Con 2011 apurando ya las últimas bocanadas de aire, serán pocos los que lamentarán su despedida definitiva. La tormenta incesante con la que nos ha golpeado la crisis ha alcanzado este año cotas dramáticas, y a diferencia desde que empezara la crisis, se ha dejado notar directamente en nuestros bolsillos, o en los de las personas de nuestro alrededor. Quizás lo peor es que la situación tiene visos de permanecer inalterable durante 2012. Pero ya sabéis que con la llegada de un nuevo año, se renuevan las esperanzas, y eso, siempre es positivo.

Del 2011 quedarán muchas sombras y pocas luces. La convulsión en las bolsas nos ha mantenido en una inquietud constante, generalizada, y potenciada por las crueles y violentas imágenes indisociables a una humanidad hambrienta de codicia, poder y dinero. Para algunos sectores de la sociedad la actual crisis de valores en que vivimos ha tocado techo, y han decidido arrojar su descontento a las calles. Un descontento que ha derivado en violentas revueltas en el norte de África con diferente resultado, y que en Europa, Estados Unidos, y ahora Rusia, han tenido un signo distinto, debido en parte, a la raíz del descontento. Sea como sea, la “austecracia” que nos pretenden implantar el eje Merkel-Sarkozy no dibuja un panorama demasiado favorecedor para los próximos años, pero como siempre, y pese ser la primera damnificada, la cultura se mantendrá como el reducto en que refugiarse.

Y precisamente en ella hay que encontrar las luces más brillantes con las que acompañar la memoria de este 2011. Centrándonos en lo que aquí nos atañe, la cosecha cinematográfica ha dispuesto unos frutos exquisitos siguiendo con la línea ascendente empezada el año pasado. El peso imponente de grandes directores ha marcado el desarrollo del año, junto a las habituales revelaciones de jóvenes talentos abriéndose paso con un desparpajo envidiable.

Como ya es tradición en esta casa… un repaso a las diez mejores películas del año (sujetas a algún posible cambio en los días que faltan para terminar el año, ¿Le Harve?)

10- Submarine (GB)

Director: Richard Ayoade

Un rostro conocido con nombre desconocido fue el encargado de traernos la comedia indie del año. Richard Ayoade se le conoce por formar el tándem protagonista de la serie IT Crowd, pero gracias a Submarine su nombre empezará a circular entre bastidores por sus virtudes detrás de las cámaras. Su debut en el cine supone una refrescante, hilarante y original comedia sobre las encrucijadas emocionales que atañen a un adolescente atípico que ve como el matrimonio de sus padres se fractura. Con una paleta de referencias evidentes, que van desde Wes Anderson a Truffaut, pasando por Woody Allen, Ayoade construye una bella y fantástica historia plagada de fantasías visuales, actuaciones noveles sorprendentes y con una banda sonora de Alex Turner como guinda a un caramelo imaginativo desbordante e irresistible que esperemos que las distribuidoras españolas se decidan a traer aquí algún día.

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9. Somewhere (USA)

Director: Sofia Coppola

Una de las películas más vilipendiada de Sofia Coppola supuso para quien escribe uno de los platos más estimulantes de la temporada. Somewhere no es una obra fácil de digerir, si no se entra en el ralentí intencionado que propone Coppola es poco probable que el espectador sintonice con los estados de ánimos y los conflictos internos de esta estrella de Hollywood perdida y hastiada en el mayor de los lujos y los confortes. Lo que Somewhere proponía era una acertada mirada a la cara oculta del estrellato, a las resacas amargas de champán y fiestas de alto standing. Y lo hacían con un estilo visual sobrio e inteligente, con unos actores fabulosos (tanto Stephen Dorff como Ellen Fanning) y demostraba el paso firme hacía la madurez dado por una cineasta que sigue ahondando en su principal tema de preocupación: la soledad.

