglaterra, editó el pasado enero su LP de debut, Violet Cries. Para tener una idea del sonido que destila esta banda deberíamos desnudar a Florence Welch de cualquier indumentaria mainstream, y dejarla en medio del bosque de Maryland donde Daniel Myrick y Eduardo Sánchez rodaron El proyecto de la bruja de Blair. Si a esto le añadimos atmósferas cargadas de esoterismo, y con un halo de misterio a lo Beach House, entonces sabemos a lo que nos enfrentamos con este debut.

Violent cries es un álbum cautivante, misterioso e hipnótico, que parece esparcir ciertas notas de brujería con el que paralizar al oyente. El trabajo se aprecia sobre todo en la producción de esas atmósferas envolventes, poco cargadas, pero tan penetrantes. A eso se le añade la fantasmal voz de Rachel Davies recorriendo este bosque encantado y comido por la niebla. Para los amantes de lo esotérico, de las melodías de ultra tumba de Tones on Tail, Dead Can Dance o los más contemporáneos, Zola Jesus, este disco se convierte en una compra obligada.

Beady Eye – Different Gear, Still Speeding

Oasis sin Noel. O lo que es lo mismo Oasis sin su compositor y guitarrista principal. Porque en Beady Eye encontramos a los cuatro miembros originales de esa banda que puso patas arriba la escena británica en los 90’s, con la salvedad de que el mayor de los Gallagher decidió emprender su camino en solitario tras los constantes cortocircuitos que mantenía con Liam. El resultado de la nueva banda surgida del choque es este Different Gear, Still Speeding, (traducido sería algo así, como diferente marcha, aún acelerando), una metáfora del nuevo rumbo que se han visto obligados a tomar, en el que conservan  el sonido tradicional de Oasis.

Preocupados más en buscar referencias rockeras de finales de los 50’s y 60’s, Beady Eye teje su sonido sin aportar nada nuevo a lo ya conocido. Liam sigue empeñado en querer alargar hasta su coronilla la sombra de John Lennon, mientras que el resto del grupo se dedica a reírle las gracias y a arroparlo con su música. No es este un mal álbum, es simplemente la pérdida de un componente trascendental en la banda, y cómo a raíz de ello, intentan forzadamente dar nuevo aire al conjunto. El resultado es una mezcla de canciones valiosas (las marcadamente “beatle” “The Roller” y “The Beat Goes On”, “Four letter Word” y la muy hermanos Gallagher “Standing On the Edge Of the Noise”), y caras B desechables. 

The Naked and Famous – Passive Me, Aggressive You

Passive Me, Aggressive You supone el debut de esta banda neozelandesa de indie electrónico. Con una primera escucha ya podemos constatar cómo las constantes sonoras del grupo se inclinan hacía temas revestidos de sintes ochentenos, melodías inmediatas, y estribillos accesibles.

Pero no todo el disco es tan pegadizo y escalable a los primeros puestos de las listas, como son “Young Blood” (sí es suyo, no de Passion Pitt)  y “Punching in a dream”. Hay cortes más envolventes, con una estructura de indie-pop que coquetea con paisajes más oscuristas, como por ejemplo “Frayed” (con ecos de Radiohead en los loops y en la forma de interpretar de su cantante) o “The Sun”. Pero en su conjunto sí que irradian una buena sintonía con la pista de baile aderezados por los órganos rítmicos, y por las fascinantes melodías extraídas de sus sintes, y el resultado es una aproximación muy tierna e irresistible.

Le Corps Mince De Francoise – Love and Nature

Sorprende que el código postal de Le Corps Mince De Francoise (LCMdF) pertenezca a las frías tierras de Finlandia. El electropop  vital de este trío de féminas hace pensar en otras ubicaciones más soleadas, pero ellas, adeptas a su clima, residen ahora en Londres, y han editado su debut, Love and Nature, en Berlín.

Su sonido es algo así como un cruce vitaminado del pop de las Spice Girls, el electro de beats contundentes de CSS, o algo así como una Nina Hagen más luminosa y adaptada a nuestros días. Su vitalidad, su desparpajo, su libertad a la hora de afrontar la composición de las letras y la definición de su sonido, marca un estilo del que es fácil contagiarse. “We are cannibals”, “Time (Have I lost my Mind?)” y “Cool and bored” deberían ser las cápsulas más inmediatas para agarrarnos a su fiesta de nieve cálida.

