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7P UJ Novedades discográficas julio 2014 | El Destilador Cultural
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Novedades discográficas julio 2014

posted by KeithModMoon 17 julio, 2014 0 comments
The Acid – Liminal

The Acid Liminal

The Acid es una animal policefálico configurado entre el cantautor folk RY X, el Dj Adam Freeland y el productor Steve Nalepa. Mediante el sello Infectious Music ve ahora la luz su primer largo, Liminal. Una suma de postdubstep,  R&B, electrónica y tri-hop es lo que corre por las articulaciones de este monstruo cuyo potente rugir pide a gritos la merecida atención.

Ya en el primer encuentro con el sonido de la banda translucirá el nombre de James Blake, por la forma íntima y afectada de cantar de RY X, el de Jamie XX por la envoltura en capas detallistas que van moldeado un ambiente de tonos negros, vaporosos y melancólicos, pero quedarse en una paleta tan limitada sería faltar al respeto a una formación que bebe de diferentes fuentes, entre éstas, también sobresalen los beats secos e industriales de unos Portishead, o cuando se dejan llevar por derroteros más propios de pista de baile para articular un sonido propio, variopinto, pero de lazos firmes, de resultado siempre estimulante para el oyente. Quizás el paradigma lo componga “Basic Instict”, un tema que aglutina a la perfección las tres aristas que componen la banda, arrancando como una canción de folk que podría haber compuesto Jose Gonzalez para fragmentarla en un caleidoscopio de electrónica minuciosa, detallista, hasta llegar a unos escuetos arrebatos abrasivos, y sin perder ni un ápice del ritmo interno que la permite galopar. The Acid es un animal de tres cabezas cuyo movimiento va al unísono, y ello genera un gran placer para quien se detiene a observar sus pasos.

Tema clave: “Basic Instic”

marco 75

Amen Dunes – Love

Amen dunes - Love

El norteamericano Damon McMahon, poco conocido o directamente desconocido en nuestras tierras, lleva 3 discos y algunos años destilando los mejores sabores de la música de raíces americanas bajo el apodo musical de Amen Dunes. Su último esfuerzo en esa dirección es el mayúsculo Love, un LP en que recopila los frutos recogidos tras un trabajo concienzudo de año y medio en el que despliega su sonido folk y psicodélico en un manto de producción acaudalado y minucioso. Un disco que también pone de relieve la ergonomía de su música para las líneas melódicas memorables y las letras depuradas.

No hay que estar muy despierto para encontrar en el recorrido musical del álbum, las huellas de Will Oldham, Bonnie Prince Billy, Devendra Banhart, Edward Sharpe and The Magnetic Zeros o incluso Syd Barret o bandas como Fleet Foxes. Bajo los mismos pasos de la americana y sus terreno colindantes circula la música de Dunes, pero McMahon consigue darle un aire personal e intransferible, gracias a un apego melódico de ensueño, pivotado sobre unas letras que resuenan inmortales bajo los códigos vocales del de Philadelphia, y con una producción ajustada, que no desconfigura el tamiz íntimo, pastoral y paisajista del proyecto, sino al contrario, aportándole un reconocible pincelada, que a la postre le da más profundidad y empaque al sonido global. La gratitud y la gracia que imprime en sus cortes se contagian al oyente desde la primera escucha, convirtiéndola rápidamente  en una experiencia resplandeciente especialmente cuando el fogueo de temas como «White child», «Splits are parted», «Sixteen» se apoderan del oyente. Amen Dunes puede enorgullecerse de haber facturado una de las joyas ocultas y desapercibidas del 2014.

Tema clave: «Sixteen»

8

Lana del Rey – Ultraviolence

Lana del Rey - Ultraviolence

Rebuscando un poco la pista dejada en este tag, uno puede comprobar los altibajos de este servidor con la estrella Lana del Rey. Un vínculo que se remonta a su iluminador descubrimiento en 2011 y el subsiguiente efecto cegador, y que siguió con la decepción que supuso su debut en largo con Born to Die. Breve período marcado por el ascenso meteórico de esta criatura nacida en el epicentro indie para terminar alcanzado lo mainstream en tiempo récord. Como si de una relación sentimental se tratará, llega el momento de pasar a una nueva etapa con el segundo disco de estudio de la neoyorquina, un Ultraviolence que recupera la Lana más categórica e inspirada . Un trabajo que no solo nos reconcilia, sino que por momentos recupera esa llama especial que nos abocó a enamorarnos de ella.

