Con 2011 apurando ya las últimas bocanadas de aire, serán pocos los que lamentarán su despedida definitiva. La tormenta incesante con la que nos ha golpeado la crisis ha alcanzado este año cotas dramáticas, y a diferencia desde que empezara la crisis, se ha dejado notar directamente en nuestros bolsillos, o en los de las personas de nuestro alrededor. Quizás lo peor es que la situación tiene visos de permanecer inalterable durante 2012. Pero ya sabéis que con la llegada de un nuevo año, se renuevan las esperanzas, y eso, siempre es positivo.

Del 2011 quedarán muchas sombras y pocas luces. La convulsión en las bolsas nos ha mantenido en una inquietud constante, generalizada, y potenciada por las crueles y violentas imágenes indisociables a una humanidad hambrienta de codicia, poder y dinero. Para algunos sectores de la sociedad la actual crisis de valores en que vivimos ha tocado techo, y han decidido arrojar su descontento a las calles. Un descontento que ha derivado en violentas revueltas en el norte de África con diferente resultado, y que en Europa, Estados Unidos, y ahora Rusia, han tenido un signo distinto, debido en parte, a la raíz del descontento. Sea como sea, la “austecracia” que nos pretenden implantar el eje Merkel-Sarkozy no dibuja un panorama demasiado favorecedor para los próximos años, pero como siempre, y pese ser la primera damnificada, la cultura se mantendrá como el reducto en que refugiarse.

Y precisamente en ella hay que encontrar las luces más brillantes con las que acompañar la memoria de este 2011. Centrándonos en lo que aquí nos atañe, la cosecha cinematográfica ha dispuesto unos frutos exquisitos siguiendo con la línea ascendente empezada el año pasado. El peso imponente de grandes directores ha marcado el desarrollo del año, junto a las habituales revelaciones de jóvenes talentos abriéndose paso con un desparpajo envidiable.

Como ya es tradición en esta casa… un repaso a las diez mejores películas del año (sujetas a algún posible cambio en los días que faltan para terminar el año, ¿Le Harve?)

10- Submarine (GB)

Director: Richard Ayoade

Un rostro conocido con nombre desconocido fue el encargado de traernos la comedia indie del año. Richard Ayoade se le conoce por formar el tándem protagonista de la serie IT Crowd, pero gracias a Submarine su nombre empezará a circular entre bastidores por sus virtudes detrás de las cámaras. Su debut en el cine supone una refrescante, hilarante y original comedia sobre las encrucijadas emocionales que atañen a un adolescente atípico que ve como el matrimonio de sus padres se fractura. Con una paleta de referencias evidentes, que van desde Wes Anderson a Truffaut, pasando por Woody Allen, Ayoade construye una bella y fantástica historia plagada de fantasías visuales, actuaciones noveles sorprendentes y con una banda sonora de Alex Turner como guinda a un caramelo imaginativo desbordante e irresistible que esperemos que las distribuidoras españolas se decidan a traer aquí algún día.

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9. Somewhere (USA)

Director: Sofia Coppola

Una de las películas más vilipendiada de Sofia Coppola supuso para quien escribe uno de los platos más estimulantes de la temporada. Somewhere no es una obra fácil de digerir, si no se entra en el ralentí intencionado que propone Coppola es poco probable que el espectador sintonice con los estados de ánimos y los conflictos internos de esta estrella de Hollywood perdida y hastiada en el mayor de los lujos y los confortes. Lo que Somewhere proponía era una acertada mirada a la cara oculta del estrellato, a las resacas amargas de champán y fiestas de alto standing. Y lo hacían con un estilo visual sobrio e inteligente, con unos actores fabulosos (tanto Stephen Dorff como Ellen Fanning) y demostraba el paso firme hacía la madurez dado por una cineasta que sigue ahondando en su principal tema de preocupación: la soledad.

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8. 13 Asesinos (Japón)

Director: Takashi Miike

Takashi Miike refrescó las carteleras del verano a través de un festín de samuráis, sangre y honor que hubiera dejado satisfecho al propio Kurosawa. El director de The Audition dejaba de lado su vertiente más sádica y enfermiza, y se enfundaba una vestimenta clásica para contar esta historia encarnizada de 13 samuráis dispuestos a devolver el equilibrio y la paz en el Japón feudal. La película será recordada por años gracias a la apoteósica batalla final que deja al espectador sin aliento durante 40 minutos. Miike hace una demostración de ritmo frenético, puesta en escena precisa y acción trepidante sin cuartel. Uno de los grandes espectáculos del año.