The Pains of Being Pure at Heart – Belong

Casi al instante que lanzaban su disco debut, la banda neoyorquina The Pains of Being Pure at Heart se convertía en una de las sensaciones musicales del 2009 para la mayoría del público indie. Su estilo se movía por ciertos subestilos anclados en el pop independiente de los 90’s, con influencias reconocidas de bandas como The pastels, My Bloody Valentine, The Jesus and Mary Chain, pero aportando una pizca de frescor juvenil y romántico a las guitarras distorsionadas. Ahora en 2011 editan su segundo largo. En Belong ha contado con la producción de Flood y la ayuda de Alan Moulder en los arreglos, y supone un paso adelante para la banda, un paso de madurez sin perder sus señas.

Con Belong la banda parece haber dado un paso muy ajustado en la búsqueda de su sonido. Por un lado, han ganado en claridad, en detalles de producción que arrecian el oído, y por otro lado, lo han logrado sin apartar su flujo juvenil de canciones de amor dulces y cándidas. Las letras lanzadas por Kip Berman siguen siendo suaves y acariciantes, las guitarras enfebrecidas suenan ahora más compactas, y los ritmos galopados se han ajustado mejor a las nuevas composiciones. El resultado se palpa en canciones estelares como “Heart in your Heartbreak” y “Anne With An E” que resonarán en espacios abiertos y cerrados desde la primavera hasta el fin del verano, y seguro que nos las llevaremos incluso más allá.

 The Strokes – Angles

Más de cinco años sin noticias discográficas de la banda más cool de Manhattan, hasta que por fin, a finales de marzo, un nuevo trabajo salía a la calle. Angles venía con la marca de ser uno de los trabajos más esperados por provenir de los que un día fueron los revitalizadores del rock. Sin embargo, el sentir general es que la versión The Strokes actual dista mucho de aquella que irrumpió con fuerza el primer lustro del nuevo siglo, con ese espléndido Is this it?

La primera sensación que te invade al escuchar el nuevo LP de Casablancas y compañía es de desconcierto, de cierta revuelo instrumental y conceptual, de unos músicos que mantiene medio pie en el rock que los catapultó al estrellato (con el gran tema “Under cover of Darkness” como máximo exponente) y otro en una nueva esfera new wave de raíces ochenteras. Un escenario en que las guitarras conviven con los sintetizadores. Es probablemente el trabajo donde cada músico ha podido aportar más de su parte, pero el resultado es inconexo, en momentos, hasta caótico e inverosímil. Vuelta desigual, pese a ofrecer ciertos retazos verdaderamente gratos.

Panda Bear – Tomboy

El miembro más bullicioso de Animal Collective ya tiene lista la continuación de su brillante e influyente Person Pitch. Este próximo 12 de abril, Panda Bear (alias por el que se conoce a Noah Lennox) publica su nuevo trabajo, Tomboy. El inquieto músico sigue explorando sus paisajes experimentales poblados por atmósferas opiáceas, texturas difusas, colores brillantes para crear estos mundos tan únicos, inexplorados e intransferibles que también reproduce para el colectivo animal.

En Tomboy, Panda Bear sigue sin poner barreras a su creatividad desbordante, que se canaliza con esa ensalada de loops, reverberaciones, samples, y psicodelia lo-fi que definen su sonido.  Lennox y su inseparable sintetizador suenan aquí igual de evocadores que en Animal Collective, pero quizás con una capa más iluminada, ayudado por una presencia vocal muy presente (con dobles coros), y por unos arreglos de producción mágicos, estimulantes y de procedencia indescifrable, que cuajan con asombro con la línea vocal, la batería, las guitarras, el órgano, cada cual recorriendo su propio sendero, pero a la vez compartiendo destino. En ciertos momentos a uno le parece apreciar alguna influencia de Vangelis, de los Pink Floyd de Meddle, o el Hans Zimmer más aborigen de La delgada línea roja, pero la verdad es que todo queda inconcreto e inescrutable fuera de la mente del músico norteamericano. Escuchando su cuarto álbum de estudio parece evidente que Lennox no necesita de sus compañeros del colectivo para seguir expulsando toda su creatividad a través de nubes sonoras embriagadoras, inspiradoras, que cautivan al oyente por su particularidad, por su exotismo, por su experimentación incesante. Tomboy es la constatación del gran momento personal y creativo por el que pasa este músico de Baltimore.  

Tras agotar de forma fulminante las entradas para su concierto del lunes 16 de agosto, la organización decidió programar otro para el domingo en la misma sala y con auténtico resultado: a las pocas horas todas las entradas vendidas. Con esta expectación los neoyorquinos The Pains of Being Pure at Heart se presentaban en la pequeña y concurrida sala Sidecar de Barcelona, ante un público que venía de escuchar a los solventes Odio París, una banda cuyo sonido mimetiza con la banda a la que teloneaban, hasta el punto de que más de uno los confundieron con el plato fuerte de la noche.

