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4b Bq Novedades discográficas agosto 2017 | El Destilador Cultural
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Novedades discográficas agosto 2017

posted by KeithModMoon 28 agosto, 2017 0 comments
Arcade Fire – Everything Now

A la primera escucha del quinto trabajo de la banda de Montreal te invade el desconcierto. También a la segunda, y a la tercera. Tremendamente difícil derrotar esa sensación por muchas escuchas que sume el contador. Aunque ello no implique, indudablemente, un paso hacia atrás en la trayectoria de la banda. ¿Es Everything Now un trabajo acorde a la evolución de una formación en constante cambio?, ¿un punto de inflexión? o bien,  ¿un retroceso en una carrera inmaculada hasta la fecha? Preguntas que picotean al oyente mientras discurre por las estrofas y melodías con un anclaje familiar pero a su vez tan despegadas a esos arranques eufóricos con los que muchos nos enquistamos a su sonido. Lo único que se puede dilucidar de entrada es su voluntad por desprenderse de cualquier vendaje de estancamiento creativo y/o estilístico, mutando en nuevas formas, no siempre, acordes con el gusto generalizado, como pone de manifiesto un álbum recibido con frialdad por parte de la crítica especializada – no en el caso del público, en los Estados Unidos respondieron alzando el trabajo a lo más alto de los charts.

Igual de indudable resulta el nuevo encaje de la banda en el stadium rock, relevancia adquirida tras una trayectoria en ascenso y correspondida por ese rol ponderante en los carteles de cualquier festival del globo, como una voluntad insaciable de Win Butler y compañía por renovarse o morir, el tirar siempre hacia adelante pese a los riesgos, y aunque el resultado no sea siempre tan reconfortante como nos tenían (mal) acostumbrados. Everything Now es la consolidación al dance rock de tintes ochenteros que anunciaron con Reflektor, y la continuación mal delineada de ese acercamiento a los sintetizadores y los ritmos electrónicos que empezaron a abrazar en ese álbum. Ese enfoque, sin perder la identidad originaria de la banda, encontraba un encaje soñado en Reflektor, con David Bowie (aportando calor vocal), Roxy Music y James Murphy (en tareas de productor)  en el retrovisor.  El principal problema radica aquí en la sustitución de estos adalides del camaleonismo y la electrónica matizada por figuras tenues travestidas por la peor herencia de los años 80. Pese a la producción de Thomas Bangatler (mitad de Daft Punk), Geof Barrow de Portishead, y el bajista de Pulp, Steve Mackey, sin olvidar el viejo conocido Markus Drav, es probablemente este el álbum más descosido, más irregular y más disperso del clan americano. Coherente con la carrera de la banda pero incoherente en el fluir interno del disco. Así pues, tras la batería de singles (la épica calmada de “Everything Now”, el dance noir pop de “Signs of Life” y el más preciado de los tres, “Creature Comfort”, donde The Raptures y LCD Soundsystem colisionan con Arcade Fire) sorprende  el dub electrónico  de “Peter Pan”, pero las alarmas saltan con la perezosa y repetitiva “Chemistry”, una especie de carnaval reggae por Nueva Orleans encabezado por Rush. Le sigue un experimento de rabia enlatada con “Infinite Content” y el reverso acústico en clave country, la muy prescindible de “Infinite_Content”. Ni siquiera cuando Régine Chassagne toma el mando con su pop electrónico de ascendencia ochentera en “Electric Blue” logra corregir el desvío. Los fantasmas de ABBA  (y de Tame Impala) surgen en la tediosa “Put Your Money On Me”. Una mancha oscura marcada por la ausencia de inspiración en el tejido melódico que se esparce en la segunda parte del disco, así como la falta de un pegamento uniforme entre cortes, que queda parcialmente corregido a la salida. La balada romántica “We Don’t Deserve Love”, un tema estirado, de cocción lenta y con un dulce clímax de exposición controlada. Y también aciertan con el prólogo ralentizado de “Everything Now (continued)”. Aunque llega algo tarde a un disco descompensado. Con un sólido primer bloque con varios temas de altura pero lastrado por la segunda mitad. No debería ser el canto de cisne de lo que era Arcade Fire y lo que será tras aceptar su condición de grupo de audiencia mundial. Prefiero entenderlo como un paso lógico y coherente en la carrera de los canadienses, y sí,  errático. Esta vez los esfuerzos, la ausencia de la inspiración y la garra de antaño, han dejado una pequeña mancha en su carrera. Una que no dudo que puedan limpiar en el próximo asalto discográfico.

