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bh lR Novedades discográficas septiembre del 2015 | El Destilador Cultural
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Novedades discográficas septiembre del 2015

posted by KeithModMoon 23 septiembre, 2015 0 comments
Foals – What Went Down

Foals Cover

Paso a paso, disco a disco, los británicos Foals han cubierto el vacío rockero que tuvo la última eclosión durante la pasada década, y cuyo epicentro se desplegó basicamente en las islas británicas, y que a día de hoy, se reduce a un número limitado de supervivientes: Arctic Monkeys, Franz Ferdinand, ¿The Libertines?. Aunque la suya haya sido una situación distinta, con un claro signo ascendente, los de Oxford cumplen diez años en activo con este What Went Down que confirma la buena línea adquirida con su anterior Holy Fire.

El quinteto inglés llegan con su bravura rockera en su último trabajo, intentando mantener esa rabia y  energía intacta. Aunque el nivel de intensidad no es tan alto como insinuaron con sus primeros avances, y ninguno de los cortes del disco soporta la estampida muscular causada por el colosal tema homónimo con el que se abre la propuesta. Un despliegue de virtuosismo, furia rockera, descargas emocionales en que todos los componentes ponen sus habilidades al límite, con tres oleajes instrumentales, a cada cual más intenso, dejando al oyente noqueado desde la entrada. En la misma línea se acoplan “Mountain at my gate” y “Snake oil”. Aunque también hay momentos más remansos, en que Foals decide bajar las revoluciones ante posible avasallamiento para el oyente – con excelentes resultados en “Lonely Hunter” o  “Knife in the ocean”, el tema que cierra la aventura. Una lástima que reduzcan ese furioso empuje roquero con baladas que acercan la voz del cantante a la escuela Bono, ya que la pegada del álbum podría haber sido más profunda, pese a que se corriese el riesgo de agotamiento en el intento. Pese a lo último, el combo inglés se consolida, por el momento, como una de las bandas de rock más fiables de la escena actual.

Tema clave: “What Went Down”

marco 75

Petite Noir – La Vie Est Belle/Life is Beautiful

Petite Noire

Desde que entramos en contacto con el músico sudafricano no nos pudimos resistir a su pistonada sonora hasta el punto que protagonizó uno de nuestro “bajo radar” más recientes. Siguiendo su estela de singles llegamos este mes a su primera referencia en largo, un La Vie Est Belle/Life is Beautiful en la que apuesta por esa simbiosis entre el pop y el R&B de regusto occidental pero respetuoso con los sonidos enraizados a su tierra de origen.

El músico de 25 años aplica el molde de canción pop en materiales propios de los sonidos tribales, el R&B, y el pop electrónico para crear una masa burbujeante y sugerente, con un toque distendido y elegante. A veces la conjunción desemboca en un cóctel preparado por Tv on the radio (“Just breathe”), en otros su voz remite a Ghostpoet y  Kwes. En todas las composiciones se palpa un músico eufórico, hábil en el crucigrama de estilos con el que da cabida a su música, orgulloso de su background e inteligencia a la hora de dar forma a sus composiciones, y dotado de una voz y una personalidad característica que convierten la escucha de este disco en un agradable trance. Sonido compacto, sin altibajos, que encuentra su techo en los temas que habían circulado con éxito previamente en internet, casos de “Chess”, “Down” y “MDR”. En definitiva, un debut que lo posiciona como una de las llegadas a celebrar de la temporada, y como una refrescante propuesta dentro del panorama del pop.

Tema clave: “Chess”

marco 75

The Libertines – Anthems For Doomed Youth

The Libertines - Anthems for Doomed Youth

Acostumbrados a ver palidecer a estrellas e ídolos, a reseguir el camino fugaz de nuestros ídolos de la adolescencia,  a ver cómo sus carreras se fosilizaban o abrazaban la invisibilidad, nadie en su sano juicio era capaz de aventurar la vuelta de The Libertines con Anthems for Doomed Youth. Especialmente en el caso de los ingleses, sus correrías, la adicción a la heroína de Pete Doherty, y las desavenencias entre los dos cabezas líder, Pete y Carl, encaminaban a un escenario, que a lo sumo, podría dar lugar a un concierto de reunificación, como el que tendría lugar el 2010 en el Festival de Leeds y Reading . Pero al parecer la banda ha vuelto a conectar, y regresan del infierno con un trabajo más que digno.