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7. Meek’s Cutoff (USA)

Dir: Kelly Reichardt

Kelly Reichardt volvió a demostrar ser una de las directoras independientes norteamericanas de mayor interés con este anti-western inédito en España. Como una especie de road movie psicológica, Meek’s Cutoff nos transportaba a la travesía de caravanas que en el lejano oeste cruzaban el continente americano en busca de fortuna. Reichardt construye un universo magnético, desolado y hasta cierto punto, aterrador. Equipada con su caracteriza puesta en escena minimalista, la directora de Wendy & Lucy lanza al espectador hacía la sequedad y desesperación que envuelve a los personajes que transitan en esta angustioso via crucis que describe la película. Michelle Williams y Bruce Greenwood protagoniza una cinta atípica, moldeada por una autora que sobrevive en los márgenes de los circuitos, y el resultado deja una aureola de misterio e inquietud difícil de borrar.

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6. Valor de ley (USA)

Director: Hermanos Coen

Otro western que se cuela en la lista de lo mejor del año. Los hermanos Coen empiezan a mal acostumbrar a sus seguidores a ritmo de película por año, y a diferencia de Soderberg o Allen, las suyas no dan lugar a ningún atisbo de duda o reproche. Es el caso de Valor de ley. Facturada con un temple clásico pero a la vez renovador, la historia de venganza de esta inolvidable chica (interpretada por Hailee Steinfeld) y ayudada por ese entrañable viejo Marshall (un magnífico Jeff Bridges) penetraba con igual intensidad por la epidermis, que por la vista y las neuronas. Un remake que superaba el antecedente original (la película de Henry Hathaway protagonizada por John Wayne) y que ponía sobre la mesa dos temas: el western no es un género enterrado, y los hermanos Coen puede tocar muchos palos y salir siempre con la cabeza bien erguida.

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5. Inside Job (USA)

Director: Charles Ferguson

El documental de Charles Ferguson cayó como una pesada losa en la conciencia justo en el momento más oportuno, cuando las consecuencias directas del crash del 2008 empezaban a agrietar los núcleos de las sociedades occidentales. En este marco Ferguson destapó, con una claridad expositiva remarcable, toda la mierda financiera abonada a beneficio de las altas esferas del poder. Inside job cuenta la historia que nos ha llevado a la delicada situación en que vivimos, se recrea en la poca dignidad y miseria de quienes lo han provocado y detrás de todo queda claro que la crisis actual es de fondo una crisis de valores. Era una historia sabida, pero ahí donde saca petróleo la pluma afilada de su director es en trampear a los culpables y arrinconarles en sus propias mentiras para dejarlos en evidencia. También ayudó a destapar cómo el descrédito y la deshonradez no solo incumbe a banqueros y políticos, sino que el ámbito académico también quedaba salpicado. Inside job no entra en esta lista por sus valores cinematográficos, incluso tampoco Ferguson se convierte en el paradigma de voz objetiva que los periodistas ortodoxos buscan de forma ensimismada en todo documental, pero sí que es un tremendo y valioso documento que ayudó a esparcir la indignación y el descontento en un momento oportuno y adecuado. Sin duda, una de las obras que han marcado el año.

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4. Mildred Pierce (USA)

Director: Todd Haynes

Si esta lista se basará en criterios puramente estrictos, Mildred Pierce nunca podría haberse encaramado al puesto número 4 de las mejores películas del año. Pero es de justicia acercarla al podio dado que su ADN es de ascendencia tan cinematográfica que toda ella es como un melodrama clásico dividido en cinco partes. Y lo es porque su director Todd Haynes (Velvet Goldmine) se erige por derecho propio en el heredo mayúsculo y respetuoso de Douglas Sirk, lo es porque la produce y emite HBO, y todos los amantes de esta televisión por cable sabemos cuánto cinematográficas lucen sus producciones, y lo es porque se nutre de actores de primer orden (Guy Pearce, Melissa Leo, Evan Rachel Wood), y especialmente por esta heroína protagonista que debe lidiar con la gran depresión, sus negocios, sus amores y la tormentosa relación que mantiene con la arpía de su hija. Todo el peso dramático bajo los hombros de una Kate Winslet que ofrece una de las interpretaciones más magistrales de su carrera, y que si el Kodak Theater fuera un tribunal de justicia le daría el oscar antes que a la cansina Meryl Streep. Este melodrama de origen televisivo pero ínfula cinematográfica ha supuesto una de las cotas audiovisuales del año.