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8. 13 Asesinos (Japón)

Director: Takashi Miike

Takashi Miike refrescó las carteleras del verano a través de un festín de samuráis, sangre y honor que hubiera dejado satisfecho al propio Kurosawa. El director de The Audition dejaba de lado su vertiente más sádica y enfermiza, y se enfundaba una vestimenta clásica para contar esta historia encarnizada de 13 samuráis dispuestos a devolver el equilibrio y la paz en el Japón feudal. La película será recordada por años gracias a la apoteósica batalla final que deja al espectador sin aliento durante 40 minutos. Miike hace una demostración de ritmo frenético, puesta en escena precisa y acción trepidante sin cuartel. Uno de los grandes espectáculos del año.

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7. Meek’s Cutoff (USA)

Dir: Kelly Reichardt

Kelly Reichardt volvió a demostrar ser una de las directoras independientes norteamericanas de mayor interés con este anti-western inédito en España. Como una especie de road movie psicológica, Meek’s Cutoff nos transportaba a la travesía de caravanas que en el lejano oeste cruzaban el continente americano en busca de fortuna. Reichardt construye un universo magnético, desolado y hasta cierto punto, aterrador. Equipada con su caracteriza puesta en escena minimalista, la directora de Wendy & Lucy lanza al espectador hacía la sequedad y desesperación que envuelve a los personajes que transitan en esta angustioso via crucis que describe la película. Michelle Williams y Bruce Greenwood protagoniza una cinta atípica, moldeada por una autora que sobrevive en los márgenes de los circuitos, y el resultado deja una aureola de misterio e inquietud difícil de borrar.

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6. Valor de ley (USA)

Director: Hermanos Coen

Otro western que se cuela en la lista de lo mejor del año. Los hermanos Coen empiezan a mal acostumbrar a sus seguidores a ritmo de película por año, y a diferencia de Soderberg o Allen, las suyas no dan lugar a ningún atisbo de duda o reproche. Es el caso de Valor de ley. Facturada con un temple clásico pero a la vez renovador, la historia de venganza de esta inolvidable chica (interpretada por Hailee Steinfeld) y ayudada por ese entrañable viejo Marshall (un magnífico Jeff Bridges) penetraba con igual intensidad por la epidermis, que por la vista y las neuronas. Un remake que superaba el antecedente original (la película de Henry Hathaway protagonizada por John Wayne) y que ponía sobre la mesa dos temas: el western no es un género enterrado, y los hermanos Coen puede tocar muchos palos y salir siempre con la cabeza bien erguida.

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5. Inside Job (USA)

Director: Charles Ferguson

El documental de Charles Ferguson cayó como una pesada losa en la conciencia justo en el momento más oportuno, cuando las consecuencias directas del crash del 2008 empezaban a agrietar los núcleos de las sociedades occidentales. En este marco Ferguson destapó, con una claridad expositiva remarcable, toda la mierda financiera abonada a beneficio de las altas esferas del poder. Inside job cuenta la historia que nos ha llevado a la delicada situación en que vivimos, se recrea en la poca dignidad y miseria de quienes lo han provocado y detrás de todo queda claro que la crisis actual es de fondo una crisis de valores. Era una historia sabida, pero ahí donde saca petróleo la pluma afilada de su director es en trampear a los culpables y arrinconarles en sus propias mentiras para dejarlos en evidencia. También ayudó a destapar cómo el descrédito y la deshonradez no solo incumbe a banqueros y políticos, sino que el ámbito académico también quedaba salpicado. Inside job no entra en esta lista por sus valores cinematográficos, incluso tampoco Ferguson se convierte en el paradigma de voz objetiva que los periodistas ortodoxos buscan de forma ensimismada en todo documental, pero sí que es un tremendo y valioso documento que ayudó a esparcir la indignación y el descontento en un momento oportuno y adecuado. Sin duda, una de las obras que han marcado el año.