Los estragos de las drogas parece que en lugar de hacer mella en la voz de Doherty (quien completó su desintoxicación en Tailandia), le otorgan más presencia, mayor profundidad cuando escupe unos sonetos que tampoco han perdido su carga lírica. Lo que sí han perdido, como corresponde a unos chicos ya creciditos, y castigados, es esa visceralidad, esa espontaneidad juvenil, la rabia punk. Pero en su lugar lo compensan ( y de nuevo expreso mi sorpresa) con una capa de madurez que se asimila con ejemplaridad al estilo The Libertines que preservan en estos 16 temas. Cortes en el que dejan reflejado una mayor versatilidad, una madurez que les sienta bien, un espectro de registros más amplios. Como demuestra temas como “Fame and fortune”, en que sintonizan con Ray Davies y los Kinks. Se atreven incluso con baladas amorosas en “You’re My Waterloo” , y demuestran tener aún apetito por el rock desatado de antaño en “Barbarians”, en la que hay ecos a The Clash. Incluso facturan candidatas a hits para días venideros: “Gunga Din”. Difícilmente podría haber un título de LP más elocuente para lo que representa el tercer disco de la banda inglesa. Himnos para una juventud maldita de parte de unos malditos que han superado el frenesí hedonista de esa juventud que casi les sepulta.

Tema clave: “Gunga Din”

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Empress Of – Me

Disco del mes

Empress of - Me

Nacida en LA, en el seno de una familia de inmigrantes hondureños, la cantante y músico Lorely Rodriguez, bajo el alias de Empress Of, se planta en septiembre como una de las sorpresas más gratas de este 2015. Mamando música de América latina (México, Honduras, El Salvador), jazz, e iniciándose en el canto a los 11 años, a los 25, esta mujer asentada en Nueva York, se lanza al ruedo de la música popular con Me, un primer LP que recoge un fabuloso maridaje entre el R&B y el pop electrónico.

Un álbum de carácter introspectivo inspirado y gestado en un viaje a México, donde además de salirse de Nueva York y las sombras de la ciudad que empezaban a hacer mella en su estado de ánimo, encontró la soledad necesaria para explorar su mente y volcarlo en unas letras que expresan sus desilusiones, sus rupturas sentimentales, así como los nuevos amores. Concentrada en el idioma de su país -tras flirtear con el español en un par de canciones de su primer EP – Rodriguez modula un fascinante capa musical para dar salida a su cúmulo de sentimientos. Distraída también en tareas de producción , la músico teje una producción cautivadora, en sintonía con la música de FKA Twigs, pero también afloran líneas sintéticas y golpes de ritmo que parecen salidos de bandas como Poolside. Al contrario que la inglesa, princesa del R&B más experimental y oscuro, Empress of vacía su discurso de estridencias sonoras, y mensajes perturbadores y oscuros, para dar salida a un sonido más limpio, en ocasiones sedoso, emparentándolo con Sade, Kate Boy, Feist, o el desparpajo de Chvrches, como señala “To Get By” o “Need Myself” . Aunque el mayor brillo lo obtiene en cortes incontestables como “Water, Water”, “Standard” o “How do you do it”. El tono delicado, encantador e inocente con el que responde su timbre vocal, así como su desenvoltura en el escenario, la emparienta también con Lauren Mayberry de Chvrches y hasta con la propia Björk. Aunque probablemente la referencia más próxima, en estilo y tono, es Grimes. Una grabación ejemplar que le abre muchas puertas, y que seguro, la empuja a llenar salas de mayor aforo de ahora en adelante.

Tema clave: “How do you do it”

8

Max Richter – From Sleep

Max Richter - Sleep

El compositor Max Richter es uno de los valores más superlativos de la neoclásica. Pese a una  calidad irreprochable de la que ha dejado constancia en sus años de carrera, el británico permanece solo visible en circuitos afines a la música clásica o la neoclásica. Tan solo su participación en bandas sonoras – la más rutilante la compuesta para Vals por Bashir – Richter ha ganado algo de notoriedad como músico y compositor. Sin necesidad de demostrar su valúa regresa este mes con un nuevo álbum, un From Sleep que se presenta en los lineales de las tiendas con dos versiones, la de una hora de duración y la que alcanza hasta las 8 horas.