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3. Drive (USA)

Director: Nicolas Winding Refn

Algunos interpretarán Drive como un mero vehículo de lucimiento para su director y para su protagonista, Ryan Golsing. Nada más lejos de la realidad. El director danés inserta estilo y emoción a un bólido imparable pilotado por un Ryan Golsing en estado de gracia; enfundado en una cazadora, palillo en boca, martillo en mano, y parco en palabras para dibuja al héroe del asfalto postmoderno, como una especie de versión americana del magnético Jef Costello en El Silencio de un hombre. Refn se empapa de estética ochentera para golpear al espectador con una intensa historia de persecuciones, amor y acción como las armas más vistosas de un estilizado noir. Drive trasciende su propio visionado gracias al contundente metraje arrojado, cuyas muestras más visibles se concretan en secuencias ejecutadas de forma apabullante, con una banda sonora de Cliff Martinez que se derrite en el oído, y con unas actuaciones que esparcen mágia y fascinación a su paso. Todas estas piezas, ajustadas con precisión por el mecánico que se ocupa de esta cinta, sirven para presentar un deportivo contundente, incontestable y que te mantiene agarrado con fuerza pese haberte dejado tirado en el asfalto hace semanas. Una buena dosis de violencia, persecuciones y belleza magnética con el que fugarse este final de temporada, y un conductor que permanecerá en nuestras retinas durante unos cuantos viajes.

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2. El topo (GB)

Director: Thomas Alfredson

Al igual que Drive llega en el último suspiro pero se instala de inmediato en lo más alto del podio. Tan solo dos años después de presentar Déjame Entrar, el sueco Thomas Alfredson vuelve a entrar en la lista de las mejores películas, esta vez de la mano de El Topo. Adaptación de la novela homónima de John le Carré, el filme de Anderson es un despliegue de cine en estado puro donde contenido y continente se estrujan la mano hasta sacar virutas de oro que permanecen brillantes durante todo el tenso trayecto. En la línea de filmes de espías clásicos de los 70′s, la película de Alfredson se recrea en el aroma retro, se apuntala mediante un estilo sobrio, solemne y lúcido, y se presta a la reverencia gracias a una banda sonora compuesta por Alberto Iglesias, y a un elenco actoral de los que quitarán resfriados de cuajo. Gary Oldman, Colin Firth, Tom Hardy, John Hurt, Toby Jones y todos ellos ponen clase a esta portentosa obra de espías cuyo esplendor se mantiene alargado, atemporal, y cuya mera existencia estimula el recuerdo al aroma del mejor cine clásico.

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1. El árbol de la vida (USA)

Director: Terrence Malick

Si alguna película ha provocado este año mayor número de abandonos en la sala de cine, esa es El árbol de la vida. Pero a la vez el retorno del esquivo Terrence Malick ha significado para tantos muchos otros la mayor experiencia fílmica del año, y utilizo el término experiencia, porque eso es precisamente lo que más se acerca a definir la sinfonía existencial que compone este genio cineasta. La obra más arriesgada y personal de Malick navegaba sobre las grandes cuestiones que la Humanidad lleva arrastrando per se. Todo esto lo desplegó mediante tres fragmentos: la creación del cosmos, las complicadas relaciones de una familia del medio-oeste norteamericano en los años 50, y un tercer tramo focalizado en el mundo contemporáneo y la búsqueda del perdón y el descubrimiento. Tejido con la maestría formal que solo él y muy pocos pueden alardear (hay un cúmulo de secuencias dignas de quedar permanentes en los museos) Malick propuso una experiencia sensorial más que una obra narrativa, y con todo un torrente de elementos a su favor arrastró al espectador hacía unos estados de ánimo indescriptibles, que no se recogían en una sala de cine, en esa dimensionalidad y profundidad, desde Kubrick y su 2001, una odisea en el espacio. No es una película perfecta, y seguro que sigue sentando discordia ahí donde se nombre, pero 2011 ya queda para el recuerdo de quien escribe como el año en que el maestro arrojó luz celestial en las plateas de los cines e hizo levitar a muchos de sus asientos.

