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Vt p5 Tribeca Film Festival 2015: Crónica final | El Destilador Cultural
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Tribeca Film Festival 2015: Crónica final

posted by Marc Muñoz 28 abril, 2015 0 comments

Dixieland

Seguimos con el recorrido por la abultada programación del Festival de cine de Tribeca que concluía domingo con un bagaje pobre en la sección de ficción, pero sumamente interesante en la de documental. Algo que ya denota un palmarés ciertamente discutible, que premió una cita tan olvidadiza como Virgin Mountain, y el interesante documental Democrats, sobre el proceso de escritura de la primera constitución “democrática” en Zimbabwe bajo mandato de Robert Mugabe. Por su parte la audiencia se decantó por Jack Kill en ficción, y por la tremenda historia humana recogida en Transfatty Lives en documental.

Dream/Killer fue otro de los documentales más perdurables que se pudo ver en el festival. La cámara de Andrew Jenks estudia uno de esos casos de flagrante incompetencia en el que la justicia norteamericana envía a un chico inocente de 19 años a pasar diez años entre rejas. La pieza resigue la investigación policial, y los pertinentes juicios que llevaron a Ryan Ferguson a prisión pese a la falta de pruebas y evidencias. Con su hijo encerrado, el padre del chico se convierte en un verdadero padre coraje con la misión de recuperar la libertad de su ser querido. Una mezcla entre The Jinx y Los 3 de Memphis que hace hervir de rabia y perplejidad la sangre del espectador ante unos hechos tan increíbles como aterradores.

Man Up es otra de las dosis cómicas que han servido para mejorar el sinsabor del lote de ficción presentada por los organizadores del certamen neoyorquino. Esta comedia romántica arranca con un malentendido que lleva a la permanentemente soltera Nancy a tener una cita con un encantador extraño, dando lugar a una serie de fases de diversión, malentendidos y frustraciones. Ben Palmer compone un material muy arquetipo de la comedia romántica, con un tono incluso extremadamente bien intencionado, pero también logra sonsacar mucho humor de ese esquema, especialmente cuando opta por salirse del guión, y con el impulso que le ofrece la notable química que sale de Lake Bell y Simon Pegg.

The Wolfpack

Precedido por su estela ganadora en el pasado Festival de Sundance, desde donde se llevó el premio al mejor documental, The Wolfpack no decepcionó en su paso por NY. Crystal Moselle tiene una carta ganadora desde que una tarde inesperada se cruzará con los siete hermanos que captan el foco de esta obra. Los mismos que habían permanecido encerrados en su apartamento del Lower East Side durante la mayor parte de su infancia y adolescencia por orden de su padre. Etapa que se pasaron viendo y recreando películas como única vía de escape de esa prisión familiar. Con un material tan suculento y potente, es realmente difícil no hacer una pieza cotizable, que mantenga al espectador agarrado ante la sucesión de hechos que se narran desde este inverosímil ecosistema dentro de la ciudad de NY. La excéntrica personalidad propia de unas personas con escaso contacto social ayudan a afianzar ese interés que resume el filme, solo se echa en falta mayor valentía de Moselle para explorar todos los recovecos de la historia, y aportar algo más de su sello, tanto a nivel de contenido como de estilo.

Otra pieza de no ficción a la que tener en mucha consideración es  A Nazi Legacy: What our fathers did. En esta David Evans se acerca al triangulo de amistad improbable entre Philippe Sands, un reputado abogado judío especializado en derechos humanos, y los dos hijos de dos famosos criminales de guerra nazi. A través de éstos, y de la exploración de los fantasmas de su pasado, la cinta indaga en el sentimiento de culpa que arrastran los dos hijos de criminales del genocidio nazi , y sobre las diferentes manera de posicionarse que adoptan los dos sujetos: uno avergonzando y rehuyendo de la sombra de su padre, mientras que el otro defiende su honra y lo excluye de culpa aludiendo ser una víctima más del sistema nazi.