Centrados en la de una hora de duración, el compositor de la banda sonora de The Leftovers imagina aquí un viaje onírico a través de los estados naturales del sueño; su particular “Invitación al sueño”. Diferentes nanas instrumentales, sin apenas presencia vocal más allá de voces etéreas que no responden a ningúna letra,  construidas con la habitual sensibilidad melódica, el tacto instrumental y el poso alargado que deja su imprenta. Tenues notas que se alargan hasta los 8 o 10 minutos, y que tan solo son alteradas por pequeñas variaciones en la pauta rítmica fijada por Arvo Pärt, Philip Glass o Brian Eno. Música de cambra y posminimalismo encajan a la hora de definir este sonido tan evocador como regenerador, capaz de llevarte hasta sueños abstractos de regusto dulce, como transportarte a estados de ánimo añorados o paisajes físicos de una belleza imborrable. La música de Richter invita a dejarse mecer por su calidez y armonía, y durante el transcurso uno se deja llevar con el corazón en un puño, como esos primeros amagos que anuncian la llegada de un sentimiento puro y profundo, esas mariposas revoloteando en el estómago. Aunque suene a cliché, poca música actual es capaz de lanzarte encima un cubo de emociones tan intensas. Una delicia para los oídos.

Tema clave: “Path 5 (Delta)”

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Chvrches – Every Open Eye

Chvrches - Every Open Eye

El trío escocés saltó a la palestra del pop con un luminoso debut, The Bones of What You Believe. Rotunda ópera prima encuadrada en el synth-pop más contagioso, y agitado por la espuma del hype repentino que propicia la era de Internet, con la que se les abrieron las puertas en par en par – de festivales, invitaciones de todos los medios especializados, y como consecuencia, un masa de fieles que ha aumentado considerablemente. Dos años después los escoceses regresan con su sophomore, un Every Open Eye que llegará a las cubetas el 25 de este mes.

Línea muy pareja al primer esfuerzo es la trazada en este trabajo que recupera ese pop de herencia ochentera de contagio tan rabioso, brillante e incluso, a veces demasiado dulzón. Pero Chvrches siguen fieles a esa fórmula que tan buenos resultados les ha reportado hasta la fecha. Líneas de sintetizador que se enganchan a la corteza cerebral con superglue, estribillos eufóricos, y la voz caramelizada y mecedora de Lauren Mayberry. En ese sentido, su brújula apunta a la pista de baile, a los saltos apasionados en las primeras filas de los conciertos. Un trabajo que sigue rebosando esa energía desbordante propia de las edades de los implicados, y que sin demasiada pretensión, logran cuajar en uno de esos discos necesarios para ahogar las penas de un verano menos, o para prepararse ante otro invierno. No hay hits incuestionables como en su primer trabajo, pero en líneas generales la maquinaria de singles pegadizos de esta banda deudora del sonido de Cindy Lauper y otras bandas de sintetizadores made in los 80’s sigue funcionando a la perfección.

Tema clave: “Keep you on my side”

7

Keith Richards – Crosseyed Heart

Keith Richards - Crosseyed Heart

Leyenda viva, irremplazable pieza del sonido rotor de una de las bandas más legendarias de todos los tiempos, el guitarrista Keith Richards ha aprovechado los cada vez más largos intervalos entre giras, promociones y  publicaciones de discos de su banda insignia para publicar material en solitario. Un Crosseyed Heart que llega 23 años después del último disco en solitario, y 11 años (Dios) después del último trabajo de su banda, A Bigger Bang. Un trabajo en el que canaliza todo el espectro musical que lo ha marcado como músico, y que a la vez es parte fundamental del sonido genuino de los Stones.

Crosseyed Heart se despliega como el tributo del genio canalla a la música que ha mamado desde la pubertad. Barrenas llenas de blues, sorbos reposados de folk, algunos combinados de country y rock…del añejo, conforman el muestrario del Stone. En su tarea, lejos del virtuosismo guitarrero, se pliega a un mayor control vocal, mediante una voz que como los buenos caldos vinícolas gana con los años. En su halitosis ahora uno palpa el aliento de Tom Waits, incluso de Lou Reed, pero también de los héroes originarios que tanto le han inspirado, Muddy Waters o John Lee Hooker por ejemplo. Un blues primitivo que marca la batuta estilística en un disco que no se esconde ante el cruce con otros estilos, aunque su divergencia no altera el sonido clásico, el que emiten los tugurios de los que uno sale con las camisa emitiendo hedor a cerveza barata, whisky, tabaco negro y marihuana. Condimentos ska en “Love Overdue”, de soul clásico a lo Otis Redding en “Lover’s Plea” o en “Illusions”, donde deja en Norah Jones la responsabilidad del contrapunto vocal. En definitiva Crosseyed Heart es una gran noticia para los fieles de la banda inglesa, y para los acólitos del blues y los sonidos de las tierras del algodón ensangrentado, el que llevan los Stones en su ADN. El principal responsable de esa huella modela aquí un laborioso trabajo que parece haberse gestado en los tiempos muertos de una borrachera en un bar de Savannah, pero en el que afloran más detalles de los que presume. Un brebaje potente, genuino, atmosférico y con personalidad, al que agarrarse con fuerza ante la falta de nuevo material de los Stones.

