Llegamos una vez más al final de la semana con la mirada y el pensamiento abstraído en los planes que se avecinan para los próximos días. Uno de ellos pueden ser las propuestas cinematográficas que venimos recopilando cada viernes en esta sección. Para este último viernes de noviembre nuestra recomendación cae para el David Cronenberg adiestrado de Un método peligroso. El de Videodrome regresa con un estilo de drama de época para relatarnos este triangulo real entre Freud, Jung y Sabina Spielren, apoyado en los trabajos de Viggo Mortensen, Michael Fassbender y Keira Knightley, y con una factura sobria y elegante propia de la obra de James Ivory. (Para más señas, aquí podréis encontrar su crítica)

Otro de los estrenos destacados de la semana es la argentina El gato desaparece del prestigioso director Carlos Sorín. Esta vez el autor de Historias mínimas nos propone un desarreglo entre un matrimonio, después de que él, tras ser ingresado por un repentino brote psicológico, regrese al hogar al lado de su esposa. Su mujer se debate entre la alegría y el temor de vivir otra experiencia ingrata. Sorín no empuja su propuesta hacia ningún molde definible, más bien la deje campar sin demasiado rumbo, y eso termina un poco por acusarlo la película, pese a la buena base de la que parte.

Turno hoy también para La puerta de no retorno. Documental firmado por el ganador de un Goya de mejor director revelación Santiago A. Zannou en la que sigue el viaje real de su propio padre a su país natal, Benín. La cámara recoge los miedos y las mentiras a las que se enfrenta su padre en este viaje de redención.

De la Alemania de Merkel nos llegan dos propuestas en formato largometraje. Por un lado el drama Si no nosotros, ¿quién? que dirige Andres Veiel y se ambienta en la Alemania de principios de los 60. Y la otra propuesta germana es Todo un hombre. Comedia romántica dirigida por Matthias Schweighöfer sobre los encuentros y desencuentros amoroso de un tipo blandengue al que su novia lo deja por su vecino más viril.

En el plano más comercial llega el Gato con botas. Spin-off de la saga de Shrek, en la que se recupera al personaje del gato con botas para insertarlo en una película con elementos de la animación Dreamworks y la coletilla del 3D como reclamo extra.

Terminamos con la producción francesa Premonición, con fecha del 2008. Un filme de intriga sobre un hombre de éxito profesional, pero vida privada problemática, que tras el divorcio de su único amor, conoce a un misterioso doctor que afirma poseer facultades para percibir la proximidad de la muerte. Romain Duris, John Malkovich y la lostie Evangeline Lilly interpretan al trío protagonista. Dirige Gilles Bourdos.

No puedo despedir sin antes anunciar un evento novedoso que corre a cargo de los Cines Renoir y la distribuidora Alta Films, y que incumbe a la sala Princesa en la capital y los Floridablanca en Barcelona. Bajo el nombre de Semana de festivales los responsables de esta cadena de cine han tenido el sugerente plan de recuperar para su proyección algunas de las películas más importantes que han pasado por los circuitos de festivales. Así pues los preestrenos exclusivos que pasarán son películas con el pedigrí festivalero de The Artist, Tyrannosaur, ¿Y ahora, adónde vamos? y Take this Waltz.

Las proyecciones se exhibirán por el tiempo de una semana, y empiezan ya este fin de semana en los cines Princesa de Madrid (y hasta el 1 de diciembre), y en los cines Renoir Floridablanca de Barcelona lo harán a partir de la semana que viene, y hasta el día 8. Inmejorable plan para la cinefilia más inquieta.

Es como mínimo sorprendente ver hasta dónde le ha llevado a David Cronenberg el cambio de rumbo que emprendió hace seis años con Una historia de violencia. Durante los últimos años  el director canadiense parece haber dejado aparcado su universo críptico, las atmósferas malsanas, los personajes aislados, la fusión entre carne y materia inorgánica, las metamorfosis físicas y psicológicas, en definitiva ese cine amparado bajo el género fantástico, y que le conllevó una reputación  de autor inclasificable e insobornable.

No obstante hay otros elementos de su cine que han permanecido intactos a lo largo de toda su trayectoria fílmica; por ejemplo la exploración de las pulsiones primarias en el ser humano, en concreto, la conducta violenta y la sexual. Si en sus dos últimas películas (Una historia de violencia y Promesas del Este) aferraba su mirada sobre la violencia guiándose bajo un esquema propio del cine negro más contemporáneo,  ahora lo hace sobre el sexo en su última película, Un método peligroso.

El director de La Mosca anda inmerso en nueva etapa que sigue recorriendo algunas de sus constantes pero bajo un envoltorio muy diferente. Una etapa más transparente, no tan encriptada, donde su cine ha optado por una reformulación del patrón formal, que ahora tiende hacía postulados más clásicos, más académicos, y que un Un método peligroso confirma como su propuesta más acentuada en ese sentido.

De hecho, si nos centráramos exclusivamente en su forma, el último Cronenberg pondría venir firmado por Joe Wright o James Ivory, ya que su puesta en escena clásica, de aire inglés academicista, navega por la misma elegancia, belleza y delicadeza que las películas de los directores citados.