Tema clave: “Creature Comfort”

6

Grizzly Bear – Painted Ruins

Grizzly Bear Painted Ruins

En este tiempo en que todo el oleaje picado y efervescente de la pasada década parecía estrellarse contra el rompeolas del presente, Grizzly Bear ha sorprendido en período estival para seguir removiendo esas aguas y erigirse como una de las bandas más resistentes de esa explosión creativa. Coincidiendo en la línea temporal con los lanzamientos de Arcade Fire, Fleet Foxes, y pronto The National y LCD Soundsystem, otras de las grandes bandas supervivientes, ha sido Painted Ruins el que más ha sobresalido hasta la fecha, certificando así el primoroso estado de salud de los norteamericanos pese al silencio prolongado desde la publicación de Shields (2012).

Hay trazas localizables del sonido identitario de la banda de “Two Weeks” en estos 11 temas que devuelven a Ed Droste y compañía al gran público. Pese a la mudanza de Nueva York a LA, los compromisos familiares adquiridos y otros equipajes propios de la edad de sus componentes, la música de Grizzly Bear parece seguir orientada, tanto por tono como por ejecución y deseo instrumental, hacia la proyección de una nostalgia en fuga, una estela de un pasado irrecuperable expuesta a través de su característico prog-folk. Las armonías vocales se acoplan con brillo, los cuidados arreglos de Chris Taylor dialogan a través de delicados estallidos, el equilibrio de tempos y silencios expande el espacio musical, y todo parece tan compenetrado y engrasado como en la fantástica “Sky Too Hold”. Escuchando su nuevo álbum, y pese a la distancia que los separa de sus nuevas viviendas, pero sabiendo el vínculo estrecho que los liga, es fácil imaginarse la concepción, y la escucha óptima de este disco, en una cabaña de Kingston (donde abrieron la gira de presentación), Phoenicia, High Falls, o cualquier de esos pueblos idílicos enclavados lejos del mundanal ruido de la ciudad que nunca duerme, en la zona conocida como Upstate New York donde el tiempo casi se detiene y la música permanece atrapada en jaulas relucientes.

Tema clave: “Three Rings”

8

 

EMA – Exile in the Outer Ring

EMA - Exile in the Outer Ring

Desde su entrada al registro de la propiedad intelectual para inscribir EMA, Erika M. Anderson cautivó a este servidor con un folk-punk envuelto en llamas de desesperación y dolor. Un compuesto con olor a biblias quemadas, pipas carbonizadas de tanto uso, caravanas polvorientas, ropaje de mercadillo, en definitiva, llantos desesperados del que vive de cerca el lado salvaje de la América profunda. Una imaginaría captada en el plano lírico y mediante un envoltorio instrumental abrasivo y contundente, que vuelve a recuperar su artífice para su tercera criatura discográfica, este Exile in the Outer Ring que capta estas líneas.