Tema clave: “Heartstopper”

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Lana del Rey – Honeymoon

Lana del rey honeymoon

Admirada y denostada a partes iguales, la norteamericana sigue con pulso firme su carrera como diva indie mainstream convertida de la noche a la mañana gracias al impulso meteórico de Internet. En su última cometida, su tercer disco de estudio en apenas tres años de vida, Lizzy Grant acalla las bocas a aquellos que pronosticamos que la chica quedaría secuestrada y mecanizada por la industria, moldeada en una muñeca pop sin personalidad, y confirma lo ya plasmado en su Ultraviolence, y que brotaba de forma intermitente en Born to die. Un Honeymoon que deja en un buen recaudo el especial talento de la artista neoyorquina y que la blinda ante los augurios más temidos de los artistas que alcanzan las cotas de popularidad alcanzadas por ella en un tiempo tan récord.

Un Honeymoon que brinda de nuevo el pop impregnado de una nostalgia preconfigurada que ha venido marcando el estilo de la cantante. Aquí la sombra más ennegrecida, y recrudecida si cabe, que en Ultraviolence. La voz de Lizzy Grant, así como su belleza, sigue remitiendo a la de otra época, al de las grandes estrellas de Hollywood clásico, lugar en el que se ha asentado principalmente. Una imprenta pretérita, a cine noir, a estrella de la vieja escuela que se extiende por todo el disco, y que encuentra su demostración perfecta en “Salvatore”. Sin embargo, lo más elogiable, es que Lana haya dado el paso de pulir su sonido, desviando esa producción pomposa, de beats masticados que le aportaban una modernidad impostada, para desnutrir la producción de florituras y dejar que emane de las canciones una esencia mucho más natural, más realizada, que permite gozar de su voz en mejores condiciones instrumentales, y que la conecta con otras grandes voces pretéritas, Nancy Sinatra fluye por ahí, incluso se atreve con inusitada gracia con un cover del “Don’t let me be misunderstood” de The Animals. Un sonido más compacto, más coherente, que fluye por los cortes, y que se desenvuelve en sus notas más inspiradas en “Terrence loves you” y “High by the beach”. Se le puede recriminar aún algún aspecto naif en su prosa, el estar algo estancada en las temáticas que despliega en sus letras – parece que le cuesta salirse de las cartas de amor y los relatos de su dorada california, nueva tierra de acogida – pero este trabajo borra cualquier duda sobre la autenticidad de su propuesta, dignificándola aún más que en su anterior trabajo, y desvelando un talento que vino para quedarse una temporada pese a que muchos les pueda irritar su arrastre vocal afectado o toda la imagen estética con la que da forma al personaje.

Tema clave: “Terrence Loves You”

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Lozk – Meaningless Words

Lozk Meaningless words

Latinoamérica es un campo de cultivo artístico que ahora mismo reporta una cuantiosa y gustativa cosecha en diferentes disciplinas artísticas. Por ejemplo desde tierras colombianas llega Lozk, el proyecto musical-audiovisual de Leonardo Suárez Jiménez, con el que se presenta en sociedad con Meaningless Words, un primer LP donde esparce su electrónica oscurecida, y cuya salida está programada para el próximo 10 de octubre.

El modus operandi de este músico y productor responde al enregistramiento de samplers del sonido de los objetos del hogar, de la calle, de animales o instrumentos o de lo que se precie para ser entrecruzado y mezclado en un tapiz que rememora el sonido de la electrónica experimental y el rock post-industrial (con un ligero condimento a World Music) en la línea de NIN, Amo Tobin, pero también de un Panda Bear o incluso de un Arca, quien capitanea los sonidos más eléctricos y sugerentes de la América latina que despierta del letargo. Pese a la inconsistencia de los temas que formulan el disco, y algún fallido tema – especialmente cuando pretende dar acogida a un componente vocal que borra el rastro  del contenido atmosférico e inquietante de su música-, Lozk logra completar un digno primer trabajo que no lo sitúa en ninguna línea de salida, pero que denota esa pujanza que vive la electrónica y la música más conectada con nuestros tiempos en esos lares.

Tema clave:  “Han Sow”

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