Tal como escribía en la crítica de su primer disco, éste adolecía de una dualidad inconexa entre la Lizzy Grant malviviendo en camas calientes y roulottes y la diva del pop prefabricada dispuesta a vender Cd’s hasta en el Eroski. De ahí que la sorpresa sea grata desde los primeros compases de este Ultraviolence, en la que Grant parece haberse liberado definitivamente de las ataduras de managers, productores, directivos y demás asesores ávidos de dinero fácil e inmediato para dar a luz a una criatura musical libre de corsés, fraguada en la pasión y la convicción artística. «I’ve fucked my way up to the top. This is my show», Lizzy Grant insinúa quién está ahora al mando en «Fucked my way to the top», y peca de falsa molestia, porque lejos de dinamitar su camino hacía lo más alto, Lana es capaz de llevar a buen término su show, sin imposiciones ni interferencias, sin perder el favor del público. Mediante un trabajo compacto, pivotado sobre la Lana del Rey enigmática, esotérica, capaz de embrujar al personal con su presencia lynchiana, tan bien trabajada en sus diferentes medios de promoción, y que ahora apoya con un sonido perdurable. Y sus primeros atisbos relucen en una producción que reniega de florituras para apoyar la calidez, la clase y la sofisticación que desprenden la música de la norteamericana. Un salto de calidad y de coherencia impoluta, que también acompaña con un componente lírico más maduro. Los amores y los desamores siguen ocupando buena parte de sus libretas y servilletas escritas a mano, pero también apuesta por ilustrar con sus letras su posición en la industria, su subida al estrellato, sin olvidar sus continuos dilemas geográficos, entre su natal Nueva York, y la nueva tierra de acogida en LA, convirtiéndose, gracias a todo ello, en una gran narradora del costumbrismo de la generación Y. A la sencillez arrebatadora de temas como «Cruel World», «Ultraviolence», «Shade of Cool» o «West Coast», hay que sumar inspiradas incursiones en registros a lo Edith Piaf en «Other Woman» o cuando muta en otra gran dama de la canción como Nancy Sinatra, y sus dúos con Lee Hazlewood, en «Brooklyn Baby».  Solo una única piedra (en la edición Deluxe), la colorida «Florida Kilos», desajustada en el tono general de la obra. En definitiva estamos ante un trabajo que recupera a la mejor Lana Del Rey, a la liberada de la presión y las expectativas, a una que se siente libre para abrazar y definir un sonido que engancha por su magnetismo, pero también por ese golpe pretérito metido de lleno en la efervescencia musical del S. XXI. Un disco inspirado que nos hace volver a creer en la joven neoyorquina y en su progreso dentro de los márgenes de la industria. De momento la inspiración le sobra, y así se recogen en estos 11 temas (14 en la edición Deluxe) y hora de duración que componen el disco.

Tema clave: «West Coast»

marco 75

 

SIA – 1000 forms of fear

SIA - 1000 forms of fear

La australiana Sia Furler aterriza como un fulminante meteorito en el panorama pop decidida a plantar cara a las grandes divas de la escena. Su visado a la galaxia pop es el pletórico 1000 forms of fear, pero en realidad SIA no es un meteorito salido de la nada, detrás está una valiosa suministradora de éxitos para otros artistas, regalando hits a Rhianna, Britney Spears, Beyoncé, David Guetta, entre otros. Ahora, con un imbatible hit ganador, la eterna «Chandelier» (elegida en nuestros temazos del verano), SIA se propone asentarse en la gran liga del pop por su propios méritos.

Y busca ese reconocimiento con uno de los álbumes pop más redondos de los últimos meses, y me atrevería a decir en años si fuera un verdadero entendido en la materia. SIA demuestra en 1000 forms of fear ser una máquina de facturar hits, más allá del mencionado e incansable Chandelier, la australiana seduce con varias gemas de cuerpo sólido, brillo efusivo y cegador. Es el caso de un «Elastic Heart» que cuenta con la firma de Diplo y The Weeknd en la producción, la emoción controlada de «Eye of the Needle» o esa mezcla explosiva entre Rhianna y Linkin Park en  «Free the animal”. Sin necesidad de grandes artificios, ni excesivas demostraciones, solo con el impulso de un poderío vocal deslumbrante, contagioso, rotundo que se impone siempre a unos coros luminosos y a una producción equilibrada para acelerar el ímpetu musical de unos temas que se ajustan a la perfección al patrón de la canción pop. Lo más extraordinario es comprobar cómo se desenvuelve igual de hábil y resuelta con los singles bulliciosos para la gradería que con los temas de distancias cortas, como es el caso de «Straight for the knife» o un «Cellophane» que podrían entenderse como el reverso pop de alguno de los temas claves del último LP de The National.  SIA se ha marcado un LP de pop pluscuamperfecto, probablemente imbatible en lo que queda de año en su género, y posiblemente una de las (re)llegadas más importantes del curso. Calurosa bienvenida a una nueva estrella para los años venideros del firmamento pop.