Woundrous Bocaccio es la última incursión cinematográfica de los hermanos Taviani, que para la ocasión adaptan El Decameron de Bocaccio. Diferentes relatos, algunos más preciados que otros, que los jóvenes refugiados en una pequeña villa de Florencia utilizan para mantenerse alejados anímicamente de la devastadora plaga de peste que azota la ciudad de la Toscana. Una puesta en escena teatral, un tono marcadamente clásico que se aleja, no en lo teatral, de la propuesta de César debe morir,  componen el esqueleto formal de este estimable trabajo.

Dixieland supone el debut tras las cámaras del joven Hank Bedford. Quien parte de la historia de un chico que acaba de salir de la cárcel con la intención de empezar de cero mediante la ayuda de una chica de las que se ha enamorada Sin embargo las circunstancias lo vuelven a encaminar hacia los mismos caminos que lo llevaron a cumplir condena. Bedford puede vanagloriarse de capturar con dotado realismo el modo de vida de la white trash de un pueblo de de mala muerte del sur de los Estados Unidos, hasta el punto que en algunas fases, opta por mezclar la narración de la ficción con testimonios reales de los personajes que habitan esa localidad, y que le sirven de inspiración para dibujar unos personajes que rezuman autenticidad, pero a quien les falta una historia más trabajada, que seduzca y contagie al espectador. Pese a todo, más que interesante obra con puentes de unión con Malas tierras y Cruce de caminos.

Grandma de Paul Weitz es otra de las comedias que pasan el corte medio del programa. Y lo hace porque es una comedia familiar sin demasiadas pretensiones, armada al en torno de esa abuela carismática y de armas tomar a quien da respuesta Lily Tomlin. Su historia arranca cuando la nieta adolescente de ésta acude a ella para pedirle ayuda para costear un aborto, a partir de aquí ambas se embarcan en una jornada de descubrimiento, anécdotas y encuentros divertidos. El autor de American Pie utiliza una carcasa simple,  con humor e intenciones demasiado ajustadas a lo políticamente correcto, pero en ello va implícito su meta de querer entretener al mayor número de gente, y en ese sentido se acerca bastante a su objetivo.

Algo que ni por asomo alcanza el despropósito edificado por Neil LaBute en Dirty Weekend. A medio camino entre la comedia y el drama existencial se sitúa una de las obras más plomizas del festival. LaBute dirige sin rumbo un filme en el que fallan todos los elementos, empezando por la  química entre la pareja que configuran Matthew Broderick y Alice Eve atrapados en un fin de semana en Alburquerque, pero seguido muy de cerca por una fotografía pobre, una dirección artística feísta, un guión que avanza dando tumbos, y sin ningún atisbo de gracia que pueda extraerse de sus diálogos o situaciones planteadas.

Palio

Palio es uno de esos documentales que con una premisa no demasiado prometedora ni profunda consigue armar una pieza que resulta de lo más satsifactoria. Cosima Spender captura las alocadas e intensas carreras de caballos que tienen lugar en la plaza mayor de Siena dos veces al año. Una competición que goza de una afición entusiasta, y que para algunos, los jinetes y equipos a su alrededor, supone la cita más importante del año. Ganar la carrera se entiende como un acto heroico, y el ganador es recibido con honores. Sin embargo, perderla se considera una ofensa, y al jinete un traidor. En ese ambiente de sentimientos a flor de piel, la cámara de Spender descubre todo el submundo que hay detrás de las carreras: alianzas, amaños, grandes sumas de dinero y hasta corrupción. Junto a esa desconocida visión, Palio consigue su mayor firmeza a través de una magnífica forma, que homenajeando al spaghetti western, encuentra el envoltorio perfecto para acoger ese mundo frenético, apasionante, y loco.