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Menciones especiales: Nader y Simin, una separación; No habrá paz para los malvados; Las aventuras de Tintín; El cisne negro

El festival de Sitges sigue con su discurrir sin descanso, su descomunal oferta de títulos, su trasiego, sus idas y venidas desde el centro del pueblo al hotel Melià y su, en general, muy aceptable nivel.

Es de justicia destacar, una vez más, cómo, al contrario de lo que muchos puedan pensar, el cine fantástico supone un termómetro muy preciso de la realidad de cada época, y agradecer que el comité de selección, atento a esta realidad, nos haya obsequiado con una serie de cintas que, de una manera u otra, conectan con la situación social y económica de nuestros días.

Así, vemos que un gran número de las cintas presentadas a concurso o en algunas de las secciones paralelas, tratan temas como el fin del mundo, historias post-apocalípticas, mundos distópicos que parecen una evolución de los tiempos que corren, o retratos cargados de nihilismo. Es difícil no relacionar estas temáticas con el momento actual en el que el mundo se tambalea, parece que tiende a desaparecer tal y como lo conocíamos hasta ahora (desde una perspectiva occidental), y nos presenta un futuro absolutamente desolador. En este sentido, no deja de ser remarcable que las películas que más han aterrado a quien esto escribe, sean aquellas que se ciñen más a situaciones reales y que flirtean con lo que está por venir o lo que podría suceder, como son Contagio de Soderbergh, Bellflower de Evan Glodell, Carré Blanc de Jean-Baptiste Léonetti, e incluso Melancholia de Lars von Trier.

Lunes 10 de octubre

El lunes abrió el festival uno de los platos fuertes a competición. The Yellow sea, del coreano Na Hong-jin, ofrece una adrenalítica historia de acción, plagada de tremendas persecuciones, golpes contundentes, y un trasfondo social sobre las desigualdades en la zona asiática. El último artefacto del director de The Chaser presenta puntos en común con el genial thriller que lo dio a conocer en 2008, potenciando aún más los puntos fuertes que marcan esta frenética caza hacía su protagonista. Sin duda, huele a premio.

A ésta le siguió el incasable Takashi Miike, quien presentaba otra incursión al género de los samuráis. Tras la espectacular 13 asesinos, Miike repite terreno en Hara Kiri: Death of a Samurai, pero esta vez con un temple calmado, en momentos poético, y con un ritmo excesivamente pausado. Hace uso de la tecnología del 3D, pese a que para el público casi pase desapercibido.

Sin respiro, como sucede cada día de festival, nos disponíamos a ver Bellflower, una película independiente americana de la que se tenían pocas referencias y que se reveló como una de las primeras sorpresas del festival.

En algún barrio marginal de una ciudad Californiana, viven dos amigos, perfil white trash, que pareciera que gastan sus días bebiendo y disparando a ratas en un vertedero, pero que en el caso que nos ocupa, lo pasan bebiendo y fabricándose un lanzallamas, para, en caso de hecatombe mundial, poder dominar el mundo.

Bajo el envoltorio de película romántica Indie de los bajos fondos, su director nos ofrece una contundente radiografía de una parte de la sociedad americana, desengañada, sumida en un profundo nihilismo, con la violencia como única respuesta a sus problemas. Una radiografía que nos alerta que tipos como estos campan por las calles de sus ciudades, que son capaces de gastar los días bebiendo y disparando a bidones de gasolina, que tienen como referentes morales a personajes de cine de serie b, y que, una vez finalizada la película, dejan a uno la sensación de que, en cualquier momento, cuando las cosas vayan a peor, entrarán con su arsenal en cualquier instituto americano y vaciaran su cargadores y sus disparatados lanzallamas a todo aquel que se cruce en su camino.

Tras Bellflower, otra película de fuerte carga social. Trabalhar cansa, de los brasileños Juliana Rojas y Marco Dutra, ofrece una lectura directa, sin rodeos, de la crisis actual, de la precariedad laboral, del desasosiego. Lo hace en un claro formato de cine social, pero aportando unas dosis de cine de terror que refuerza el mensaje y le aporta un aire diferente.

Y el día terminó, después de un buen número de buenas películas, con una tontería a medio camino entre la Saga Crepúsculo y cualquier película ñoña con Lindsay Lohan de protagonista. The Moth Diaries es un despropósito llevado a cabo por Mary Harron, directora de American Psycho.