Tema clave: «Chandelier»

8

Jungle – Jungle

Disco del mes

Jungle - Jungle

Cualquiera que se haya acercado a las inmediaciones de Jungle, ya sea a través de alguno de sus temas o de sus virales, se habrá sentido atraído por el dúo londinense, y probablemente esa atracción haya acabado desembocando en una búsqueda infortuna por google. Porque poca información se dispone sobre un grupo que procura mantener la identidad bajo el anonimato, con pocas fotos promocionales, y con la única certeza que el núcleo del grupo lo componen T y J, dos amigos de toda la vida residentes en la metrópoli inglesa y apasionados por la música, en concreto por la que conduce a mover el esqueleto. Tras varios avances, lanzamientos, y videoclips con el baile como irrenunciable denominador común, la formación encara su debut discográfico con este LP homónimo, que no solo justifica todo el hype y la bola mediática previa, sino que deja en un muy buen lugar, a los que apostamos por ellos a principios de año como una de las bandas a las que seguir de cerca.

Mientras que muchos se quedan en el camino, superados por las expectativas, Jungle ya han demostrado su valía con varios sold out mediante una propuesta escénica rabiosa y frenética, y desde el pasado lunes, consiguiendo capsular esa energía bailable, y ese savoir elegante y sofisticado con un brillante LP. Un trabajo que entrecruza las constantes vitales del dúo: el soul, el funk, la música disco del NY de finales de los 70’s, engrasado a través de una producción moderna, exquisita y elegante. El resultado son trabucos de funky bailable, píldoras que contienen la proporción más elevada de hedonismo del mercado, invitaciones constantes a tomar la pista de baile. Un sonido tan depurado, como efectivo en sus planteamientos. Y es que resulta imposible controlar los movimientos de esqueleto ante la perfección melódica de cortes como «Busy Earnin'», «Time» o Platoon». Una baraja de hits repartidas por todo el disco, que impiden relajar los músculos para evadirse momentáneamente de esa fiesta sin agotamiento. Melodías infecciosas, ritmos incendiarios, coros vitamínicos, producción elevadora, boogies irresistibles se dan en una continua repetición a lo largo de todo el recorrido, siendo especialmente inspirada en la primera mitad del lote. Pero que no flaquea con una segunda parte con experimentos hacía el spaghetti western («Smoking Pixels»), salidas electro que pondrían de pie a Justice («Julia»), o sus flirteos con Chic («Crumbler»). Quizás lo más admirable de esta primera referencia en largo es haber plasmado todas las inquietudes y filias musicales en una fórmula musical que se muestra igual de irrefutable que incombustible. Uno recurre a ella de forma continuada, casi enfermiza, y el efecto sigue intacto. Jungle ha conseguido capturar una celebración hedonista en 12 canciones sin desperdicio. Un chute de energía que se erige como el debut más reconfortante y valioso de la temporada.

Tema clave: «Time»

8,5

Schoolboy Q – Oxymoron

Schoolboy Q - Oxymoron

La tercera referencia del rapero Schoolboy Q se salda con un fornido trabajo de hip hop mordiente, el de fuerte olor de marihuana, el que te coloca en el ghetto. Para la ocasión, el de Los Angeles se ha rodeado de una crew de lujo, y al contrario de lo que suele ocurrir con estas colaboraciones, él prevalece como la voz guía para dar cobijo a los otros ilustres firmas. El resultado es una de las obras más valoradas en una escena rap que no ha sido demasiado generosa en lo que llevamos de curso.