Otro de los documentales que dejó una alargada huella en las retinas de quien escribe fue Cartel Land. Matthew Heineman se adentra en la boca del lobo para capturar la pesadilla generada por la lacra del narco terror en la provincia de Michoacán. El realizador norteamericano centra sus esfuerzos en el padre Mireles, líder de las autodefensas de Michoacán y a través de su recorrido peinando la zona en búsqueda de miembros de los peligrosos carteles, vamos viendo como esa organización de ciudadanos honestos hartos de que el gobierno les dé la espalda ante una situación tan calamitosa, se va pudriendo, y con ello, reproduciendo algunas de las prácticas que precisamente combatían. Una mirada a la tierra más salvaje de Méjico, y con ella, una radiografía de la lacra de la corrupción, y a la propia condición humana. Quizá lo único a recriminarle a este valiente, furioso y arriesgado trabajo, es todo el metraje dedicado al grupo de civiles norteamericanos, que desde el otro lado de la frontera, en Arizona, dan caza a los inmigrantes mejicanos que buscan el “sueño americano”. Pese a la unión con el núcleo temático, y a los grandes personajes entrevistados, todo este tramo parece algo desvinculado del material central, como si distrajesen al realizador de su verdadero objeto de estudio, y la principal fuente de interés.

Mojave báscula entre el thriller y la comedia negra, quedándose en un punto intermedio desajustado. William Monahan, guionista de Infiltrados, es el responsable de dar vida a esta historia de dos personajes que se cruzan en el desierto, cada uno con intenciones muy distintas, y cómo eso pondrá en peligro la vida de uno de ellos, quien resulta ser una estrella de Hollywood. Hay muchas lagunas insalvables en la película,  Monahan procura taparlas con notas de humor, las que sirve un Oscar Isaac en el papel del lunático de la función. Pero ello no resulta suficiente en un transcurso en que el espectador se pregunta demasiadas veces por el sentido de lo que ocurre delante de sus ojos. Tampoco ayuda a alejar  esa sensación de filme renqueante debilitado por la inconsistencia de ideas, un continente vacío y simplón, que abusa de las lens flares y del contraluz.

King Jack, ganadora de premio de público a la mejor película, es un drama sobre la adolescencia visto reiteradas veces, pero que aún así, termina ganándose un hueco en los corazones más melancólicos. Chico del suburbio de familia monoparental que sufre el bullying de un chico mayor mientras descubre las primeras notas del amor, es un esquema tratado en cantidad de películas, pero no hay que desmerecer la consistencia formal aplicada por Felix Thompson, quien a través de la fotografía, las actuaciones, los movimientos de la cámara y la música consigue transportar al espectador a esos estadios de fragilidad y descubrimiento tan placenteros de nuestra juventud.

Wannabe

Ambientada en el Nueva York del fin de la era John Gotti, Wannabe sigue las andanzas de un don nadie del Queens cuya única meta es convertirse en un gánster. Pero si el personaje Ray Liotta cumplía ese mismo sueño en Uno de los nuestros, de la que el festival conmemoró su 25º aniversario en la gala de clausura, el protagonista de esta película no solo no lo alcanza sino que se ve abocado a una historia de destrucción al lado de su compañera, a quien interpreta Patricia Arquette. Erigidos en una especie de Bonnie & Clyde de poca monta que se lanzan a la peligrosa carretera de las drogas y el crimen contra el crimen organizado. Apuntes interesantes, personajes bien construidos, para una película por encima de la media del festival, aunque a millas de los clásicos a los que aspira.

Toto and his sisters del rumano Alexander Nanau es uno de esos documentales sociales que impide la circulación natural de aire por nuestros pulmones. No le tiembla el pulso a Nanau para seguir la descarriladas vidas de estos niños de un barrio marginal de Bucarest que aprenden a sobrevivir sin la madre que cumple condena en prisión y en un piso insalubre utilizado como refugio de yonquis que acuden a chutarse heroína. Un documento desalentador, hiriente y demoledor, que golpea al estomago con la misma intensidad que el síndrome de abstinencia lo hace para el drogadicto. Es como recuperar Christiane F, pero con la gran diferencia que todo lo que ocurre delante de la cámara es dolorosamente real.

Andrew Niccol regresa  a la dirección con Good Kill, un drama fallido alrededor de un piloto de cazas en depresión desde que su nación decide aplicar lo de la guerra invisible a través del uso de drones. El hecho de no poder pilotar y pasarse las horas encerrado en un cubículo en una base militar de Las Vegas matando a supuestos terroristas y a inocentes civiles a miles de kilómetros lo precipita a un tormento que pagará su mujer, a quien interpreta una radiante January Jones. Aunque la película de Niccol se despliega como un supuesto alegato en contra de la política internacional de los EE.UU, es más una defensa de los militares honestos que otra cosa. Y lo más crispante, es que Niccol simplifique su visión a un nivel que roza lo absurdo, convirtiendo el mainierismo en su aliado principal. Un Ethan Hawke con dos únicos registros tampoco ayudan a salvar esta película olvidable desde el mismo momento que se abandona la sala del cine.