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4. Mildred Pierce (USA)

Director: Todd Haynes

Si esta lista se basará en criterios puramente estrictos, Mildred Pierce nunca podría haberse encaramado al puesto número 4 de las mejores películas del año. Pero es de justicia acercarla al podio dado que su ADN es de ascendencia tan cinematográfica que toda ella es como un melodrama clásico dividido en cinco partes. Y lo es porque su director Todd Haynes (Velvet Goldmine) se erige por derecho propio en el heredo mayúsculo y respetuoso de Douglas Sirk, lo es porque la produce y emite HBO, y todos los amantes de esta televisión por cable sabemos cuánto cinematográficas lucen sus producciones, y lo es porque se nutre de actores de primer orden (Guy Pearce, Melissa Leo, Evan Rachel Wood), y especialmente por esta heroína protagonista que debe lidiar con la gran depresión, sus negocios, sus amores y la tormentosa relación que mantiene con la arpía de su hija. Todo el peso dramático bajo los hombros de una Kate Winslet que ofrece una de las interpretaciones más magistrales de su carrera, y que si el Kodak Theater fuera un tribunal de justicia le daría el oscar antes que a la cansina Meryl Streep. Este melodrama de origen televisivo pero ínfula cinematográfica ha supuesto una de las cotas audiovisuales del año.

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3. Drive (USA)

Director: Nicolas Winding Refn

Algunos interpretarán Drive como un mero vehículo de lucimiento para su director y para su protagonista, Ryan Golsing. Nada más lejos de la realidad. El director danés inserta estilo y emoción a un bólido imparable pilotado por un Ryan Golsing en estado de gracia; enfundado en una cazadora, palillo en boca, martillo en mano, y parco en palabras para dibuja al héroe del asfalto postmoderno, como una especie de versión americana del magnético Jef Costello en El Silencio de un hombre. Refn se empapa de estética ochentera para golpear al espectador con una intensa historia de persecuciones, amor y acción como las armas más vistosas de un estilizado noir. Drive trasciende su propio visionado gracias al contundente metraje arrojado, cuyas muestras más visibles se concretan en secuencias ejecutadas de forma apabullante, con una banda sonora de Cliff Martinez que se derrite en el oído, y con unas actuaciones que esparcen mágia y fascinación a su paso. Todas estas piezas, ajustadas con precisión por el mecánico que se ocupa de esta cinta, sirven para presentar un deportivo contundente, incontestable y que te mantiene agarrado con fuerza pese haberte dejado tirado en el asfalto hace semanas. Una buena dosis de violencia, persecuciones y belleza magnética con el que fugarse este final de temporada, y un conductor que permanecerá en nuestras retinas durante unos cuantos viajes.

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2. El topo (GB)

Director: Thomas Alfredson

Al igual que Drive llega en el último suspiro pero se instala de inmediato en lo más alto del podio. Tan solo dos años después de presentar Déjame Entrar, el sueco Thomas Alfredson vuelve a entrar en la lista de las mejores películas, esta vez de la mano de El Topo. Adaptación de la novela homónima de John le Carré, el filme de Anderson es un despliegue de cine en estado puro donde contenido y continente se estrujan la mano hasta sacar virutas de oro que permanecen brillantes durante todo el tenso trayecto. En la línea de filmes de espías clásicos de los 70′s, la película de Alfredson se recrea en el aroma retro, se apuntala mediante un estilo sobrio, solemne y lúcido, y se presta a la reverencia gracias a una banda sonora compuesta por Alberto Iglesias, y a un elenco actoral de los que quitarán resfriados de cuajo. Gary Oldman, Colin Firth, Tom Hardy, John Hurt, Toby Jones y todos ellos ponen clase a esta portentosa obra de espías cuyo esplendor se mantiene alargado, atemporal, y cuya mera existencia estimula el recuerdo al aroma del mejor cine clásico.