Un disco que sobresale por la fina conjunción entre el sonido rugoso y seco del gangsta rap y una producción, que sin ser lujosa, barniza de suavidad melódica los ladridos calenturientos de Schoolboy Q y compañía. La finalidad no es reducir su impacto canalla, sino hacerlo más atractivo, aportar ese componente más hedonista con el que provocar la adicción. También resulta un acierto el acomodo de ilustres como Kendrick Lamar, Jay Rock, Tyler the creator, Raekwon y SZA sin que desestabilicen la estructura armada por Schoolboy Q, cada uno aportando, desde su propia singularidad, pero en la misma dirección del discurso planteado. Por el camino, Schoolboy Q deja varias joyas en un lote de 60 minutos, muchos de ellas apreciables, como en el caso de «Collard Greens», con participación clave de Kendrick Lamar, o ese «Break the bank» y «Man of the year», dos de los mejores cortes. Sin estar ante una obra mayúscula, si que el aficionado al género, encontrará varios motivos para degustar un rap de beats fornidos cruzados con el soul, el R&B, la EDM o el psych-rap.

Tema clave: «Collard Greens»

marco 75

The Brian Jonestown Massacre – Revelation

The Brian Jonestown Massacre - Revelation

Si a día de hoy sigue habiendo un forajido en la escena rock ese es Anton Newcombe. El norteamericano lleva años con su andar errático al frente de The Brian Jonestown Massacre, una formación nacida para adorar a sus  satánicas majestades de la etapa psicodélica, con Brian Jones en sus filas, y que desde los 90’s moldea su propio sendero a semejanza de este gran líder (y único miembro fijo) que es Anton, venerado por una parroquia mínima, pero fiel. Revelation es el producto de dos años de trabajo encerrado en un estudio berlinés.

En su decimocuarto álbum de estudio, los norteamericanos propone un pastiche en el que fluyen las principales constantes que han definido la banda, esa sinergia psych que impregna su ADN, mezcladas con sus últimas adopciones, el krautrock, y con tiempo para construir algún experimento al entorno del rock gótico de raíces ochenteras, o la música medieval y el eastern folk. Siempre con Anton Newcombe como el eje rotor y piedra central de un sonido que nunca deja de fijarse en el añorado pasado, sin perder de vista las últimos afluentes afines del presente. A veces la mezcla resulta de lo más inspirado y estimulante, es el caso de la brillante canción que abre el lote, en la que el propio Newcombe se atreve a cantar en alemán (Vad Hände Med Dem?), o esa «goodbye (Butterfly)» (al que pide prestados los coros a los Stones) con el que cierra una viaje lisérgico más contenido de lo habitual, sin tanta salida ácida, pero con el mismo efecto encomiable de un genio errático.

Tema clave: «Vad Hände Med Dem?»

7

Sébastien Tellier – L’Aventura

Sebastien Tellier - L'Aventura

El francés Sébastien Tellier ha adquirido en los últimos años una posición predominante en la escena de la chanson. Bajo una imagen iconoclasta moldeada a consciencia, con hits como «La Ritournelle», y con un discurso sonoro que resigue la línea dejada por Serge Gainsbourg se ha ido aproximando al gran público. Ahora regresa con un nuevo esfuerzo discográfico, L’Aventura. Un trabajo marcado por la estancia y grabación de parte del disco en Brazil, en concreto en la ciudad de Rio de Janeiro.

Ese toque de tropicalismo absorbido por su synth chason queda impregnado en los primeros compases por su vena más extravagante, esa que a veces confunde lo kitsch con lo hortera y con la provocación fácil, haciendo que asomen líneas melódicas, texturas y arreglos propios de la sinfonía de Vacaciones en el mar y del rock sinfónico más punible. Por surte de los tripulantes corrige el rumbo con «Ma Calypso», en la que las formas de la bossa nova penetran con más suavidad, adaptadas con fortuna al estilo vocal de Tellier, y desprendiendo un aire veraniego, lascivo y playero muy en la línea del «Shark Ridden Waters» de Gruff Rhys. Un componente sexual que vuelve a utrilizar en «Ricky l’adolescent», y que apuntala el bloque más sólido del disco, coronado por «Aller versle soleil», la melodía más contagiosa y telliera de la propuesta. Otro punto de inflexión es la dilatada «Comment Revoir Oursinet ?» donde el francés da rienda suelta a su lado más experimental y a cierta afección por el rock sinfónico. No es ésta su aventura más inspirada y emocionante, pero Tellier sigue manteniendo activos algunos de sus reclamos más queridos y solicitados.

Tema clave: «Aller versle soleil»

7

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