Martes 11

Y llegó el martes. Primer día grande en Sitges, y esperado por todos. Lars Von Trier nos saludaba a todos desde la pantalla, en un video doblado en catalán, y nos invitaba a disfrutar de su película. Y así lo hicimos. Melancholia nos devuelve al mejor Trier, después de la denostada aunque estimable Anticristo. La película dividida en dos partes, nos cuenta cómo afrontan dos hermanas el posible fin del mundo. Y lo hace con su estilo habitual en una película sincera, magníficamente interpretada por Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg, y que nos muestra a un Von Trier más comprensivo con el ser humano, aunque igual de contundente en su impacto emocional que sus mejores obras.

Tras Von Trier, otro grande se asomaba a Sitges: Francis Ford Coppola. Al hablar de Coppola, uno debería ponerse en pie y agradecer a este señor las monumentales películas que ha legado a la historia del cine. Tal es así, que uno le perdonaría 1000 malas películas. El problema es que Coppola ha concentrado las 1000 malas películas en una, y ha perpetrado uno de los bodrios más sonrojantes que el firmante recuerda. Una película, que aunque uno quisiera, no sería capaz de defender bajo ningún prisma. Solo uno: Coppola ha querido quedarse con el público. Pero lo ha hecho en una broma de pésimo mal gusto llamada Twixt.

Atípico fin de semana cinematográfico el que hoy da inicio. Tanto por la poca presencia de películas nuevas como por la calidad que atesoran, al menos, dos de ellos (más si tenemos en cuenta la época estival que nos rodea). Empezamos por el que a todas luces es nuestra primera opción de este fin de semana para acercarnos a un cine. Como ya redacté aquí, 13 asesinos es un formidable cocktail de acción, aventuras y cine de samuráis en la que Takashi Miike ha sabido combinar elementos clásicos (Kurosawa en mente) con un estilo postmoderno. El resultado se multiplica en la brutal batalla que se prolonga durante los 45 minutos finales, la cual, resulta imprescindible de apreciar en pantalla grande. El problema al que nos abocamos es que tan sólo cuatro salas exhiben la película (Verdi y Golem en Madrid, Verdi en Barcelona y los Aragonia en Zaragoza).

Si no os encontráis en las ciudades elegidas, pero os va el humor de la factoría Apatow, se os presenta la divertida (a veces tronchante) La boda de mi mejor amiga. Dirigida por Paul Feig sigue los alocados preparativos a los que debe hacer frente una dama de honor en horas bajas (Kristen Wiig) para preparar una boda de ensueño a su mejor amiga Liliam (Maya Rudolph). El verdadero conflicto nacerá en el momento que irrumpa la nueva amiga de Liliam (Rose Byrne), y entre ellas se enfrenten para ver quién destaca por encima de la otra. La boda de mi mejor amiga asegura con lotes de risa prolongados. Su único resquicio criticable es presenciar cómo la tendencia de mofarse de las cansinas comedias románticas para mujeres que practica durante buena parte del metraje se termina enquistando a su contra con un final cursilero.

Poco podemos decir de la llegada de Zooloco sin que nos caiga un aviso judicial. La película, cuyo horror recae en Frank Coraci, sólo muestra un signo positivo: la siempre agradable presencia de Rosario Dawson. Si queréis saber más leer aquí su argumento y aplicaros de inmediato unas gotas de colirio.

Por último respiramos más tranquilos (tampoco en exceso, no os creais) con el drama argentino La mirada invisible. Ambientada en el Bueno Aires de 1982, la mirada invisible a la que alude su título hace referencia a la oscura perversión de una profesora de enseñanza que se esconde en los baños para observar a sus alumnos. La responsabilidad recae en el director Diego Lerman.

A razón de dos, tres películas por año, el japonés Takashi Miike se ha ganado una legión de fans y una etiqueta de cineasta irregular inevitable. El 12 de agosto, de la mano de Avalon, nos llega uno de los últimos vehículos en los que despliega su característico estilo.

13 asesinos es el remake del filme homónimo que Eichi Kudo filmó en 1963. En él se cuenta como el Japón feudal ve amenazada su época de paz con el ascenso del sanguinario Lord Naritsugu. El consejero Sir Doi, afligido por una de las masacres practicadas por el sádico Naritsugu, decide contractar en secreto al samurai Shinzaemon Shimada para que termine con el malvado y se instaure de nuevo la paz.