Pero a diferencia del cine de tradición de época británico, Un método peligroso presenta un discurso plenamente contemporáneo, arriesgado y provocador. Mediante los acontecimientos reales que incumbieron a Carl Gustav Jung (Michael Fassbender), su mentor Sigmund Freud (Viggo Mortensen) y Sabina Spielren (Keira Knightley) explora los instintos sexuales, la fragilidad con la que los afrontamos, las convenciones sociales como barreras para contener la libido, el riesgo de la ética profesional, y otros asuntos de calado psico-sexual y social.

Complejo, e interesante trasfondo para una historia que Cronenberg no acaba de tallarla con el ajuste más adecuado.  El director de Promesas del Este se encapricha con el hueso psicológico y teórico, y pierde de vista (especialmente en la segunda parte de la película) los mecanismos narrativos y su ritmo. También entorpece la impresión global, esos saltos genéricos entre el melodrama romántico y el drama  de carácter biográfico mediante elipsis temporales recurrentes y engrasadas con poca suavidad.

A su favor, juega con un elenco actoral que sobresale con las composiciones que elaboran de esos personajes reales. Descartando a una Keira Knightley que le pone el empeño, pero le resulta muy insuficiente, para llegar a compararse con sus  compañeros de reparto, que demuestran, una vez más, su innato talento para la interpretación. Así lo hace Vincent Casell con su breve papel de Otto Gross, lo demuestra Michael Fassbender en la piel del psiquiatra Jung, y vuelve a brillar por enésima vez Viggo Mortensen en otra demostración del talento especial  que le permite mutar de un personaje a otro y salir siempre con la cabeza bien alta. En ningún momento el espectador parece encontrarse delante del actor que encarnó a Aragorn, sino en una fidedigna representación del padre del psicoanálisis (a pesar de que sus físicos no parezcan de lo más parecido)

Un método peligroso supone la constatación definitiva de la nueva etapa en la que anda inmersa su cineasta. Es ésta su película de factura más clásica, con menos presencia (por no decir, nula) de su contundente imaginario visceral, la tejida con más sobriedad (queda ya presente en cómo filma las escenas de sexo), y el resultado, sin desestimar, resulta algo dinamitado por la ambición que subyace en su enmarañada disertación, unido a ciertas inconveniencias de ritmo, y por la sensación de venir firmada por otro tipo. No por el mismo que nos sacudiera con Crash o Promesas del este.

David Cronenberg se ganó por derecho propio formar parte del reducido grupo de cineastas contemporáneos más estimulantes y atractivos con propuestas del calibre de Promesas del Este o Una historia de violencia. Por eso, fijamos nuestra total atención al trailer de lo que es su último proyecto: A Dangerous Method.

Invadido por el espíritu de James Ivory y Christopher Hampton (autor del libreto en el que se inspira), Cronenberg se embarca aquí en una historia basada en hechos reales que describe la relación entre el joven psiquiatra Carl Jung, su mentor Sigmund Freud y Sabina Spielrein. Una exploración de la mente, la sensualidad, la ambición y el engaño que se enmarca en los albores de la I Guerra Mundial.

Además el director de La Zona Oscura se ha rodeado de un reparto de auténtico lujo encabezado por Viggo Mortensen en el papel del famoso psicólogo, Michael Fassbender (omnipresente Fassbender) como Jung, y Keira Knightley y Vincent Casell en sendos papeles de relevancia.

Y tras ésta, le seguirá la adaptación de Cosmopolis del novelista Don DeLillo. Bien por el sr. Cronenberg

No es precisamente Cormac McCarthy un autor fácil de adaptar al cine. Su pesimismo ante el hombre, y su entorno, ya impactó por su crudeza y violencia en No es país para viejos, novela adaptada por los hemanos Coen y con la cual se alzaron con el Oscar. Ahora se adapta su novela ganadora del Pulitzer (2007), donde McCarthy nos sumerge en el dolor de una naturaleza desposeída de cualquier atisbo de humanidad , luz o color, y de la violencia que surge de este ambiente. En La carretera omite explicarnos que el mundo se está yendo a pique, el pesimismo de McCarthy va un paso más allá, al presentarnos un mundo post-apocalíptico, consumido por la ceniza que surge del fuego y la muerte.

McCarthy en su novela se recreaba en describirnos, con una prosa asfixiante pero tremendamente absorbente, el deambular de un padre y un hijo que se dirigen al sur, al sur del infierno terrenal, y precisamente, ese recorrido descriptivo, emocional y atmosférico es el que propone Hillcoat en su película. Como ya ocurría en la novela, en todo el metraje no se aprecia  ningún atisbo de esperanza para sus dos protagonistas, ni para la humanidad sumida en la extinción, el canibalismo, y el instinto de supervivencia más básico. Puede que sea este mensaje tan apocalíptico y aterrador la razón de la incomprensible ausencia del filme en la próxima gala de los Oscar.