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1. El árbol de la vida (USA)

Director: Terrence Malick

Si alguna película ha provocado este año mayor número de abandonos en la sala de cine, esa es El árbol de la vida. Pero a la vez el retorno del esquivo Terrence Malick ha significado para tantos muchos otros la mayor experiencia fílmica del año, y utilizo el término experiencia, porque eso es precisamente lo que más se acerca a definir la sinfonía existencial que compone este genio cineasta. La obra más arriesgada y personal de Malick navegaba sobre las grandes cuestiones que la Humanidad lleva arrastrando per se. Todo esto lo desplegó mediante tres fragmentos: la creación del cosmos, las complicadas relaciones de una familia del medio-oeste norteamericano en los años 50, y un tercer tramo focalizado en el mundo contemporáneo y la búsqueda del perdón y el descubrimiento. Tejido con la maestría formal que solo él y muy pocos pueden alardear (hay un cúmulo de secuencias dignas de quedar permanentes en los museos) Malick propuso una experiencia sensorial más que una obra narrativa, y con todo un torrente de elementos a su favor arrastró al espectador hacía unos estados de ánimo indescriptibles, que no se recogían en una sala de cine, en esa dimensionalidad y profundidad, desde Kubrick y su 2001, una odisea en el espacio. No es una película perfecta, y seguro que sigue sentando discordia ahí donde se nombre, pero 2011 ya queda para el recuerdo de quien escribe como el año en que el maestro arrojó luz celestial en las plateas de los cines e hizo levitar a muchos de sus asientos.

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Menciones especiales: Nader y Simin, una separación; No habrá paz para los malvados; Las aventuras de Tintín; El cisne negro

Siete años fueron los que tuvo que esperar Matthew Weiner para ver cómo la cadena AMC ( la santa casa de la ficción televisiva del momento) se atrevía a apostar por un proyecto centrado en un publicista neoyorquino de los años 60’s. Tras cuatro temporadas y una quinta en desarrollo (con fecha de estreno para marzo del 2012), Mad Men se ha convertido en uno de los productos catódicos más alabados de nuestros días, estandarte de la televisión de autor e impulsora del apego a la década de los 60’s.

A estas alturas ya nadie le tose a su creador, tal y como demostró en las últimas negociaciones mantenidas con el canal de cable y que han terminado por provocar una seria demora en la llegada de la quinta temporada. Y es que Weiner juega con unas cartas de negociación insuperables; su serie logró catapultar a la AMC hacía un estatus de prestigio del que sólo gozaba hasta entonces la HBO, ha creado una galería de personajes que han traspasado los límites del formato 1080i para convertirse en iconos, y además, su melodrama de época estilizado y con mimo por la puesta en escena, ha aflorado una celebración nostálgica de las vestimentas, tics y costumbres de los años 60’s.

Sin su repercusión no se entendería por ejemplo la llegada de series que repiten el patrón de ubicar sus historias en los revoltosos años sesenta, y que las grandes cadenas han lanzado como apuestas firmes del nuevo curso, y con resultado desigual. Parece que los personajes atractivos que vacían bodegas de whisky, se pulen en cuestión de segundos cartones de tabaco, mienten, flirtean, tratan a las mujeres de forma desdeñosa y visten de manera impecable tienen un filón en la ficción televisiva.

La primera en explotarlo fue The Playboy Club, una serie producida por la NBC que se centra en los pasos de la joven “conejita” Maureen (Amber Heard) en el famoso club Playboy de Chicago. Al igual que la serie de Weiner, la acción se localiza a principios de los años 60’s, y en ella se asiste a un mundo compartido por el glamour y la mafia, mientras que de forma paralela, se inicia la construcción de ese imperio pornográfico que revolvería la sociedad de la época para terminar convirtiéndose en el icono de la cultura americana que es hoy en día. El galardonado productor Brian Grazer (Una mente maravillosa) y el director Alan Taylor (firmante de algunos capítulos de Mad Men) intentaron velar por la calidad del producto, pero éste sucumbió al peso de las audiencias y a las constantes presiones del Parents Televisión Council (otra de esas patas molestas de la liga de defensores de la moralidad americana), terminando con una de las primeras, y fulminantes cancelaciones de la temporada.