A partir de esta premisa el filme se desarrolla en una esquema clásico repetido hasta la saciedad en el cine, que sin embargo Miike sabe reconvertir en algo fresco mediante un transcurso narrativo eficaz y laborioso. Con una introducción en la que se nos presenta al héroe y su conflicto/villano, un desarrollo en el que asistimos a la reclutación y preparación de los 13 samuráis que deberán hacer frente al cruel Naritsugu, para terminar, finalmente, con una batalla apoteósica y épica como muy pocas veces hemos podido presenciar delante de una pantalla.

Un esqueleto narrativo que aparenta de inmediato al filme con los Siete samuráis de Kurosawa, pero también con Los doce en el patíbulo de Robert Aldrich. Sin embargo, una de las virtudes a reconocerle a su director es su capacidad para aportar con garra ínfulas modernas dentro de un esquema clásico.

Un acierto que consigue mantener al relato, pese a su previsible desarrollo, en unas constantes movedizas de acción frenética y aventuras desbordantes. Bajo su piel formal impecable, Miike aborda los recurrentes temas de las historias de samuráis: fraternidad, honor, lealtad y justicia.

En 13 asesinos encontramos a su director más comedido de lo habitual con el factor hemoglobina. Pese a que hay sangre a raudales, el director de Audition relega su sadismo marca de la casa para justificar la maldad de Naritsugu, sobre todo en las secuencias iniciales donde bordea incluso formas reconocibles del terror japonés.

Pero por lo que pasará al recuerdo esta película es por su impagable batalla final. En una magistral demostración de puesta en escena, Miike desborda la platea con una de las batallas más largas y épicas que se recuerdan. Alarde de técnica, realización, montaje y puesta en escena que retienen al espectador, dejándole sin aliento, durante sus 45 minutos de duración. Un final que haría replantearse al mismo Tarantino su batalla de los 88 locos en Kill Bill v2. 13 asesinos es el filme que justifica todas las películas malas que pueda sacar su director en un año. Y lo verdaderamente pasmoso, es comprobar cómo alguien es capaz de terminar una película de esta envergadura en menos de un año.

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A dos semanas del inicio de la 43º edición del Festival Internacional de Sitges vamos conociendo ya el grosor de su cartel. El festival de terror y fantástico con más proyección ha revelado buena parte de las películas que entrarán a competición y otras destacables obras que complementará las otras secciones, pero seguro que en días venideros y durante el festival cae alguna sorpresa más. Como apreciaréis por su cartel, la edición de este año homenajea el 30º aniversario de El Resplandor, del maestro Kubrick.  

Entre los grandes nombres de este año, destacan la presencia del veterano John Carpenter, que viene a presentar The Ward, siendo el pase en el festival su premiere europea. La nueva película del director de Asalto a la comisaría número 13 es un thriller sobrenatural ambientado en un manicomio, y cuenta con la presencia de la nueva musa del fantástico Amber Head.

Otra premiere europea será Vainishing on 7th street, la última película del realizador Brad Andersson. En esta ocasión el director de El maquinista orquesta una mezcla de terror y misterio donde unos extraños apagones hacen desparecer misteriosamente a los habitantes de las poblaciones que los sufren. En el papel principal Hayden Christensen.

Otro que se mantiene puntual con el festival catalán es Takashi Miike, que hogaño regresa con Thirteen Assasins; una película de samuráis filmada con pulso clásico que competirá en la sección oficial.

También dentro de esta sección se encuentra The Last Exorcism, de la cual ya nos hicimos eco en este site mediante su espectacular viral. La película de producción norteamericana, explica el caso de un exorcismo desde los parámetros del falso documental y la cámara al hombro. Daniel Stamm ha filmado una de las revelaciones de la temporada.

Sitges supondrá una oportunidad para ver el nuevo trabajo de Takeshi Kitano. El realizador japonés regresa con Outrages al cine de yakuzas, y desde aquí deseamos que recupere el temple perdido con su período de auto contemplación.

Otros filmes destacables a competición serán A woman, a gun and a noodle shop del director chino Zhang Yimou o Kaboom, la última película del singular Gregg Araki.