Poco tardaron The Pains of Being Pure At Heart a meterse en el bolsillo ese reducido y fiel público que los acompañaba en un concierto que fue de menos a más durante poco más de la hora que duró. Y eso a pesar de abrir con This love is fucking right, y dejarse llevar muy pronto (tercer tema) con la insignia Young adult Friction. Tras ese temprano cenit la banda americana se soltó con su pop de guitarras sucias y distorsionadas en temas como Eveything with you, Say no to love o Hey Paul.

Tras sorprender e impresionar con un nuevo tema, que relució compacto y sacó lo mejor de los cuatro miembros, la banda afrontó una vibrante recta final con la tan deudora de los Smiths, Stay Alive, a la que siguió Kip Berman en solitario con The contender, que daría paso a una intensa traca final con Gentle Sons y The Pains of being pure at heart. Ambas resaltando la contundencia de su sonido, y la perfecta compenetración instrumental de los miembros en pos de un sonido que envolvió la pequeña sala Sidecar sacudiendo sus paredes a su paso.

Un oportuno punto final a una bonita velada donde los de Brooklyn quisieron demostrar que sus tablas encima del escenario están más que superadas a pesar de tener que lidiar con algún problema con el sonido de la sala y lo limitado que sonó la voz de Peggy Wang. Parece que eso de ser la sensación indie en 2009 lo tienen ya lejano, ahora les falta demostrar su valía en un segundo disco, donde servidor espera una línea, sin alegarse del shoegaze, donde la banda logré desarrollar mayores registros en sus composiciones y no dejen la sensación de déjà vu de una canción a otra.

2008

Portishead – “Third”

Uno de los regresos menos esperados y más sorprendentes de la historia. Poco queda en Third de aquello que se conoció como trip-hop a principios de los noventa y que se convirtió en la alternativa jugosa y madura a la catarsis juvenil del brit pop. Los abanderados del Bristol Sound junto a Massive Attack y Tricky, acabaron con más de una década de silencio sin recurrir a los sonidos ralentizadas de base electrónica y conciencia negra que los consagraron. En Third, Portishead canalizó y revisionó su sonoridad hacia un encaje de texturas mucho más saturadas, rudas e incluso esquivas, y que supo acomodar también la electrónica primitiva con las variables rítmicas propias del rock progresivo. En definitiva, un disco inclasificable y sin igual.

Paul Weller – “22 Dreams”

Aunque siguen enmarcados en el punk, Paul Weller consiguió alejar a The Jam de la escena con una propuesta mucho más refinada y menos nihilista que la del resto. “The Modfather” ya era el músico más maduro de su generación siendo prácticamente un adolescente, algo que treinta años más tarde le permite seguir con una carrera envidiable. Traspiés no le faltan como evidencia su convulsa y discutible etapa al frente de The Style Council, pero Weller cerró la década en una forma envidiable: con el mejor disco de su carrera en solitario desde Wild Wood (1993). Uno madura musicalmente al ritmo que lo ha hecho la carrera del de Woking, y 22 Dreams es un disco con un largo bagaje a sus espaldas, cada vez más cercano a la música negra, al soul, al northern soul británico, pero que mantiene una clave rock evidente.

Spiritualized – “Songs in A&E”

A&E. Accident & Emergency. Una neumonía casi le costa la vida a Jason Pierce tres años antes de lanzar el que hasta la fecha es su último disco. Un período complicado en el que el ex Spaceman 3 pareció sacar lo mejor de sí y lanzar un disco igual o mejor que el aclamado Ladies And Gentlemen We Are Floating In Space (1997), considerado uno de los trabajos esenciales de los 90. Songs in A&E es un disco que gira al entorno del rock y el blues, con tintes de gospel y en el que Pierce reflexiona sobre lo más trascendental -la vida, la muerte, la religión, las drogas… – a través de su propia y difícil experiencia.

The Wave Pictures – “Instant Coffee Baby”

El joven trío londinense ha tomado el testigo de Hefner como narrador de historias comunes, terrenales, del día a día. Fiestas, chicas, vida en el pub, sus discos favoritos. Un compendio de vivencias para jóvenes y adolescentes que ya encumbraron a Darren Hayman (con el que The Wave Pictures colaboran habitualmente) y con las que la banda se ha dado a conocer acompañándolas de un sonido que remite los Smiths, Violent Femmes, Jonathan Richman y sus célebres The Modern Lovers, o dentro del panorama actual a Herman Düne.