Otro producto tejido con el dedal revisionista es Pan Am. Esta fuerte apuesta de la ABC aterrizó el pasado 25 de septiembre (poco días después en Canal +) para desvelarnos una era en que ir en avión era un lujo codiciado por pocos. En ese contexto la aerolínea Pan Am marcaba la pana con pilotos “rock stars”, azafatas que hubieran hecho suspirar al propio Don Draper, y comodidades que le son inauditas a la compañía de Michael O’leary. Una vez más el añorado estilo sixtie hizo acto de presencia, y con él una trama repleta de engaños, romances y hasta espionaje en altas alturas. La serie cuenta con la gran baza de recuperar el rostro de Christina Ricci, a quién acompañan Mike Vogel, Kelli Garner, Margot Robbie y Michael Mosley. La actriz de La tormenta de hielo se encarga de dar vida a Maggie, una azafata bohemia y una de las protagonistas de esta serie que sigue con paso frágil.

Desde este lado del Atlántico, y de la mano de la fiable BBC, también aparece un producto televisivo que sigue de cerca la estela del conocido melodrama de la AMC. Su nombre es The Hour y relata el día a día de un programa de televisión que se ve alterado por la crisis del Canal de Suez en 1956. Aquí los hechos históricos se mezclan con una trama de intriga, ambición y pasión, envueltos con mucho humo, aliento a coñac y atuendos de época. Concebida como una miniserie de seis capítulos, cuenta con un trío protagonista formado por Romola Garai, Dominic West (siempre McNulty) y Ben Whishaw (El perfume). La ganadora de un Bafta Abi Morgan es su cabeza pensante. El canal inglés empezó a emitirla el pasado 19 de junio, y algunos críticos vieron en ella una loable mezcla entre Mad Men y las novelas de intriga de Graham Greene con el plus que otorga el exquisito gusto que rige las producciones británicas.

Pero no todo se reduce a esa época de cruciales cambios y enormes contradicciones en el seno de una sociedad rígida y bienpensante, ya que la identidad del pueblo americano también ha tenido en los últimos años su traslación a la pequeña pantalla con producciones que han abarcado los primeros tiempos del siglo XX. El más llamativo llegó el pasado año de la mano de Terence Winter (guionista de los Soprano) y Martin Scorsese (poniendo el signo de prestigio) Boardwalk Empire gira al en torno de Nucky Thompson, un tesorero que controla con mano firme la erupción de Atlantic City como ciudad del juego, el alcohol y el pecado en los violentos años 20. El 25 de septiembre empezó su segunda temporada.

Otro período en la breve historia de los Estados Unidos (las producciones inglesas juegan con la ventaja de poder rebuscar en varios volúmenes en lugar de un solo tomo) que se ha erigido en una pequeña mina de oro para la ficción (Revolutionary Road y Las Horas en cine) es la Gran Depresión (las similitudes coyunturales con nuestra realidad deben influir) Allí se enmarca el inicio de Mildred Pierce, una de las joyas televisivas más recientes. Por cuenta de la HBO, esta mini-serie resigue la turbulenta relación entre una madre soltera y su pérfida hija. Kate Winslet ejerce de mater familia en este melodrama cocinado por Todd Haynes según algunas de las recetas que marcó en su género el maestro Douglas Sirk.

Como se puede apreciar la ficción televisiva sigue rebuscando en su reciente pasado para ubicar a sus personajes, destapar sus conflictos morales y contentar con ello a la cinefilia que busca desesperadamente esos refugios de ficción de calidad que el cine le ofrece con cuentagotas.

Este artículo fue publicado en la revista Hmagazine del mes de Septiembre del 2011

Si el cine británico tiene en la época victoriana su particular mina de oro, el cine norteamericano no le debe menos a la primera mitad del siglo XX. Este recurrido marco temporal ha vivido una especie de revival en los últimos años, con películas destacables como Las Horas, Revolutionary Road, o series como Mad Men (aunque está ya se aleja hacía los 60’s), hasta el último producto televisivo que aquí nos convoca a su veda, Mildred Pierce.