Un nuevo trabajo concebido como una distopía de una alineación macabra que empezó a eliminar su componente futurista y distópico, dejándolo en un plano real e inmediato, cuando Donald Trump empezó a avanzar en su carrera presidencial, justo cuando Erika escribía estas letras. De nuevo recupera en estas una imaginaria específica y recóndita del suburbio norteamericano para exponer sus pullas políticas sin desgastar un victorioso embalaje compuesto por retales folk, pop, rock, punk y noise. Una preciada atmósfera que endurecen las evocaciones de este futuro amenazador por mucho que EMA siga basculando su voz entre la ternura y la dureza asfixiante. En lo atmosférico capas de feedback y oscuridad rodean los temas y conducen al oyente a un mismo estado de ánimo alicaído y de desasosiego, ahí te deja tiritando la descomunal “Where the darkness began”. Un trabajo sólido, descarnado, que confirma a la norteamericana como la Pj Harvey de los bajos fondos de los suburbios del Midwest.

Tema clave: “Down and Out”

marco 75

The War on Drugs – A Deeper Understanding

Disco del mes

The War on Drugs - A Deeper Understanding

Desde un tiempo hasta hoy, sin que nadie parecería anticipar el movimiento, The War on Drugs han alcanzado la parcela destinada a las grandes bandas de rock norteamericanas. Una puerta hacia la realeza que abrieron de par en par con el superlativo Lost in Dreams (2014) y que ahora intentan cristalizar con la publicación de A Deeper Understanding, un trabajo con vestimentas de la gran discografía del país de las barras y estrellas.

La banda de Philadelphia sigue induciendo su sonido a un paisajismo crepuscular y melancólico llevando al oyente hacia estados de desolación, tristeza pero, a su vez, de efecto balsámico. Siguen resonando ecos de Bruce Springsteen (“Holding On”), Tom Petty, Bob Dylan (“You don’t have to go”), Neil Young y hasta de los Dire Straits. Guitarras afiladas irrumpiendo como estragos emocionales, partiendo esos esquemas de escalada instrumental de colofón épico controlado y/o moderado…y dilatado en el tiempo. Ahí sobresale por ejemplo, la bestial “Strangest Thing”. Tímidos pianos abriendo paso a los lamentos arrastrados de Adam Granduciel (“Knocked Down”). Postales de un sótano lúgubre donde es fácil imaginarse a su figura creativa obcecada en el proceso creativo y lírico de este álbum, así como su producción detallista. Aunque también hay espacio para la luminosidad mediante la cabalgada rítmica en otros temas tan preciados como “Nothing Find”. De hecho el oyente debe poner todo de su parte para encontrar fisuras en este lote extenso y cargado de joyas de ese rock con raíces en la americana. Una paleta muy parecida a la de su anterior y celebrado trabajo con el que sigue cabalgando por las llaneras más altas de la música originada en los Estados Unidos, sea cual sea su género.

Tema clave: “Strangest Thing”

8,5

Majken – Dancing Mountains

Majken Dancing mountains

Esta joven artista nórdica asentada actualmente en LA debuta en formato largo con Dancing Mountain, un trabajo que la propia artífice describe como un viaje entre la arenosa Los Angeles, la romántica París y los recuerdos de su infancia en los Fiordos. Unas vivencias emocionales volcadas bajo un pop cándido e inmediato expulsado por un atractivo extractor construido por materiales antiguos y nobles.

La música de la joven nórdica flota por ambientes nebulosos y ensoñadores. Paisajismo aspiracional y recuerdos en primer plano que encajan en un molde de surf rock e indie pop inocentón. Lo que se traduce en riffs de acople inmediato, estribillos pegadizos, melodías cortas pero efectiva, ritmo inmediato y una reverberación reproduciendo el surco de un disco por el tocadiscos con la que se intenta añadir esa capa retro a todo el conjunto. Todo saboreado con la sensual, naif y acariciante voz de la músico. Un conjunto, tanto el instrumental como el vocal, como incluso la absorción de influencias, que evoca al pop melancólico de The Raveonettes. Majken debuta con unas logradas viñetas de color sepia de un pasado sesentero – en “You and I” parece incluso invocar a Pink Floyd – encapsulado con criterio y atino para las nuevas generaciones.

Tema clave: “Here and Now”

7

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