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Festivales

Festival de cine de Londres 2016: jornada VI

posted by Alberto Varet Pascual 14 octubre, 2016 0 comments

En la sexta jornada de festival lo mejor fueron las entrevistas con Eugène Green y Albert Serra que ya se publicarán en su día. Por lo demás, decepciones y grandes películas se dieron la mano sin que hallásemos algo verdaderamente excepcional.

Lo and behold, reveries of the connected world – Werner Herzog

De esperanzas y miedos futuros

Lo and behold

Werner Herzog es un extraordinario documentalista. Su talento radica especialmente en una curiosidad que le hace escoger pintorescas temáticas que luego aborda con una marcada personalidad. Su último logro, Lo and Behold, Reveries of the Connected World, trata de arrojar luz sobre esa maraña de información llamada Internet: qué es, cuándo surgió, por qué y para qué, cómo nos afecta, de qué manera ha cambiado el mundo y de qué modo va a seguir haciéndolo.

Como buen humanista, a Herzog lo que más le interesa es el lugar del hombre en todo este tinglado: aquí hay tiempo para el regocijo, pero también para el dolor y el miedo. Asimismo para una esperanza no exenta de dudas, como vemos en el episodio consagrado a un coche de un futuro muy cercano que nos permite soñar con una vida próxima tan fácil de vivir como sencillamente hackeable.  

Las entrevistas, como es habitual con el autor de Fitzcarraldo, son magníficas: el respeto máximo al entrevistado no es óbice para rehuir el humor y la socarronería marca de la casa. Unos diálogos iluminadores que se dan la mano con unas imágenes misteriosas, en algún momento hasta abstractas en su contacto con El Anillo de los Nibelungos y siempre pertinentes.

En verdad es mucho más lo que desconocemos que lo que conocemos de nosotros mismos, parece venir a decirnos Herzog. ¿Cómo saber entonces qué trae una tecnología que es la extensión lógica de nuestro misterio? ¿Cómo abandonarnos a ella y olvidar nuestra conexión ancestral con la madre Tierra? Lo and Behold es una película inquieta que forma un sugestivo programa doble con Voyage of Time, la otra obra del festival con ánimo de interrogarse por nuestro lugar en el planeta que todo nos lo ha dado y al que hemos olvidado.

 

A quiet passion – Terence Davies

Un peligroso proceso de clausura

En Sunset Song, su anterior película, Terence Davies dibujaba desde los gestos cotidianos en el hogar el antes, durante y después de una guerra. Allí, su personaje principal pertenecía a un universo audiovisual abocado al desastre. Un año más tarde, el autor de The Deep Blue Sea regresa con A Quiet Passion, un film que supone una interesante evolución en lo tocante a la relación entre la protagonista y el espacio, pues ésta ya no puede formar parte del mismo.  

Como todos sabemos, la realización es un biopic de la poetisa Emily Dickinson. Sin embargo, Davies no está dispuesto en modo alguno a dejarse arrastrar por las convenciones del género: su obra no está tan interesada en descubrirnos quién era la escritora norteamericana o cómo fue el tiempo que le tocó vivir como en atrapar una verdad inherente a la soledad del creador, lo que le permite al responsable de Of Time and the City hallar una forma fascinante de abordar sus obsesiones en la condensación de un sufrimiento que crece en silencio en el interior del personaje principal.

El director inglés despliega de nuevo su habitual elegancia en la puesta en escena para tratar de enclaustrar unas emociones que estallan en auténticas cimas expresivas. Pero algo se lleva consigo el proceso: son demasiados los instantes donde su potencial para hacer palpitar sentimientos subterráneos no aparece, de manera que el film recuerda en su dispositivo a La muerte de Louis XIV, de Albert Serra, aunque con un discurso muchísimo más disperso, por más que la elegancia de sus imágenes sea mayor.

 

Hermia & Helena – Matías Piñeiro

Sin querer matar al padre

Hermia & Helena

Puede que sea el cansancio acumulado, pero este cronista ya no puede con según y qué películas. Matías Piñeiro tiene un gran tirón en buena parte del sector de la crítica más exquisita. Siento no poder compartir el entusiasmo, y más aún que su última obra no vaya a cambiar este punto de vista. Más bien lo contrario.

Porque Hermia & Helena es la enésima muestra de un cine joven que mira a la Nouvelle Vague sin pretender si quiera matar al padre. Está claro que las sombras de Godard, Truffaut o Rohmer son inesquivables en el audiovisual contemporáneo. Tan claro como que las manifestaciones rompedoras con la vieja tradición son posibles.

En la agenda de Piñeiro, sin embargo, no está acabar con esos lazos. Juguetea con aquella memoria, sitúa su cinta en Estados Unidos como si de un sueño cinéfilo se tratase, dibuja idas y venidas en un relato que, en verdad, no existe… mas nada de esto fructifica en algo realmente nuevo o poderoso. Son gestos más vistos que el tebeo. Acaso haya algo un poco interesante en lo tocante a unos diálogos que se pisan entre sí, como si llegasen de una mente, lo que empuja al espectador a leer la cinta cual boceto de posibles filmes. Si es así, aclaremos que es poco el premio para tanto sufrimiento.

 

Porto – Gabe Klinger

Cine orgánico para filmar la piel

Rodeado de buena gente (como Jim Jarmusch en la producción ejecutiva), el crítico y programador Gabe Klinger debuta en la ficción con Porto, una historia de amor y desamor situada en Oporto y filmada en soporte analógico (35mm., 16mm. y Super8).

Los problemas de la obra se manifiestan pronto: el uso de los diversos formatos responde a razones tan banales como vistas, como la elección del Super8 para la memoria lejana (como en París, Texas), la del 16mm. cuando se pretende narrar una ruptura y el 35mm. si lo deseado es hablar del presente o el amor. Por otro lado, da la sensación de que el director quiere a cada paso dejarle claro al espectador de que se trata de una carta de amor al cine escrita desde el estricto conocimiento de causa: Linklater, Wenders, Eustache u Oliveria son evocados, entre otros, desde la repelente mirada de quien se sabe un cinéfilo de pro.

Con esto en cuenta, no es de extrañar que a uno se le antoje el film durante su primera hora una pijada, por mucho que el que esto escribe sea un arduo defensor de la película física. Eso sí, cuando la esperanza ya estaba perdida, Klinger se adentra en los territorios del sexo, y en esa relación entre la carnalidad y la naturaleza orgánica del material fílmico encuentra un poderoso discurso cincelado bajo unas luces bajas que dan un grano sólo factible cuando se trabaja en analógico. Una pena que el resto de la cinta no viaje en esa dirección.


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