Esta mini serie de la HBO es la enésima demostración de la capacidad de este canal de pago para sacar a la parrilla producciones de una calidad intrínseca fuera de toda duda. Mildred Pierce adapta la novela homónima del gran James M. Cain (el Cartero siempre llama dos veces), cuyo manuscrito ya tuvo su trasladación a la gran pantalla en 1945 de la mano de Michael Curtiz y Joan Crawford en el papel de Mildred, por el cual además la actriz obtendría la dorada estatuilla.

Una estatuilla, o al menos la hermana (los globos de oro), que podría recaer este año en Kate Winslet por el impresionante papel que levanta en esta serie, y en cuyo peso recae toda la historia. Todo empieza en 1931, la Gran Depresión empieza a hacer mella en Los Ángeles, y la vida de Mildred se pone cuesta arriba tras divorciarse de Bert, el marido que le engaña con otra. Con dos hijas a su recaudo, Mildred se alza de valor para salir adelante a partir del esfuerzo y el trabajo, hasta alcanzar el éxito. Su vida será un tiovivo de éxitos, fracasos (clásica estructura de caída/ascenso/caída), alegrías, penas y frustraciones, marcados para siempre por la relación que mantiene con su hija Veda; el manto sobreprotector ejercido sobre ella deriva en un odio profundo e inusitado hacía su madre de consecuencias incontrolables.

Esta historia cargada de dolor, traición, envidia, celos, amor, odio, y sufrimiento, viene como de costumbre empaquetada y con el lazo de la HBO, lo que implica un mimo sin parangón en todos los elementos que confluyen en su forma. Hablamos por ejemplo de una dirección artística suprema, un vestuario fidedigno, un diseño de producción ajustadísimo al intervalo de tiempo que retratan los cinco capítulos, una banda sonora a cargo de Carter Burwell (habitual de los Coen), y así hasta hasta completar todos los elementos que puedan intervenir en su elaboración.

Por no hablar de las excelentes labores de interpretaciones de su reparto. A la ya mencionada digna de premios Kate Winslet, hay que destacar a Melissa Leo en el papel de la mejor amiga de Mildred, Guy Pearce como el mujeriego conquistador venido a menos, o Evan Rachel Wood en un papel difícil de borrarse fácilmente como de hija arpía.

Todo esto viene cocinado por un gran chef del melodrama. Todd Haynes ya se desenvolvió a gusto en Lejos del cielo, y con Mildred Pierce se posiciona como la sombra más alargada y próxima al gran Douglas Sirk (pese a que le pese a Almodóvar)

El complejo y asombroso guión, los magníficos diálogos, la exquisita ambientación, y las geniales interpretaciones son los cuatro ingredientes principales de esta nueva delicatessen surgida de los envidiables hornos de la HBO. A degustar a fuego lento, y solo apta para los más sibaritas del comedor.

¿Crisis?… ¿quién dijo crisis en las series de televisión? Si en 2010 hubo algún incremento en la tasa de natalidad la respuesta hay que buscarla en las endorfinas salidas de los rayos catódicos de nuestros televisores. 

El 2011 que empezamos a encarar se presume al menos igual de estimulante y atractivo que el pasado año. Las grandes series siguen allí, y las novedades prometen desbordar nuestras ya cargadas despensas de contenido. Especialmente significativo resulta que hablemos hasta de una producción española. Sí, yo oyéndome a mí mismo tampoco me creo, pero seguir leyendo si tenéis valor para descubrir las series que marcarán el calendario del 2011.

17 de Abril –  Game of Thrones

HBO (Canal +  en España)

La apuesta de la HBO para la primavera es Game of Thrones (Juego de tronos). Una mayúscula producción ambientada en la Edad Media y con Sean Bean como protagonista, que ya ha sido definida por algún iluminado del marketing como Los Soprano de la Edad Media. Games of thrones es la adaptación de la novela del escritor George R. R. Martin.

Mad Men

AMC

Don Draper y la estética sixtie regresan para todos sus devotos en algún momento de este año ¿finales de verano? ¿Los telespectadores asistiremos de nuevo a la caída del hombre moderno, o veremos a un Draper renovado? La respuesta está en manos de AMC y se balancea por la cabeza del genio responsable de todo: Matthew Weiner, un tipo incapaz de decepcionar.