Fuera de competición destaca Carne de neón de Paco Cabezas, con un estilo estrechamente inspirado en el de Quentin Tarantino y Guy Ritchie. El remake yanqui de Déjame entrar, Let me in, que dirige Matt Reeves, director de Monstruoso. También a considerar Uncle boonmee who can recall his past lives del tailandés Apichatpong Weerasethakul; cinta galardonada con la Palma de oro en el pasado Cannes con esta historia de fantasmas que surge de la mente de este reputado director. Otro que seguro que levanta polvareda es Romain Gavras con su debut en largo: Notre Jour Vindra.

En la sección Noves Visions destacamos la vuelta de Hideo Nakata (The ring) con Chatroom, una historia de terror sobre las nuevas relaciones que abre ante sí el universo Internet.

Hasta aquí algunas de las que considero pueden ser las apuestas más fiables del próximo certamen de la localidad catalana, sin embargo, y cómo suele ocurrir en estas ocasiones, lo mejor es dejarse engullir por el criterio de los programadores, y ir descubriendo pequeñas joyas que pasan desapercibidas para el gran público, por culpa de que son ignoradas por la mayoría de distribuidoras.   

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Poco a poco se va perfilando el cartel del 42ª edición del Festival de Sitges que tendrá lugar en la localidad catalana entre  el 1 y 12 de octubre. La edición de este año rinde homenaje a Alien, con motivo del 30 aniversario del filme de Ridley Scott. Además, este filme de terror servirá de inspiración para toda la imagen del festival (como ya se ve en su cartel).

En esta edición también se homenajeará a Malcom McDowell, otorgándole el Gran Premi Honorific por toda su trayectoria, de la que destaca su papel de Alex DeLarge en La Naranja Mecánica.   

La sección oficial a concurso vuelve a congregar a los representantes más avanzados del género, junto a una que otra, figura internacional de peso. Veamos a continuación que depara la Sección Oficial Fantastico de este año.

Al margen de la esperable REC 2, que tendrá el honor de inaugurar el festival, habrán dos filmes españoles en competición. Por un lado Hierro, del debutante Gabe Ibañez y que cuenta con la hermosa Elena Anaya. La otra producción autóctona es Ingrid de Eduard Cortés.

Cuando hablamos en la entradilla de figuras de peso internacionales, nos referíamos a directores como Gaspar Noé, que viene a presentar su último trabajo, Enter the Void. El Enfant Terrible que provocó que la gente dejará de transitar túneles subterraneos para cruzar una calle, vuelve con un filme que se sumerge en los recovecos de una mente humana para retratar una historia salpicada de sangre y sexo. ¿Alguien dijo escándalo?.

Otro habitual de los festivales internacionales, Brillante Mendoza, pasará por Sitges con Kinatay. Mendoza consiguió el premio al mejor director en el pasado Festival de Cannes con esta historia hiperealista de un secuestro.

En competición veremos a uno de esos directores que el festival ha auspiciado acogiendo sus películas y entregándole premios. El director de Cube regresa con Splice, un filme de ciencia ficción protagonizado por Adrien Brody y Sarah Polley. Vincenzo Natali promete una lúcida mirada sobre el futuro a través de un científico obsesionado con hacer avanzar la raza humana mediante la biogenética.

Otro director de prestigio (Park Chan-wook), sobretodo tras su excelente trilogía de la muerte (Old Boy, Sympathy for Mr. Vengance y Simpathy for Lady Vengance), regresa al festival que lo encumbró, con su inquietante filme de vampiros: Thirst.

También estará en competición Moon de Duncan Jones, uno de los filmes más esperados por los aficionados al género, y muy bien recibido en otros certámenes (mejor película en el festival de cine de Edimburgo).

Otro que no podía faltar (dentro y fuera de competición) es el todoterreno Takashi Miike, que en esta ocasión presenta Yatterman, adaptación del comic homónimo que ha reventado las taquillas en Japón.

Completan los filmes a competición:

Accident (Soi Cheang)

Mr. Nobody

Accident Happens (Andrew Lancaster)

Cold Souls (Sophie Bartes)

TiMER (Jack Schaefer)

The Children ( Tom Shankland)

Les derniers jours du monde (de Arnaud y Jean-Marie Larrieu), Ne te retourne pas

La Horde (Benjamin Rocher y Yannick Dahan)

Dogtooth (Giorgios Lanthimos)

Metropia (Tarik Saleh)

The Countess (Julie Delpy)

Grace (Paul Solet)

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