El desconocido por estos lares John Hillcoat ha respetado rigurosamente la intención y ambiente de  la novela, hasta el punto, que en ciertos momentos, pondera el ritmo narrativo de McCarthy al ritmo intrínseco que se presupone a un filme de 108 minutos. No obstante la labor del director por acercarse a ese ambiente demoledor y oscuro que McCarthy nos hace respirar, oler y tocar en su novela, es admirable. Para ello no sólo se sirve de un mayúsculo trabajo de producción, dirección artística y brillante fotografía de Javier Aguirresarobe, rica en matices, pese a la tonalidad grisácea que envuelve todo el metraje, exceptuando esos sublimes parajes del personaje de Viggo al lado de su mujer y madre del chico. Es precisamente a raíz de uno de estos sueños donde el filme da una de sus patadas al estomago utilizando una sobria voz en off; es cuando el personaje de Viggo Mortensen suelta, recordando cómo ayuda a calmar y arropar las inquietudes de su hijo ante un panorama tan salvaje, algo como: “los que luchan por sobrevivir sueñan con cosas malas, los que ya no tiene nada con lo que vivir sueñan con cosas buenas”.

El director de The Proposition también acierta al plasmar en imágenes la iconografía propuesta por McCarthy, no es casualidad que los personajes deambulen como dos homeless por el extenso, y en su día, rico territorio norteamericano, no es casualidad que frecuenten supermercados, gasolineras y otros símbolos de la opulencia occidental, ni que sus cuerpos se muevan por los escombros iconográficos que marcan el paisaje norteamericano mientras arrastran un carrito de la compra con sus escasos víveres. Ahí radica la garra del mensaje catastrofista del autor, poco importa el origen o la causa del cataclismo que ha llevado a esa situación desesperada, aquí lo importante es observar las consecuencias y ver cómo ese entorno hacer aflorar lo peor y lo mejor del ser humano. Por un lado el paternalismo extremo del padre con un hijo que nunca verá un mar de color azul, o la inocencia de un niño que aún tiene esperanza y confianza, pero por otro lado, la hostilidad del entorno ha hecho aflorar grupos de caníbales peligrosos, que acertadamente, se presentan como un macabro experimento entre los guerreros de Mad Max y los rednack de la América profunda. Puede que los encuentros entre padre e hijo con los caníbales sean los momentos de más tensión y más álgidos del filme, una lástima que hacia el tramo final desaparezcan estos sublimes y terroríficos encuentros.

Pero la trama donde realmente incide es en la emotiva historia de un padre con su hijo, llegando incluso en algunos parajes a recrearse en exceso. Un padre cuyo única llama interior que le queda en la vida es luchar y defender a su hijo del entorno hostil. Un padre cuya congoja de ver perder al único ser querido que le queda sobre la faz de la tierra lo atormenta por el día, por la noche si logra conciliar el sueño, sueña con un pasado bonito y luminosos (mal presagio). Pero a la vez nos explica cómo el padre intenta transmitir al hijo ciertos valores, y sobre todo, motivos y fuerza para seguir viviendo el día en que él ya no esté. Es esa ternura recíproca la única rama que brota en The Road. De hecho es complicado ver a sus demacrados y chupados personajes reír o emocionarse.

Sobre la interpretación de Viggo Mortensen habría que dedicar un solo párrafo intentando esgrimir las razones porque la Academia de cine tendría que haberle nominado otra vez para el Oscar al mejor actor. Pero diciendo que su actuación mantiene un nivel parejo al que demostró en Promesas del este, espero dejar clara la idea. También se merecen una mención honor, las escuetas pero potentes intervenciones de Robert Duvall, Guy Pearce o Michael Kenneth Williams. Y una sublime Charlize Theron en esa madre atormentada por el trágico hecho de dar a luz a un hijo que deberá sufrir en un mundo destruido.

A nivel artístico también hay que destacar la pincelada cromática que consigue la música de Nick Cave y Warren Ellis, pese a hacerse en ocasiones reiterativa y demasiado obvia. A nivel global el trabajo de este dúo, se sitúa  un paso inferior que su anterior colaboración para El asesinato de Jesse James.  

La carretera no es un filme de digestión suave, ni lo pretende ser. La película de Hillcoat evoca un  mundo de horror y destrucción, y lo hace con un estilo visceral, apresador y desgarrador.  Su trama remite a una pesadilla universal, al miedo colectivo de quedarse uno sólo en el mundo, por eso el espectador se llevará una desilusión si cree que se encontrará una versión teñida a gris de la muy decente Yo soy leyenda. No, en La carretera no hay espacio para la acción, los villanos de esta catástrofe son tan reales que su presencia aterra, y el héroe es un padre médico que sólo piensa en su hijo. Su ritmo no lo lleva el peso de la acción, algo que podría haber controlado algo mejor su director, sino el peso dramático de esta pareja en una aventura épica que se mueve en los cauces de la road movie.

Podríamos estar hablando de una obra completa si no fuera por esa licencia final respecto al libro, que nos muestra un rayo de luz al horizonte en un hábitat donde no se filtra la luz. Sin duda la angustia dañina del final de libro de McCarthy era cargar demasiado el estado anímico de los espectadores.