The War On Drugs – “Wagonwheel Blues”

El año en que The Dodos, Fleet Foxes y No Age coleccionaron alabanzas por sus logros a la hora de dar la vuelta a los fundamentos musicales del rock y el folk americano, The War On Drugs pasaron algo desapercibidos, pero su álbum de debut no desmerece al los de los mencionados. La banda de Philadelphia acoge lo mejor de la Velvet Underground, Brian Eno, Springsteen o Tom Petty. Focaliza el embrión de su sonido en el Dylan de Highway 61 Revisited, el de la electrificación definitiva y la traición al conservadurismo folk, se permite algún guiño a Europa a través del halo distorsionado de The Jesus And Mary Chain e incluso recurre a Animal Collective.

2009

The Pains of Being Pure At Heart – “The Pains of Being Pure At Heart”

El hype del año. Los Vampire Weekend de 2009. Dice Nando Cruz en su reseña sobre la reedición de A Catholic Education (1990) de Teenage Fanclub, que los neoyorquinos, de tan perfectos que suenan, dan rabia. No le falta razón ya que The Pains Of Being Pure At Heart fallan en su pretensión de banda novel de sonido destartalado. Pese a esto, su disco de debut no deja de ser una delicia a mitad de camino entre las melodías de Norman Blake, Raymond McGinley, Gerard Love y compañía, y la rugosidad de The Jesus And Mary Chain y Ride.

Grizzly Bear – “Veckatimest”

El disco de la consagración definitiva de una banda que ya apuntó alto con Horn Of Plenty (2006) y Yellow House (2008). Los de Brooklyn han logrado una obra casi infinita, en la que en cada nueva escucha se descubren nuevos matices escondidos, ecos tribales y destellos recónditos en una áurea de majestuosidad y virtuosismo. Grizzly Bear es la formación que mejor conjuga los parámetros del folk tradicional con los del de vanguardia.   

The Duke & The King – “Nothing Gold Can Stay”

La aventura en solitario de Simone Felice, uno de los líderes de una de las formaciones más aclamadas de la escena americana actual, The Felice Brothers, no podía tener un mejor comienzo. Nothing Gold Can Stay es disco sentimental, acústico y dulce, breve pero intenso, y en el que Felice no esconde su devoción por The Band, Joni Mitchell, Neil Young o Dylan.  Afortunadamente éste punto y aparte en su carrera no será algo puntual, así que esperamos nuevas noticias encantados e impacientes.

Yo La Tengo – “Popular Songs”

Los de Nueva Jersey podrían haber entrado en la lista con And Then Nothing Turned Itself Inside-Out (2000) o quizá con I Am Not Afraid of You and I Will Beat Your Ass (2006), dos de sus grandes trabajos en lo que va de siglo, pero sin embargo han dejado lo mejor para el final. Como debe ser. Popular Songs es disco peculiar, dividido en un primer tramo de poco más de media hora con el sonido más pop que se le recuerda a la banda y tres piezas finales de unos diez minutos cada una, en las que Ira Kiplan, James McNew y Georgia Hubley encuentran su tan venerado camino de distorsión a base de melodías sepultadas.

Animal Collective – “Merriweather Post Pavilion”

Poco hay que decir sobre les de Baltimore que no se haya dicho ya. Poco, o casi nada. Merriweather Post Pavilion fue ensalzado como disco del año desde su lanzamiento el ¡6 de enero! y ha copado, o estado cerca de lo más alto, todas las listas publicadas. A favor de ellos juega haber alcanzado la cúspide con un disco más accesible de lo habitual, repleto de tramas melódicas e incluso estribillos pero forjado bajo la misma concepción experimental y sensorial que ha establecido las bases de la nueva piscodelia en el siglo XXI. Sin embargo hay quién opina que el noveno trabajo de Animal Collective es “un insulto a cualquier inteligencia musical”, “un puñetero despropósito” o “algo distinto, diferente, raro, lo más raro posible para que no sean tachados de comerciales, vendidos al marketing general, obedientes al gran hermano, el mayor ejercicio de snobismo al cuadrado”, como afirmó el productor Julián Ruiz  en la web Plásticos y Decibelios. Ahora ya tienen argumentos por ambas partes, así que juzguen ustedes mismos.

Otras entregas:

• Discos de la década (Parte I)
• Discos de la década (Parte II)
• Discos de la década (Parte III)