Verano – Breaking Bad

AMC

Con los colmillos afilados esperamos los yonquis de esta jodida obra maestra del noir televisivo la llegada de la cuarta temporada de las cada vez más liadas vidas de Walter White y su buddy Jesse Pinkman. La espera de más de un año se hace, y se hará aún más con los días, eterna. Y con ese “cliffhanger” con el que termino su tercera temporada, no podemos quedarnos con los brazos cruzados mientras el síndrome de abstinencia remita, porque no lo hará.

Luck

HBO (La serie la emitirá Canal + en España)

Mucha atención a una serie con armas tan seductoras para el público exigente como son David Milch (Deadwood) en el cargo de creador, Dustin Hoffman desempeñando su talento en la actuación, y Michael Mann haciendo lo propio en la dirección. Luck adopta la forma de drama deportivo, centrado en el mundo de las apuestas de caballos.

27 de Marzo – Mildred Pierce

HBO (Canal + en España)

Otro must see que nos están horneando desde la cadena responsable del amor (Los Soprano, the Wire, Band of Brothers) es la miniserie Mildred Pierce que estará protagonizada por Kate Winslet y dirigida por Todd Haynes. Con estas credenciales no puedo más que pensar en Yates y su Revolutionary Road.

7 de Marzo – Crematorio

Canal +

Me llena de enorme entusiasmo que podamos recoger entre lo más destacado de este año una producción española. La culpa la tiene Canal + que tras estrenar ¿Qué fue de Jorge Sanz?(el primer proyecto original de la cadena) apuesta ahora por una serie de ocho capítulos con una hora de duración cada uno. Y avalada por la dirección de Jorge Sánchez Cabezudo, director que salió a la palestra tras filmar la encomiable La Noche de los girasoles. Además cuenta con las actuaciones de José Sancho y  Alícia Borrachero. La historia, basada en la novela de Rafael Chirbes, mapea la radiografía de la España de los últimos quince años: la del milagro económico y el enriquecimiento rápido. Una trama centrada en la trastienda de la corrupción urbanística en nuestro país.

Octubre – The Walking Dead

AMC, La Sexta

La última en llegar a la parrilla nos dejó enfilados por las paredes del potencial de su premisa, sus personajes, y su ambientación, pero con un corto recorrido (en referencia a la cantidad capítulos). Por eso ansiamos volver a Seattle con nuestros personajes y disfrutar a lo grande con esta serie de AMC que pasará a suministrarse en dosis de 13 capítulos a partir de finales del próximo octubre.

Falling Skies

TNT

Falling Skies es la serie de invasiones alienígenas apadrinada por Steven Spielberg. La retransmitirá TNT en algún punto incierto del 2011. De momento por el que sabemos de su argumento, una mortal invasión alienígena que combaten un grupo de resistentes, y por la pinta del trailer la cosa pinta más que bien, pero alerta, porque se puede quedar en algo chusco por mucho que el director de Salvar el soldado Ryan ha dado su visto bueno.

Con casi tres años de retraso nos llega el personal y experimental biopic que Todd Haynes dedicó a la figura de Bob Dylan, uno de los artistas más relevantes, respetados, e influyentes de nuestros días. Pero a la vez  siempre ha sido un personaje cambiante, con múltiples registros. Y es precisamente esto lo que le sirve a Haynes para determinar  la estructura de I’m not there.

La película se presenta a través de diferentes capítulos que recogen las distintas etapas del músico, que a su vez están interpretadas por diferentes actores, y actriz.  Así pues podemos ver a Christian Bale en el papel del joven cantante cuando era el abanderado del folk, o a Cate Blanchett haciendo gala de una enorme capacidad interpretativa para copiar los gestos, dicción y actitud de un Dylan insolente y vividor en su etapa rockera. O incluso hay momentos para el actor de color Marcus Carl Franklin haciendo del cantante de Minnesota en su niñez, o un Richard Gere en una especie de homenaje a su intervención en Pat Garrett & Billy the kid, que le sirve a la vez, para ilustrar el retorno del músico a sus raíces musicales.