Por suerte la última jornada de festival brindó lo que todo el Tribeca no consiguió…encadenar un puñado de visionados sugerentes e imborrables. Quizás la mayor sorpresa fue Maggie, una cinta cuya premisa ha sido explorada en infinidad de ocasiones por el género posapocalíptico con invasión zombie de por en medio, pero que aquí logran insuflar aire fresco gracias a un enfoque peculiar. Arnold Schwarzenegger se pone en la piel del preocupado padre que se ve incapaz de atajar el virus que está sucumbiendo a su hija, con la misma furia, que lo está haciendo sobre la mitad de la humanidad. Pero en lugar de centrarse en el mundo exterior y en el reiterado relato de supervivencia, el filme de Henry Robson recurre al dispositivo psicológico que afecta la degradación de la hija, y el cómo sobrellevarlo, así como las medidas que se deben tomar en cierto punto. La acción es casi imperceptible, los efectos devastadores del virus son solo el contexto sobre el que armar un interesante drama psicológico sobre la transformación provocada por el virus y el efecto que tiene en el núcleo familiar.

Hungry Hearts

Aunque la verdadera joya narrativa fue Hungry Hearts. Un filme en el que ya nos fijamos tras su paso por la Berlinale, gracias a este trailer que traspiraba una ambientación de lo más enfermiza. Avance que hace justicia al trabajo ejecutado por el italiano Saverio Costanzo. Y eso que su obra arranca con una desternillante secuencia de la pareja protagonista encerrada en un baño. De ahí pasan al noviazgo, al matrimonio, y a ser padres. Sin embargo, con la llegada del primer retoño la felicidad se quebranta, y las cosas se empiezan a torcer cuando la madre empieza a optar por medidas muy estrictas y extremistas para alimentar y cuidar a su criatura, algo de lo que no es ajeno un padre que se posiciona como la mente serena del relato. Un relato que sin apreciarlo, sin apenas transiciones, pasa del drama familiar al terror. Un terror de componente psicológico construido a través de atmósferas enrarecidas, una fotografía en sepia que aleja su ambientación del tiempo presente, una construcción claustrofóbica del espacio que aporta grandes dosis de angustia a esa casa despoblada de aparatos tecnológicos, o el uso del gran angular para subrayar la pérdida de control de esos personajes enclaustrados en ese ambiente irrespirable, al que dan vida unos perfectos Adam Driver, y especialmente la inquietante Alba Rohrwatcher. Constanzo juega con todos los elementos a disposición para construir un thriller terrorífico en el que remarca que la pesadilla puede estar en el mismo hogar, incluso brotar de los gestos más inofensivos. Hungry Hearts es como una revisión de La semilla del diablo  en el S.XXI, pero sin necesidad de los edificios Dakota, ni de manifestaciones del mal, aquí la pesadilla es real.

Y la puntilla final la puso un documental aplastador. En Crocodile Gennadiy, el director Steve Hoover se contagia de la pesadumbre, el ambiente tóxico y gris que rodea a la ciudad ucraniana de Mariupol para retratar la labor que ejerce un controvertido cura que saca a los niños de la calle para internarlos en su centro de acogida de menores. Su misión es limpiar las calles de esta ciudad de drogadictos y de la lacra de la droga, pero por el camino, como espectadores, somos testigos de los más espeluznantes dramas humanos. Lejos de quedarse con ese material, el retrato de este hombre se amplia cuando entra en juego la revolución ucraniana y la consecuente invasión rusa. El espectro temático es amplio, pero el personaje que centra la atención lo absorbe todo. La obra es una sacudida feroz, cruda y visceral, de esas que no ofrecen ninguna posibilidad de escape al que acude a verla.

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