Ante esta enrevesada telaraña de actores y etapas musicales, Haynes construye a su gusto, pero con admirable criterio, una película que intenta acercarse al mito desde una perspectiva lejana, podríamos decir que hasta fantástica (no estamos ante un  nuevo No direction home, pero sí que el documental de Scorsese parece servir de referencia para impregnar de veracidad el relato, sin ser ese el objetivo). No se busca ni el realismo, ni el rigor al explicar su vida, simplemente se repasan sus edades más significativas a través del imaginario visual planteado por su director. Y resulta paradoxal, que con ello, el espectador se acerca de manera muy acurada a las motivaciones, raíces y consecuencias que parecen haber marcado las diferentes vidas de este cantautor imprescindible.

Además para enmarañar más la propuesta, y complicar su estructura interna, pero con un resultado muy inspirador, su director opta por una línea variable, no hay una trama secuencial ni cronológica de los hechos, sino constantes saltos en el tiempo.

Sólo por su estupenda banda sonora, cargada de temas del hombre sobre el que gira la historia y de fantásticos covers de Calexico, Jim James, Anthony y Sonic Youth, entre otros, la espera ha valido la pena. Pero además supone una de las últimas oportunidades, por no decir la última, de ver a Heath Ledger en el cine, interpretando a Bob Dylan en otra de sus etapas.

I’m not there es un filme altamente recomendable para los devotos del cantante de “Blowin’ in the wind”, y que lo más probable, es que muchos de los no melómanos, sepan también encontrarle su interés y potencial en la arriesgada y experimental mirada propuesta por su atrevido director.

Intenso fin de semana de estrenos este que se inicia hoy viernes 19 de febrero. Empezamos el recorrido de recomendaciones por el estreno más inesperado por su alargada sombra en nuestra cartelera; la película I’m not there se estrena en nuestro país con más de dos años de retraso. El filme pretende dibujar un perfil del cantante Bob Dylan a través de la personal mirada de Todd Haynes, y el aporte de diferentes actores interpretando al legendario músico de Minesota en diferentes etapas/personalidades de su vida. Del todo inexplicable que esta cinta que trata sobre uno de los músicos esenciales de la música popular y protagonizada por actores de la talla de Christian Bale, Cate Blanchett, Richard Gere, Julianne Moore, o el fallecido Heath Ledger, llegué a estas alturas a nuestras pantallas. Uno de esos inverosímiles sucesos que atañen a las distribuidoras de nuestro país, y sólo ellas parecen comprender (al menos, eso quiero pensar).

Pero este fin de semana también llega, con la puntualidad que precede a un estreno mundial, la nueva película del admirado Martin Scorsese. El director de Malas Calles regresa con Shutter Island,  un thriller psicológico con altas dosis de intriga, y alguna gota de terror. La película nos sitúa en los años 50, a través de dos investigadores (Leonardo Di Caprio y Mark Ruffalo) que son enviados a una remota isla para investigar la misteriosa desaparición de una asesina del hospital psiquiátrico de Ashecliffe. A Di Caprio y Ruffalo los acompañan Ben Kingsley, Emily Mortimer y Michelle Williams. El guión se basa en la novela homónima de Dennis Lehane, el autor de Mystic River.

Y por si estos dos filmes no nos han marcado suficiente nuestra agenda para el fin de semana, llega otro retraso de casi un año. El solista es el último filme de Joe Wright (Expiación), en él se nos narra la historia real de Nathaniel Ayers, un famoso violinista que en su segundo año de conservatorio desarrolló esquizofrenia y terminó mendigando por las calles de LA., allí un periodista de Los Angeles Times lo conoció y sacó a la luz su historia, que centra el relato de esta película. En su momento sus dos intérpretes Jamie Foxx y Robert Downey Jr. sonaban fuertes para las nominaciones a los Oscar, pero tal y como se ha visto, no ha sido así.

Buen fin de semana de cine.